الفنون الأدائية

تحتاج هذه المقالة إلى مصادر إضافية للتحقق . يُرجى المساعدة في تحسين هذه المقالة بإضافة مصادر موثوقة . قد يتم الطعن في المواد غير الموثقة وإزالتها. البحث عن مصادر:  "الفنون المسرحية" - الأخبار  · الصحف  · الكتب  · العلماء  · JSTOR ( مايو 2018 ) ( تعرف على كيفية ومتى تزيل هذه الرسالة )

جزء من سلسلة عن
الفنون الأدائية
البهلوانية باليه مهارات السيرك بهلوان رقص الجمباز سحر مقلد موسيقى الأوبرا المصارعة المحترفة العرائس خطاب كوميديا ​​ارتجالية أداء الشارع مسرح التكلم البطني
ف ت هـ

الفنون الأدائية هي الفنون مثل الموسيقى والرقص والدراما التي يتم أداؤها أمام الجمهور. ^[1] وهي تختلف عن الفنون البصرية ، التي تنطوي على استخدام الطلاء أو القماش أو مواد مختلفة لإنشاء أشياء فنية مادية أو ثابتة. تشمل الفنون الأدائية مجموعة من التخصصات التي يتم أداؤها أمام جمهور حي، بما في ذلك المسرح والموسيقى والرقص.

المسرح والموسيقى والرقص والتلاعب بالأشياء وأنواع أخرى من العروض موجودة في جميع الثقافات البشرية. يعود تاريخ الموسيقى والرقص إلى عصور ما قبل التاريخ بينما يعود تاريخ مهارات السيرك إلى مصر القديمة على الأقل . يتم أداء العديد من الفنون المسرحية بشكل احترافي. يمكن أن يكون الأداء في مبانٍ مبنية لهذا الغرض، مثل المسارح ودور الأوبرا، أو على مسارح مفتوحة في المهرجانات، أو على مسارح في خيام مثل السيرك أو في الشارع.

العروض الحية أمام الجمهور هي شكل من أشكال الترفيه. وقد سمح تطور التسجيل الصوتي والفيديو بالاستهلاك الشخصي للفنون المسرحية. غالبًا ما تهدف الفنون المسرحية إلى التعبير عن مشاعر المرء وعواطفه. [ ^2]

يُطلق على الفنانين الذين يشاركون في الفنون المسرحية أمام الجمهور اسم المؤدين. ومن الأمثلة على ذلك الممثلين والكوميديين والراقصين والسحرة وفناني السيرك والموسيقيين والمغنين . كما يدعم الفنون المسرحية العاملون في المجالات ذات الصلة، مثل كتابة الأغاني وتصميم الرقصات وحرفية المسرح . غالبًا ما يكيف المؤدون مظهرهم ، مثل الأزياء ومكياج المسرح وإضاءة المسرح والصوت .

قد تشمل الفنون المسرحية الرقص والموسيقى والأوبرا والمسرح والمسرح الموسيقي والسحر والوهم والتمثيل الإيمائي والكلام المنطوق وعروض الدمى وفنون السيرك والكوميديا ​​الارتجالية والمصارعة المحترفة وفن الأداء .

هناك أيضًا شكل متخصص من أشكال الفنون الجميلة، حيث يؤدي الفنانون أعمالهم على الهواء مباشرة أمام الجمهور. يُطلق على هذا النوع من الفنون اسم فن الأداء . تتضمن معظم فنون الأداء أيضًا شكلًا من أشكال الفن التشكيلي ، ربما في إنشاء الدعائم . غالبًا ما كان يُشار إلى الرقص باعتباره فنًا تشكيليًا خلال عصر الرقص الحديث . ^[3]

المسرح هو فرع من الفنون الأدائية التي تهتم بتمثيل القصص أمام الجمهور، باستخدام مزيج من الكلام والإيماءات والموسيقى والرقص والصوت والمشهد. أي عنصر أو أكثر من هذه العناصر يعتبر فنونًا أدائية. بالإضافة إلى أسلوب الحوار السردي القياسي للمسرحيات، يأخذ المسرح أشكالًا مثل المسرحيات الموسيقية والأوبرا والباليه والوهم والإيماء والرقص الهندي الكلاسيكي والكابوكي ومسرحيات الممثلين الإيمائيين والمسرح المرتجل والكوميديا ​​والبانتومايم والأشكال غير التقليدية أو المعاصرة مثل مسرح ما بعد الحداثة ومسرح ما بعد الدراما أو فن الأداء.

في سياق الفنون المسرحية، يشير الرقص عمومًا إلى الحركة البشرية، الإيقاعية عادةً والموسيقى، المستخدمة كشكل من أشكال ترفيه الجمهور في إطار الأداء. تعتمد تعريفات ما يشكل الرقص على القيود الاجتماعية والثقافية والجمالية والفنية والأخلاقية وتتراوح من الحركة الوظيفية (مثل الرقص الشعبي ) إلى التقنيات المدونة والموهوبة مثل الباليه . ^[4]

هناك شكل حديث آخر للرقص ظهر في القرنين التاسع عشر والعشرين تحت مسمى أسلوب الرقص الحر . تم تصميم هذا الشكل من الرقص لخلق شخصية متناغمة تتضمن سمات مثل الحرية الجسدية والروحية. كانت إيزادورا دنكان أول راقصة تجادل حول "امرأة المستقبل" وطورت ناقلًا جديدًا للرقص باستخدام فكرة نيتشه عن "العقل الأسمى في العقل الحر". ^[5]

الرقص دافع قوي، لكن فن الرقص هو ذلك الدافع الذي يوجهه المؤدون الماهرون إلى شيء يصبح معبرًا بشدة وقد يسعد المتفرجين الذين لا يشعرون بأي رغبة في الرقص بأنفسهم. هذان المفهومان لفن الرقص - الرقص كدافع قوي والرقص كفن مصمم بمهارة ويمارسه إلى حد كبير قلة من المحترفين - هما أهم فكرتين متصلتين تمر عبر أي دراسة للموضوع. في الرقص، يكون الارتباط بين المفهومين أقوى مما هو عليه في بعض الفنون الأخرى، ولا يمكن لأي منهما أن يوجد بدون الآخر. ^[4]

الكوريغرافيا هي فن صنع الرقصات، والشخص الذي يمارس هذا الفن يسمى مصمم الرقصات.

الموسيقى هي شكل فني يجمع بين النغمة والإيقاع والديناميكية لخلق الصوت. يمكن أداؤها باستخدام مجموعة متنوعة من الآلات والأساليب وتنقسم إلى أنواع مثل الموسيقى الشعبية والجاز والهيب هوب والبوب ​​والروك وما إلى ذلك. كشكل فني، يمكن أن تحدث الموسيقى في تنسيقات حية أو مسجلة، ويمكن التخطيط لها أو ارتجالها.

وبما أن الموسيقى فن متغير ، فإنها تنسجم بسهولة مع كلمات الأغاني كما تفعل الحركات الجسدية في الرقص. وعلاوة على ذلك، فهي قادرة على تشكيل السلوكيات البشرية لأنها تؤثر على عواطفنا. ^[6]

ابتداءً من القرن السادس قبل الميلاد، بدأت الفترة الكلاسيكية للفنون المسرحية في اليونان ، والتي استهلها الشعراء المأساويون مثل سوفوكليس . كتب هؤلاء الشعراء مسرحيات تضمنت في بعض الحالات الرقص (انظر يوربيديس ). بدأت الفترة الهلنستية الاستخدام الواسع النطاق للكوميديا.

ومع ذلك، بحلول القرن السادس الميلادي، كانت الفنون المسرحية الغربية قد انتهت إلى حد كبير مع بدء العصور المظلمة . بين القرن التاسع والقرن الرابع عشر، كان الفن المسرحي في الغرب يقتصر على التمثيلات التاريخية الدينية والمسرحيات الأخلاقية ، التي نظمتها الكنيسة للاحتفال بالأعياد وغيرها من الأحداث المهمة.

في القرن الخامس عشر، شهدت الفنون المسرحية، جنبًا إلى جنب مع الفنون بشكل عام، إحياءً مع بداية عصر النهضة في إيطاليا وانتشار المسرحيات في جميع أنحاء أوروبا، والتي تضمن بعضها الرقص، والتي تم أداؤها ويُنسب إلى دومينيكو دا بياتشينزا أول استخدام لمصطلح ballo (في De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) بدلاً من danza (رقص) لباليتي أو بالي . أصبح المصطلح في النهاية باليه . يُعتقد أن أول باليه في حد ذاته هو Ballet Comique de la Reine لبلتازار دي بوجويوليكس (1581).

بحلول منتصف القرن السادس عشر، أصبحت الكوميديا ​​​​المسرحية شائعة في أوروبا، حيث قدمت استخدام الارتجال . كما قدمت هذه الفترة أيضًا أقنعة إليزابيث، التي تتميز بالموسيقى والرقص والأزياء المتقنة بالإضافة إلى شركات المسرح الاحترافية في إنجلترا. تطورت مسرحيات ويليام شكسبير في أواخر القرن السادس عشر من هذه الفئة الجديدة من الأداء الاحترافي.

في عام 1597، تم عرض أول أوبرا، دافني ، وخلال القرن السابع عشر، أصبحت الأوبرا بسرعة الترفيه المفضل للأرستقراطيين في معظم أنحاء أوروبا، وفي نهاية المطاف لأعداد كبيرة من الناس الذين يعيشون في المدن والبلدات في جميع أنحاء أوروبا.

كان تقديم قوس المسرح في إيطاليا خلال القرن السابع عشر سبباً في إرساء شكل المسرح التقليدي الذي لا يزال قائماً حتى يومنا هذا. وفي الوقت نفسه، حظر البيوريتانيون في إنجلترا التمثيل، مما أدى إلى توقف الفنون المسرحية حتى عام 1660. وبعد ذلك، بدأت النساء في الظهور في المسرحيات الفرنسية والإنجليزية. كما أدخل الفرنسيون تعليم الرقص الرسمي في أواخر القرن السابع عشر.

كما أنه خلال هذه الفترة تم عرض المسرحيات الأولى في المستعمرات الأمريكية .

خلال القرن الثامن عشر، أدى تقديم الأوبرا الشعبية إلى جعل الأوبرا متاحة للجماهير كشكل من أشكال الأداء. وتعتبر أوبرا موتسارت " زواج فيجارو ودون جيوفاني" من أبرز معالم الأوبرا في أواخر القرن الثامن عشر.

في مطلع القرن التاسع عشر، دشن بيتهوفن والحركة الرومانسية عصرًا جديدًا أدى في البداية إلى عروض الأوبرا الكبرى ثم إلى الدراما الموسيقية لجوزيبي فيردي و Gesamtkunstwerk (العمل الفني الكامل) لأوبرا ريتشارد فاغنر مما أدى مباشرة إلى موسيقى القرن العشرين.

كان القرن التاسع عشر فترة نمو للفنون المسرحية لجميع الطبقات الاجتماعية، والتقدم التقني مثل إدخال ضوء الغاز إلى المسارح ، والرقص الشعبي، والمسرح المتنوع. في الباليه، أحرزت النساء تقدمًا كبيرًا في الفن الذي كان يهيمن عليه الذكور سابقًا.

بدأ الرقص الحديث في أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين استجابة للقيود المفروضة على الباليه التقليدي. وقد أحدث وصول فرقة الباليه الروسية لسيرجي دياجيليف (1909-1929) ثورة في الباليه والفنون المسرحية عمومًا في جميع أنحاء العالم الغربي، والأهم من ذلك من خلال تأكيد دياجيليف على التعاون، والذي جمع مصممي الرقص والراقصين ومصممي الديكور/الفنانين والملحنين والموسيقيين معًا لإحياء الباليه وإحداث ثورة فيه. إنه معقد للغاية.

أحدثت مسرحية "النظام" التي ألفها كونستانتين ستانيسلافسكي ثورة في عالم التمثيل في أوائل القرن العشرين، ولا تزال تؤثر بشكل كبير على ممثلي المسرح والشاشة حتى يومنا هذا. وقد تم تقديم كل من الانطباعية والواقعية الحديثة إلى المسرح خلال هذه الفترة.

مع اختراع الصور المتحركة في أواخر القرن التاسع عشر على يد توماس إديسون ونمو صناعة الصور المتحركة في هوليوود في أوائل القرن العشرين، أصبح الفيلم وسيلة أداء مهيمنة طوال القرنين العشرين والحادي والعشرين.

برزت موسيقى الإيقاع والبلوز ، وهي ظاهرة ثقافية في أمريكا السوداء، في أوائل القرن العشرين، مما أثر على مجموعة من أنماط الموسيقى الشعبية اللاحقة على المستوى الدولي.

في ثلاثينيات القرن العشرين، قدم جان روزنثال ما سيصبح فيما بعد الإضاءة المسرحية الحديثة ، مما أدى إلى تغيير طبيعة المسرح حيث أصبحت المسرحيات الموسيقية على برودواي ظاهرة في الولايات المتحدة.

سلطت فنون الأداء بعد الحرب العالمية الثانية الضوء على النهضة التي شهدتها فنون الباليه والأوبرا في العالم الغربي.

سيطرت ما بعد الحداثة على الفنون المسرحية خلال السبعينيات والثمانينيات. ^[7]

هذا القسم يحتاج إلى التوسعة ، يمكنك المساعدة بإضافة المزيد إليه. ( فبراير 2021 )

تتجذر تقاليد الأداء الأفريقية الأصلية في الطقوس ورواية القصص والحركة والموسيقى . ^[8] كانت العروض جماعية مع تفاعل رواة القصص والجمهور والمشاركة في النداء والاستجابة ، والتي تتميز بغناء المغني عبارة يرددها بعد ذلك أو يستجيب لها بعبارة جديدة من قبل المؤدين الآخرين و/أو الجمهور . هذا التقليد القديم متجذر في العديد من الثقافات الأفريقية. ^[9]

يعود أقدم حدث مسرحي مسجل إلى عام 2000 قبل الميلاد مع المسرحيات الاحتفالية في مصر القديمة . تم تقديم قصة الإله أوزوريس سنويًا في المهرجانات في جميع أنحاء الحضارة، مما يمثل البداية المعروفة لعلاقة طويلة بين المسرح والدين. بردية رامسيوم الدرامية ، أقدم بردية مصورة باقية، تفصل الأداء خلال مهرجان سد وقد تم استخدامها كدليل على ولادة التقاليد المسرحية، والتي غالبًا ما ينسبها العلماء الغربيون إلى اليونان القديمة. ^[10]

الجريوت هو مؤرخ شفوي من غرب إفريقيا يستخدم القصص والشعر والموسيقى للتعبير عن الأنساب والروايات التاريخية للقبائل التي يمثلونها، وغالبًا ما يعزف على آلات مثل الكورا . [ ^11] يتم دعم هذه المهنة القديمة في موقف القيادة المجتمعية.

كانت أكثر أشكال المسرح شعبية في العالم الإسلامي في العصور الوسطى هي مسرح العرائس (الذي شمل العرائس اليدوية ومسرحيات الظل وإنتاجات الدمى ) ومسرحيات العاطفة الحية المعروفة باسم التعزية ، حيث يعيد الممثلون تمثيل حلقات من التاريخ الإسلامي . على وجه الخصوص، دارت المسرحيات الإسلامية الشيعية حول استشهاد ابني علي ، الحسن بن علي والحسين بن علي . يشير هذا عادةً إلى مسرحيات العاطفة حول معركة كربلاء وأحداثها السابقة واللاحقة. يبدأ السير لويس بيلي مقدمة كتابه عن التعزية مؤكدًا أنه "إذا كان نجاح الدراما يقاس بالتأثيرات التي تحدثها على الأشخاص الذين ألفت من أجلهم، أو على الجماهير الذين تم تمثيلها أمامهم، فلم تتفوق أي مسرحية على المأساة المعروفة في العالم الإسلامي باسم مأساة الحسن والحسين " . ^[12] بعد سنوات، اختار بيتر تشيلكوفسكي، أستاذ الدراسات الإيرانية والإسلامية في جامعة نيويورك ، نفس الكلمات في بداية كتابه "التعزية والطقوس والدراما في إيران". ^[13] عُرفت المسرحيات العلمانية الحية باسم "الإخراجة" ، والتي تم تسجيلها في أدب العصور الوسطى ، على الرغم من أنها كانت أقل شيوعًا من مسرح العرائس والتعزية . ^[14]

في إيران توجد أشكال أخرى من الأحداث المسرحية مثل النغلي أو النقلي (سرد القصص)، والتعزية ، والرو-هوزية ، والسيه بازي ، والبرد خاني ، وماريك جيري . قبل القرن العشرين، كان سرد القصص هو الشكل الأكثر شهرة للترفيه، على الرغم من أن بعض الأشكال لا تزال قائمة اليوم. أحد الأشكال، النغلي، كان يُؤدى تقليديًا في المقاهي حيث يتلو رواة القصص، أو النغال (النقل)، أجزاء فقط من القصة في كل مرة، وبالتالي يحتفظون بالزبائن المنتظمين. كانت هذه القصص مبنية على أحداث ذات أهمية تاريخية أو دينية والعديد منها مقتبسة من القصائد الشعرية من الشاهنامة . غالبًا ما تم تغيير هذه القصص لتتوافق مع جو أو مزاج الجمهور. ^[15]

يمكن تتبع المسرح الشعبي والدراما إلى الطقوس الدينية للشعوب الفيدية في الألفية الثانية قبل الميلاد . كان هذا المسرح الشعبي من الماضي الضبابي مختلطًا بالرقص والطعام والطقوس، بالإضافة إلى تصوير الأحداث من الحياة اليومية. جعل العنصر الأخير منه أصل المسرح الكلاسيكي في العصور اللاحقة. أشار العديد من المؤرخين، ولا سيما دي دي كوسامبي، وديبيبراساد تشاتوباديايا، وأديا رانجاتشارايا، وما إلى ذلك، إلى انتشار الطقوس بين القبائل الهندية الآرية حيث تصرف بعض أفراد القبيلة كما لو كانوا حيوانات برية، وكان البعض الآخر صيادين. أولئك الذين تصرفوا كثدييات مثل الماعز والجاموس والرنة والقرود وما إلى ذلك، طاردهم أولئك الذين لعبوا دور الصيادين. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

بهاراتا موني (من القرن الخامس إلى الثاني قبل الميلاد) كان كاتبًا هنديًا قديمًا اشتهر بكتابة كتاب ناتيا شاسترا بهاراتا ، وهو أطروحة نظرية عن الفنون المسرحية الهندية، بما في ذلك المسرح والرقص والتمثيل والموسيقى، والتي قورنت بكتاب أرسطو في الشعر . يُعرف بهاراتا غالبًا بأنه والد الفنون المسرحية الهندية. يبدو أن كتابه ناتيا شاسترا هو أول محاولة لتطوير تقنية أو بالأحرى فن الدراما بطريقة منهجية. لا يخبرنا كتاب ناتيا شاسترا فقط بما يجب تصويره في الدراما، بل يخبرنا أيضًا بكيفية القيام بالتصوير. الدراما، كما يقول بهاراتا موني، هي تقليد للرجال وأفعالهم ( loka-vritti ). نظرًا لأنه يجب احترام الرجال وأفعالهم على المسرح، فإن الدراما في اللغة السنسكريتية تُعرف أيضًا بمصطلح rupaka ، والذي يعني التصوير.{{ ^[16] }}

يمكن اعتبار ملحمتي رامايانا وماهابهاراتا أول مسرحيتين معترف بهما نشأتا في الهند. وقد ألهمت هذه الملاحم أوائل الكتاب المسرحيين الهنود وما زالوا يفعلون ذلك حتى يومنا هذا. كتب كتاب مسرحيون هنود مثل بهسا ^في القرن الثاني قبل الميلاد مسرحيات مستوحاة بشكل كبير من ملحمتي رامايانا وماهابهاراتا . ^{[ بحاجة لمصدر} ]

يعتبر كاليداسا في القرن الأول قبل الميلاد أعظم كاتب مسرحي في الهند القديمة . هناك ثلاث مسرحيات رومانسية شهيرة كتبها كاليداسا وهي مالافيكاجنيميترام ( مالافيكا وأجنيميترا )، وفيكرامورفاسيام ( متعلقة بفيكراما وأورفاشي )، وأبهيجناناساكونتالا ( الاعتراف بشاكونتالا ). كانت المسرحية الأخيرة مستوحاة من قصة في المهابهاراتا وهي الأكثر شهرة. كانت أول مسرحية تُرجمت إلى الإنجليزية والألمانية. بالمقارنة مع بهاسا، الذي استقى الكثير من الملاحم، يمكن اعتبار كاليداسا كاتب مسرحي أصلي. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

كان بهافابوتي (حوالي القرن السابع) هو كاتب المسرح الهندي العظيم التالي . ويقال إنه كتب المسرحيات الثلاث التالية: مالاتي مادهفا ، وماهافيراتشاريتا ، وأوتار راماتشاريتا . ومن بين هذه المسرحيات الثلاث، تغطي آخر مسرحيتين بينهما ملحمة رامايانا بأكملها . ويُنسب إلى الإمبراطور الهندي القوي هارشا (606-648) كتابة ثلاث مسرحيات: الكوميديا ​​راتنافالي ، وبرييادارسيكا ، والدراما البوذية ناغاناندا . وتبعه العديد من كتاب المسرح الآخرين خلال العصور الوسطى . ^{[ بحاجة لمصدر ]}

كان هناك العديد من أشكال الفنون الأدائية في الجزء الجنوبي من الهند، وكيرالا هي إحدى الولايات التي تضم أشكالًا فنية مختلفة مثل كودياتام ، ونانجياركوثو، وكاثاكالي ، وتشاكيار كوثو ، وثيراياتام ، وكان هناك العديد من الفنانين البارزين مثل بينكولام رامان شاكيار وغيرهم. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

هناك إشارات إلى الترفيه المسرحي في الصين منذ وقت مبكر من عام 1500 قبل الميلاد خلال عهد أسرة شانغ ؛ غالبًا ما كانت تتضمن الموسيقى والتهريج والعروض البهلوانية. ^[17]

تُعرف سلالة تانغ أحيانًا باسم "عصر الألف ترفيه". خلال هذه الحقبة، أسس الإمبراطور شوانزونغ مدرسة للتمثيل تُعرف باسم أطفال حديقة الكمثرى لإنتاج شكل من أشكال الدراما الموسيقية في المقام الأول. ^[17]

خلال عهد أسرة هان، ظهرت مسرحية العرائس الظلية لأول مرة كشكل مسرحي معترف به في الصين. كان هناك نوعان متميزان من مسرحية العرائس الظلية، العرائس الكانتونية الجنوبية والعرائس البكينية الشمالية. تم التمييز بين الأسلوبين من خلال طريقة صنع العرائس ووضع القضبان على العرائس، على عكس نوع المسرحية التي تؤديها العرائس. كان كلا الأسلوبين يؤديان عمومًا مسرحيات تصور مغامرات وخيالات عظيمة، ونادرًا ما تم استخدام هذا الشكل المسرحي المنمق للدعاية السياسية. كانت عرائس الظل الكانتونية أكبر حجمًا من الاثنين. تم بناؤها باستخدام جلد سميك يخلق ظلالًا أكثر ثباتًا. كان اللون الرمزي أيضًا سائدًا جدًا؛ حيث يمثل الوجه الأسود الصدق، والوجه الأحمر الشجاعة. كانت القضبان المستخدمة للتحكم في العرائس الكانتونية مثبتة بشكل عمودي على رؤوس العرائس. وبالتالي، لم يرها الجمهور عند إنشاء الظل. كانت عرائس البكيني أكثر دقة وأصغر حجمًا. كانت الدمى تُصنع من جلد رقيق شفاف يؤخذ عادة من بطن حمار. وكانت تُطلى بألوان زاهية، وبالتالي تلقي بظلال ملونة للغاية. وكانت القضبان الرفيعة التي تتحكم في تحركاتها تُربط بطوق جلدي عند رقبة الدمية. وكانت القضبان تسير بالتوازي مع أجسام الدمية ثم تدور بزاوية تسعين درجة لتتصل بالرقبة. وبينما كانت هذه القضبان مرئية عند إلقاء الظل، كانت توضع خارج ظل الدمية؛ وبالتالي، لم تتداخل مع مظهر الشكل. وكانت القضبان تُربط بالأعناق لتسهيل استخدام رؤوس متعددة بجسم واحد. وعندما لا تكون الرؤوس قيد الاستخدام، كانت تُخزن في كتاب من الشاش أو صندوق مبطن بالقماش. وكانت الرؤوس تُزال دائمًا في الليل. وكان هذا يتماشى مع الخرافة القديمة التي تقول إنه إذا تُركت الدمى سليمة، فإن الحياة ستدب في الدمى ليلاً. وذهب بعض محركي الدمى إلى حد تخزين الرؤوس في كتاب واحد والأجسام في كتاب آخر، لتقليل احتمالية إعادة إنعاش الدمى. يقال أن فن العرائس الظلية وصل إلى أعلى نقطة من التطور الفني في القرن الحادي عشر قبل أن يصبح أداة في يد الحكومة. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

في عهد أسرة سونغ ، كان هناك العديد من المسرحيات الشعبية التي تتضمن الألعاب البهلوانية والموسيقى. وقد تطورت هذه المسرحيات في عهد أسرة يوان إلى شكل أكثر تطورًا مع بنية مكونة من أربعة أو خمسة فصول. انتشرت مسرحية يوان في جميع أنحاء الصين وتنوعت إلى أشكال إقليمية عديدة، وأشهرها أوبرا بكين، التي لا تزال تحظى بشعبية حتى اليوم. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

في تايلاند ، كان من التقليد منذ العصور الوسطى تقديم مسرحيات مبنية على حبكات مستمدة من الملاحم الهندية. وعلى وجه الخصوص، لا تزال النسخة المسرحية من الملحمة الوطنية التايلاندية راماكيان ، وهي نسخة من ملحمة رامايانا الهندية ، تحظى بشعبية في تايلاند حتى اليوم.

في كمبوديا ، تشير النقوش التي يعود تاريخها إلى القرن السادس الميلادي إلى وجود أدلة على وجود راقصين في معبد محلي واستخدامهم للدمى في المسرحيات الدينية. وفي العاصمة القديمة أنغكور وات ، نُقشت قصص من الملحمتين الهنديتين رامايانا وماهابهاراتا على جدران المعابد والقصور. كما عُثر على نقوش مماثلة في بوروبودور في إندونيسيا.

في الفلبين ، ظهرت القصيدة الملحمية الشهيرة Ibong Adarna ، والتي كانت في الأصل بعنوان "Korido at Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid na anak nina Haring Fernando at Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (بالإنجليزية: " Corrido والحياة التي يعيشها الأمراء الثلاثة، أبناء الملك فرناندو والملكة فاليريانا في مملكة بربانيا") من القرن السادس عشر كتبها خوسيه دي لا كروز خلال العصر الإسباني . وبصرف النظر عن العروض المسرحية، تم إنتاج أفلام مختلفة من خلال استوديوهات أفلام / إنتاجات تلفزيونية مختلفة. تم إنتاج أول فيلم "Ang Ibong Adarna" بواسطة LVN Pictures ، أكبر استوديو أفلام في تاريخ الفلبين.

"فلورانتي في لورا " هي " أويت " أو قصيدة تتكون من 12 مقطعًا رباعيات مع العنوان الكامل "Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya" (بالإنجليزية: "تاريخ فلورانتي ولورا في مملكة ألبانيا ") كتبه فرانسيسكو بالاغتاس في عام 1838 أثناء سجنه مخصصًا لحبيبته ماريا أسونكيون ريفيرا (الملقبة بـ "MAR"، والمشار إليها باسم "Selya"). للقصيدة جزء خاص بعنوان " كاي سيليا " (بالإنجليزية: "من أجل سيليا") مخصص خصيصًا لريفيرا.

كان البطل الوطني الفلبيني ، خوسيه ريزال ، وهو روائي أيضًا، قد ابتكر القصيدتين الشهيرتين في الفلبين، Noli Me Tángere ( باللاتينية : "لا تلمسني"، مع إضافة لهجة حادة على الكلمة الأخيرة وفقًا للإملاء الإسباني ) (1887) التي تصف الظلم الملحوظ للرهبان الكاثوليك الإسبان والحكومة الحاكمة و El Filibusterismo (الترجمات: التعطيل؛ التخريب أو التخريب، كما في ترجمة Locsín الإنجليزية، هي أيضًا ترجمات محتملة، والمعروفة أيضًا باسمها الإنجليزي البديل The Reign of Greed) (1891). يبتعد موضوع الرواية المظلم بشكل كبير عن أجواء الرواية السابقة المفعمة بالأمل والرومانسية، مما يدل على لجوء إيبارا إلى حل قضايا بلاده من خلال الوسائل العنيفة، بعد أن فشلت محاولته السابقة في إصلاح نظام البلاد وبدا الأمر مستحيلًا مع الموقف الفاسد للإسبان تجاه الفلبينيين. تمت كتابة هذه الروايات أثناء استعمار الفلبين من قبل الإمبراطورية الإسبانية .

كانت كل هذه القطع الأدبية ضمن منهج برنامج K-12 للمدارس الإعدادية ، وتندرج "إيبونج أدارنا" ضمن منهج الصف السابع؛ و "فلورانتي في لورا" (الصف الثامن)؛ و "نولي مي تانجيري" (الصف التاسع)؛ و "إل فيليبوستريزمو" (الصف العاشر).

خلال القرن الرابع عشر، كانت هناك شركات صغيرة من الممثلين في اليابان الذين قدموا كوميديا ​​قصيرة ومبتذلة في بعض الأحيان. كان لمدير إحدى هذه الشركات، كانامي (1333-1384)، ابن، زيامي موتوكيو (1363-1443)، الذي كان يعتبر أحد أفضل ممثلي الأطفال في اليابان. عندما قدمت شركة كانامي عروضها لأشيكاغا يوشيميتسو (1358-1408)، شوغون اليابان، توسل إلى زيامي أن يتلقى تعليمًا في البلاط لفنونه. ^[18] بعد أن خلف زيامي والده، استمر في الأداء وتكييف أسلوبه إلى ما يُعرف اليوم باسم نو . أصبح أسلوب نو في المسرح، وهو مزيج من التمثيل الإيمائي والبهلوانيات الصوتية، أحد أكثر أشكال الأداء المسرحي دقة في اليابان. ^[19]

اليابان، بعد فترة طويلة من الحروب الأهلية والفوضى السياسية، كانت موحدة وتنعم بالسلام في المقام الأول بسبب الشوغون توكوغاوا إياسو (1600-1668). ومع ذلك، فقد شعر بالفزع إزاء الأعداد المتزايدة من المسيحيين داخل البلاد بسبب جهود التبشير التي بذلها المبشرون المسيحيون، وقطع الاتصال من اليابان إلى أوروبا والصين وحظر المسيحية. وعندما حل السلام، طالب ازدهار النفوذ الثقافي ونمو طبقة التجار بترفيهها الخاص. وكان أول شكل من أشكال المسرح المزدهر هو نينجيو جوروري (يشار إليه عادة باسم بونراكو ). وقد حول مؤسس نينجيو جوروري والمساهم الرئيسي فيه، تشيكاماتسو مونزايمون (1653-1725)، شكله المسرحي إلى شكل فني حقيقي. نينجيو جوروري هو شكل مسرحي شديد الأسلوب يستخدم الدمى، ويبلغ حجمها اليوم حوالي ثلث حجم الإنسان . يتدرب الرجال الذين يتحكمون في الدمى ليصبحوا محركي دمى محترفين، حيث يمكنهم بعد ذلك تشغيل رأس الدمية وذراعها اليمنى واختيار إظهار وجوههم أثناء الأداء. يغطى محركو الدمى الآخرون، الذين يتحكمون في الأطراف الأقل أهمية للدمية، أنفسهم ووجوههم ببدلة سوداء، للإشارة إلى عدم ظهورهم. يتم التعامل مع الحوار بواسطة شخص واحد، والذي يستخدم نغمات صوتية مختلفة وطرق تحدث مختلفة لمحاكاة شخصيات مختلفة. كتب تشيكاماتسو آلاف المسرحيات خلال حياته، ولا يزال معظمها يستخدم حتى اليوم. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

بدأ فن الكابوكي بعد فترة وجيزة من فن بونراكو، وتقول الأسطورة إنه كان من تأليف ممثلة تدعى أوكوني، والتي عاشت في أواخر القرن السادس عشر تقريبًا. جاءت معظم مواد الكابوكي من فن نوه وبونراكو، كما أن حركات الرقص غير المنتظمة هي أيضًا تأثير من فن بونراكو. ومع ذلك، فإن فن الكابوكي أقل رسمية وأكثر بعدًا من فن نوه، ومع ذلك فهو يحظى بشعبية كبيرة بين عامة الناس في اليابان. يتم تدريب الممثلين على العديد من الأشياء المتنوعة بما في ذلك الرقص والغناء والبانتومايم وحتى الألعاب البهلوانية. تم تقديم الكابوكي لأول مرة من قبل فتيات صغيرات، ثم من قبل الأولاد الصغار، وبحلول نهاية القرن السادس عشر، كانت فرق الكابوكي تتكون من الرجال فقط. تم تدريب الرجال الذين يصورون النساء على المسرح بشكل خاص لإثارة جوهر المرأة في حركاتهم ^{وإيماءاتهم الدقيقة .}

هذا القسم يحتاج إلى التوسعة ، يمكنك المساعدة بإضافة المزيد إليه. ( فبراير 2021 )

هذا القسم يحتاج إلى التوسعة ، يمكنك المساعدة بإضافة المزيد إليه. ( فبراير 2021 )

غالبًا ما يُظهر الرقص الميلانيزي موضوعًا ثقافيًا للرجولة حيث تكون القيادة ومجموعة المهارات الفريدة مهمة للمشاركة مع المجتمع. ^[20] تُظهر هذه الرقصات الجندية لدى الرجل؛ ومع ذلك، يمكن أن تمثل أيضًا الربحية مثل تشجيع حل النزاعات أو الشفاء. ^[21] تتضمن أزياء الراقصين المقلدين أقنعة كبيرة وخصائص غير بشرية تعمل على تقليد الشخصيات الأسطورية. يمكن أن تعمل الموسيقى أيضًا كصوت لهذه الشخصيات السحرية. ^[20]

• ترفيه
• فنون القتال المختلطة
• مخطط الفنون الأدائية
• تعليم الفنون الأدائية
• مقدمي الفنون الأدائية
• قانون حقوق النشر في الولايات المتحدة الأمريكية في مجال الفنون المسرحية
• المسرح الفارسي
• مسرح اليابان
• الثقافة الغربية

• قائمة ببليوغرافية للفنون المسرحية في الشرق
• المكتبة الأوروبية للفنون المسرحية