فخار اليونان القديمة

عندما يُستخرج الطين من الأرض لأول مرة، يكون مليئًا بالصخور والأصداف وغيرها من المواد غير المفيدة التي يجب إزالتها. وللقيام بذلك، يخلط الخزّاف الطين بالماء ويترك الشوائب تترسب في القاع. تُسمى هذه العملية بالترسيب أو الغسل . ويمكن تكرار هذه العملية عدة مرات، وكلما زاد تكرارها، أصبح الطين أكثر نعومة.

يقوم الخزّاف بعد ذلك بعجن الطين ووضعه على دولاب الخزف . وبمجرد وضع الطين على الدولاب، يستطيع الخزّاف تشكيله إلى أيٍّ من الأشكال العديدة الموضحة أدناه، أو أي شكل آخر يرغب فيه. يعود تاريخ صناعة الفخار على الدولاب إلى حوالي 2500  قبل الميلاد. قبل ذلك، كانت تُستخدم طريقة اللفّ لبناء جدران الإناء. صُنعت معظم المزهريات اليونانية على الدولاب، مع أنه كما هو الحال مع إناء الريتون ، وُجدت أيضًا قطع مصنوعة بالقوالب (ما يُسمى بالقطع "البلاستيكية")، وأُضيفت عناصر زخرفية، إما مُشكّلة يدويًا أو باستخدام القوالب، إلى الأواني المصنوعة على الدولاب. صُنعت القطع الأكثر تعقيدًا على أجزاء، ثم جُمعت عندما تصل إلى مرحلة التصلب الجزئي عن طريق وصلها بطبقة رقيقة من الطين، حيث يعود الخزّاف إلى الدولاب لإتمام عملية التشكيل أو التدوير. في بعض الأحيان، كان شاب يساعد في تدوير الدولاب. ^{[ 21 ] [ 22 ]}

بعد صنع الإناء، قام الخزّاف بتلوينه بطبقة رقيقة جدًا من الطين؛ ووُضِع الطلاء على المناطق التي يُراد لها أن تصبح سوداء بعد الحرق، وفقًا للأسلوبين المختلفين، وهما أسلوب الأشكال السوداء وأسلوب الأشكال الحمراء. ^{[ 23 ]} وللزخرفة، استخدم رسامو المزهريات فرشًا ذات سماكات مختلفة، وأدوات دقيقة للنقش، وربما أدوات ذات شعرة واحدة للخطوط البارزة. ^{[ 24 ]}

A series of analytical studies have shown that the striking black gloss with a metallic sheen, so characteristic of Greek pottery, emerged from the colloidal fraction of an illitic clay with very low calcium oxide content. This clay slip was rich in iron oxides and hydroxides, differentiating from that used for the body of the vase in terms of the calcium content, the exact mineral composition and the particle size. The fine clay suspension used for the paint was either produced by using several deflocculating additives to clay (potash, urea, dregs of wine, bone ashes, seaweed ashes, etc.) or by collecting it in situ from illitic clay beds following rain periods. Recent studies have shown that some trace elements in the black glaze (i.e. Zn in particular) can be characteristic of the clay beds used in antiquity. In general, different teams of scholars suggest different approaches concerning the production of the clay slip used in antiquity.^[25][26][27]

Greek pottery, unlike today's pottery, was only fired once, using a very sophisticated process.^[28] The black color effect was achieved by means of changing the amount of oxygen present during firing. This was done in a process known as three-phase firing involving alternating oxidizing –reducing conditions. First, the kiln was heated to around 920–950 °C, with all vents open bringing oxygen into the firing chamber and turning both pot and slip a reddish-brown (oxidising conditions) due to the formation of hematite (Fe₂O₃) in both the paint and the clay body. Then the vent was closed and green wood introduced, creating carbon monoxide which turns the red hematite to black magnetite (Fe₃O₄); at this stage the temperature decreases due to incomplete combustion. In a final reoxidizing phase (at about 800–850 °C) the kiln was opened and oxygen reintroduced causing the unslipped reserved clay to go back to orange-red while the slipped area on the vase that had been sintered/vitrified in the previous phase, could no longer be oxidized and remained black.

While the description of a single firing with three stages may seem economical and efficient, some scholars claim that it is equally possible that each of these stages was confined to separate firings^[29] in which the pottery is subjected to multiple firings, of different atmosphere. In any case, the faithful reproduction of the process involving extensive experimental work that led to the creation of a modern production unit in Athens since 2000,^[30] has shown that the ancient vases may have been subjected to multiple three-stage firings following repainting or as an attempt to correct color failures^[25] The technique which is mostly known as the "iron reduction technique" was decoded with the contribution of scholars, ceramists and scientists from the mid 18th century onwards to the end of the 20th century, i.e. Comte de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns and Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies (1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993). More recent studies by Walton et al. (2009), Walton et al. (2014), Lühl et al. (2014) and Chaviara & Aloupi-Siotis (2016) by using advanced analytical techniques provide detailed information on the process and the raw materials used.^[31]

Vases of the protogeometrical period (c.1050–900 BC) represent the return of craft production after the collapse of the Mycenaean Palace culture and the ensuing Greek Dark Ages. It is one of the few modes of artistic expression besides jewelry in this period since the sculpture, monumental architecture and mural painting of this era are unknown to us. By 1050 BC life in the Greek peninsula seems to have become sufficiently settled to allow a marked improvement in the production of earthenware. The style is confined to the rendering of circles, triangles, wavy lines and arcs, but placed with evident consideration and notable dexterity, probably aided by compasses and multiple brushes.^[34] The site of Lefkandi is one of our most important sources of ceramics from this period where a cache of grave goods has been found giving evidence of a distinctive Euboian protogeometric style which lasted into the early 8th century.^[35]

Geometric art flourished in the 9th and 8th centuries BC. It was characterized by new motifs, breaking with the representation of the Minoan and Mycenaean periods: meanders, triangles and other geometrical decoration (hence the name of the style) as distinct from the predominantly circular figures of the previous style. However, our chronology for this new art form comes from exported wares found in datable contexts overseas.

With the early geometrical style (approximately 900–850 BC) one finds only abstract motifs, in what is called the "Black Dipylon" style, which is characterized by extensive use of black varnish, with the Middle Geometrical (approx. 850–770 BC), figurative decoration makes its appearance: they are initially identical bands of animals such as horses, stags, goats, geese, etc. which alternate with the geometrical bands. In parallel, the decoration becomes complicated and becomes increasingly ornate; the painter feels reluctant to leave empty spaces and fills them with meanders or swastikas. This phase is named horror vacui (fear of the empty) and will not cease until the end of geometrical period.

في منتصف القرن، بدأت تظهر أشكال بشرية، وأشهرها تلك الموجودة على المزهريات التي عُثر عليها في ديبيلون ، إحدى مقابر أثينا . تُظهر شظايا هذه المزهريات الجنائزية الكبيرة في الغالب مواكب عربات أو محاربين أو مشاهد جنائزية: πρόθεσις ( العرض الجنائزي ؛ عرض الجثمان ونعيه) أو ἐκφορά ( الإكفورا ؛ نقل النعش إلى المقبرة). تُصوَّر الأجساد بطريقة هندسية باستثناء العجول، التي تبدو بارزة نوعًا ما. في حالة الجنود، يُغطي درع على شكل ديابولو ، يُسمى "درع ديبيلون" نسبةً إلى رسمه المميز، الجزء المركزي من الجسم. تُصوَّر أرجل وأعناق الخيول وعجلات العربات جنبًا إلى جنب دون منظور. يمكن التعرف على بصمة هذا الرسام، الذي يُطلق عليه هذا الاسم لعدم وجود توقيع، وهو أستاذ ديبيلون ، على العديد من القطع، ولا سيما الجرار الضخمة. ^{[ 37 ]}

في نهاية تلك الفترة، تظهر تمثيلات للأساطير، ربما في اللحظة التي قام فيها هوميروس بتدوين تقاليد دورة طروادة في الإلياذة والأوديسة . ومع ذلك، فإن التفسير هنا يشكل خطراً على المراقب المعاصر: فالمواجهة بين محاربين قد تكون مبارزة هوميرية أو مجرد قتال عادي؛ وقد يمثل القارب الفاشل غرق سفينة أوديسيوس أو أي بحار تعيس الحظ.

وأخيرًا، هناك المدارس المحلية التي ظهرت في اليونان. كان إنتاج المزهريات حكرًا على أثينا إلى حد كبير، ومن الموثق جيدًا أنه كما في الفترة ما قبل الهندسية، في كورنث وبيوتيا وأرغوس وكريت وسيكلاديز ، كان الرسامون والخزافون يكتفون باتباع الأسلوب الأتيكي . ومنذ حوالي القرن الثامن قبل الميلاد، ابتكروا أساليبهم الخاصة، حيث تخصصت أرغوس في المشاهد التصويرية، بينما ظلت كريت ملتزمة بالتجريد الأكثر صرامة. ^{[ 38 ]}

كان الأسلوب الاستشراقي نتاجًا للتفاعل الثقافي في بحر إيجة وشرق البحر الأبيض المتوسط ​​خلال القرنين الثامن والسابع قبل الميلاد. وبفضل الروابط التجارية مع دويلات آسيا الصغرى ، أثرت تحف الشرق في فن تمثيلي ذي طابع مميز وواضح. وصلت إلى اليونان قطع من العاج والفخار والمعادن من إمارات الحثيين الجدد في شمال سوريا وفينيقيا ، وكذلك سلع من أورارتو وفريجيا الأناضولية ، مع ذلك، كان التواصل مع المراكز الثقافية في مصر وآشور محدودًا . تطور هذا الأسلوب الجديد في البداية في كورنث (باسم الكورنثية البدائية) ثم في أثينا بين عامي 725 و625 قبل الميلاد (باسم الأتيكية البدائية). ^{[ 39 ]} 

تميزت هذه الفترة بتنوع مفردات الزخارف ، كأبو الهول ، والعنقاء، والأسود ، وغيرها، بالإضافة إلى مجموعة من الحيوانات غير الأسطورية المرتبة في زخارف بارزة على سطح المزهرية. وفي هذه الزخارف، بدأ الرسامون أيضًا بإضافة زهور اللوتس أو سعف النخيل. أما تصوير البشر فكان نادرًا نسبيًا، وما عُثر عليه منها عبارة عن أشكال ظلية مع بعض التفاصيل المحفورة، وربما يكون هذا أصل الأشكال الظلية المحفورة في فترة الأشكال السوداء. وتتوفر تفاصيل كافية على هذه الأشكال تسمح للباحثين بتمييز أساليب عدد من الفنانين المختلفين. وقد حافظت السمات الهندسية على أسلوب ما قبل الكورنثي الذي احتضن هذه التجارب الاستشراقية، ولكنه تعايش مع أسلوب شبه هندسي محافظ.

صُدِّرت خزفيات كورنث إلى جميع أنحاء اليونان، ووصلت تقنياتها إلى أثينا، مما أدى إلى ظهور أسلوب فني أقل تأثراً بالشرق هناك. خلال هذه الفترة، التي تُعرف باسم ما قبل الأتيكية، ظهرت الزخارف ذات الطابع الشرقي، لكن ملامحها ظلت غير واقعية إلى حد كبير. أظهر الرسامون ميلاً نحو المشاهد النموذجية للعصر الهندسي، مثل مواكب العربات. ومع ذلك، فقد اعتمدوا مبدأ الرسم الخطي بدلاً من الرسم الظلي. في منتصف القرن السابع قبل الميلاد، ظهر أسلوب الأبيض والأسود: أشكال سوداء على خلفية بيضاء، مصحوبة بتلوين متعدد الألوان لتجسيد لون البشرة أو الملابس. كان الطين المستخدم في أثينا أكثر برتقالية من طين كورنث، ولذلك لم يكن مناسباً لتصوير البشرة بسهولة. من بين الرسامين الأتيكيين ذوي الطابع الشرقي: رسام أنالاتوس ، ورسام ميسوجيا، ورسام بوليفيموس .

Crete, and especially the islands of the Cyclades, are characterized by their attraction to the vases known as "plastic", i.e. those whose paunch or collar is moulded in the shape of head of an animal or a man. At Aegina, the most popular form of the plastic vase is the head of the griffin. The Melanesian amphoras, manufactured at Paros, exhibit little knowledge of Corinthian developments. They present a marked taste for the epic composition and a horror vacui, which is expressed in an abundance of swastikas and meanders.

Finally one can identify the last major style of the period, that of Wild Goat Style, allotted traditionally to Rhodes because of an important discovery within the necropolis of Kameiros. In fact, it is widespread over all of Asia Minor, with centers of production at Miletus and Chios. Two forms prevail oenochoes, which copied bronze models, and dishes, with or without feet. The decoration is organized in superimposed registers in which stylized animals, in particular of feral goats (from whence the name) pursue each other in friezes. Many decorative motifs (floral triangles, swastikas, etc.) fill the empty spaces.

Black-figure is the most commonly imagined when one thinks about Greek pottery. It was a popular style in ancient Greece for many years. The black-figure period coincides approximately with the era designated by Winckelmann as the middle to late Archaic, from c.620 to 480 BC. The technique of incising silhouetted figures with enlivening detail which we now call the black-figure method was a Corinthian invention of the 7th century^[40] and spread from there to other city states and regions including Sparta,^[41]Boeotia,^[42]Euboea,^[43] the east Greek islands^[44] and Athens.

يمكن تتبع نسيج الفن الكورنثي، الذي درسه همفري باين ^{[ 45 ]} وداريل أميكس ^{[ 46 ]} باستفاضة ، من خلال المعالجة المتوازية لأشكال الحيوانات والبشر. تبرز زخارف الحيوانات بشكل أكبر على المزهرية، وتُظهر أكبر قدر من التجريب في المرحلة المبكرة من الفن الكورنثي ذي الأشكال السوداء. ومع ازدياد ثقة الفنانين الكورنثيين في تصويرهم للشكل البشري، انخفض حجم زخارف الحيوانات مقارنةً بالمشهد البشري خلال المرحلة المتوسطة إلى المتأخرة. وبحلول منتصف القرن السادس قبل الميلاد، تراجعت جودة الخزف الكورنثي بشكل ملحوظ، لدرجة أن بعض الخزافين الكورنثيين كانوا يُخفون أوانيهم بطبقة حمراء تقليدًا للخزف الأثيني المتفوق.

في أثينا، عثر الباحثون على أقدم الأمثلة المعروفة لرسامي المزهريات الذين يوقعون أعمالهم، وأولها مزهرية ديناصور من صنع سوفيلوس (موضحة أدناه، المتحف البريطاني، حوالي 580 ق.م. )، ولعل هذا يشير إلى طموحهم المتزايد كفنانين في إنتاج الأعمال الضخمة المطلوبة كشواهد قبور، كما هو الحال مع مزهرية فرانسوا لكليتياس . ويعتبر العديد من الباحثين أن أروع الأعمال في هذا الأسلوب تعود إلى إكسيكياس ورسام أماسيس ، اللذين اشتهرا بحسهما المرهف في التكوين والسرد القصصي.

حوالي عام 520 قبل الميلاد ،  تم تطوير تقنية الأشكال الحمراء وتم إدخالها تدريجياً في شكل المزهرية ثنائية اللغة من قبل الرسام أندوكيدس وأولتوس وبسياكس . ^{[ 47 ]} سرعان ما تفوقت الأشكال الحمراء على الأشكال السوداء، ومع ذلك ، في الشكل الفريد للأمفورة البانثانية، استمر استخدام الأشكال السوداء حتى القرن الرابع قبل الميلاد.

كان ابتكار تقنية الرسم بالأرقام الحمراء اختراعًا أثينيًا في أواخر القرن السادس قبل الميلاد. وقد كانت نقيضًا تامًا لتقنية الرسم بالأرقام السوداء التي كانت تعتمد على خلفية حمراء. وقد أتاحت القدرة على تجسيد التفاصيل من خلال الرسم المباشر بدلًا من الحفر إمكانيات تعبيرية جديدة للفنانين، مثل رسم الملامح الجانبية، وتفاصيل تشريحية أدق، وتجسيد المنظور.

The first generation of red-figure painters worked in both red- and black-figure as well as other methods including Six's technique and white-ground; the latter was developed at the same time as red-figure. However, within twenty years, experimentation had given way to specialization as seen in the vases of the Pioneer Group, whose figural work was exclusively in red-figure, though they retained the use of black-figure for some early floral ornamentation. The shared values and goals of The Pioneers such as Euphronios and Euthymides signal that they were something approaching a self-conscious movement, though they left behind no testament other than their own work. John Boardman said of the research on their work that "the reconstruction of their careers, common purpose, even rivalries, can be taken as an archaeological triumph".^[48]

The next generation of late Archaic vase painters (c.500 to 480 BC) brought an increasing naturalism to the style as seen in the gradual change of the profile eye. This phase also sees the specialization of painters into pot and cup painters, with the Berlin and Kleophrades Painters notable in the former category and Douris and Onesimos in the latter.

By the early to high classical era of red-figure painting (c.480–425 BC), a number of distinct schools had evolved. The Mannerists associated with the workshop of Myson and exemplified by the Pan Painter hold to the archaic features of stiff drapery and awkward poses and combine that with exaggerated gestures. By contrast, the school of the Berlin Painter in the form of the Achilles Painter and his peers (who may have been the Berlin Painter's pupils) favoured a naturalistic pose usually of a single figure against a solid black background or of restrained white-ground lekythoi. Polygnotos and the Kleophon Painter can be included in the school of the Niobid Painter, as their work indicates something of the influence of the Parthenon sculptures both in theme (e.g., Polygnotos's centauromachy, Brussels, Musées Royaux A. & Hist., A 134) and in feeling for composition.

Toward the end of the century, the "Rich" style of Attic sculpture as seen in the Nike Balustrade is reflected in contemporary vase painting with an ever-greater attention to incidental detail, such as hair and jewellery. The Meidias Painter is usually most closely identified with this style.

Vase production in Athens stopped around 330–320 BC possibly due to Alexander the Great's control of the city, and had been in slow decline over the 4th century along with the political fortunes of Athens itself. However, vase production continued in the 4th and 3rd centuries in the Greek colonies of southern Italy where five regional styles may be distinguished. These are the Apulian, Lucanian, Sicilian, Campanian and Paestan. Red-figure work flourished there with the distinctive addition of polychromatic painting and in the case of the Black Sea colony of Panticapeum the gilded work of the Kerch Style. Several noteworthy artists' work comes down to us including the Darius Painter and the Underworld Painter, both active in the late 4th century, whose crowded polychromatic scenes often essay a complexity of emotion not attempted by earlier painters. Their work represents a late mannerist phase to the achievement of Greek vase painting.

The white-ground technique was developed at the end of the 6th century BC. Unlike the better-known black-figure and red-figure techniques, its coloration was not achieved through the application and firing of slips but through the use of paints and gilding on a surface of white clay. It allowed for a higher level of polychromy than the other techniques, although the vases end up less visually striking. The technique gained great importance during the 5th and 4th centuries, especially in the form of small lekythoi that became typical grave offerings. Important representatives include its inventor, the Achilles Painter, as well as Psiax, the Pistoxenos Painter, and the Thanatos Painter.

Relief and plastic vases became particularly popular in the 4th century BC and continued being manufactured in the Hellenistic period. They were inspired by the so-called "rich style" developed mainly in Attica after 420 BC. The main features were the multi-figured compositions with use of added colours (pink/reddish, blue, green, gold) and an emphasis on female mythological figures. Theatre and performing constituted yet one more source of inspiration.

Delphi Archaeological Museum has some particularly good examples of this style, including a vase with Aphrodite and Eros. The base is round, cylindrical, and its handle vertical, with bands, covered with black colour. The female figure (Aphrodite) is depicted seated, wearing an himation. Next to her stands a male figure, naked and winged. Both figures wear wreaths made of leaves and their hair preserve traces of golden paint. The features of their faces are stylized. The vase has a white ground and maintains in several parts the traces of bluish, greenish and reddish paint. It dates to the 4th century BC.

في الغرفة نفسها، توجد ليكيثوس صغيرة مزينة بزخارف بلاستيكية، تصور راقصة مجنحة. ترتدي الراقصة غطاء رأس فارسيًا ولباسًا شرقيًا، مما يشير إلى أن الراقصات الشرقيات، وربما العبيد، كنّ رائجات في تلك الفترة. كما أن الراقصة مطلية باللون الأبيض. يبلغ ارتفاع المزهرية 18 سنتيمترًا، ويعود تاريخها إلى القرن الرابع قبل الميلاد.