النحت

النحت هو فرع من الفنون البصرية التي تعمل في ثلاثة أبعاد . النحت هو العمل الفني ثلاثي الأبعاد الذي يتم تقديمه ماديًا في أبعاد الارتفاع والعرض والعمق. إنه أحد الفنون التشكيلية . استخدمت عمليات النحت المتينة في الأصل النحت (إزالة المواد) والنمذجة (إضافة المواد، مثل الطين)، في الحجر والمعادن والسيراميك والخشب ومواد أخرى، ولكن منذ الحداثة ، كانت هناك حرية شبه كاملة للمواد والعملية. يمكن معالجة مجموعة واسعة من المواد عن طريق الإزالة مثل النحت أو التجميع عن طريق اللحام أو النمذجة أو القولبة أو الصب .

تظل الأعمال الفنية المصنوعة من الحجر باقية بشكل أفضل بكثير من الأعمال الفنية المصنوعة من مواد قابلة للتلف، وغالبًا ما تمثل غالبية الأعمال الباقية (باستثناء الفخار ) من الثقافات القديمة، على الرغم من أن تقاليد النحت على الخشب ربما اختفت بالكامل تقريبًا. ومع ذلك، كانت معظم الأعمال الفنية القديمة مطلية بألوان زاهية، وقد ضاعت هذه الألوان. ^[2]

كان النحت يشكل عنصراً أساسياً في التدين في العديد من الثقافات، وحتى القرون الأخيرة كانت المنحوتات الضخمة، التي كانت باهظة الثمن بحيث لا يستطيع الأفراد العاديون صنعها، تمثل في العادة تعبيراً عن الدين أو السياسة. وتشمل الثقافات التي نجت منحوتاتها بكميات كبيرة ثقافات البحر الأبيض المتوسط ​​القديمة والهند والصين، فضلاً عن العديد من ثقافات أميركا الوسطى والجنوبية وأفريقيا.

بدأ التقليد الغربي للنحت في اليونان القديمة ، ويُنظر إلى اليونان على نطاق واسع على أنها أنتجت روائع عظيمة في الفترة الكلاسيكية . خلال العصور الوسطى ، مثل النحت القوطي آلام وعواطف الإيمان المسيحي. أدى إحياء النماذج الكلاسيكية في عصر النهضة إلى إنتاج منحوتات شهيرة مثل تمثال ديفيد لمايكل أنجلو . ابتعد النحت الحديث عن العمليات التقليدية والتركيز على تصوير جسم الإنسان، مع صنع المنحوتات المبنية ، وتقديم الأشياء الموجودة كأعمال فنية مكتملة .

يوجد تمييز بين النحت "المستدير"، وهو النحت المستقل مثل التماثيل ، غير المثبت إلا ربما عند القاعدة على أي سطح آخر، والأنواع المختلفة من النحت البارز ، والتي تكون مثبتة جزئيًا على الأقل على سطح الخلفية. غالبًا ما يتم تصنيف النحت البارز حسب درجة بروزه من الحائط إلى نحت بارز منخفض أو أساسي ، ونحت بارز مرتفع ، وأحيانًا نحت بارز متوسط . النحت البارز هو تقنية مقتصرة على مصر القديمة . النحت البارز هو الوسيط النحتي المعتاد لمجموعات الشخصيات الكبيرة والموضوعات السردية، والتي يصعب إنجازها بشكل دائري، وهو التقنية النموذجية المستخدمة في كل من النحت المعماري ، المثبت على المباني، والنحت صغير الحجم الذي يزين أشياء أخرى، كما هو الحال في الكثير من الفخار والأعمال المعدنية والمجوهرات . قد يزين النحت البارز أيضًا اللوحات الحجرية ، وهي ألواح عمودية، عادةً ما تكون من الحجر، وغالبًا ما تحتوي أيضًا على نقوش.

هناك تمييز أساسي آخر بين تقنيات النحت الطرحي، التي تزيل المواد من كتلة أو كتلة موجودة، على سبيل المثال من الحجر أو الخشب، وتقنيات النمذجة التي تشكل أو تبني العمل من المواد. تستخدم تقنيات مثل الصب والختم والقولبة مصفوفة وسيطة تحتوي على التصميم لإنتاج العمل؛ تسمح العديد من هذه التقنيات بإنتاج عدة نسخ.

غالبًا ما يستخدم مصطلح "النحت" بشكل أساسي لوصف الأعمال الكبيرة، والتي تسمى أحيانًا بالنحت الضخم ، مما يعني إما النحت الكبير أو النحت المرفق بمبنى. لكن المصطلح يغطي بشكل صحيح العديد من أنواع الأعمال الصغيرة ثلاثية الأبعاد باستخدام نفس التقنيات، بما في ذلك العملات المعدنية والميداليات ، والمنحوتات الحجرية الصلبة ، وهو مصطلح للمنحوتات الصغيرة في الحجر التي يمكن أن تتطلب عملًا تفصيليًا.

كان للتمثال الضخم أو الضخم جاذبية دائمة منذ العصور القديمة ؛ أكبر تمثال مسجل يبلغ ارتفاعه 182 مترًا (597 قدمًا) هو تمثال الوحدة الهندي لعام 2018. شكل آخر رائع من أشكال نحت البورتريه هو تمثال الفارس على ظهر حصان، والذي أصبح نادرًا في العقود الأخيرة. أصغر أشكال نحت البورتريه بالحجم الطبيعي هي "الرأس"، والتي تُظهر ذلك فقط، أو التمثال النصفي ، وهو تمثيل لشخص من الصدر إلى الأعلى. تشمل الأشكال الصغيرة للنحت التمثال الصغير ، وهو تمثال لا يزيد ارتفاعه عادةً عن 18 بوصة (46 سم)، وللنقوش البارزة اللوحة أو الميدالية أو العملة المعدنية.

أضاف الفن الحديث والمعاصر عددًا من أشكال النحت غير التقليدية، بما في ذلك النحت الصوتي ، والنحت الضوئي ، والفن البيئي ، والنحت البيئي ، ونحت فن الشارع ، والنحت الحركي (الذي يتضمن جوانب الحركة الفيزيائية )، وفن الأرض ، والفن الخاص بالموقع . النحت هو شكل مهم من أشكال الفن العام . يمكن تسمية مجموعة من المنحوتات في إطار حديقة بحديقة النحت . هناك أيضًا وجهة نظر مفادها أن المباني هي نوع من النحت، حيث يصف قسطنطين برانكوسي العمارة بأنها "نحت مأهول". ^{[ بحاجة لمصدر ]}

أحد الأغراض الأكثر شيوعًا للنحت هو الارتباط بالدين. الصور الدينية شائعة في العديد من الثقافات، على الرغم من أنها غالبًا ما لا تكون التماثيل الضخمة للآلهة التي ميزت الفن اليوناني القديم ، مثل تمثال زيوس في أوليمبيا . كانت الصور الدينية الفعلية في الأضرحة الداخلية للمعابد المصرية ، والتي لم ينج منها أي منها، صغيرة إلى حد ما، حتى في أكبر المعابد. غالبًا ما ينطبق الشيء نفسه على الهندوسية ، حيث يكون الشكل البسيط والقديم جدًا للينغام هو الأكثر شيوعًا. جلبت البوذية نحت الشخصيات الدينية إلى شرق آسيا ، حيث يبدو أنه لم يكن هناك تقليد معادل سابق، على الرغم من أن الأشكال البسيطة مثل البي وكونج ربما كانت لها أهمية دينية.

تعود المنحوتات الصغيرة كممتلكات شخصية إلى أقدم فنون ما قبل التاريخ، واستخدام المنحوتات الضخمة كفن عام ، وخاصة لإبهار المشاهد بقوة الحاكم، يعود على الأقل إلى أبو الهول العظيم منذ حوالي 4500 عام. في علم الآثار وتاريخ الفن، يُنظر إلى ظهور، وأحيانًا اختفاء، المنحوتات الضخمة أو الضخمة في ثقافة ما على أنه ذو أهمية كبيرة، على الرغم من أن تتبع الظهور غالبًا ما يكون معقدًا بسبب الوجود المفترض للمنحوتات المصنوعة من الخشب وغيرها من المواد القابلة للتلف والتي لا يوجد سجل لها؛ ^[3]

العمود الطوطم هو مثال على تقليد النحت الضخم في الخشب والذي لن يترك أي أثر لعلم الآثار. تعتبر القدرة على استدعاء الموارد لإنشاء منحوتات ضخمة، من خلال نقل مواد ثقيلة جدًا عادةً وترتيب دفع ما يُعتبر عادةً نحاتين بدوام كامل، علامة على ثقافة متقدمة نسبيًا من حيث التنظيم الاجتماعي. لقد أزعجت الاكتشافات غير المتوقعة الأخيرة لشخصيات صينية قديمة من العصر البرونزي في سانكسينجدوي ، بعضها أكبر من ضعف حجم الإنسان، العديد من الأفكار السائدة حول الحضارة الصينية المبكرة، حيث لم يكن معروفًا سابقًا سوى برونزيات أصغر بكثير. ^[4]

يبدو أن بعض الثقافات المتقدمة بلا شك، مثل حضارة وادي السند ، لم يكن لديها أي منحوتات ضخمة على الإطلاق، على الرغم من إنتاج تماثيل وأختام متطورة للغاية. ويبدو أن ثقافة المسيسيبي كانت تتقدم نحو استخدامها، مع التماثيل الحجرية الصغيرة، عندما انهارت. ويبدو أن ثقافات أخرى، مثل مصر القديمة وثقافة جزيرة إيستر ، قد كرست موارد هائلة للنحت الضخم على نطاق واسع للغاية منذ مرحلة مبكرة للغاية.

يعود تاريخ جمع المنحوتات، بما في ذلك المنحوتات التي تعود إلى فترات سابقة، إلى نحو 2000 عام في اليونان والصين وأمريكا الوسطى، وكانت العديد من المجموعات متاحة للعرض شبه العام قبل فترة طويلة من اختراع المتاحف الحديثة . ومنذ القرن العشرين، توسع نطاق الموضوعات المحدودة نسبيًا الموجودة في المنحوتات الكبيرة بشكل كبير، حيث أصبحت الموضوعات المجردة واستخدام أو تمثيل أي نوع من الموضوعات أمرًا شائعًا الآن. واليوم، يتم صنع الكثير من المنحوتات للعرض المتقطع في المعارض والمتاحف، والقدرة على نقل وتخزين الأعمال الضخمة بشكل متزايد هي عامل في بنائها.

التماثيل الصغيرة المزخرفة ، غالبًا ما تكون مصنوعة من السيراميك، تحظى بشعبية كبيرة اليوم (على الرغم من إهمالها بشكل غريب من قبل الفن الحديث والمعاصر ) كما كانت في الروكوكو ، أو في اليونان القديمة عندما كانت تماثيل تاناغرا صناعة رئيسية، أو في فن شرق آسيا وما قبل كولومبوس . ترجع التركيبات المنحوتة الصغيرة للأثاث والأشياء الأخرى إلى العصور القديمة، كما هو الحال في عاجيات نمرود وعاجيات بيجرام والاكتشافات من مقبرة توت عنخ آمون .

بدأ فن نحت البورتريه في مصر ، حيث تظهر لوحة نارمر حاكمًا من القرن الثاني والثلاثين قبل الميلاد، وفي بلاد ما بين النهرين ، حيث لدينا 27 تمثالًا باقيًا لكوديا ، الذي حكم لجش حوالي 2144-2124 قبل الميلاد. في اليونان القديمة وروما، كان تشييد تمثال بورتريه في مكان عام بمثابة أعلى علامة على الشرف وطموح النخبة، الذين قد يتم تصويرهم أيضًا على عملة معدنية. ^[5]

في الثقافات الأخرى مثل مصر والشرق الأدنى، كانت التماثيل العامة حكرًا على الحاكم تقريبًا، مع تصوير الأثرياء الآخرين في مقابرهم فقط. عادةً ما يكون الحكام هم الأشخاص الوحيدون الذين يتم منحهم صورًا شخصية في الثقافات ما قبل كولومبوس، بدءًا من رؤوس الأولمك الضخمة منذ حوالي 3000 عام. كان نحت الصور الشخصية في شرق آسيا دينيًا بالكامل، حيث يتم إحياء ذكرى رجال الدين البارزين بالتماثيل، وخاصة مؤسسي الأديرة، ولكن ليس الحكام أو الأسلاف. تم إحياء التقليد المتوسطي، في البداية فقط لتماثيل المقابر والعملات المعدنية، في العصور الوسطى، لكنه توسع بشكل كبير في عصر النهضة، الذي اخترع أشكالًا جديدة مثل ميدالية الصورة الشخصية .

الحيوانات هي، مع الشكل البشري، أقدم موضوع للنحت، وكانت دائمًا وحوشًا شائعة، وأحيانًا واقعية، ولكنها غالبًا ما تكون خيالية؛ في الصين، تعد الحيوانات والوحوش الموضوعات التقليدية الوحيدة للنحت الحجري خارج المقابر والمعابد. لا تُعَد مملكة النباتات مهمة إلا في المجوهرات والنقوش الزخرفية، لكن هذه تشكل تقريبًا كل النحت الكبير في الفن البيزنطي والفن الإسلامي ، وهي مهمة جدًا في معظم التقاليد الأوراسية، حيث انتقلت الزخارف مثل سعف النخيل ولفائف الكرمة شرقًا وغربًا لأكثر من ألفي عام.

أحد أشكال النحت الموجودة في العديد من الثقافات ما قبل التاريخ في جميع أنحاء العالم هو نسخ مكبرة خصيصًا من الأدوات أو الأسلحة أو الأوعية العادية المصنوعة من مواد ثمينة غير عملية، إما لاستخدامها في الاحتفالات أو العرض أو كقرابين. تم استخدام اليشم أو أنواع أخرى من الحجر الأخضر في الصين والمكسيك الأولمكي وأوروبا العصر الحجري الحديث ، وفي بلاد ما بين النهرين المبكرة تم إنتاج أشكال فخارية كبيرة من الحجر. تم استخدام البرونز في أوروبا والصين للفؤوس والشفرات الكبيرة، مثل خنجر أوكسبورو .

المواد المستخدمة في النحت متنوعة ومتغيرة عبر التاريخ. المواد الكلاسيكية ذات المتانة المتميزة هي المعدن، وخاصة البرونز والحجر والفخار، مع الخشب والعظام وقرون الأيائل التي تعد خيارات أقل متانة ولكنها أرخص. غالبًا ما تُستخدم المواد الثمينة مثل الذهب والفضة واليشم والعاج في الأعمال الفاخرة الصغيرة، وأحيانًا في الأعمال الأكبر حجمًا، كما هو الحال في تماثيل الكريسلفانتين . تم استخدام مواد أكثر شيوعًا وأقل تكلفة للنحت للاستهلاك الأوسع، بما في ذلك الأخشاب الصلبة (مثل خشب البلوط وخشب البقس والجير والزيزفون )؛ والطين الحراري والسيراميك الآخر ، والشمع (مادة شائعة جدًا للنماذج المستخدمة في الصب، والحصول على انطباعات الأختام الأسطوانية والأحجار الكريمة المنقوشة)، والمعادن المصبوبة مثل القصدير والزنك (السبلتر). ولكن تم استخدام عدد كبير من المواد الأخرى كجزء من المنحوتات، في الأعمال الإثنوغرافية والقديمة بقدر ما تم استخدامها في الأعمال الحديثة .

غالبًا ما يتم طلاء المنحوتات ، ولكنها تفقد طلاءها عادةً بمرور الوقت أو بسبب المرممين. وقد استُخدمت العديد من تقنيات الطلاء المختلفة في صنع المنحوتات، بما في ذلك التيمبيرا والرسم الزيتي والتذهيب وطلاء المنزل والرذاذ والمينا والنفخ بالرمل. ^{[2] [6]}

يسعى العديد من النحاتين إلى طرق ومواد جديدة لصنع الفن. تضمنت إحدى أشهر منحوتات بابلو بيكاسو أجزاء دراجة . استخدم ألكسندر كالدر وغيره من الحداثيين الفولاذ المطلي بشكل مذهل . منذ ستينيات القرن العشرين، تم استخدام الأكريليك والبلاستيك أيضًا. يصنع آندي جولدسورثي منحوتاته قصيرة العمر بشكل غير عادي من مواد طبيعية بالكامل تقريبًا في بيئات طبيعية. بعض المنحوتات، مثل منحوتات الجليد ، ونحت الرمال ، ونحت الغاز ، قصيرة العمر عمدًا. استخدم النحاتون الحديثون الزجاج الملون والأدوات وأجزاء الآلات والأجهزة والتغليف الاستهلاكي لتصميم أعمالهم. يستخدم النحاتون أحيانًا أشياء عثروا عليها ، وقد تم تقدير صخور العلماء الصينيين لقرون عديدة.

نحت الحجر هو نشاط قديم حيث يتم تشكيل قطع من الحجر الطبيعي الخام عن طريق الإزالة المتحكم فيها للحجر . ونظرًا لثبات المادة، يمكن العثور على أدلة على أن حتى أقدم المجتمعات انغمست في شكل من أشكال العمل الحجري، على الرغم من أن ليس كل مناطق العالم لديها مثل هذه الوفرة من الحجر الجيد للنحت مثل مصر واليونان والهند ومعظم أوروبا. ربما تكون النقوش الصخرية (وتسمى أيضًا نقوش الصخور) أقدم شكل: صور تم إنشاؤها عن طريق إزالة جزء من سطح الصخر الذي يبقى في مكانه ، عن طريق الشق والنقر والنحت والتآكل. يغطي النحت الضخم الأعمال الكبيرة والنحت المعماري ، الذي يتم تثبيته على المباني. نحت الحجر الصلب هو نحت الأحجار شبه الكريمة لأغراض فنية مثل اليشم والعقيق والعقيق والكريستال الصخري والعقيق الأحمر أو العقيق الأحمر ، ومصطلح عام لشيء مصنوع بهذه الطريقة. المرمر أو الجبس المعدني هو معدن ناعم يسهل نحته للأعمال الأصغر ولا يزال متينًا نسبيًا . الأحجار الكريمة المنقوشة هي أحجار كريمة منحوتة صغيرة، بما في ذلك النقوش البارزة ، والتي كانت تستخدم في الأصل كخواتم ختم .

كان نسخ تمثال أصلي من الحجر، وهو أمر بالغ الأهمية بالنسبة للتماثيل اليونانية القديمة، والتي تُعرف جميعها تقريبًا من النسخ، يتم تقليديًا عن طريق " الإشارة "، جنبًا إلى جنب مع أساليب أكثر حرية. تتضمن الإشارة إعداد شبكة من المربعات الخيطية على إطار خشبي يحيط بالأصل، ثم قياس الموضع على الشبكة والمسافة بين الشبكة والتمثال لسلسلة من النقاط الفردية، ثم استخدام هذه المعلومات للنحت في الكتلة التي يتم عمل النسخة منها. ^[8]

البرونز وسبائك النحاس ذات الصلة هي أقدم المعادن وأكثرها شعبية حتى الآن في صناعة المنحوتات المعدنية المصبوبة ؛ وغالبًا ما يُطلق على منحوتة البرونز المصبوب اسم "برونز" ببساطة. تتمتع سبائك البرونز الشائعة بخاصية غير عادية ومرغوبة تتمثل في التمدد قليلاً قبل أن تتصلب، وبالتالي تملأ أدق تفاصيل القالب. تعد قوتها وافتقارها إلى الهشاشة (اللدونة) ميزة عند إنشاء شخصيات متحركة، خاصة عند مقارنتها بمواد خزفية أو حجرية مختلفة (انظر نحت الرخام لعدة أمثلة). الذهب هو أنعم المعادن وأغلاها ثمنا، وهو مهم جدًا في صناعة المجوهرات ؛ مع الفضة، يكون ناعمًا بدرجة كافية ليتم العمل به بالمطارق والأدوات الأخرى بالإضافة إلى الصب؛ تعد النقش البارز والنقش بالحفر من بين التقنيات المستخدمة في صياغة الذهب والفضة .

الصب هو مجموعة من عمليات التصنيع التي يتم من خلالها صب مادة سائلة (برونز، نحاس، زجاج، ألمنيوم، حديد) (عادةً) في قالب يحتوي على تجويف مجوف بالشكل المطلوب، ثم يُسمح له بالتصلب. ثم يتم إخراج الصب الصلب أو كسره لإكمال العملية، ^[9] على الرغم من أن المرحلة النهائية من "العمل البارد" قد تتبع الصب النهائي. يمكن استخدام الصب لتشكيل معادن سائلة ساخنة أو مواد مختلفة تتصلب على البارد بعد خلط المكونات (مثل الإيبوكسي والخرسانة والجص والطين ). غالبًا ما يستخدم الصب لصنع أشكال معقدة يصعب أو غير اقتصادية صنعها بطرق أخرى. أقدم صب باقٍ هو ضفدع نحاسي من بلاد ما بين النهرين من 3200 قبل الميلاد. ^[10] تشمل التقنيات المحددة الصب بالشمع المفقود ، والصب في قالب الجبس، والصب بالرمل .

اللحام هو عملية يتم فيها دمج قطع مختلفة من المعدن معًا لإنشاء أشكال وتصميمات مختلفة. هناك العديد من أشكال اللحام المختلفة، مثل اللحام بالوقود الأكسجيني ، واللحام بالقضيب ، واللحام بالغاز الخامل المعدني ، واللحام بالتنغستن الخامل . ربما يكون اللحام بالوقود الأكسجيني هو الطريقة الأكثر شيوعًا في اللحام عندما يتعلق الأمر بإنشاء منحوتات فولاذية لأنه الأسهل استخدامًا لتشكيل الفولاذ بالإضافة إلى عمل وصلات نظيفة وأقل وضوحًا للفولاذ. مفتاح اللحام بالوقود الأكسجيني هو تسخين كل قطعة من المعدن المراد ربطها بالتساوي حتى تصبح جميعها حمراء ولها لمعان. بمجرد أن يصبح هذا اللمعان على كل قطعة، سيتحول هذا اللمعان قريبًا إلى "بركة" حيث يتم تسييل المعدن ويجب على اللحام أن يجعل البرك تنضم، ودمج المعدن. بمجرد أن تبرد، يصبح المكان الذي تنضم فيه البرك الآن قطعة واحدة متصلة من المعدن. كما يستخدم أيضًا بشكل كبير في إنشاء منحوتات الوقود الأكسجيني هو عملية التشكيل بالطرق. التشكيل بالطرق هو عملية تسخين المعدن إلى نقطة معينة لتليينه بدرجة كافية لتشكيله في أشكال مختلفة. من الأمثلة الشائعة جدًا تسخين نهاية قضيب فولاذي وضرب الطرف الأحمر الساخن بمطرقة أثناء وضعه على سندان لتشكيل نقطة. بين ضربات المطرقة، يقوم المزور بتدوير القضيب ويشكل تدريجيًا نقطة حادة من الطرف الحاد للقضيب الفولاذي.

يمكن استخدام الزجاج في النحت من خلال مجموعة واسعة من تقنيات العمل، على الرغم من أن استخدامه للأعمال الكبيرة هو تطور حديث. يمكن نحته، وإن كان بصعوبة كبيرة؛ كأس ليكورجوس الروماني فريد من نوعه. ^[11] هناك طرق مختلفة لصب الزجاج : يمكن إجراء الصب الساخن عن طريق سكب الزجاج المنصهر في قوالب تم إنشاؤها عن طريق ضغط الأشكال في الرمل أو الجرافيت المنحوت أو قوالب الجص / السيليكا التفصيلية. يتضمن صب الزجاج في الفرن تسخين قطع من الزجاج في فرن حتى تصبح سائلة وتتدفق إلى قالب انتظار أسفله في الفرن. يمكن أيضًا نفخ الزجاج الساخن و / أو نحته ساخنًا باستخدام أدوات يدوية إما ككتلة صلبة أو كجزء من جسم منفوخ. تتضمن التقنيات الأكثر حداثة نحت الزجاج المسطح وربطه بسيليكات البوليمر والضوء فوق البنفسجي. ^[12]

الفخار هو أحد أقدم المواد المستخدمة في النحت، فضلاً عن كون الطين هو الوسيط الذي يتم من خلاله في الأصل تشكيل العديد من المنحوتات المصبوبة في المعدن للصب. غالبًا ما يبني النحاتون أعمالًا أولية صغيرة تسمى الماكيتات من مواد سريعة الزوال مثل جص باريس أو الشمع أو الطين غير المحروق أو البلاستيسين . ^[13] أنتجت العديد من الثقافات الفخار الذي يجمع بين وظيفة الإناء والشكل النحتي، وغالبًا ما كانت التماثيل الصغيرة شائعة كما هي في الثقافة الغربية الحديثة. استخدمت معظم الحضارات القديمة الطوابع والقوالب، من روما القديمة وبلاد ما بين النهرين إلى الصين. ^[14]

لقد تم ممارسة نحت الخشب على نطاق واسع للغاية، ولكن بقاءه أقل بكثير من المواد الرئيسية الأخرى، حيث يكون عرضة للتعفن، وتلف الحشرات، والحرائق. لذلك فهو يشكل عنصرًا مخفيًا مهمًا في تاريخ الفن للعديد من الثقافات. ^[3] لا يدوم نحت الخشب في الهواء الطلق طويلاً في معظم أنحاء العالم، لذلك ليس لدينا فكرة كبيرة عن كيفية تطور تقليد عمود الطوطم . العديد من أهم المنحوتات في الصين واليابان على وجه الخصوص مصنوعة من الخشب، والغالبية العظمى من المنحوتات الأفريقية وتلك الموجودة في أوقيانوسيا والمناطق الأخرى.

الخشب خفيف الوزن، لذا فهو مناسب للأقنعة وغيرها من المنحوتات التي يُقصد حملها، ويمكنه أن يأخذ تفاصيل دقيقة للغاية. كما أنه أسهل في العمل من الحجر. غالبًا ما يتم طلاؤه بعد النحت، لكن الطلاء يتآكل بشكل أقل من الخشب، وغالبًا ما يكون مفقودًا في القطع الباقية. غالبًا ما يوصف الخشب المطلي تقنيًا بأنه "خشب ومتعدد الألوان ". عادةً ما يتم وضع طبقة من الجص أو الجص على الخشب، ثم يتم وضع الطلاء عليها.

الأعمال ثلاثية الأبعاد التي تتضمن مواد غير تقليدية مثل القماش والفراء والبلاستيك والمطاط والنايلون، والتي يمكن حشوها أو خياطتها أو تعليقها أو لفها أو نسجها، تُعرف باسم المنحوتات الناعمة . ومن بين المبدعين المعروفين للمنحوتات الناعمة كلايس أولدنبورج ويويوي كوساما وإيفا هيس وسارة لوكاس وماجدالينا أباكانوفيتش . ^[15]

في جميع أنحاء العالم، كان النحاتون عادةً تجارًا لا تحمل أعمالهم توقيعًا؛ في بعض التقاليد، على سبيل المثال الصين، حيث لم يشارك النحت في هيبة الرسم الأدبي ، وقد أثر هذا على مكانة النحت نفسه. ^[16] حتى في اليونان القديمة ، حيث اشتهر نحاتون مثل فيدياس ، يبدو أنهم احتفظوا بنفس المكانة الاجتماعية مثل الحرفيين الآخرين، وربما لم يحصلوا على مكافآت مالية أكبر بكثير، على الرغم من أن بعضهم وقع على أعمالهم. ^[17] في العصور الوسطى، كان الفنانون مثل جيسليبرتوس في القرن الثاني عشر يوقعون أحيانًا على أعمالهم، وكانوا مطلوبين من قبل مدن مختلفة، وخاصة من تريسينتو فصاعدًا في إيطاليا، مع شخصيات مثل أرنولفو دي كامبيو ، ونيكولا بيسانو وابنه جيوفاني . كان الصاغة والمجوهرات، الذين يتعاملون مع المواد الثمينة وغالبًا ما يعملون كمصرفيين، ينتمون إلى نقابات قوية وكان لديهم مكانة كبيرة، وغالبًا ما يشغلون مناصب مدنية. مارس العديد من النحاتين أيضًا فنونًا أخرى؛ كما رسم أندريا ديل فيروكيو ، وكان جيوفاني بيسانو ومايكل أنجلو وجاكوبو سانسوفينو من المهندسين المعماريين . كما احتفظ بعض النحاتين بورش عمل كبيرة. وحتى في عصر النهضة، كان ليوناردو دافنشي وغيره ينظرون إلى الطبيعة المادية للعمل على أنها تخفض من مكانة النحت في الفنون، على الرغم من أن سمعة مايكل أنجلو ربما وضعت حدًا لهذه الفكرة التي ظلت راسخة لفترة طويلة.

منذ عصر النهضة العالي، أصبح الفنانون مثل مايكل أنجلو وليوني وجيامبولوجو قادرين على الثراء والنبلاء ودخول دائرة الأمراء، بعد فترة من الجدل الحاد حول الوضع النسبي للنحت والرسم. ^[18] ظل الكثير من النحت الزخرفي على المباني تجارة، لكن النحاتين الذين ينتجون قطعًا فردية تم الاعتراف بهم على مستوى الرسامين. منذ القرن الثامن عشر أو قبل ذلك، اجتذبت النحت أيضًا طلاب الطبقة المتوسطة، على الرغم من أنها كانت أبطأ في القيام بذلك من الرسم. استغرق ظهور النحاتات وقتًا أطول من الرسامات، وكانوا أقل شهرة حتى القرن العشرين.

نشأت اللاأيقونية مع اليهودية ، التي لم تقبل النحت التصويري حتى القرن التاسع عشر، ^[19] قبل التوسع إلى المسيحية ، التي قبلت في البداية المنحوتات الكبيرة. في المسيحية والبوذية، أصبح النحت مهمًا جدًا. لم تقبل المسيحية الأرثوذكسية الشرقية أبدًا النحت الضخم، ورفض الإسلام باستمرار جميع المنحوتات التصويرية تقريبًا، باستثناء التماثيل الصغيرة جدًا في النقوش البارزة وبعض التماثيل الحيوانية التي تؤدي وظيفة مفيدة، مثل الأسود الشهيرة التي تدعم نافورة في قصر الحمراء . لا توافق العديد من أشكال البروتستانتية أيضًا على النحت الديني. كان هناك الكثير من تحطيم الأيقونات للنحت لدوافع دينية، من المسيحيين الأوائل وبيلدنستورم الإصلاح البروتستانتي إلى تدمير تماثيل بوذا في باميان عام 2001 من قبل طالبان .

تعود أقدم الأمثلة غير المتنازع عليها للنحت إلى الثقافة الأوريناسية ، التي كانت تقع في أوروبا وجنوب غرب آسيا وكانت نشطة في بداية العصر الحجري القديم العلوي . بالإضافة إلى إنتاج بعض أقدم فنون الكهوف المعروفة ، طور أهل هذه الثقافة أدوات حجرية دقيقة الصنع، وصنعوا المعلقات والأساور والخرز العاجي والمزامير العظمية، بالإضافة إلى التماثيل ثلاثية الأبعاد. ^{[20] [21]}

يبلغ ارتفاع تمثال Löwenmensch 30 سم، والذي عُثر عليه في منطقة Hohlenstein Stadel في ألمانيا، وهو تمثال على شكل أسد بشري منحوت من عاج الماموث الصوفي . وقد تم تأريخه إلى حوالي 35-40 ألف  سنة قبل الميلاد، مما يجعله، إلى جانب تمثال فينوس في Hohle Fels ، أقدم الأمثلة المعروفة غير المتنازع عليها للنحت. ^[22]

الكثير من الفن ما قبل التاريخ الذي بقي على قيد الحياة هو المنحوتات الصغيرة المحمولة، مع مجموعة صغيرة من تماثيل فينوس الأنثوية مثل فينوس ويليندورف (24-26000  قبل الميلاد) التي وجدت في جميع أنحاء أوروبا الوسطى. ^[23] الرنة السابحة منذ حوالي 13000 عام هي واحدة من أروع عدد من المنحوتات المجدلية في العظام أو قرون الحيوانات في فن العصر الحجري القديم العلوي ، على الرغم من أنها أقل عددًا من القطع المنقوشة، والتي يتم تصنيفها أحيانًا على أنها منحوتات. ^[24] يمكن العثور على اثنين من أكبر المنحوتات ما قبل التاريخ في كهوف توك دودوبيرت في فرنسا، حيث استخدم نحات ماهر منذ حوالي 12-17000 عام أداة حجرية تشبه الملعقة وأصابعًا لنمذجة زوج من البيسون الكبير من الطين على صخرة من الحجر الجيري. ^[25]

مع بداية العصر الحجري الوسيط في أوروبا، تقلص النحت التصويري بشكل كبير، ^[26] وظل عنصرًا أقل شيوعًا في الفن من الزخارف البارزة للأشياء العملية حتى العصر الروماني، على الرغم من بعض الأعمال مثل مرجل غونديستروب من العصر الحديدي الأوروبي وعربة الشمس تروندهولم من العصر البرونزي . ^[27]

من الشرق الأدنى القديم ، يأتي تمثال أورفا مان المصنوع من الحجر والذي يزيد حجمه عن الحجم الطبيعي من تركيا الحديثة من حوالي 9000 قبل الميلاد، وتماثيل عين غزال من حوالي 7200 و6500 قبل الميلاد. هذه التماثيل من الأردن الحديث ، مصنوعة من الجص الجيري والقصب، ونصف الحجم الطبيعي تقريبًا؛ يوجد 15 تمثالًا، بعضها برأسين جنبًا إلى جنب، و15 تمثالًا نصفيًا. تم العثور على تماثيل طينية صغيرة لأشخاص وحيوانات في العديد من المواقع في جميع أنحاء الشرق الأدنى من العصر الحجري الحديث ما قبل الفخار ، وتمثل بداية تقليد مستمر إلى حد ما في المنطقة.

• 
  Löwenmensch ، من Hohlenstein-Stadel ، موجود الآن في متحف أولمر، أولم ، ألمانيا ، أقدم تمثال صغير معروف على شكل حيوان بشري، من العصر الأوريجاني ، حوالي  35-40.000  قبل الميلاد
• 
  قطعة أثرية من كهف جايسنكلوسترل ، ألمانيا ، حوالي  35-40 ألف سنة  قبل الميلاد
• 
  حصان بري من كهف فوجلهيرد، ألمانيا ، حوالي  33-35 ألف سنة  قبل الميلاد
• 
  فينوس لاوسيل، حوالي  27000  سنة قبل الميلاد، نحت من العصر الحجري القديم العلوي، متحف بوردو، فرنسا
• 
  ضبع زاحف، يعود تاريخه إلى حوالي  12-17 ألف سنة  مضت، مصنوع من عاج الماموث ، تم العثور عليه في لا مادلين ، فرنسا
• 
  رنة سباحة تعود إلى حوالي 13000 سنة قبل الميلاد، أنثى وذكر من عصر المجدلية المتأخر ، عُثر عليهما في مونتاستروك، تارن وغارون، فرنسا
• 
  رجل أورفا ، في متحف شانلي أورفا ؛ حجر رملي 1.80 متر ج.  9000 قبل الميلاد
• 
  تمثال دوجو جومون ، الألفية الأولى قبل الميلاد، اليابان
• 
  عربة الشمس تروندولم ، ربما تعود إلى الفترة ما بين 1800 و1500 قبل الميلاد؛ هذا الجانب مطلي بالذهب ، والآخر "مظلم".

شهدت فترة ما قبل التاريخ في بلاد ما بين النهرين ، والتي هيمنت عليها مدينة أوروك ، إنتاج أعمال متطورة مثل مزهرية الوركاء والأختام الأسطوانية . تُعد لبؤة غوينول تمثالًا صغيرًا بارزًا من الحجر الجيري من عيلام يعود تاريخه إلى حوالي 3000-2800 قبل الميلاد، نصف بشري ونصف لبؤة. ^[28] بعد ذلك بقليل، كان هناك عدد من تماثيل الكهنة والمصلين ذوي العيون الكبيرة، ومعظمهم من المرمر ويصل ارتفاعهم إلى قدم، والذين كانوا يحضرون صور عبادة المعبد للإله، ولكن قلة قليلة منهم نجا. ^[29] كانت المنحوتات من العصر السومري والأكادي عمومًا ذات عيون كبيرة تحدق ولحى طويلة للرجال. كما تم العثور على العديد من التحف الفنية في المقبرة الملكية في أور (حوالي 2650 قبل الميلاد)، بما في ذلك تمثالان لكبش في غابة ، وثور نحاسي ورأس ثور على إحدى قيثارات أور . ^[30]

من العديد من الفترات اللاحقة قبل صعود الإمبراطورية الآشورية الحديثة في القرن العاشر قبل الميلاد، نجا الفن الرافديني في عدد من الأشكال: الأختام الأسطوانية ، والأشكال الصغيرة نسبيًا في الجولة، والنقوش البارزة بأحجام مختلفة، بما في ذلك اللوحات الرخيصة من الفخار المصبوب للمنزل، بعضها ديني وبعضها الآخر ليس كذلك على ما يبدو. ^[31] نقش بورني هو لوحة من الطين غير عادية ومعقدة وكبيرة نسبيًا (20 × 15 بوصة، 50 × 37 سم) لإلهة مجنحة عارية بأقدام طائر جارح وبوم وأسود مرافقة. يعود تاريخها إلى القرن الثامن عشر أو التاسع عشر قبل الميلاد، وقد تكون مصبوبة أيضًا. ^{[32] تم العثور أيضًا} على شواهد حجرية ، وقرابين نذرية ، أو تلك التي ربما تحيي ذكرى الانتصارات وتُظهر الأعياد، في المعابد، والتي على عكس المعابد الأكثر رسمية تفتقر إلى النقوش التي من شأنها أن تشرحها؛ ^{[33] إن} لوحة النسور المجزأة هي مثال مبكر للنوع المنقوش، ^[34] والمسلة السوداء الآشورية لشلمانصر الثالث هي مسلة كبيرة وصلبة من العصر المتأخر. ^[35]

لقد أدى غزو الآشوريين لبلاد ما بين النهرين بأكملها والعديد من الأراضي المحيطة بها إلى إنشاء دولة أكبر وأغنى مما عرفته المنطقة من قبل، وفن فخم للغاية في القصور والأماكن العامة، ولا شك أن هذا كان يهدف جزئيًا إلى مضاهاة روعة فن الإمبراطورية المصرية المجاورة. وعلى عكس الدول السابقة، كان بإمكان الآشوريين استخدام الحجارة المنحوتة بسهولة من شمال العراق، وقد فعلوا ذلك بكميات كبيرة. طور الآشوريون أسلوبًا من المخططات الضخمة للغاية ذات التفاصيل السردية الدقيقة للغاية والنقوش الحجرية للقصور، مع مشاهد الحرب أو الصيد؛ يحتوي المتحف البريطاني على مجموعة بارزة، بما في ذلك صيد الأسد لآشور بانيبال ونقوش لاخيش التي تُظهر حملة. لقد أنتجوا القليل جدًا من المنحوتات المستديرة، باستثناء التماثيل الحارسة الضخمة لللاماسو برأس بشري ، والتي نُحتت بشكل بارز على جانبين من كتلة مستطيلة، مع الرؤوس بشكل دائري (وأيضًا خمسة أرجل، بحيث يبدو كلا المنظرين مكتملين). حتى قبل أن يسيطروا على المنطقة، فقد واصلوا تقليد ختم الأسطوانة بتصميمات كانت في كثير من الأحيان نشطة ومتطورة بشكل استثنائي. ^[36]

• 
  لبؤة غوينول ، الألفية الثالثة قبل الميلاد، ارتفاعها 3.25 بوصة (8.3 سم)
• 
  أحد 18 تمثالًا لجوديا ، حاكم حوالي عام 2090 قبل الميلاد
• 
  نقش برني ، بابل القديمة ، حوالي عام 1800 قبل الميلاد
• 
  جزء من رحلة صيد الأسد التي قام بها آشور بانيبال ، حوالي عام 640 قبل الميلاد، نينوى

النحت الضخم في مصر القديمة مشهور عالميًا، ولكن توجد أعمال صغيرة دقيقة ودقيقة بأعداد أكبر بكثير. استخدم المصريون تقنية مميزة للنحت الغائر ، وهي مناسبة تمامًا لأشعة الشمس الساطعة للغاية. تلتزم الشخصيات الرئيسية في النقوش البارزة بنفس اتفاقية الشكل كما هو الحال في الرسم، مع أرجل مفترق (حيث لا تكون جالسة) ورأس معروض من الجانب، ولكن الجذع من الأمام، ومجموعة قياسية من النسب التي تشكل الشكل، باستخدام 18 "قبضة" للانتقال من الأرض إلى خط الشعر على الجبهة. ^[37] ظهر هذا في وقت مبكر من لوحة نارمر من الأسرة الأولى. ومع ذلك، هناك كما هو الحال في أماكن أخرى، لا تُستخدم الاتفاقية للشخصيات الثانوية التي تظهر منخرطة في بعض الأنشطة، مثل الأسرى والجثث. ^[38] تجعل الاتفاقيات الأخرى تماثيل الذكور أغمق من تماثيل الإناث. ظهرت تماثيل بورتريه تقليدية للغاية منذ الأسرة الثانية، قبل عام 2780 قبل الميلاد، ^[39] وباستثناء فن فترة تل العمارنة لأخيناتون ، [ ^40] وبعض الفترات الأخرى مثل الأسرة الثانية عشرة، فإن السمات المثالية للحكام، مثل الاتفاقيات الفنية المصرية الأخرى، لم تتغير كثيرًا حتى بعد الغزو اليوناني. ^[41]

كان الفراعنة المصريون يُنظر إليهم دائمًا على أنهم آلهة، لكن الآلهة الأخرى أقل شيوعًا في التماثيل الكبيرة، إلا عندما تمثل الفرعون كإله آخر؛ ومع ذلك، غالبًا ما تظهر الآلهة الأخرى في اللوحات والنقوش البارزة. يُظهر الصف الشهير من أربعة تماثيل ضخمة خارج المعبد الرئيسي في أبو سمبل رمسيس الثاني ، وهو مخطط نموذجي، وإن كان كبيرًا بشكل استثنائي هنا. ^[42] تعد التماثيل الصغيرة للآلهة، أو تجسيداتها الحيوانية، شائعة جدًا، وتوجد في مواد شائعة مثل الفخار. نجت معظم المنحوتات الأكبر حجمًا من المعابد أو المقابر المصرية؛ بحلول الأسرة الرابعة (2680-2565 قبل الميلاد) على أبعد تقدير، تم ترسيخ فكرة تمثال الكا بقوة. تم وضع هذه في المقابر كمكان راحة لجزء الكا من الروح ، وبالتالي لدينا عدد كبير من التماثيل الأقل تقليدية للمسؤولين الأثرياء وزوجاتهم، والعديد منها من الخشب حيث تعد مصر واحدة من الأماكن القليلة في العالم حيث يسمح المناخ للخشب بالبقاء على قيد الحياة لآلاف السنين. إن الرؤوس الاحتياطية ، وهي الرؤوس البسيطة الخالية من الشعر، هي طبيعية بشكل خاص. كما احتوت المقابر المبكرة أيضًا على نماذج صغيرة للعبيد والحيوانات والمباني والأشياء مثل القوارب الضرورية للمتوفى لمواصلة نمط حياته في العالم الآخر، وتماثيل أوشابتي اللاحقة . ^[43]

• 
  نسخة طبق الأصل من لوحة نارمر ، حوالي عام 3100 قبل الميلاد، والتي تُظهر بالفعل المنظر الجانبي المصري التقليدي ونسب الشكل
• 
  منقرع (ميسرينوس) والملكة، المملكة القديمة، الأسرة الرابعة، 2490-2472 قبل الميلاد. تم تقليل رسمية الوضعية من خلال وضع ذراع الملكة حول زوجها
• 
  نماذج خشبية للمقابر، الأسرة الحادية عشرة؛ مسؤول كبير يعد ماشيته
• 
  قناع توت عنخ آمون ، أواخر  الأسرة الثامنة عشرة ، المتحف المصري
• 
  ممنون الأصغر حوالي عام  1250 قبل الميلاد ، المتحف البريطاني
• 
  أوزوريس على عمود من اللازورد في المنتصف، محاطًا بحورس على اليسار، وإيزيس على اليمين، الأسرة الثانية والعشرون، متحف اللوفر
• 
  كان تمثال الكا بمثابة مكان مادي لظهور الكا. المتحف المصري، القاهرة
• 
  تمثال كتلة لـ Pa-Ankh-Ra، ربان السفينة، يحمل تمثالًا لبتاح . العصر المتأخر ، حوالي 650-633 قبل الميلاد، خزانة الأوسمة

تطور أول أسلوب مميز للنحت اليوناني القديم في العصر البرونزي المبكر في العصر السيكلادي (الألفية الثالثة قبل الميلاد)، حيث تم تمثيل التماثيل الرخامية، عادةً ما تكون أنثوية وصغيرة الحجم، بأسلوب هندسي مبسط أنيق. وأكثرها شيوعًا هو وضع الوقوف مع وضع الذراعين متقاطعتين في الأمام، ولكن يتم عرض التماثيل الأخرى في أوضاع مختلفة، بما في ذلك شكل معقد لعازف قيثارة جالسًا على كرسي. ^[44]

وقد تطور فن النحت في الثقافات المينوية والميسينية اللاحقة ، تحت تأثير سوريا وأماكن أخرى، ولكن في أواخر العصر القديم من حوالي عام 650 قبل الميلاد، تطورت تماثيل الكوروس . وهي تماثيل كبيرة واقفة لشباب عراة، توجد في المعابد والمقابر، مع الكوري كمعادل للإناث المرتديات، مع شعر متقن الصنع؛ وكلاهما له " ابتسامة قديمة ". ويبدو أنهما كانا يؤديان عددًا من الوظائف، ربما يمثلان أحيانًا الآلهة وأحيانًا الشخص المدفون في قبر، كما هو الحال مع تماثيل كوروس . ومن الواضح أنها متأثرة بالأساليب المصرية والسورية، لكن الفنانين اليونانيين كانوا أكثر استعدادًا للتجريب داخل الأسلوب.

خلال القرن السادس، تطور النحت اليوناني بسرعة، وأصبح أكثر طبيعية، مع أوضاع أكثر نشاطًا وتنوعًا للشخصية في المشاهد السردية، وإن كان لا يزال ضمن الاتفاقيات المثالية. تمت إضافة جملونات منحوتة إلى المعابد ، بما في ذلك البارثينون في أثينا، حيث تم استخدام بقايا الجملون من حوالي عام 520 باستخدام شخصيات مستديرة لحسن الحظ كحشو للمباني الجديدة بعد النهب الفارسي في عام 480 قبل الميلاد، وتم استردادها من ثمانينيات القرن التاسع عشر في حالة جديدة غير معرضة للعوامل الجوية. تأتي بقايا أخرى مهمة من النحت المعماري من بايستوم في إيطاليا، وكورفو ، ودلفي ومعبد أفايا في إيجينا (معظمها الآن في ميونيخ ). ^[45] تضمنت معظم المنحوتات اليونانية في الأصل بعض الألوان على الأقل؛ قام متحف ني كارلسبيرج جليبتوتيك في كوبنهاجن، الدنمارك، بإجراء أبحاث مكثفة وإعادة إنشاء للألوان الأصلية. ^{[46] [47]}

• 
  تمثال سيكلادي يعود تاريخه إلى 2700-2300 قبل الميلاد. رأس تمثال امرأة، ارتفاعه 27 سنتيمترًا (11 بوصة)
• 
  تمثال صغير لأنثى من سيكلاديك، حوالي  2500-2400 قبل الميلاد ، ارتفاع 41.5 سم (16.3 بوصة)
• 
  ميسينيا، 1600-1500 قبل الميلاد. ريتون فضي مع قرون ذهبية ووردة على الجبهة
• 
  تمثال كوروس من نيويورك بحجمه الطبيعي ، حوالي  590-580 قبل الميلاد، متحف متروبوليتان للفنون
• 
  " أبو الهول الناكسي " من دلفي ، 570-560 قبل الميلاد، يبلغ ارتفاع التمثال 222 سم (87 بوصة)
• 
  بيبلوس كوري ، حوالي عام 530 قبل الميلاد، أثينا ، متحف الأكروبوليس

• 
  محارب من أواخر العصور القديمة من الواجهة الشرقية لمعبد أفايا ، حوالي عام  500
• 
  تابوت أماثوس ، من أماثوس ، قبرص ، الربع الثاني من القرن الخامس قبل الميلاد، العصر القديم ، متحف متروبوليتان للفنون

يوجد عدد أقل من البقايا الأصلية من المرحلة الأولى من الفترة الكلاسيكية، والتي غالبًا ما تسمى بالأسلوب الصارم ؛ حيث كانت التماثيل المستقلة تُصنع الآن في الغالب من البرونز، والتي كانت لها دائمًا قيمة كخردة. استمر الأسلوب الصارم من حوالي 500 في النقوش البارزة، وبعد فترة وجيزة 480 في التماثيل، إلى حوالي 450. استرخت أوضاع الشخصيات الصلبة نسبيًا، وأصبحت أوضاع الدوران غير المتماثلة والمناظر المائلة شائعة، وتم البحث عنها عمدًا. وقد اقترن هذا بفهم أفضل للتشريح والبنية المتناغمة للأشكال المنحوتة، والسعي إلى التمثيل الطبيعي كهدف، وهو ما لم يكن موجودًا من قبل. كشفت الحفريات في معبد زيوس، أولمبيا منذ عام 1829 عن أكبر مجموعة من البقايا، من حوالي 460، والعديد منها في متحف اللوفر . ^[48]

استمرت فترة "الكلاسيكية العليا" بضعة عقود فقط من حوالي 450 إلى 400، لكنها كان لها تأثير هائل على الفن، وتحتفظ بمكانة خاصة، على الرغم من وجود عدد محدود للغاية من الناجين الأصليين. أشهر الأعمال هي رخام البارثينون ، التي نفذها تقليديًا (منذ بلوتارخ ) فريق بقيادة أشهر نحات يوناني قديم فيدياس ، الذي نشط من حوالي 465-425، والذي اشتهر في عصره بتمثاله العملاق ذي اللون الأخضر الزمردي لزيوس في أوليمبيا (حوالي 432)، أحد عجائب الدنيا السبع في العالم القديم ، وتمثاله أثينا بارثينوس (438)، صورة عبادة البارثينون ، وأثينا بروماخوس ، وهو تمثال برونزي ضخم يقف بجوار البارثينون؛ كل هذه التماثيل مفقودة ولكنها معروفة من العديد من التمثيلات. كما يُنسب إليه الفضل في إنشاء بعض التماثيل البرونزية بالحجم الطبيعي والمعروفة فقط من النسخ اللاحقة التي كان تحديد هويتها مثيرًا للجدل، بما في ذلك تمثال لودوفيسي هيرميس . ^[49]

استمر النمط الكلاسيكي العالي في تطوير الواقعية والرقي في الشكل البشري، وتحسين تصوير الملابس، واستخدامها لإضافة تأثير إلى الوضعيات النشطة. كانت تعبيرات الوجه مقيدة للغاية عادةً، حتى في مشاهد القتال. كان تكوين مجموعات الشخصيات في النقوش البارزة وعلى الجملونات يجمع بين التعقيد والانسجام بطريقة كان لها تأثير دائم على الفن الغربي. يمكن أن تكون النقوش البارزة عالية جدًا بالفعل، كما هو الحال في رسم البارثينون أدناه، حيث تم فصل معظم ساق المحارب تمامًا عن الخلفية، وكذلك الأجزاء المفقودة؛ جعل النقوش البارزة بهذا الارتفاع المنحوتات أكثر عرضة للتلف. ^[50] طور النمط الكلاسيكي المتأخر تمثال الأنثى العارية المستقل، والذي يُفترض أنه ابتكار لبراكسيتيليس ، وطور أوضاعًا معقدة ودقيقة بشكل متزايد كانت مثيرة للاهتمام عند النظر إليها من عدد من الزوايا، بالإضافة إلى وجوه أكثر تعبيرًا؛ كان من المقرر أن يتم أخذ كلا الاتجاهين إلى أبعد من ذلك بكثير في الفترة الهلنستية. ^[51]

يعود تاريخ الفترة الهلنستية تقليديًا إلى وفاة الإسكندر الأكبر في عام 323 قبل الميلاد، وتنتهي إما بالغزو النهائي للأراضي اليونانية من قبل روما في عام 146 قبل الميلاد أو بالهزيمة النهائية للدولة الخليفة المتبقية الأخيرة لإمبراطورية الإسكندر بعد معركة أكتيوم في عام 31 قبل الميلاد، والتي تمثل أيضًا نهاية روما الجمهورية . ^[52] وبالتالي فهي أطول بكثير من الفترات السابقة، وتشمل مرحلتين رئيسيتين على الأقل: أسلوب "بيرجامين" للتجريب والبهجة وبعض العاطفية والابتذال، وفي القرن الثاني قبل الميلاد عودة كلاسيكية إلى بساطة وأناقة أكثر تقشفًا؛ وبعيدًا عن مثل هذه التعميمات، فإن التأريخ عادة ما يكون غير مؤكد للغاية، خاصةً عندما لا تُعرف سوى النسخ اللاحقة، كما هي الحال عادةً. لم يكن أسلوب بيرغامون الأولي مرتبطًا بشكل خاص ببيرغامون ، والتي أخذ اسمه منها، لكن الملوك الأثرياء جدًا في تلك الدولة كانوا من بين أوائل من جمعوا ونسخوا أيضًا النحت الكلاسيكي، وكلفوا أيضًا بالعديد من الأعمال الجديدة، بما في ذلك مذبح بيرغامون الشهير الذي يوجد معظم منحوتاته الآن في برلين والذي يجسد الأسلوب الجديد، كما هو الحال مع ضريح هاليكارناسوس (أحد عجائب الدنيا السبع)، ولاوكون الشهير وأبناؤه في متاحف الفاتيكان ، وهو مثال متأخر، والأصل البرونزي لـ The Dying Gaul (الموضح في الأعلى)، والذي نعلم أنه كان جزءًا من مجموعة تم تكليفها بالفعل لبيرغامون في حوالي عام 228 قبل الميلاد، والتي كان Ludovisi Gaul أيضًا نسخة منها. المجموعة المسماة ثور فارنيزي ، ربما أصل رخامي من القرن الثاني، لا تزال أكبر وأكثر تعقيدًا، ^[53]

وقد أدى النحت الهلنستي إلى توسيع نطاق الموضوعات التي تم تمثيلها بشكل كبير، ويرجع ذلك جزئيًا إلى الرخاء العام الأكبر، وظهور طبقة ثرية للغاية كانت لديها منازل كبيرة مزينة بالمنحوتات، على الرغم من أننا نعلم أن بعض الأمثلة على الموضوعات التي تبدو الأنسب للمنزل، مثل الأطفال مع الحيوانات، كانت في الواقع توضع في المعابد أو الأماكن العامة الأخرى. بالنسبة لسوق الديكور المنزلي الأكثر شعبية، كانت هناك تماثيل تاناغرا ، وتلك القادمة من مراكز أخرى حيث تم إنتاج شخصيات فخارية صغيرة على نطاق صناعي، بعضها ديني ولكن البعض الآخر يظهر حيوانات وسيدات يرتدين ملابس أنيقة. أصبح النحاتون أكثر مهارة من الناحية الفنية في تمثيل تعبيرات الوجه التي تنقل مجموعة واسعة من المشاعر وتصوير الأفراد، وكذلك تمثيل الأعمار والأعراق المختلفة. النقوش البارزة من الضريح غير نمطية إلى حد ما في هذا الصدد؛ كانت معظم الأعمال قائمة بذاتها، وأصبحت التراكيب الجماعية مع العديد من الشخصيات التي يمكن رؤيتها في الجولة، مثل لاوكون ومجموعة بيرغاموم التي تحتفل بالنصر على الغال، شائعة، بعد أن كانت نادرة من قبل. يُعد تمثال فون باربيريني ، الذي يُظهر ساتيرًا متمددًا نائمًا، ربما بعد الشراب، مثالًا على الاسترخاء الأخلاقي في تلك الفترة، والاستعداد لإنشاء منحوتات كبيرة ومكلفة لموضوعات لا ترقى إلى مستوى البطولة. ^[54]

بعد فتوحات الإسكندر، كانت الثقافة الهلنستية مهيمنة في بلاط معظم بلدان الشرق الأدنى، وبعض بلدان آسيا الوسطى ، وتبنتها النخب الأوروبية بشكل متزايد، وخاصة في إيطاليا، حيث سيطرت المستعمرات اليونانية في البداية على معظم الجنوب. انتشر الفن والفنانون الهلنستيون على نطاق واسع، وكان لهم تأثير خاص في الجمهورية الرومانية المتوسعة وعندما واجهت البوذية في أقصى امتدادات المنطقة الهلنستية شرقًا. ربما تم صنع ما يسمى بتابوت الإسكندر الضخم الذي عُثر عليه في صيدا في لبنان الحديث في بداية الفترة من قبل فنانين يونانيين مغتربين لحاكم فارسي يوناني. ^[55] أدت ثروة تلك الفترة إلى زيادة كبيرة في إنتاج الأشكال الفاخرة من النحت الصغير، بما في ذلك الأحجار الكريمة المنقوشة والأحجار الكريمة والمجوهرات والأواني الذهبية والفضية.

• 
  برونزيات رياس ، تماثيل برونزية نادرة جدًا تم انتشالها من البحر، حوالي 460-430
• 
  هيرميس والطفل ديونيسوس ، ربما أصلية من تأليف براكسيتيليس ، القرن الرابع
• 
  سيدتان أنيقتان، تماثيل فخارية، 350-300
• 
  تمثال برونزي لحصان، أواخر القرن الثاني إلى القرن الأول قبل الميلاد، متحف متروبوليتان للفنون
• 
  نصر ساموثريس المجنح ، حوالي عام  190 قبل الميلاد ، متحف اللوفر
• 
  فينوس دي ميلو ، ج.  130 – 100 قبل الميلاد، اليونانية ، متحف اللوفر
• 
  لاوكون وأبناؤه ، يوناني ( هلنستي متأخر )، ربما نسخة، بين 200 قبل الميلاد و20 بعد الميلاد، رخام أبيض ، متحف الفاتيكان
• 
  ليوخارس ، أبولو بلفيدير ، حوالي  130-140 م. نسخة رومانية على نسخة برونزية يونانية أصلية تعود إلى 330-320 قبل الميلاد. متاحف الفاتيكان

تأثر الفن الروماني المبكر بفن اليونان وفن الإتروسكان المجاورين ، الذين تأثروا هم أنفسهم بشكل كبير بشركائهم التجاريين اليونانيين. كان أحد تخصصات الإتروسكان هو تماثيل القبور بالحجم الطبيعي تقريبًا من الطين ، والتي كانت مستلقية عادةً فوق غطاء تابوت مرفوعة على مرفق واحد في وضعية العشاء في تلك الفترة. مع بدء الجمهورية الرومانية المتوسعة في غزو الأراضي اليونانية، في البداية في جنوب إيطاليا ثم العالم الهلنستي بأكمله باستثناء الشرق الأقصى البارثي ، أصبح النحت الرسمي والباتريشي امتدادًا إلى حد كبير للأسلوب الهلنستي، والذي يصعب فصل العناصر الرومانية عنه على وجه التحديد، خاصة وأن الكثير من النحت اليوناني لم يبق منه سوى نسخ من الفترة الرومانية. ^[56] بحلول القرن الثاني قبل الميلاد، كان "معظم النحاتين العاملين في روما" يونانيين، ^[57] وغالبًا ما استُعبدوا في فتوحات مثل غزو كورنث (146 قبل الميلاد)، وظل النحاتون يونانيين في الغالب، وغالبًا ما كانوا عبيدًا، ونادرًا ما يتم تسجيل أسمائهم. تم استيراد أعداد هائلة من التماثيل اليونانية إلى روما، سواء كغنائم أو نتيجة للابتزاز أو التجارة، وغالبًا ما تم تزيين المعابد بأعمال يونانية أعيد استخدامها. ^[58]

يمكن رؤية أسلوب إيطالي أصلي في آثار المقابر، والتي غالبًا ما كانت تتميز بتماثيل نصفية لأشخاص رومانيين من الطبقة المتوسطة المزدهرة، ويُقال إن فن رسم البورتريه هو القوة الرئيسية للنحت الروماني. لا توجد بقايا من تقليد أقنعة الأجداد التي كانت تُرتدى في المواكب في جنازات العائلات العظيمة وتُعرض في المنزل، ولكن العديد من التماثيل النصفية التي نجت يجب أن تمثل شخصيات أسلاف، ربما من مقابر العائلات الكبيرة مثل قبر سكيبيو أو الأضرحة اللاحقة خارج المدينة. الرأس البرونزي الشهير المفترض أنه للوسيوس جونيوس بروتوس له تواريخ مختلفة جدًا، ولكن تم اعتباره بقايا نادرة جدًا من الطراز الإيطالي في عهد الجمهورية، في الوسيط المفضل من البرونز. ^[59] وبالمثل، تُرى رؤوس صارمة وقوية على عملات أواخر الجمهورية، وفي الفترة الإمبراطورية، كانت العملات المعدنية وكذلك التماثيل النصفية المرسلة حول الإمبراطورية لوضعها في بازيليكا المدن الإقليمية هي الشكل البصري الرئيسي للدعاية الإمبراطورية؛ حتى لندن كان بها تمثال ضخم لنيرون ، على الرغم من أنه أصغر بكثير من تمثال نيرون العملاق الذي يبلغ ارتفاعه 30 مترًا في روما، والذي فقد الآن. ^[60]

لم يحاول الرومان عمومًا التنافس مع الأعمال اليونانية المستقلة للمآثر البطولية من التاريخ أو الأساطير، ولكن منذ وقت مبكر أنتجوا أعمالًا تاريخية بارزة، بلغت ذروتها في الأعمدة الرومانية المنتصرة العظيمة مع النقوش السردية المستمرة المتعرجة حولها، والتي نجت منها تلك التي تحيي ذكرى تراجان (113 م) وماركوس أوريليوس (بحلول عام 193) في روما، حيث يمثل آرا باسيس ("مذبح السلام"، 13 قبل الميلاد) النمط اليوناني الروماني الرسمي في أكثر أشكاله كلاسيكية وتطورًا. ومن بين الأمثلة الرئيسية الأخرى النقوش المعاد استخدامها في وقت سابق على قوس قسطنطين وقاعدة عمود أنطونيوس بيوس (161)، ^{[61] كانت} نقوش كامبانا نسخًا فخارية أرخص من النقوش الرخامية وكان ذوق النقوش من الفترة الإمبراطورية موسعًا إلى التابوت. استمرت جميع أشكال النحت الصغير الفاخر في الظهور، وكانت الجودة عالية للغاية، كما هو الحال في كأس وارن الفضي ، وكأس ليكورجوس الزجاجي ، والنقوش البارزة الكبيرة مثل جيما أوغوستيا ، وكاميو غونزاغا ، و" كاميو فرنسا العظيم ". ^[62] بالنسبة لشريحة أوسع بكثير من السكان، تم إنتاج الزخارف البارزة المصبوبة من الأواني الفخارية والتماثيل الصغيرة بكميات كبيرة وغالبًا بجودة عالية. ^[63]

بعد الانتقال عبر مرحلة "الباروك" في أواخر القرن الثاني، ^[64] في القرن الثالث، تخلى الفن الروماني إلى حد كبير، أو ببساطة أصبح غير قادر على إنتاج، النحت في التقليد الكلاسيكي، وهو التغيير الذي لا تزال أسبابه محل مناقشة كبيرة. حتى أهم المعالم الإمبراطورية أظهرت الآن شخصيات قصيرة وكبيرة العينين بأسلوب أمامي قاسٍ، في تركيبات بسيطة تؤكد على القوة على حساب النعمة. تم توضيح التباين بشكل مشهور في قوس قسطنطين عام 315 في روما، والذي يجمع بين أقسام في النمط الجديد مع دوائر في النمط اليوناني الروماني الكامل السابق المأخوذ من أماكن أخرى، والأربعة حكام ( حوالي  305 ) من العاصمة الجديدة القسطنطينية ، الموجودة الآن في البندقية. وجد إرنست كيتزينجر في كلا النصبين نفس "النسب القصيرة، والحركات الزاوية، وترتيب الأجزاء من خلال التناظر والتكرار، وتقديم الملامح وطيات الستائر من خلال الشقوق بدلاً من النمذجة... تتكون السمة المميزة للأسلوب أينما ظهر من الصلابة الحاسمة والثقل والزوايا - باختصار، رفض شبه كامل للتقاليد الكلاسيكية". ^[65]

وقد سبقت هذه الثورة في الأسلوب فترة تبنت فيها الدولة الرومانية والغالبية العظمى من الناس المسيحية، مما أدى إلى نهاية النحت الديني الضخم، حيث لم تعد التماثيل الضخمة تُستخدم الآن إلا للإمبراطور. ومع ذلك، استمر المسيحيون الأثرياء في تكليف النقوش البارزة للتوابيت، كما هو الحال في تابوت جونيوس باسوس ، واستمر المسيحيون في النحت الصغير جدًا، وخاصةً من العاج، بناءً على أسلوب ثنائي القنصليات . ^[66]

• 
  تابوت إتروسكاني ، القرن الثالث قبل الميلاد
• 
  " كابيتولين بروتوس "، يعود تاريخها إلى القرن الثالث أو الأول قبل الميلاد
• 
  أغسطس بريما بورتا ، تمثال الإمبراطور أغسطس ، القرن الأول الميلادي. متاحف الفاتيكان
• 
  نقش بارز على قبر ديتشي، 98-117 م
• 
  تمثال نصفي للإمبراطور كلوديوس ، حوالي عام  50 ميلادي ، (تم إعادة صياغته من تمثال نصفي للإمبراطور كاليجولا )، تم العثور عليه في ما يسمى بكاتدرائية أوتريكولي في لانوفيوم ، إيطاليا، متاحف الفاتيكان
• 
  كومودوس يرتدي زي هرقل ، حوالي عام  191 ميلادي ، على الطراز الباروكي الإمبراطوري المتأخر
• 
  الأربعة حكام ، حوالي عام  305 ، يظهرون النمط الجديد المضاد للكلاسيكية، في حجر البورفير ، حاليًا في سان ماركو، البندقية
• 
  جوهرة الكاميو المعروفة باسم " الكاميو العظيم لفرنسا "، حوالي عام  23 ميلادي ، مع رمزية لأغسطس وعائلته

كان المسيحيون الأوائل يعارضون النحت الديني الضخم، على الرغم من استمرار التقاليد الرومانية في التماثيل النصفية للصور ونقوش التوابيت ، بالإضافة إلى الأشياء الأصغر مثل ثنائي القنصلية. كانت مثل هذه الأشياء، غالبًا من مواد قيمة، هي التقاليد النحتية الرئيسية (بقدر ما هو معروف) لحضارات فترة الهجرة ، كما يتضح من الأشياء الموجودة في كنز الدفن في القرن السادس في ساتون هوو ، ومجوهرات الفن السكيثي والإنتاج الهجين المسيحي والحيواني للفن الجزري . باتباع التقاليد البيزنطية المستمرة، أحيا الفن الكارولينجي نحت العاج في الغرب، غالبًا في الألواح لتجليد الكنز للمخطوطات المزخرفة الكبرى ، بالإضافة إلى رؤوس الصولجان وغيرها من التركيبات الصغيرة.

الفن البيزنطي ، على الرغم من إنتاج نقوش عاجية رائعة ونحت زخرفي معماري، لم يعد أبدًا إلى النحت الضخم، أو حتى الكثير من المنحوتات الصغيرة المستديرة. ^[67] ومع ذلك، في الغرب خلال الفترتين الكارولينجية والأوتونية كانت هناك بدايات إنتاج التماثيل الضخمة، في المحاكم والكنائس الكبرى. انتشر هذا تدريجيًا؛ بحلول أواخر القرن العاشر والحادي عشر، توجد سجلات لعدة منحوتات بالحجم الطبيعي على ما يبدو في الكنائس الأنجلو ساكسونية ، ربما من معدن ثمين حول إطار خشبي، مثل مادونا الذهبية في إيسن . لم ينج أي مثال أنجلو ساكسوني، ^[68] وبقايا المنحوتات الكبيرة غير المعمارية من قبل عام 1000 نادرة للغاية. أفضلها بكثير هو صليب جيرو ، من 965-970، وهو صليب ، والذي كان من الواضح أنه النوع الأكثر شيوعًا من المنحوتات؛ أقام شارلمان واحدة منها في كنيسة بالاتين في آخن حوالي عام 800. واستمرت شعبية هذه النقوش في الازدياد، وخاصة في ألمانيا وإيطاليا. وكانت أحجار الرونية في العالم الشمالي ، وأحجار بيكتيش في اسكتلندا، وربما نقوش الصليب المرتفعة في بريطانيا العظمى المسيحية، تقاليد نحتية شمالية كانت بمثابة جسر بين فترة التنصير.

• 
  رئيس الملائكة العاجي ، 525-550، القسطنطينية
• 
  لوحة عاجية من العصر الكارولنجي المتأخر ، ربما كانت مخصصة لغلاف كتاب
• 
  ثلاثية هاربافيل ، عاج بيزنطي ، منتصف القرن العاشر

بدءًا من عام 1000 بعد الميلاد تقريبًا، كان هناك نهضة للإنتاج الفني في جميع أنحاء أوروبا، بقيادة النمو الاقتصادي العام في الإنتاج والتجارة، وكان النمط الجديد للفن الروماني هو أول أسلوب من العصور الوسطى يتم استخدامه في جميع أنحاء أوروبا الغربية. تم تزيين الكاتدرائيات الجديدة وكنائس الحجاج بشكل متزايد بنقوش حجرية معمارية، وتطورت بؤر جديدة للنحت، مثل طبلة الأذن فوق أبواب الكنيسة في القرن الثاني عشر، والعاصمة المأهولة بالسكان مع الشخصيات والمشاهد السردية غالبًا. تشمل كنائس الأديرة البارزة ذات النحت في فرنسا فيزيلاي ومواساك وفي إسبانيا سيلوس . ^[69]

تميز الفن الروماني بأسلوب قوي للغاية في كل من النحت والرسم. لم تكن تيجان الأعمدة أكثر إثارة من هذه الفترة، حيث كانت تُنحت غالبًا بمشاهد كاملة مع العديد من الشخصيات. ^{[70] كان} الصليب الخشبي الكبير ابتكارًا ألمانيًا في بداية الفترة، وكذلك التماثيل المستقلة للسيدة العذراء المتربعة على العرش، لكن النحت البارز كان قبل كل شيء هو الأسلوب النحتي لتلك الفترة. كانت التراكيب عادةً قليلة العمق، وكانت بحاجة إلى أن تكون مرنة لتضغط نفسها على أشكال تيجان الأعمدة، وأعمدة الكنيسة؛ التوتر بين الإطار المحكم، والذي تهرب منه التركيبة أحيانًا، هو موضوع متكرر في الفن الروماني. لا تزال الشخصيات غالبًا ما تختلف في الحجم فيما يتعلق بأهميتها، ولم يكن هناك تقريبًا أي صور شخصية.

كانت للأشياء المصنوعة من مواد ثمينة مثل العاج والمعادن مكانة عالية جدًا في تلك الفترة، أكثر بكثير من النحت الضخم - فنحن نعرف أسماء صانعي هذه الأشياء أكثر من الرسامين أو المزخرفين أو البنائين المعماريين. أصبحت الأعمال المعدنية، بما في ذلك الزخارف بالمينا ، متطورة للغاية، وقد نجت العديد من الأضرحة المذهلة المصنوعة لحمل الآثار، وأشهرها ضريح الملوك الثلاثة في كاتدرائية كولونيا من تصميم نيكولاس من فردان . شمعدان جلوسيستر البرونزي وخط النحاس من 1108-1117 الموجود الآن في لييج من الأمثلة الرائعة، والمختلفة جدًا في الأسلوب، على صب المعادن، الأول معقد للغاية وحيوي، مستمد من لوحة مخطوطة، بينما يُظهر الخط أسلوب موسان في أكثر أشكاله كلاسيكية وفخامة. الأبواب البرونزية وعمود النصر والتجهيزات الأخرى في كاتدرائية هيلدسهايم وأبواب جنيزنو وأبواب كنيسة سان زينو في فيرونا هي بقايا كبيرة أخرى. يبدو أن وعاء الماء ، وهو وعاء للاستحمام بالماء، قد تم إدخاله إلى أوروبا في القرن الحادي عشر، وكان غالبًا ما يتخذ أشكالًا حيوانية رائعة ؛ ومعظم الأمثلة الباقية مصنوعة من النحاس. لا تزال العديد من طبعات الشمع من الأختام الرائعة باقية على المواثيق والوثائق، على الرغم من أن العملات الرومانية لا تتمتع عمومًا بأهمية جمالية كبيرة. ^[71]

صليب الأديرة هو صليب عاجي كبير بشكل غير عادي ، مع نقوش معقدة تتضمن العديد من شخصيات الأنبياء وغيرهم، وقد نُسب إلى أحد الفنانين القلائل نسبيًا المعروفين باسمه، وهو السيد هوغو ، الذي قام أيضًا بزخرفة المخطوطات. مثل العديد من القطع، كان ملونًا جزئيًا في الأصل. تعد قطع الشطرنج لويس أمثلة محفوظة جيدًا للعاج الصغير، حيث تبقى العديد من القطع أو الشظايا من العصي واللوحات والصليب الصدري والأشياء المماثلة.

• 
  حوض المعمودية في كنيسة القديس بارثولوميو، لييج ، معمودية المسيح ، 1107-1118
• 
  طبلة الأذن في دير فيزيلاي ، بورغوندي ، فرنسا، ثلاثينيات القرن الحادي عشر
• 
  واجهة كاتدرائية أورينسي 1160، إسبانيا
• 
  بورتيكو دا جلوريا ، كاتدرائية سانتياغو دي كومبوستيلا ، غاليسيا ، إسبانيا، ج. القرنين  الثاني عشر والثالث عشر

تُعرَّف الفترة القوطية بشكل أساسي بالعمارة القوطية ، ولا تتناسب تمامًا مع تطور الأسلوب في النحت سواء في بدايته أو نهايته. استمرت واجهات الكنائس الكبيرة، وخاصة حول الأبواب، في وجود قوالب كبيرة، ولكن أيضًا صفوف من التماثيل المنحوتة المنتشرة حولها. تُظهر التماثيل الموجودة على البوابة الغربية (الملكية) في كاتدرائية شارتر ( حوالي  1145 ) استطالة عمودية أنيقة ولكن مبالغ فيها، ولكن تلك الموجودة على بوابة الجناح الجنوبي ، من عام 1215 إلى 1220، تُظهر أسلوبًا أكثر طبيعية وانفصالًا متزايدًا عن الجدار خلفه، وبعض الوعي بالتقاليد الكلاسيكية. استمرت هذه الاتجاهات في البوابة الغربية في كاتدرائية ريمس بعد بضع سنوات، حيث كانت التماثيل مستديرة تقريبًا، كما أصبح معتادًا مع انتشار القوطية في جميع أنحاء أوروبا. ^[72]

في إيطاليا، طور نيكولا بيسانو (1258-1278) وابنه جيوفاني أسلوبًا يُطلق عليه غالبًا عصر النهضة البدائي ، مع تأثير واضح من التوابيت الرومانية والتراكيب المعقدة والمزدحمة، بما في ذلك التعامل المتعاطف مع العري، في الألواح البارزة على منبر كاتدرائية سيينا (1265-1268)، والمنبر في معمودية بيزا (1260)، ونافورة ماجوري في بيروجيا ، ومنبر جيوفاني في بيستويا عام 1301. ^[73] يُرى إحياء آخر للأسلوب الكلاسيكي في العمل القوطي الدولي لكلاوس سلوتر وأتباعه في بورغوندي وفلاندرز حوالي عام 1400. ^{[74] استمر النحت القوطي المتأخر في الشمال، مع موضة مذابح خشبية كبيرة} جدًا منحوتة بنحت متزايد المهارة وأعداد كبيرة من الشخصيات المعبرة المضطربة؛ توجد أغلب الأمثلة الباقية في ألمانيا، بعد الكثير من تحطيم الأيقونات في أماكن أخرى. واصل تيلمان ريمنشنايدر وفيت ستوس وغيرهما هذا الأسلوب حتى القرن السادس عشر، حيث استوعبوا تدريجيًا تأثيرات عصر النهضة الإيطالي. ^[75]

أصبحت تماثيل القبور بالحجم الطبيعي المصنوعة من الحجر أو المرمر شائعة بين الأثرياء، وتطورت المقابر الفخمة متعددة المستويات، حيث كانت مقابر سكاليجر في فيرونا كبيرة جدًا لدرجة أنه كان لا بد من نقلها خارج الكنيسة. بحلول القرن الخامس عشر، كانت هناك صناعة لتصدير نقوش مذابح نوتنغهام المرمرية في مجموعات من الألواح في معظم أنحاء أوروبا للرعايا الاقتصاديين الذين لا يستطيعون تحمل تكلفة الطاولات الحجرية. ^[76] أصبحت المنحوتات الصغيرة، لسوق عامة في الغالب وغالبًا ما تكون نسائية، صناعة كبيرة في باريس وبعض المراكز الأخرى. تضمنت أنواع العاج لوحات متعددة الأشكال صغيرة للعبادة ، وأشكال فردية، وخاصة العذراء ، وعلب المرايا، والأمشاط، والصناديق المتقنة مع مشاهد من الرومانسيات ، والتي تستخدم كهدايا للخطوبة. ^[77] جمع الأثرياء للغاية الأعمال المعدنية المرصعة بالجواهر والمينا، سواء كانت دينية أو دنيوية، مثل صندوق الشوك المقدس لدوق دي بيري ، حتى نفدت أموالهم، فتم صهرها مرة أخرى للحصول على النقود. ^[78]

• 
  البوابة الغربية لكاتدرائية شارتر ( حوالي  1145 )
• 
  البوابة الجنوبية لكاتدرائية شارتر ( حوالي  1215-1220 )
• 
  البوابة الغربية لكاتدرائية رانس ، مجموعة البشارة
• 
  نيكولا بيسانو ، ميلاد المجوس وعبادتهم من المنبر في معمودية بيزا
• 
  فارس بامبرغ 1237، تمثال حجري لفارس بالحجم الطبيعي تقريبًا ، وهو الأول من نوعه منذ العصور القديمة .
• 
  غطاء صندوق والترز ، مع حصار قلعة الحب على اليسار، والمبارزة . باريس، 1330-1350
• 
  حصار قلعة الحب على مرآة في متحف اللوفر ، 1350-1370؛ السيدات يخسرن.
• 
  وسط ألمانيا بيتا ، 1330-1340
• 
  كلاوس سلوتر ، داود ونبي من بئر موسى
• 
  قاعدة صندوق الشوك المقدس ، إحياء الموتى من الذهب والمينا والأحجار الكريمة
• 
  جزء من مذبح مغطى بألواح خشبية عليه صورة قيامة المسيح ، باللغة الإنجليزية، 1450-1490، مرمر نوتنغهام مع بقايا من الألوان
• 
  تفاصيل العشاء الأخير من مذبح الدم المقدس لتيلمان ريمنشنايدر ، 1501-1505، روتنبورغ أوب دير تاوبر ، بافاريا

غالبًا ما يُفترض أن فن النحت في عصر النهضة بدأ بالمسابقة الشهيرة لأبواب معمودية فلورنسا عام 1403، والتي نجت منها النماذج التجريبية التي قدمها الفائز، لورينزو غيبرتي ، وفيليبو برونليسكي . لا تزال أبواب غيبرتي في مكانها، ولكن لا شك أنها طغت عليها أبوابه الثانية للمدخل الآخر، والتي تسمى بوابات الجنة ، والتي أخذته من عام 1425 إلى عام 1452، وهي مؤلفات كلاسيكية واثقة بشكل مذهل مع أعماق متنوعة من النحت تسمح بخلفيات واسعة النطاق. ^[79] شهدت السنوات الفاصلة تطور مساعد غيبرتي المبكر دوناتيلو مع تماثيل أساسية بما في ذلك تماثيل ديفيد من الرخام (1408-1409) والبرونز (1440)، وتمثاله الفروسية لجاتاميلاتا ، بالإضافة إلى النقوش البارزة. ^{[80] كان} أندريا ديل فيروتشيو أحد الشخصيات الرائدة في الفترة اللاحقة ، والمعروف بتمثاله الفروسية لبارتولوميو كوليوني في البندقية؛ ^[81] صمم تلميذه ليوناردو دافنشي تمثالًا للخيول في عام 1482 بعنوان الحصان لميلانو ، لكنه نجح فقط في صنع نموذج طيني بطول 24 قدمًا (7.3 مترًا) والذي دمره الرماة الفرنسيون في عام 1499، ولم تكتمل خططه النحتية الطموحة الأخرى أبدًا. ^[82]

تميزت تلك الفترة بزيادة كبيرة في رعاية الدولة للنحت من أجل الفن العام ومن قبل الأثرياء لمنازلهم؛ وخاصة في إيطاليا، يظل النحت العام عنصرًا حاسمًا في مظهر مراكز المدن التاريخية. انتقل نحت الكنيسة في الغالب إلى الداخل تمامًا كما أصبحت المعالم العامة الخارجية شائعة. أصبح نحت البورتريه، عادةً في تماثيل نصفية، شائعًا في إيطاليا حوالي عام 1450، حيث تخصص فرانشيسكو لورانا النابولي في الشابات في أوضاع تأملية، بينما صور أنطونيو روسيلينو وآخرون في كثير من الأحيان رجال أعمال ذوي وجوه متعرجة، ولكن أيضًا أطفالًا صغارًا. ^{[83] غالبًا ما تصور} ميدالية البورتريه التي اخترعها بيسانيلو النساء أيضًا؛ كانت اللوحات البارزة شكلًا صغيرًا جديدًا آخر من أشكال النحت في المعدن المصبوب.

كان مايكل أنجلو نحاتًا نشطًا من حوالي عام 1500 إلى عام 1520، ولم يتمكن النحاتون اللاحقون من تجاهل روائعه العظيمة بما في ذلك تمثال داود ، وبيتا ، وموسى ، وقطع قبر البابا يوليوس الثاني وكنيسة ميديشي . يتميز تمثال داود الأيقوني (1504) بوضعية مضادة ، مستعارة من النحت الكلاسيكي. يختلف عن التمثيلات السابقة للموضوع في أن داود يصور قبل معركته مع جالوت وليس بعد هزيمة العملاق. بدلاً من إظهاره منتصراً، كما فعل دوناتيلو وفيروكيو، يبدو ديفيد متوتراً وجاهزًا للمعركة. ^[84]

• 
  لورينزو غيبرتي ، لوحة تصور ذبيحة إسحاق من أبواب معمودية فلورنسا ؛ منظر مائل هنا
• 
  لوكا ديلا روبيا ، تفاصيل كانتوريا ، ج.  1438 ، متحف أوبرا ديل دومو ، فلورنسا
• 
  دوناتيلو ، ديفيد ، حوالي  عام 1440 ، متحف بارجيلو ، فلورنسا
• 
  دوناتيلو ، جوديث وهولوفيرنس ، ج.  1460 ، قصر فيكيو ، فلورنسا
• 
  فرانشيسكو لورانا ، تمثال نصفي نسائي (ممثل)
• 
  فيروكيو ، توماس الشكاك ، 1467-1483، أورسان ميشيل ، فلورنسا
• 
  مايكل أنجلو ، ديفيد ، حوالي عام  1504 ، جاليريا ديل أكاديميا ، فلورنسا
• 
  مايكل أنجلو ، العبد المحتضر ، حوالي  1513-1516

كما هو الحال في الرسم، كان النحت الإيطالي المبكر في الأسلوب المانييري محاولة إلى حد كبير لإيجاد أسلوب أصلي من شأنه أن يتفوق على إنجاز عصر النهضة العالي ، والذي كان يعني في النحت بشكل أساسي مايكل أنجلو، وقد تم تنفيذ قدر كبير من النضال لتحقيق ذلك في اللجان لملء أماكن أخرى في ساحة ديلا سيجنوريا في فلورنسا، بجوار تمثال ديفيد لمايكل أنجلو . تولى باتشيو باندينيلي مشروع هرقل وكاكوس من المعلم نفسه، لكنه لم يكن أكثر شعبية مما هو عليه الآن، وقارنه بنفينوتو سيليني بخبث بـ "كيس من البطيخ"، على الرغم من أنه كان له تأثير طويل الأمد في تقديم لوحات بارزة على قاعدة التماثيل لأول مرة. مثل أعماله الأخرى، وأعمال مانييرست الأخرى، فإنه يزيل المزيد من الكتلة الأصلية مما كان ليفعله مايكل أنجلو. ^[85] تمثال برسيوس البرونزي لتشيليني برأس ميدوسا هو بلا شك تحفة فنية، صُمم بثماني زوايا رؤية، وهي سمة أخرى من سمات المانيرستية، لكنه في الواقع مُتكلف مقارنة بتماثيل ديفيد لمايكل أنجلو ودوناتيلو. ^[86] كان في الأصل صائغًا، وكان مملحته الشهيرة المصنوعة من الذهب والمينا (1543) أول منحوتة له، وتُظهِر موهبته في أفضل حالاتها. ^[87] وكما تُظهِر هذه الأمثلة، فقد وسعت الفترة نطاق الموضوعات الدنيوية للأعمال الكبيرة إلى ما هو أبعد من الصور الشخصية، مع تفضيل الشخصيات الأسطورية بشكل خاص؛ في السابق كانت هذه الشخصيات موجودة في الغالب في الأعمال الصغيرة.

كانت التماثيل البرونزية الصغيرة المخصصة لخزائن هواة الجمع ، والتي غالبًا ما تكون عبارة عن مواضيع أسطورية مع عراة، شكلًا شائعًا في عصر النهضة، وقد برع فيه جيامبولونيا ، الذي كان في الأصل فلمنكيًا ولكنه كان يقيم في فلورنسا، في الجزء الأخير من القرن، حيث ابتكر أيضًا منحوتات بالحجم الطبيعي، وانضم اثنان منها إلى المجموعة في ساحة ديلا سيجنوريا. ابتكر هو وأتباعه أمثلة أنيقة ممدودة من تماثيل الأفعى ، والتي غالبًا ما تكون لشخصيتين متشابكتين، وكانت مثيرة للاهتمام من جميع الزوايا. ^[88]

• 
  باب خارجي من الجص في فونتينبلو ، من المحتمل أن يكون من تصميم بريماتيكيو ، الذي رسم الشكل البيضاوي، في ثلاثينيات أو أربعينيات القرن السادس عشر
• 
  بنفينوتو تشيليني ، برسيوس مع رأس ميدوسا ، 1545-1554
• 
  جيامبولونيا ، شمشون يقتل فلسطينيًا ، حوالي عام 1562
• 
  جيامبولونيا ، اغتصاب نساء سابين ، 1583، فلورنسا، إيطاليا، ارتفاع 13 قدمًا و6 بوصات (4.1 مترًا)، من الرخام

في النحت الباروكي، اكتسبت مجموعات الشخصيات أهمية جديدة، وكانت هناك حركة ديناميكية وطاقة للأشكال البشرية - كانت تدور حول دوامة مركزية فارغة، أو تمتد إلى الخارج في الفضاء المحيط. غالبًا ما كان للنحت الباروكي زوايا رؤية مثالية متعددة، ويعكس استمرارًا عامًا للتحرك في عصر النهضة بعيدًا عن النحت البارز إلى النحت الذي تم إنشاؤه في الجولة، والمصمم لوضعه في منتصف مساحة كبيرة - كانت النوافير المتقنة مثل Fontana dei Quattro Fiumi لبرنيني (روما، 1651)، أو تلك الموجودة في حدائق فرساي تخصصًا باروكيًا. كان الأسلوب الباروكي مناسبًا تمامًا للنحت، مع جيان لورينزو برنيني الشخصية المهيمنة في العصر في أعمال مثل نشوة القديسة تيريزا (1647-1652). ^[89] أضاف الكثير من النحت الباروكي عناصر نحتية إضافية، على سبيل المثال، الإضاءة المخفية، أو نوافير المياه، أو دمج النحت والهندسة المعمارية لخلق تجربة تحويلية للمشاهد. اعتبر الفنانون أنفسهم جزءًا من التقليد الكلاسيكي، لكنهم أعجبوا بالنحت الهلنستي والروماني اللاحق، وليس بالنحت في الفترات "الكلاسيكية" كما نراها اليوم. ^[90]

أدى الإصلاح البروتستانتي إلى توقف شبه كامل للنحت الديني في معظم أنحاء شمال أوروبا، ورغم استمرار النحت العلماني، وخاصة للتماثيل النصفية للصور الشخصية والآثار التذكارية للمقابر ، إلا أن العصر الذهبي الهولندي لم يكن به أي مكون نحتي مهم خارج صناعة الذهب. ^[91] وكرد فعل مباشر جزئيًا، كان النحت بارزًا في الكاثوليكية الرومانية كما كان في أواخر العصور الوسطى. أصبحت تماثيل الحكام والنبلاء شائعة بشكل متزايد. في القرن الثامن عشر، استمر الكثير من النحت على خطوط الباروك - لم تكتمل نافورة تريفي إلا في عام 1762. كان أسلوب الروكوكو أكثر ملاءمة للأعمال الأصغر حجمًا، ويمكن القول إنه وجد شكله النحتي المثالي في الخزف الأوروبي المبكر ، والمخططات الزخرفية الداخلية في الخشب أو الجص مثل تلك الموجودة في التصميمات الداخلية المنزلية الفرنسية وكنائس الحج النمساوية والبافارية . ^[92]

• 
  تمثال نصفي للويس الرابع عشر ، 1686، بواسطة أنطوان كويسيفوكس
• 
  القديسة فيرونيكا بواسطة فرانشيسكو موتشي (1640)، كاتدرائية القديس بطرس
• 
  بيير بول بوجيه ، فرساوس والمرأة المسلسلة ، 1715، متحف اللوفر
• 
  فرانز أنطون بوستيلي ، مجموعة الخزف روكوكو نيمفنبورج

أعطى النمط الكلاسيكي الجديد الذي وصل في أواخر القرن الثامن عشر أهمية كبيرة للنحت. يجسد جان أنطوان هودون النحت البورتريه الثاقب الذي يمكن أن ينتجه هذا النمط، وتمثل العاريات التي رسمها أنطونيو كانوفا الجانب المثالي للحركة. كانت الفترة الكلاسيكية الجديدة واحدة من أعظم عصور النحت العام، على الرغم من أن نماذجها "الكلاسيكية" كانت على الأرجح نسخًا رومانية من المنحوتات الهلنستية. في النحت، فإن الممثلين الأكثر شهرة هم الإيطالي أنطونيو كانوفا والإنجليزي جون فلاكسمان والدنمركي بيرتل ثورفالدسن . كما ترسخت الطريقة الكلاسيكية الجديدة الأوروبية في الولايات المتحدة، حيث بلغت ذروتها في وقت لاحق إلى حد ما وتتجلى في منحوتات هيرام باورز .

• 
  جان أنطوان هودون ، تمثال نصفي لبنجامين فرانكلين ، 1778، متحف متروبوليتان للفنون
• 
  بيرتل ثورفالدسن : جيسون والصوف الذهبي (1803)
• 
  جون فلكسمان ، نصب تذكاري في كنيسة بادجر، شروبشاير ،  حوالي ثمانينيات القرن الثامن عشر
• 
  هيرام باورز ، 1851، العبد اليوناني ، معرض جامعة ييل للفنون

الفن اليوناني البوذي هو المظهر الفني للبوذية اليونانية ، وهو مزيج ثقافي بين الثقافة اليونانية الكلاسيكية والبوذية ، والذي تطور على مدى فترة تقرب من 1000 عام في آسيا الوسطى، بين فتوحات الإسكندر الأكبر في القرن الرابع قبل الميلاد، والفتوحات الإسلامية في القرن السابع الميلادي. يتميز الفن اليوناني البوذي بالواقعية المثالية القوية للفن الهلنستي والتمثيلات الأولى لبوذا في شكل بشري، والتي ساعدت في تحديد الشريعة الفنية (وخاصة النحتية) للفن البوذي في جميع أنحاء القارة الآسيوية حتى الوقت الحاضر. على الرغم من أن التأريخ غير مؤكد، يبدو أن الأساليب الهلنستية القوية استمرت في الشرق لعدة قرون بعد أن تراجعت في جميع أنحاء البحر الأبيض المتوسط، حتى أواخر القرن الخامس الميلادي. تم تبني بعض جوانب الفن اليوناني بينما لم ينتشر البعض الآخر خارج المنطقة اليونانية البوذية؛ على وجه الخصوص، الشكل الواقف، غالبًا بوضعية مريحة ورجل واحدة مثنية، والكيوبيد الطائر أو الانتصارات، الذين أصبحوا مشهورين في جميع أنحاء آسيا باسم apsaras . كان الزخرفة اليونانية لأوراق الشجر مؤثرة أيضًا، مع ظهور نسخ هندية من عاصمة كورنثية . ^[93]

تعود أصول الفن اليوناني البوذي إلى مملكة اليونان البخترية الهلنستية (250-130 قبل الميلاد)، الواقعة في أفغانستان اليوم ، والتي انتشرت منها الثقافة الهلنستية إلى شبه القارة الهندية مع تأسيس مملكة الهند اليونانية الصغيرة (180-10 قبل الميلاد). في عهد الهنود اليونانيين ثم الكوشانيين ، ازدهر تفاعل الثقافة اليونانية والبوذية في منطقة غاندهارا ، في شمال باكستان اليوم، قبل أن ينتشر إلى الهند، ويؤثر على فن ماثورا ، ثم الفن الهندوسي لإمبراطورية جوبتا ، والتي امتدت إلى بقية جنوب شرق آسيا. كما انتشر تأثير الفن اليوناني البوذي شمالاً نحو آسيا الوسطى ، مما أثر بشدة على فن حوض تاريم وكهوف دونغ هوانغ ، وفي النهاية على الشكل المنحوت في الصين وكوريا واليابان. ^[94]

• 
  إفريز غاندهارا مع المصلين، يحملون أوراق الموز ، على الطراز الهلنستي البحت، داخل أعمدة كورنثية ، القرن الأول والثاني الميلادي. بونر ، سوات ، باكستان. متحف فيكتوريا وألبرت
• 
  قطعة من إله الريح بورياس ، حدا ، أفغانستان.
• 
  عملة ديميتريوس الأول من باكتريا ، الذي حكم حوالي 200-180 قبل الميلاد وغزا شمال الهند
• 
  رأس بوذا من الجص ، تم رسمه ذات مرة، من حدّة، أفغانستان ، القرنين الثالث والرابع
• 
  غاندهارا بوسيدون ( متحف الشرق القديم )
• 
  الآلهة البوذية بانسيكا (يسار) وهارييتي (يمين)، القرن الثالث، غاندهارا
• 
  تمثال بوذا الأطول في باميان ، حوالي عام  547 ميلادي ، في عام 1963 وفي عام 2008 بعد أن تم تفجيره بالديناميت وتدميره في مارس 2001 من قبل طالبان

تعود البرونزيات الطقسية الصينية من أسرتي شانغ وتشو الغربية إلى فترة تزيد عن ألف عام من حوالي  عام 1500 قبل الميلاد ، وقد مارست تأثيرًا مستمرًا على الفن الصيني . وهي مصبوبة بزخارف معقدة ذات أنماط وحيوانات ، لكنها تتجنب الشكل البشري، على عكس الأشكال الضخمة التي تم اكتشافها مؤخرًا في سانكسينجدو . ^{[95] تم تجميع} جيش تيراكوتا المذهل لمقبرة تشين شي هوانغ ، أول إمبراطور للصين الموحدة من عام 221 إلى 210 قبل الميلاد، كنسخة إمبراطورية رائعة من الشخصيات التي وُضعت منذ فترة طويلة في المقابر لتمكين المتوفى من التمتع بنفس نمط الحياة في الحياة الآخرة كما كان عليه عندما كان على قيد الحياة، لتحل محل التضحيات الفعلية في فترات مبكرة جدًا. تم وضع شخصيات أصغر من الفخار أو الخشب في المقابر لعدة قرون بعد ذلك، وبلغت ذروة الجودة في شخصيات مقابر أسرة تانغ . ^[96] استمر تقليد التماثيل الفخارية الكبيرة بشكل غير عادي في الصين، من تماثيل قبور تانغ سانساي إلى التماثيل البوذية اللاحقة مثل مجموعة من الفخار المزجج ييكسيان بالحجم الطبيعي تقريبًا والتماثيل اللاحقة للمعابد والمقابر. حلت هذه التماثيل محل نظائرها السابقة المصنوعة من الخشب.

لا تستخدم الديانات الصينية الأصلية عادةً صور عبادة للآلهة، أو حتى تمثلهم، والمنحوتات الدينية الكبيرة كلها بوذية تقريبًا، ويرجع تاريخها في الغالب إلى القرن الرابع إلى القرن الرابع عشر، واستخدمت في البداية نماذج يونانية بوذية وصلت عبر طريق الحرير . البوذية هي أيضًا سياق جميع منحوتات الصور الكبيرة؛ على النقيض التام لبعض المناطق الأخرى، في الصين في العصور الوسطى، كانت حتى الصور المرسومة للإمبراطور تعتبر خاصة. تحتوي المقابر الإمبراطورية على طرق مذهلة للتقدم تصطف على جانبيها حيوانات حقيقية وأسطورية على نطاق يضاهي مصر، وتزين نسخ أصغر المعابد والقصور. ^[97]

تم إنتاج التماثيل والمجموعات البوذية الصغيرة بجودة عالية جدًا في مجموعة من الوسائط، ^[98] كما كانت الزخارف البارزة لجميع أنواع الأشياء، وخاصة في الأعمال المعدنية واليشم . ^[99] في الفترات السابقة، تم قطع كميات كبيرة من المنحوتات من الصخور الحية في مجمعات كهوف الحج، وكصروح صخرية خارجية . تم رسمها في الغالب في الأصل. وعلى النقيض من الرسامين الأدباء ، كان يُنظر إلى النحاتين من جميع الأنواع على أنهم حرفيون ولم يتم تسجيل سوى عدد قليل جدًا من الأسماء. ^[100] منذ عهد أسرة مينج فصاعدًا، تم إنتاج تماثيل صغيرة لشخصيات دينية وعلمانية من الخزف الصيني وغيره من الوسائط، والتي أصبحت من الصادرات المهمة.

• 
  نقش برونزي من أواخر عهد أسرة شانغ (القرن الثالث عشر - القرن العاشر قبل الميلاد)
• 
  حارس القبر يوضع عادة داخل أبواب القبر لحماية الروح أو توجيهها، فترة الدول المتحاربة ،  القرن الثالث قبل الميلاد تقريبًا
• 
  فارس بالحجم الطبيعي من جيش تيراكوتا ، سلالة تشين ،  القرن الثالث قبل الميلاد تقريبًا
• 
  غزال ذهبي برأس نسر، وعشرة رؤوس أخرى في قرونها. قطعة مستوحاة من فن جبال ألتاي السيبيرية، ربما بازيريك ، تم اكتشافها في موقع نالينججاوتو، مقاطعة شنمو ، بالقرب من شيآن ، الصين . ^[101] ربما من "شعب الهون الذي عاش في البراري في شمال الصين". يعود تاريخها إلى القرنين الرابع والثالث قبل الميلاد، ^[101] أو فترة أسرة هان . ^[102] متحف تاريخ شنشي . ^[102]
• 
  تمثال لفتاة راقصة في قبر يعود تاريخه إلى عهد أسرة هان (202 قبل الميلاد - 220 بعد الميلاد)
• 
  حاوية برونزية من مخلفات الكاوري مع الياك ، من تقليد مملكة ديان (القرن الرابع قبل الميلاد - 109 قبل الميلاد) في أسرة هان الغربية
• 
  سلالة وي الشمالية مايتريا (386-534)
• 
  تمثال قبر من عهد أسرة تانغ في فخار مطلي بالزجاج ، حصان وعريس (618-907)
• 
  بوذا الجالس ، سلالة تانغ، حوالي 650.
• 
  بوديساتفا خشبي من عهد أسرة سونغ (960-1279)
• 
  كأس صيني من اليشم بمقابض تنين، من عهد أسرة سونغ ، القرن الثاني عشر
• 
  بوديساتفا غوانيين في الخزف الأبيض الصيني (دي هوا) ، من عمل هي تشاوزونغ ، سلالة مينغ ، أوائل القرن السابع عشر
• 
  Blue underglaze statue of a man with his pipe, Jingdezhen porcelain, Ming Wanli period (1573–1620)
• 
  A Chinese guardian lion outside Yonghe Temple, Beijing, Qing dynasty, c. 1694

Towards the end of the long Neolithic Jōmon period, some pottery vessels were "flame-rimmed" with extravagant extensions to the rim that can only be called sculptural,^[103] and very stylized pottery dogū figures were produced, many with the characteristic "snow-goggle" eyes. During the Kofun period of the 3rd to 6th century CE, haniwa terracotta figures of humans and animals in a simplistic style were erected outside important tombs. The arrival of Buddhism in the 6th century brought with it sophisticated traditions in sculpture, Chinese styles mediated via Korea. The 7th-century Hōryū-ji and its contents have survived more intact than any East Asian Buddhist temple of its date, with works including a Shaka Trinity of 623 in bronze, showing the historical Buddha flanked by two bodhisattvas and also the Guardian Kings of the Four Directions.^[104]

Jōchō is said to be one of the greatest Buddhist sculptors not only in Heian period but also in the history of Buddhist statues in Japan. Jōchō redefined the body shape of Buddha statues by perfecting the technique of "yosegi zukuri" (寄木造り) which is a combination of several woods. The peaceful expression and graceful figure of the Buddha statue that he made completed a Japanese style of sculpture of Buddha statues called "Jōchō yō" (Jōchō style, 定朝様) and determined the style of Japanese Buddhist statues of the later period. His achievement dramatically raised the social status of busshi (Buddhist sculptor) in Japan.^[105]

In the Kamakura period, the Minamoto clan established the Kamakura shogunate and the samurai class virtually ruled Japan for the first time. Jocho's successors, sculptors of the Kei school of Buddhist statues, created realistic and dynamic statues to suit the tastes of samurai, and Japanese Buddhist sculpture reached its peak. Unkei, Kaikei, and Tankei were famous, and they made many new Buddha statues at many temples such as Kofuku-ji, where many Buddha statues had been lost in wars and fires.^[106]

Almost all subsequent significant large sculpture in Japan was Buddhist, with some Shinto equivalents, and after Buddhism declined in Japan in the 15th century, monumental sculpture became largely architectural decoration and less significant.^[107] However sculptural work in the decorative arts was developed to a remarkable level of technical achievement and refinement in small objects such as inro and netsuke in many materials, and metal tosogu or Japanese sword mountings. In the 19th century there were export industries of small bronze sculptures of extreme virtuosity, ivory and porcelain figurines, and other types of small sculpture, increasingly emphasizing technical accomplishment.

• 
  'Flame-style' vessel, Neolithic Jōmon period; c. 2750 BCE; earthenware with carved and applied decoration; height: 61 cm, diameter: 55.8 cm
• 
  Dogū with "snow-goggle" eyes, 1000–400 BCE
• 
  6th-century haniwa figure
• 
  Kongo Rishiki (Guardian Deity) at the Central Gate of Hōryū-ji
• 
  Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji
• 
  Muchaku by Unkei, 1212, Kōfuku-ji, National Treasure
• 
  Tsuba sword fitting with a "Rabbit Viewing the Autumn Moon", bronze, gold and silver, between 1670 and 1744
• 
  Izumiya Tomotada, netsuke in the form of a dog, late 18th century
• 
  Eagle by Suzuki Chokichi, 1892, Tokyo National Museum

The first known sculpture in the Indian subcontinent is from the Indus Valley civilization (3300–1700 BCE), found in sites at Mohenjo-daro and Harappa in modern-day Pakistan. These include the famous small bronze female dancer and the so-called Priest-king. However, such figures in bronze and stone are rare and greatly outnumbered by pottery figurines and stone seals, often of animals or deities very finely depicted. After the collapse of the Indus Valley civilization there is little record of sculpture until the Buddhist era, apart from a hoard of copper figures of (somewhat controversially) c. 1500 BCE from Daimabad.^[108] Thus the great tradition of Indian monumental sculpture in stone appears to begin, relative to other cultures, and the development of Indian civilization, relatively late, with the reign of Asoka from 270 to 232 BCE, and the Pillars of Ashoka he erected around India, carrying his edicts and topped by famous sculptures of animals, mostly lions, of which six survive.^[109] Large amounts of figurative sculpture, mostly in relief, survive from Early Buddhist pilgrimage stupas, above all Sanchi; these probably developed out of a tradition using wood that also embraced Hinduism.^[110]

The pink sandstone Hindu, Jain and Buddhist sculptures of Mathura from the 1st to 3rd centuries CE reflected both native Indian traditions and the Western influences received through the Greco-Buddhist art of Gandhara, and effectively established the basis for subsequent Indian religious sculpture.^[110] The style was developed and diffused through most of India under the Gupta Empire (c. 320–550) which remains a "classical" period for Indian sculpture, covering the earlier Ellora Caves,^[111] though the Elephanta Caves are probably slightly later.^[112] Later large-scale sculpture remains almost exclusively religious, and generally rather conservative, often reverting to simple frontal standing poses for deities, though the attendant spirits such as apsaras and yakshi often have sensuously curving poses. Carving is often highly detailed, with an intricate backing behind the main figure in high relief. The celebrated bronzes of the Chola dynasty (c. 850–1250) from south India, many designed to be carried in processions, include the iconic form of Shiva as Nataraja,^[113] with the massive granite carvings of Mahabalipuram dating from the previous Pallava dynasty.^[114]

• 
  The "Dancing Girl" of Mohenjo-daro, 3rd or 2nd millennium BCE (replica)
• 
  Ashoka Pillar, Vaishali, Bihar, c. 250 BCE
• 
  Stupa gateway at Sanchi, c. 100 CE or perhaps earlier, with densely packed reliefs
• 
  Buddha from Sarnath, 5th–6th century CE
• 
  The Colossal trimurti at the Elephanta Caves
• 
  Rock-cut temples at Ellora
• 
  Jain shrine with Rishabhanatha, Parshvanatha, Neminatha, and Mahavira, 6th century
• 
  Hindu, Chola period, 1000
• 
  Typical medieval frontal standing statue of Vishnu, 950–1150
• 
  Khajuraho Temple
• 
  Marble Sculpture of female yakshi in typical curving pose, c. 1450, Rajasthan
• 
  Gopuram of the Thillai Nataraja Temple, Chidambaram, Tamil Nadu, densely packed with rows of painted statues
• 
  Sculpture of Guardian at the entrance of the Mandapam of Sri Jalagandeeswarar Temple, Vellore, Tamil Nadu

The sculpture of the region tends to be characterised by a high degree of ornamentation, as seen in the great monuments of Hindu and Buddhist Khmer sculpture (9th to 13th centuries) at Angkor Wat and elsewhere, the enormous 9th-century Buddhist complex at Borobudur in Java, and the Hindu monuments of Bali.^[115] Both of these include many reliefs as well as figures in the round; Borobudur has 2,672 relief panels, 504 Buddha statues, many semi-concealed in openwork stupas, and many large guardian figures.

In Thailand and Laos, sculpture was mainly of Buddha images, often gilded, both large for temples and monasteries, and small figurines for private homes. Traditional sculpture in Myanmar emerged before the Bagan period. As elsewhere in the region, most of the wood sculptures of the Bagan and Ava periods have been lost.

Traditional Anitist sculptures from the Philippines are dominated by Anitist designs mirroring the medium used and the culture involved, while being highlighted by the environments where such sculptures are usually placed on. Christian and Islamic sculptures from the Philippines have different motifs compared to other Christian and Islamic sculptures elsewhere. In later periods Chinese influence predominated in Vietnam, Laos and Cambodia, and more wooden sculpture survives from across the region.

• 
  Relief sculpture from Borobudur temple, Indonesia, c. 760–830
• 
  Vairocana Buddha from Borobudur temple, Indonesia, c. 760–830
• 
  One of the Anitist Maitum anthropomorphic pottery from Sarangani, Philippines c. 5 BC-370 AD
• 
  Bronze Avalokiteshvara of Chaiya torso from Chaiya, Southern Thailand, Srivijayan art, c. 8th century
• 
  Bronze Avalokiteshvara from Bidor, Perak, Malaysia, c. 8th-9th century
• 
  The Anitist Agusan image from Agusan del Sur, Philippines, 9th-10th century
• 
  Vishnu from Prasat Rup Arak, Kulen, Khmer art, Cambodia, c. 800–875
• 
  An Anitist sarimanok sculpture from Lanao, Philippines
• 
  Head of Jayavarman VII, Khmer art, Cambodia, c. late 12th century
• 
  Buddha in Ananda Temple, Bagan, Myanmar, c. 1105
• 
  Stone bas-relief of apsaras from Bayon temple, Cambodia, c. 1200
• 
  Prajnaparamita Singhasari art, East Java, Indonesia, c. 13th century
• 
  An Islamic sculpture of a buraq, southern Philippines
• 
  Phra Achana, Wat Si Chum, Big Buddha image in Sukhothai, Thailand, c. 14th century
• 
  "the Buddha calling the earth to witness", The Buddha's hands are in the bhūmisparsa mudrā (subduing Māra) position. Ho Phra Kaeo temple, Vientiane, Laos

Islam is famously aniconic, so the vast majority of sculpture is arabesque decoration in relief or openwork, based on vegetable motifs, but tending to geometrical abstract forms. In the very early Mshatta Facade (740s), now mostly in Berlin, there are animals within the dense arabesques in high relief, and figures of animals and men in mostly low relief are found in conjunction with decoration on many later pieces in various materials, including metalwork, ivory and ceramics.^[116]

Figures of animals in the round were often acceptable for works used in private contexts if the object was clearly practical, so medieval Islamic art contains many metal animals that are aquamaniles, incense burners or supporters for fountains, as in the stone lions supporting the famous one in the Alhambra, culminating in the largest medieval Islamic animal figure known, the Pisa Griffin. In the same way, luxury hardstone carvings such as dagger hilts and cups may be formed as animals, especially in Mughal art. The degree of acceptability of such relaxations of strict Islamic rules varies between periods and regions, with Islamic Spain, Persia and India often leading relaxation, and is typically highest in courtly contexts.^[117]

• 
  The Mshatta Facade, from a palace near Damascus, 740s
• 
  The Pisa Griffin, 107 cm high, probably 11th century
• 
  Part of a 15th-century ceramic panel from Samarkand with white calligraphy on a blue arabesque background.
• 
  Mughal dagger with hilt in jade, gold, rubies and emeralds. Blade of damascened steel inlaid with gold.

Historically, with the exception of some monumental Egyptian sculpture, most African sculpture was created in wood and other organic materials that have not survived from earlier than a few centuries ago; older pottery figures are found from a number of areas. Masks are important elements in the art of many peoples, along with human figures, often highly stylized. There is a vast variety of styles, often varying within the same context of origin depending on the use of the object, but wide regional trends are apparent; sculpture is most common among "groups of settled cultivators in the areas drained by the Niger and Congo rivers" in West Africa.^[118] Direct images of deities are relatively infrequent, but masks in particular are or were often made for religious ceremonies; today many are made for tourists as "airport art".^[119] African masks were an influence on European Modernist art, which was inspired by their lack of concern for naturalistic depiction.

The Nubian Kingdom of Kush in modern Sudan was in close and often hostile contact with Egypt, and produced monumental sculpture mostly derivative of styles to the north. In West Africa, the earliest known sculptures are from the Nok culture which thrived between 500 BCE and 500 CE in modern Nigeria, with clay figures typically with elongated bodies and angular shapes. Later West African cultures developed bronze casting for reliefs to decorate palaces like the famous Benin Bronzes, and very fine naturalistic royal heads from around the Yoruba town of Ife in terracotta and metal from the 12th–14th centuries. Akan goldweights are a form of small metal sculptures produced over the period 1400–1900, some apparently representing proverbs and so with a narrative element rare in African sculpture, and royal regalia included impressive gold sculptured elements.^[120]

Many West African figures are used in religious rituals and are often coated with materials placed on them for ceremonial offerings. The Mande-speaking peoples of the same region make pieces of wood with broad, flat surfaces and arms and legs are shaped like cylinders. In Central Africa, however, the main distinguishing characteristics include heart-shaped faces that are curved inward and display patterns of circles and dots.

Populations in the African Great Lakes are not known for their sculpture.^[118] However, one style from the region is pole sculptures, carved in human shapes and decorated with geometric forms, while the tops are carved with figures of animals, people, and various objects. These poles are, then, placed next to graves and are associated with death and the ancestral world. The culture known from Great Zimbabwe left more impressive buildings than sculpture but the eight soapstone Zimbabwe Birds appear to have had a special significance and were mounted on monoliths. Modern Zimbabwean sculptors in soapstone have achieved considerable international success. Southern Africa's oldest known clay figures date from 400 to 600 CE and have cylindrical heads with a mixture of human and animal features.

• 
  Nok terracotta, 6th century BCE–6th century CE
• 
  Ife head, terracotta, probably 12–14th centuries CE
• 
  Yoruba bronze head sculpture, Ife, Nigeria c. 12th century
• 
  Sculpture of a 'Queen Mother' from Benin, 16th century.
• 
  16th-century ivory mask from Benin
• 
  One of the Benin Bronzes, 16th–18th century, Nigeria.
• 
  Mask from Burkina Faso, 19th century
• 
  Mambila figure, Nigeria

The creation of sculptures in Ethiopia and Eritrea can be traced back to its ancient past with the kingdoms of Dʿmt and Aksum. Christian art was established in Ethiopia with the conversion from paganism to Christianity in the 4th century CE, during the reign of king Ezana of Axum.^[121] Christian imagery decorated churches during the Asksumite period and later eras.^[122] For instance, at Lalibela, life-size saints were carved into the Church of Bet Golgotha; by tradition these were made during the reign of the Zagwe ruler Gebre Mesqel Lalibela in the 12th century, but they were more likely crafted in the 15th century during the Solomonic dynasty.^[123] However, the Church of Saint George, Lalibela, one of several examples of rock cut architecture at Lalibela containing intricate carvings, was built in the 10th–13th centuries as proven by archaeology.^[124]

• 
  Stone statue from Addi-Galamo, Tigray Province, 6th–5th century BCE
• 
  A jar spout from the early Kingdom of Aksum
• 
  The Obelisk of Axum, 4th century CE
• 
  A processional cross, Zagwe dynasty, 12th century
• 
  One of the seven life-size saints carved into the wall of the Church of Bet Golgotha, Lalibela, 15th century (traditionally believed to have been made during the reign of Gebre Mesqel Lalibela)^[123]

In ancient Sudan, the development of sculpture stretches from the simple pottery of the Kerma culture beginning around 2500 BCE to the monumental statuary and architecture of the Kingdom of Kush, its last phase—the Meroitic period—ending around 350 CE (with its conquest by Ethiopia's Aksum).^[125][126] Beyond pottery items, the Kerma culture also made furniture that contained sculptures, such as gold cattle hoofs as the legs of beds.^[125] Sculpture during the Kingdom of Kush included full-sized statues (especially of kings and queens), smaller figurines (most commonly depicting royal servants), and reliefs in stone, which were influenced by the contemporary ancient Egyptian sculptural tradition.^[127][128]

• 
  A ceramic jug of the Kerma culture
• 
  A shabti of the Nubian King Taharqa, from a pyramid of Nuri, Sudan, Twenty-fifth Dynasty of Egypt, 690–664 BCE
• 
  Statue of the Kushite Pharaoh Aspelta, Napata period (c. 620–580 BCE)
• 
  Column and elephant - part of the temple complex in Musawwarat es-Sufra, 3rd century BCE
• 
  Traces of paint on a relief depicting Prince Arikhankharer smiting his enemies, from the Meroitic period of the Kingdom of Kush, early 1st century CE
• 
  Relief of a ruler, a Candace of Meroë named Kandake Amanitore, 1st century CE

Sculpture in present-day Latin America developed in two separate and distinct areas, Mesoamerica in the north and Peru in the south. In both areas, sculpture was initially of stone, and later of terracotta and metal as the civilizations in these areas became more technologically proficient.^[129] The Mesoamerican region produced more monumental sculpture, from the massive block-like works of the Olmec and Toltec cultures, to the superb low reliefs that characterize the Mayan and Aztec cultures. In the Andean region, sculptures were typically small, but often show superb skill.

• 
  Olmec Baby Figure 1200-900 BCE
• 
  Olmec Jadeite Mask 1000–600 BCE
• 
  Olmec Colossal Head No. 3 1200–900 BCE
• 
  La Mojarra Stela 1 2nd century CE
• 
  Chalchiuhtlicue from Teotihuacán 200–500 CE
• 
  Teotihuacan mask 200–600 CE
• 
  Teotihuacan- Detail of the Temple of the Feathered Serpent 200–250 CE
• 
  A funerary urn in the shape of a "bat god" or a jaguar, Oaxaca, 300–650 CE
• 
  Moche portrait vessel with stirrup spout, Peru, 100 BCE–700 CE
• 
  K'inich Janaab Pakal I of Palenque, Maya, 603–683 CE
• 
  Ahkal Mo' Naab III Of Palenque, 8th century CE
• 
  Upakal K'inich 8th century CE, Palenque
• 
  Jaina Island type figure (Mayan) 650–800 CE
• 
  Classic Veracruz culture face 600–900 CE
• 
  Atlante from Tula, c. 1000 CE
• 
  Double-headed serpent, Turquoise, red and white mosaic on wood, Aztec (possibly) Mixtec, c. 1400–1521,

In North America, wood was sculpted for totem poles, masks, utensils, War canoes and a variety of other uses, with distinct variation between different cultures and regions. The most developed styles are those of the Pacific Northwest Coast, where a group of elaborate and highly stylized formal styles developed forming the basis of a tradition that continues today. In addition to the famous totem poles, painted and carved house fronts were complemented by carved posts inside and out, as well as mortuary figures and other items. Among the Inuit of the far north, traditional carving styles in ivory and soapstone are still continued.^[130]

The arrival of European Catholic culture readily adapted local skills to the prevailing Baroque style, producing enormously elaborate retablos and other mostly church sculptures in a variety of hybrid styles.^[131] The most famous of such examples in Canada is the altar area of the Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, which was carved by peasant habitant labourers. Later, artists trained in the Western academic tradition followed European styles until in the late 19th century they began to draw again on indigenous influences, notably in the Mexican baroque grotesque style known as Churrigueresque. Aboriginal peoples also adapted church sculpture in variations on Carpenter Gothic; one famous example is the Church of the Holy Cross in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.

The history of sculpture in the United States after Europeans' arrival reflects the country's 18th-century foundation in Roman republican civic values and Protestant Christianity. Compared to areas colonized by the Spanish, sculpture got off to an extremely slow start in the British colonies, with next to no place in churches, and was only given impetus by the need to assert nationality after independence. American sculpture of the mid- to late-19th century was often classical, often romantic, but showed a bent for a dramatic, narrative, almost journalistic realism. Public buildings during the last quarter of the 19th century and the first half of the 20th century often provided an architectural setting for sculpture, especially in relief. By the 1930s the International Style of architecture and design and art deco characterized by the work of Paul Manship and Lee Lawrie and others became popular. By the 1950s, traditional sculpture education would almost be completely replaced by a Bauhaus-influenced concern for abstract design. Minimalist sculpture replaced the figure in public settings and architects almost completely stopped using sculpture in or on their designs. Modern sculptors (21st century) use both classical and abstract inspired designs. Beginning in the 1980s, there was a swing back toward figurative public sculpture; by 2000, many of the new public pieces in the United States were figurative in design.

• 
  Gutzon Borglum and his son, Lincoln Borglum, Mount Rushmore, 1927–1941. L–R, George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt, and Abraham Lincoln.
• 
  Robert Gould Shaw Memorial by Augustus Saint-Gaudens, 1884–1897, plaster version
• 
  Lee Lawrie, The Sower, 1928 Art Deco relief on Beaumont Tower, Michigan State University
• 
  Daniel Chester French, Abraham Lincoln (1920) in the Lincoln Memorial, Washington, D.C.
• 
  The K'alyaan Totem Pole of the Tlingit Kiks.ádi Clan, erected at Sitka National Historical Park to commemorate the lives lost in the 1804 Battle of Sitka
• 
  Frederic Remington, The Bronco Buster, 1895, cast 1918. Metropolitan Museum of Art
• 
  Paul Manship, Dancer and Gazelles, 1916, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
• 
  Gertrude Vanderbilt Whitney, Buffalo Bill - The Scout, 1924, commemorating Buffalo Bill in Cody, Wyoming

• 
  François Rude, a Romantic Jeanne d' Arc, 1852, Louvre
• 
  Jean-Baptiste Carpeaux, Ugolino and His Sons, 1857–1860, Metropolitan Museum of Art
• 
  Per Hasselberg, Snöklockan (snowdrop), Paris 1881. Copy from 1953 in bronze by C & A Nicci (Rome/Italy) placed in Rottneros Park near Sunne in Värmland/Sweden.
• 
  Auguste Rodin The Burghers of Calais 1889, Calais, France
• 
  Alfred Gilbert, the so-called Eros, 1893, the world's first aluminium statue, Piccadilly Circus, London
• 
  Paul Gauguin, 1894, Oviri (Sauvage), partially glazed stoneware, 75 x 19 x 27 cm, Musée d'Orsay, Paris
• 
  Auguste Rodin, The Thinker, 1902, Musée Rodin, Paris
• 
  Antoine Bourdelle, Day and Night, marble, 1903, Musée Bourdelle, Paris
• 
  Camille Claudel, The Waltz, 1905 cast of the second version
• 
  Jan Štursa, Before the Bath, 1906, National Gallery in Prague
• 
  Aristide Maillol, The Night (La Nuit) 1909, Tuileries Garden, Paris
• 
  Robert Wlérick, The Thought 1933, Morez

Modern classicism contrasted in many ways with the classical sculpture of the 19th century which was characterized by commitments to naturalism (Antoine-Louis Barye)—the melodramatic (François Rude) sentimentality (Jean-Baptiste Carpeaux)—or a kind of stately grandiosity (Lord Leighton). Several different directions in the classical tradition were taken as the century turned, but the study of the live model and the post-Renaissance tradition was still fundamental to them. Auguste Rodin was the most renowned European sculptor of the early 20th century.^[132][133] He is often considered a sculptural Impressionist, as are his students including Camille Claudel, and Hugo Rheinhold, attempting to model of a fleeting moment of ordinary life. Modern classicism showed a lesser interest in naturalism and a greater interest in formal stylization. Greater attention was paid to the rhythms of volumes and spaces—as well as greater attention to the contrasting qualities of surface (open, closed, planar, broken etc.) while less attention was paid to story-telling and convincing details of anatomy or costume. Greater attention was given to psychological effect than to physical realism, and influences from earlier styles worldwide were used.

Early masters of modern classicism included: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuși. As the century progressed, modern classicism was adopted as the national style of the two great European totalitarian empires: Nazi Germany and Soviet Russia, who co-opted the work of earlier artists such as Kolbe and Wilhelm Lehmbruck in Germany^[134] and Matveyev in Russia. Over the 70 years of the USSR, new generations of sculptors were trained and chosen within their system, and a distinct style, socialist realism, developed, that returned to the 19th century's emphasis on melodrama and naturalism.

Classical training was rooted out of art education in Western Europe (and the Americas) by 1970 and the classical variants of the 20th century were marginalized in the history of modernism. But classicism continued as the foundation of art education in the Soviet academies until 1990, providing a foundation for expressive figurative art throughout eastern Europe and parts of the Middle East. By 2000, the European classical tradition retains a wide appeal to the public but awaits an educational tradition to revive its contemporary development.

Some of the modern classical became either more decorative/art deco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) or more abstractly stylized or more expressive (and Gothic) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini)—or turned more to the Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) or stayed the same (Charles Despiau, Marcel Gimond).

Modernist sculpture movements include Cubism, Geometric abstraction, De Stijl, Suprematism, Constructivism, Dadaism, Surrealism, Futurism, Formalism, Abstract expressionism, Pop-Art, Minimalism, Land art, and Installation art among others.

In the beginning of the 20th century, Pablo Picasso revolutionized the art of sculpture when he began creating his constructions fashioned by combining disparate objects and materials into one constructed piece of sculpture; the sculptural equivalent of the collage in two-dimensional art. The advent of Surrealism led to things occasionally being described as "sculpture" that would not have been so previously, such as "involuntary sculpture" in several senses, including coulage. In later years Picasso became a prolific potter, leading, with interest in historic pottery from around the world, to a revival of ceramic art, with figures such as George E. Ohr and subsequently Peter Voulkos, Kenneth Price, and Robert Arneson. Marcel Duchamp originated the use of the "found object" (French: objet trouvé) or readymade with pieces such as Fountain (1917).

Similarly, the work of Constantin Brâncuși at the beginning of the century paved the way for later abstract sculpture. In revolt against the naturalism of Rodin and his late-19th-century contemporaries, Brâncuși distilled subjects down to their essences as illustrated by the elegantly refined forms of his Bird in Space series (1924).^[135]

Brâncuși's impact, with his vocabulary of reduction and abstraction, is seen throughout the 1930s and 1940s, and exemplified by artists such as Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz^[136] and by the 1940s abstract sculpture was impacted and expanded by Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely, and Frederick Kiesler who were pioneers of Kinetic art.

Modernist sculptors largely missed out on the huge boom in public art resulting from the demand for war memorials for the two World Wars, but from the 1950s the public and commissioning bodies became more comfortable with Modernist sculpture and large public commissions both abstract and figurative became common. Picasso was commissioned to make a maquette for a huge 50-foot (15 m)-high public sculpture, the so-called Chicago Picasso (1967). His design was ambiguous and somewhat controversial, and what the figure represents is not clear; it could be a bird, a horse, a woman or a totally abstract shape.

During the late 1950s and the 1960s abstract sculptors began experimenting with a wide array of new materials and different approaches to creating their work. Surrealist imagery, anthropomorphic abstraction, new materials and combinations of new energy sources and varied surfaces and objects became characteristic of much new modernist sculpture. Collaborative projects with landscape designers, architects, and landscape architects expanded the outdoor site and contextual integration. Artists such as Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, Philip Pavia and Louise Nevelson came to characterize the look of modern sculpture.

By the 1960s Abstract expressionism, Geometric abstraction and Minimalism, which reduces sculpture to its most essential and fundamental features, predominated. Some works of the period are: the Cubi works of David Smith, and the welded steel works of Sir Anthony Caro, as well as welded sculpture by a large variety of sculptors, the large-scale work of John Chamberlain, and environmental installation scale works by Mark di Suvero. Other Minimalists include Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, and John Safer who added motion and monumentality to the theme of purity of line.^[137]

During the 1960s and 1970s figurative sculpture by modernist artists in stylized forms was made by artists such as Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham in a classic articulated style, and Fernando Botero bringing his painting's 'oversized figures' into monumental sculptures.

• 
  André Derain, Nu debout, 1907, limestone, Musée National d'Art Moderne
• 
  Henri Matisse, Figure décorative, 1908, bronze
• 
  Amedeo Modigliani, Female Head, 1911–12, Metropolitan Museum of Art
• 
  Joseph Csaky, Groupe de femmes (Groupe de trois femmes, Groupe de trois personnages), 1911–12, plaster, lost
• 
  Alexander Archipenko, La Vie Familiale (Family Life), 1912, destroyed
• 
  Constantin Brâncuși, Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912, white marble; limestone block, Philadelphia Museum of Art. Exhibited at the 1913 Armory Show
• 
  Otto Gutfreund, Cellist, 1912–13
• 
  Marcel Duchamp, Fountain, 1917
• 
  Jacob Epstein, Day and Night, carved for the London Underground's headquarters, 1928.
• 
  Mieczysław Kotarbiński, Coat of arms of Poland, basalt relief in Art Deco style, Warsaw, 1931.
• 
  Käthe Kollwitz, The Grieving Parents, 1932, World War I memorial (for her son Peter), Vladslo German war cemetery
• 
  Jacques Lipchitz, Birth of the Muses, 1944–1950
• 
  Barbara Hepworth, Monolith-Empyrean, 1953
• 
  John Chamberlain, S, 1959, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC.
• 
  Henry Moore, Three Piece Reclining figure No.1, 1961, Yorkshire
• 
  Pablo Picasso, Chicago Picasso, 1967, Chicago, Illinois
• 
  George Rickey, Four Squares in Geviert, 1969, terrace of the New National Gallery, Berlin, Germany, Rickey is considered a Kinetic sculptor
• 
  Alexander Calder, Crinkly avec disc rouge, 1973, Schlossplatz, Stuttgart
• 
  Louise Nevelson, Atmosphere and Environment XII, 1970–1973, Philadelphia Museum of Art
• 
  Sir Anthony Caro, Black Cover Flat, 1974, steel, Tel Aviv Museum of Art
• 
  Joan Miró, Woman and Bird, 1982, Barcelona, Spain
• 
  Louise Bourgeois, Maman, 1999, outside Museo Guggenheim

Site specific and environmental art works are represented by artists: Andy Goldsworthy, Walter De Maria,^[139] Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin,^[140] George Rickey and Christo and Jeanne-Claude led contemporary abstract sculpture in new directions. Artists created environmental sculpture on expansive sites in the 'land art in the American West' group of projects. These land art or 'earth art' environmental scale sculpture works exemplified by artists such as Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman and Dennis Oppenheim among others were pioneers of Postminimalist sculpture.

Also during the 1960s and 1970s artists as diverse as Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson, and John DeAndrea explored abstraction, imagery and figuration through video art, environment, light sculpture, and installation art in new ways.

Conceptual art is art in which the concept(s) or idea(s) involved in the work take precedence over traditional aesthetic and material concerns. Works include One and Three Chairs, 1965, is by Joseph Kosuth, and An Oak Tree by Michael Craig-Martin, and those of Joseph Beuys, James Turrell and Jacek Tylicki.

• 
  Tony Smith, Free Ride, 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (the height of a standard US door opening), Museum of Modern Art, New York
• 
  Larry Bell, Untitled 1964, bismuth, chromium, gold, and rhodium on gold-plated brass; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
• 
  Donald Judd, Untitled 1977, Münster, Germany
• 
  Richard Serra, Fulcrum 1987, 55 ft high free standing sculpture of Cor-ten steel near Liverpool Street station, London
• 
  Donald Judd, Untitled, 1991, Israel Museum Art Garden, Jerusalem

• 
  Richard Long, South Bank Circle, 1991 Tate Liverpool, England
• 
  Jean-Yves Lechevallier, Fettered wing. 1991
• 
  Anish Kapoor, Turning the World Upside Down, Israel Museum, 2010
• 
  Rachel Whiteread, Judenplatz Holocaust Memorial, Vienna, 2000
• 
  Guardians of Time, light sculpture by Manfred Kielnhofer at the Light Art Biennale Austria 2010
• 
  The Spire of Dublin officially titled the Monument of Light, stainless steel, 121.2 metres (398 feet), the world's tallest sculpture

Some modern sculpture forms are now practiced outdoors, as environmental art and environmental sculpture, often in full view of spectators. Light sculpture, street art sculpture and site-specific art also often make use of the environment. Ice sculpture is a form of ephemeral sculpture that uses ice as the raw material. It is popular in China, Japan, Canada, Sweden, and Russia. Ice sculptures feature decoratively in some cuisines, especially in Asia. Kinetic sculptures are sculptures that are designed to move, which include mobiles. Snow sculptures are usually carved out of a single block of snow about 6 to 15 feet (1.8 to 4.6 m) on each side and weighing about 20–30 tons. The snow is densely packed into a form after having been produced by artificial means or collected from the ground after a snowfall. Sound sculptures take the form of indoor sound installations, outdoor installations such as aeolian harps, automatons, or be more or less near conventional musical instruments. Sound sculpture is often site-specific. Art toys have become another format for contemporary artists since the late 1990s, such as those produced by Takashi Murakami and Kid Robot, designed by Michael Lau, or hand-made by Michael Leavitt (artist).^[141]

Sculptures are sensitive to environmental conditions such as temperature, humidity and exposure to light and ultraviolet light. Acid rain can also cause damage to certain building materials and historical monuments. This results when sulfuric acid in the rain chemically reacts with the calcium compounds in the stones (limestone, sandstone, marble and granite) to create gypsum, which then flakes off. Severe air pollution also causes damage to historical monuments.

At any time many contemporary sculptures have usually been on display in public places; theft was not a problem as pieces were instantly recognisable. In the early 21st century the value of metal rose to such an extent that theft of massive bronze sculpture for the value of the metal became a problem; sculpture worth millions being stolen and melted down for the relatively low value of the metal, a tiny fraction of the value of the artwork.^[142]

• Sculpture "hub" at the Victoria and Albert Museum
• Corning Museum of Glass
• Cass Sculpture Foundation Archived 2009-08-31 at the Wayback Machine, a charity dedicated to commissioning monumental sculpture.
• Chisholm, Hugh, ed. (1911). "Sculpture" . Encyclopædia Britannica. Vol. 24 (11th ed.). Cambridge University Press. pp. 488–517.
• Current research on polychromy on ancient sculpture at the Ny Carlsberg Glyptotek Tracking Colour