سينما هوليوود الكلاسيكية

لآلاف السنين، كان المسرح هو المعيار البصري الوحيد لفن سرد القصص . منذ ظهور الأفلام الروائية الأولى في منتصف إلى أواخر تسعينيات القرن التاسع عشر، سعى صناع الأفلام إلى نقل قوة المسرح الحي إلى شاشة السينما. بدأ معظم هؤلاء المخرجين مسيرتهم كمخرجين على خشبة المسرح في أواخر القرن التاسع عشر، وبالمثل، كان لمعظم ممثلي الأفلام جذور في عروض الفودفيل (مثل الأخوين ماركس ^{[ 7 ]} ) أو المسرحيات الميلودرامية. من الناحية البصرية، لم تقتبس الأفلام الروائية المبكرة الكثير من المسرح، ولم تقتبس رواياتها إلا القليل جدًا من عروض الفودفيل والميلودرامية. قبل ظهور الأسلوب البصري الذي سيُعرف لاحقًا باسم "الاستمرارية الكلاسيكية"، كانت المشاهد تُصوَّر بلقطة كاملة، وتُستخدم فيها حركات مسرحية مُصممة بعناية لتصوير الحبكة وعلاقات الشخصيات. كانت تقنيات المونتاج محدودة للغاية، وتقتصر في الغالب على لقطات مقرّبة للكتابة على الأشياء لضمان وضوحها.

Though lacking the reality inherent to the stage, film (unlike the stage) offers the freedom to manipulate apparent time and space, and thus create the illusion of realism – that is temporal linearity and spatial continuity. By the early 1910s, filmmaking was beginning to fulfill its artistic potential. In Sweden and Denmark, this period would later be known as the "Golden Age" of the film; in the United States, this artistic change is attributed to filmmakers like D. W. Griffith finally breaking the grip of the Edison Trust to make films independent of the manufacturing monopoly. Films worldwide began to noticeably adopt visual and narrative elements which would be found in classical Hollywood cinema. 1913 was a particularly fruitful year for the medium, as pioneering directors from several countries produced films such as The Mothering Heart (D. W. Griffith), Ingeborg Holm (Victor Sjöström), and L'enfant de Paris (Léonce Perret) that set new standards for the film as a form of storytelling. It was also the year when Yevgeni Bauer (the first true film artist, according to Georges Sadoul^[8]) started his short, but prolific, career.^[9]

In the world generally and United States specifically, the influence of Griffith on filmmaking was unmatched. Equally influential were his actors in adapting their performances to the new medium. Lillian Gish, the star of film short The Mothering Heart, is particularly noted for her influence on on-screen performance techniques. Griffith's 1915 epic The Birth of a Nation, also starring Gish, was ground-breaking for film as a means of storytelling – a masterpiece of literary narrative with numerous innovative visual techniques.^[10] The film initiated so many advances in United States cinema that it was rendered obsolete within a few years.^[11] Though 1913 was a global landmark for filmmaking, 1917 was primarily a United States one; the era of "classical Hollywood cinema" is distinguished by a narrative and visual style which began to dominate the film medium in America by 1917.^[12]

تطوّر الأسلوب السردي والبصري لهوليوود الكلاسيكية بشكل أكبر بعد الانتقال إلى إنتاج الأفلام الناطقة. وجاءت التغييرات الرئيسية في صناعة السينما الأمريكية من صناعة السينما نفسها، مع ذروة نظام الاستوديوهات . وقد سبق هذا النمط من الإنتاج، بنظام النجومية الذي روجت له عدة استوديوهات رئيسية، ^{[ 13 ]} ظهور الصوت بعدة سنوات. وتألفت استوديوهات "الخمسة الكبار" من: إم جي إم ، ووارنر بروس ، وتوينتيث سينشري فوكس ، وآر كي أو ، وباراماونت . وبحلول منتصف عام 1920، اضطر معظم المخرجين والممثلين الأمريكيين البارزين، الذين عملوا بشكل مستقل منذ أوائل العقد الثاني من القرن العشرين، إلى الانضمام إلى نظام الاستوديوهات الجديد لمواصلة العمل.

بداية عصر الصوت نفسه غير محددة بدقة. فبالنسبة للبعض، بدأ مع فيلمي "مغني الجاز" و "شروق الشمس: أغنية لإنسانين" عام 1927، عندما تم إدخال الصوت المتزامن إلى الأفلام الروائية وزادت أرباح شباك التذاكر. ^{[ 14 ]} بينما يرى آخرون أن هذا العصر بدأ عام 1929، عندما انتهى عصر السينما الصامتة نهائياً. ^{[ 15 ]}

التزمت معظم أفلام هوليوود من أواخر عشرينيات القرن العشرين وحتى ستينياته بنوع سينمائي محدد - كالأفلام الغربية ، والكوميديا ​​التهريجية ، والأفلام الموسيقية، وأفلام الرسوم المتحركة، والأفلام السيرية - وغالبًا ما عملت نفس الفرق الإبداعية على أفلام من إنتاج نفس الاستوديو. فعلى سبيل المثال، عمل سيدريك جيبونز وهيربرت ستوثارت دائمًا في أفلام إم جي إم ؛ وعمل ألفريد نيومان في شركة توينتيث سينشري فوكس لمدة عشرين عامًا؛ وصُنعت جميع أفلام سيسيل بي. ديميل تقريبًا في باراماونت بيكتشرز ؛ ^{[ 16 ]} بينما صُنعت معظم أفلام المخرج هنري كينغ لصالح توينتيث سينشري فوكس. وبالمثل، كان معظم الممثلين يعملون بعقود. ويشير مؤرخو السينما إلى أن الأمر استغرق حوالي عقد من الزمن حتى تتكيف الأفلام مع الصوت وتعود إلى مستوى الجودة الفنية للأفلام الصامتة، وهو ما حدث في أواخر ثلاثينيات القرن العشرين. ^{[ 17 ]}

اتسمت العديد من روائع السينما التي ظهرت في تلك الفترة بنهج إنتاجي دقيق ومنضبط. أحد أسباب ذلك هو أنه مع كثرة الأفلام المنتجة، لم يكن من الضروري أن يحقق كل فيلم نجاحًا باهرًا. فقد كان بإمكان الاستوديوهات أن تغامر بإنتاج فيلم متوسط ​​الميزانية بنص جيد وممثلين غير معروفين نسبيًا. كان هذا هو الحال مع فيلم "المواطن كين" (1941)، من إخراج أورسون ويلز ، والذي يُعتبر من أعظم الأفلام على مر العصور . في المقابل، خاض مخرجون آخرون ذوو إرادة قوية، مثل هوارد هوكس وألفريد هيتشكوك وفرانك كابرا ، معارك مع الاستوديوهات لتحقيق رؤاهم الفنية. ولعل ذروة نظام الاستوديوهات كانت في عام 1939، الذي شهد إصدار روائع سينمائية مثل " ساحر أوز" و" ذهب مع الريح " و" أحدب نوتردام" و" ستيدجكوتش" و " السيد سميث يذهب إلى واشنطن " و "ديستري يمتطي صهوة جواده مجددًا " و" السيد لينكولن الشاب " و" مرتفعات وذرينغ " و" الملائكة فقط لها أجنحة " و" نينوتشكا ". Beau Geste ؛ Babes in Arms ؛ Gunga Din ؛ The Women ؛ Goodbye, Mr. Chips ؛ و The Roaring Twenties . ^{[ 18 ]}

تأثرت حقبة هوليوود الجديدة، الممتدة من الستينيات إلى الثمانينيات، برومانسية العصر الكلاسيكي، حيث سعى صناع الأفلام إلى خوض مخاطر أكبر فأكبر سعياً وراء مصالحهم الخاصة وسط حالة من انعدام الثقة العامة بالسلطة . ^{[ 2 ]} كما تأثرت الموجة الفرنسية الجديدة بها أيضاً، لا سيما فيما يتعلق بمعتقدات شخصيات فنية مثل أندريه بازان بأن الأفلام يجب أن تكون، من الناحية الأخلاقية، مشاريع شخصية لمخرجيها، بحيث يمثل كل فيلم رؤية المخرج الفردية. ^{[ 19 ]} تحتل هوليوود الكلاسيكية مكانة تأسيسية في هوية السينما وتنسيقها اليوم، ولا تزال تؤثر على الأسلوب الذي يختاره صناع الأفلام. ^{[ 20 ]}

أثرت حركة هوليوود على العديد من المخرجين الجدد في سبعينيات القرن العشرين، الذين بنوا على التقاليد الكلاسيكية، وأضافوا إليها أساليب شخصية وتجريبية في صناعة الأفلام. يُعد مارتن سكورسيزي مخرجًا بارزًا استخدم أساليب مونتاج وأنماط شخصيات جديدة. ^{[ 21 ]}

تُعدّ تقنيات المونتاج المتواصل من أبرز سمات السينما الكلاسيكية في هوليوود . ويشمل ذلك قاعدة الـ 180 درجة ، وهي أحد العناصر البصرية المكانية الرئيسية في هذا النوع من المونتاج. تحافظ قاعدة الـ 180 درجة على أسلوب "المسرحية المصورة" من خلال إنشاء محور وهمي بزاوية 180 درجة بين المشاهد واللقطة، مما يسمح للمشاهدين بتحديد موقعهم واتجاه الحركة في المشهد بوضوح. أما قاعدة الـ 30 درجة ، فتنص على أن تكون القطعات في زاوية رؤية المشهد واضحة بما يكفي ليفهم المشاهد الغرض من تغيير المنظور. وتُعرف القطعات التي لا تلتزم بقاعدة الـ 30 درجة باسم " القطعات المفاجئة" ، وهي تُخلّ بالوهم الزمني بين اللقطات. تُعتبر قاعدتا الـ 180 درجة والـ 30 درجة من المبادئ التوجيهية الأساسية في صناعة الأفلام، وقد سبقتا بداية العصر الكلاسيكي بأكثر من عقد، كما يتضح في الفيلم الفرنسي الرائد " رحلة إلى القمر" عام 1902 . تُستخدم تقنيات القطع في المونتاج الكلاسيكي للحفاظ على استمرارية المشهد، كما في القطع المتقاطع الذي يُظهر تزامن الأحداث في مواقع مختلفة. يُسمح بالقطع المفاجئ على شكل القطع المحوري ، الذي لا يُغير زاوية التصوير إطلاقًا، ولكنه يهدف بوضوح إلى إظهار منظور أقرب أو أبعد عن الموضوع، وبالتالي لا يُؤثر على الاستمرارية الزمنية. ^{[ 23 ]}