فن الآرت ديكو

فن الآرت ديكو ، اختصارًا للكلمة الفرنسية Arts decoratifs ( وتعني حرفيًا " الفنون الزخرفية " )، ^{[ 1 ]} هو أسلوب في الفنون البصرية والهندسة المعمارية وتصميم المنتجات، ظهر لأول مرة في باريس في عشرينيات القرن العشرين، قبيل الحرب العالمية الأولى ^{، [ 2 ]} وازدهر عالميًا خلال عشرينيات القرن العشرين وحتى أوائل ثلاثينياته، من خلال تصميم وتزيين الواجهات الخارجية والداخلية لكل شيء، بدءًا من المباني الضخمة وصولًا إلى الأشياء الصغيرة، بما في ذلك الملابس والأزياء والمجوهرات. وقد أثر فن الآرت ديكو على المباني، من ناطحات السحاب إلى دور السينما، والجسور، والسفن السياحية، والقطارات، والسيارات، والشاحنات، والحافلات، والأثاث، وحتى الأدوات اليومية، كأجهزة الراديو والمكانس الكهربائية. ^{[ 3 ]}

ظهر مصطلح "آرت ديكو" بعد المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة ( Exposition internationale des arts decoratifs et industriels modernes ) الذي أقيم في باريس عام 1925. ^{[ 4 ]} ويعود أصله إلى الأشكال الهندسية الجريئة لحركة انفصال فيينا والتكعيبية . ومنذ البداية، تأثر "آرت ديكو" بالألوان الزاهية للحركة الوحشية وفرقة الباليه الروسية ، والأنماط الفنية ذات الطابع الغريب من الصين واليابان والهند وبلاد فارس ومصر القديمة وحضارة المايا . في ذلك الوقت، أُطلق على "آرت ديكو" أسماء أخرى مثل " الأسلوب الحديث" و " الأسلوب المعاصر" ، ولم يُعترف به كأسلوب فني متميز ومتجانس. ^{[ 5 ]}

خلال أوج ازدهارها، مثّلت حركة آرت ديكو الفخامة والجاذبية والحيوية والإيمان بالتقدم الاجتماعي والتكنولوجي. تميزت هذه الحركة باستخدام مواد نادرة وباهظة الثمن كالأبنوس والعاج، وحرفية متقنة. كما أدخلت مواد جديدة مثل طلاء الكروم والفولاذ المقاوم للصدأ والبلاستيك. في نيويورك، يُعد مبنى إمباير ستيت ومبنى كرايسلر ومبانٍ أخرى من عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين معالم بارزة لهذا الطراز. وتتركز أكبر مجموعة من مباني آرت ديكو في العالم في ميامي بيتش، فلوريدا . ^{[ 6 ]}

أصبح أسلوب آرت ديكو أكثر هدوءًا خلال فترة الكساد الكبير . وظهر شكل أكثر انسيابية منه في ثلاثينيات القرن العشرين يُعرف باسم ستريملاين مودرن ، والذي يتميز بأشكاله المنحنية وأسطحه المصقولة والناعمة. ^{[ 7 ]} كان آرت ديكو أسلوبًا عالميًا، لكن بعد اندلاع الحرب العالمية الثانية ، فقد هيمنته لصالح الأساليب العملية والبسيطة للعمارة الحديثة ، ولا سيما ما يُعرف الآن بالأسلوب الدولي . ^{[ 8 ] [ 5 ]}

استمدّ فن الآرت ديكو اسمه، اختصارًا لـ "الفنون الزخرفية" ، من المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة الذي أقيم في باريس عام 1925. ^{[ 4 ]} في فرنسا، ظهر مصطلح " الفنون الزخرفية" لأول مرة في نشرة الجمعية الفرنسية للتصوير الفوتوغرافي عام 1858. ^{[ 9 ]} وفي عام 1868، استخدمت صحيفة "لو فيغارو" مصطلح " أشياء الفن الزخرفية" للإشارة إلى عناصر ديكور المسرح المصممة لمسرح الأوبرا . ^{[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]} وفي عام 1875، منحت الحكومة الفرنسية رسميًا مصممي الأثاث والمنسوجات وصائغي المجوهرات وصانعي الزجاج وغيرهم من الحرفيين صفة الفنانين. وفي عام 1920، تأسست المدرسة الوطنية العليا للفنون الزخرفية (ENSAD).

لم يظهر مصطلح "آرت ديكو" فعلياً في المطبوعات حتى عام 1966، في عنوان أول معرض حديث حول هذا الموضوع، والذي أقامه متحف الفنون الزخرفية في باريس، بعنوان "السنوات 25  : آرت ديكو، باوهاوس، ستايل، روح العصر الجديد" ، والذي غطى مجموعة متنوعة من الأساليب الرئيسية في عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين. ^{[ 13 ]} ثم استُخدم المصطلح في مقال صحفي عام 1966 بقلم هيلاري جيلسون في صحيفة التايمز ، حيث وصفت الأساليب المختلفة في المعرض. ^{[ 14 ]}

اكتسب مصطلح "آرت ديكو" رواجًا واسعًا كمصطلح أسلوبي عام 1968، عندما نشر المؤرخ بيفيس هيلير أول كتاب أكاديمي رئيسي عنه بعنوان " آرت ديكو في عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين" . ^{[ 3 ]} وأشار إلى أن المصطلح كان مستخدمًا بالفعل من قبل تجار الأعمال الفنية، واستشهد بصحيفة التايمز (2 نوفمبر 1966) ومقال بعنوان " فنون ديكو" في مجلة Elle (نوفمبر 1967) كمثالين. ^{[ 15 ]} وفي عام 1971، نظم معرضًا في معهد مينيابوليس للفنون ، والذي فصّله في كتابه "عالم آرت ديكو" . ^{[ 16 ] [ 17 ]}

يسرد مايك هوب العديد من التصنيفات الأخرى التي استُخدمت لوصف فن الآرت ديكو المعماري: أسلوب الأوديون ، أسلوب الحرية ، الأسلوب الحديث ، أسلوب الجاز الحديث ، الأسلوب المتعرج الحديث ، الأسلوب البريطاني الحديث، الأسلوب البحري الحديث، أسلوب السفن الحديثة، أسلوب سفن الشحن، أسلوب سفن المحيطات، الأسلوب الأبيض الحديث، فن الآرت ديكو المستقبلي، أسلوب الفنون الجميلة الانسيابي ، الأسلوب الانسيابي الحديث ، أسلوب إدارة الأشغال العامة الحديث، أسلوب إدارة الأشغال العامة/إدارة تقدم الأعمال الحديث، الأسلوب الفيدرالي الحديث، أسلوب الكساد الحديث، الأسلوب الكلاسيكي الحديث، الحداثة الكلاسيكية، الأسلوب الكلاسيكي الحديث، مدرسة شيكاغو، التكعيبية المعمارية التشيكية، المستقبلية الإيطالية ، مدرسة البراري ، المسرح الجوي ، أسلوب الآرت ديكو المتوسطي، مدرسة أمستردام ، الأسلوب الموضوعي الجديد ، إحياء حضارة المايا ، الانفصال الياباني، أسلوب بويبلو الإسباني، أسلوب بويبلو ديكو ، الرومانسية الوطنية الفنلندية، الأسلوب القوطي الجديد ، الأسلوب البيزنطي الجديد ، الأسلوب المصري الجديد، أسلوب البعثة الإسبانية، المدرسة الدولية. الأسلوب الأوروبي الدولي، ورش فيينا ، الكلاسيكية الحرة، الكلاسيكية الجديدة المبسطة، الكلاسيكية الحرة بأسلوب الآرت ديكو، الكلاسيكية المبسطة، الحداثة الانتقالية، فوغ ريجنسي. ^{[ 18 ]}

• 
  بطاقة بريدية للمعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة في باريس (1925)
• 
  مدخل معرض عام 1925 من ساحة الكونكورد بريشة بيير باتو
• 
  الجناح البولندي، من تصميم جوزيف تشايكوفسكي وفويتشخ جاسترزبوفسكي
• 
  جناح متجر غاليري لافاييت متعدد الأقسام
• 
  صالون فندق Hôtel du Collectionneur، مفروش من قبل إميل جاك رولمان ، رسم جان دوباس ، تصميم بيير باتوت

كان الحدث الذي مثّل ذروة هذا الأسلوب الفني، والذي أطلق عليه اسمه، هو المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة ، الذي أقيم في باريس من أبريل إلى أكتوبر عام ١٩٢٥. وقد رعت الحكومة الفرنسية هذا المعرض رسميًا، وامتد على مساحة ٥٥ فدانًا في باريس، من قصر غراند باليه على الضفة اليمنى لنهر السين إلى ليزانفاليد على الضفة اليسرى، وعلى طول ضفاف النهر. وامتلأ قصر غراند باليه، أكبر قاعات المدينة، بمعروضات من الفنون الزخرفية من الدول المشاركة. وشارك فيه ١٥٠٠٠ عارض من عشرين دولة مختلفة، من بينها النمسا، وبلجيكا، وتشيكوسلوفاكيا، والدنمارك، والمملكة المتحدة، وإيطاليا، واليابان، وهولندا، وبولندا، وإسبانيا، والسويد، والاتحاد السوفيتي الجديد . ولم تُدعَ ألمانيا للمشاركة بسبب التوترات التي أعقبت الحرب؛ أما الولايات المتحدة، فقد امتنعت عن المشاركة لسوء فهمها لهدف المعرض. وقد زار المعرض ستة عشر مليون شخص خلال فترة عرضه التي استمرت سبعة أشهر. واشترطت قواعد المعرض أن تكون جميع الأعمال حديثة؛ ولم يُسمح بأي أنماط تاريخية. كان الهدف الرئيسي للمعرض هو الترويج للمنتجات الفرنسية الفاخرة من أثاث وخزف وزجاج ومشغولات معدنية ومنسوجات وغيرها من المنتجات الزخرفية. ولتعزيز هذه المنتجات، خصصت جميع المتاجر الكبرى في باريس وكبار المصممين أجنحة خاصة بهم. كما كان للمعرض هدف ثانوي يتمثل في الترويج لمنتجات المستعمرات الفرنسية في أفريقيا وآسيا، بما في ذلك العاج والأخشاب النادرة.

كان فندق "أوتيل دو كوليكسيونور" من أبرز معالم المعرض؛ حيث عرض تصاميم الأثاث الجديدة لإميل جاك رولمان، بالإضافة إلى أقمشة وسجاد من طراز آرت ديكو، ولوحة للفنان جان دوباس . واتبع التصميم الداخلي نفس مبادئ التناظر والأشكال الهندسية التي ميزته عن فن الآرت نوفو، والألوان الزاهية، والحرفية الدقيقة، والمواد النادرة والباهظة الثمن التي ميزته عن الطابع الوظيفي الصارم للأسلوب الحداثي. وبينما كانت معظم الأجنحة مزينة ببذخ ومؤثثة بأثاث فاخر مصنوع يدويًا، بُني جناحان، جناح الاتحاد السوفيتي وجناح " إسبري نوفو" الذي بنته المجلة التي تحمل الاسم نفسه والتي كان يديرها لو كوربوزييه، بأسلوب بسيط ذي جدران بيضاء سادة وخالية من أي زخرفة؛ وكانا من أوائل الأمثلة على العمارة الحداثية . ^{[ 75 ]}

• 
  ساحة سفانتول تيفان لا. 1 في بوخارست ، لمهندس معماري غير معروف ( حوالي 1930 )
• 
  كنيسة القديس يوحنا المعمدان في مولينبيك (بروكسل)، من تصميم جوزيف ديونغري (1930-1932)
• 
  مسرح لينكولن في ميامي بيتش، فلوريدا ، من تصميم توماس دبليو لامب (1936)
• 
  قصر شايو في باريس من تصميم لويس هيبوليت بوالو وجاك كارلو وليون أزيما من معرض باريس الدولي عام 1937
• 
  درج المجلس الاقتصادي والاجتماعي في باريس، والذي كان في الأصل متحف الأشغال العامة، تم بناؤه لمعرض عام 1937، من تصميم أوغست بيريه (1937).
• 
  مدرسة ثانوية في مدينة كينغ سيتي بولاية كاليفورنيا ، بناها روبرت ستانتون لصالح إدارة تقدم الأشغال (1939).

بحلول عام ١٩٢٥، تعايشت مدرستان متنافستان ضمن فن الآرت ديكو: المدرسة التقليدية، التي أسست جمعية الفنانين الزخرفيين، وضمت مصمم الأثاث إميل جاك رولمان ، وجان دونان ، والنحات أنطوان بورديل ، والمصمم بول بواريه ؛ حيث جمعوا بين الأشكال الحديثة والحرفية التقليدية والمواد باهظة الثمن. أما المدرسة الحداثية، فقد رفضت الماضي بشكل متزايد، وسعت إلى أسلوب قائم على التقدم في التقنيات الحديثة، والبساطة، والابتعاد عن الزخرفة، واستخدام مواد رخيصة، والإنتاج الضخم. أسس الحداثيون منظمتهم الخاصة، الاتحاد الفرنسي للفنانين الحداثيين ، عام ١٩٢٩. وضمت في عضويتها المهندسين المعماريين بيير شارو ، وفرانسيس جوردان ، وروبرت ماليه ستيفنز ، ولو كوربوزييه ، وفي الاتحاد السوفيتي، كونستانتين ميلنيكوف ؛ والمصممة الأيرلندية إيلين غراي ؛ والمصممة الفرنسية سونيا دولوناي ؛ وصائغي المجوهرات جورج فوكيه وجان بويفوركا . شنّوا هجومًا شرسًا على أسلوب آرت ديكو التقليدي، منتقدين مصممي هذا الأسلوب الذين ركزوا على ابتكار قطع فريدة وإصدارات محدودة لعملائهم الأثرياء المختارين. ففي نظر الحداثيين، لم يكن مستقبل الفنون الزخرفية خاضعًا فقط لأذواق الأثرياء الجمالية، بل كان "العصر الجديد يتطلب تصميمًا ممتازًا للجميع". ^{[ 76 ]} آمنوا بأن الشكل يجب أن يتبع الوظيفة؛ فجمال أي شيء أو مبنى يكمن في مدى ملاءمته التامة لأداء وظيفته. أتاحت الأساليب الصناعية الحديثة إنتاج الأثاث والمباني بكميات كبيرة بدلًا من صناعتها يدويًا ؛ كما رأوا أن الإنتاج الضخم والجودة ليسا بالضرورة متناقضين. ^{[ 77 ] [ 78 ] [ 76 ]}

دافع مصمم الفنون الزخرفية الفرنسي بول فولوت عن أسلوب آرت ديكو التقليدي الزخرفي قائلاً: "نعلم أن الضروري وحده لا يكفي الإنسان، وأن ما هو زائد لا غنى عنه... وإلا فلنُنبذ الموسيقى والزهور والعطور... وابتسامات السيدات!" ^{[ 76 ]} مع ذلك، كان لو كوربوزييه داعيةً بارعًا للعمارة الحديثة؛ إذ صرّح بأن المنزل ليس سوى "آلة للسكن"، وروّج بلا كلل لفكرة أن آرت ديكو هو الماضي والحداثة هي المستقبل. تبنّت كليات الهندسة المعمارية أفكار لو كوربوزييه تدريجيًا، وتُركت جماليات آرت ديكو جانبًا. نفس السمات التي جعلت آرت ديكو شائعًا في البداية، من حيث الحرفية والمواد الفاخرة والزخرفة، أدّت إلى انحساره. أدى الكساد الكبير الذي بدأ في الولايات المتحدة عام 1929، ووصل إلى أوروبا بعد ذلك بوقت قصير، إلى انخفاض كبير في عدد العملاء الأثرياء القادرين على شراء الأثاث والتحف الفنية. في ظل الظروف الاقتصادية الصعبة التي سادت خلال فترة الكساد الكبير، لم تكن سوى قلة من الشركات مستعدة لبناء ناطحات سحاب جديدة. ^{[ 38 ]} حتى شركة رولمان لجأت إلى إنتاج قطع الأثاث بكميات كبيرة، بدلاً من القطع الفردية المصنوعة يدويًا. وكانت آخر المباني التي شُيدت في باريس على الطراز الجديد هي متحف الأشغال العامة الذي صممه أوغست بيريه (الذي أصبح الآن المجلس الاقتصادي والاجتماعي والبيئي الفرنسي )، وقصر شايو الذي صممه لويس هيبوليت بوالو وجاك كارلو وليون أزيما ، وقصر طوكيو في معرض باريس الدولي عام 1937 ؛ وكانت هذه المباني تُطل على الجناح الفخم لألمانيا النازية، الذي صممه ألبرت شبير ، والذي كان يواجه الجناح الاشتراكي الواقعي الفخم للاتحاد السوفيتي في عهد ستالين.

بعد الحرب العالمية الثانية، ساد الطراز المعماري الدولي الذي ابتكره لو كوربوزييه وميس فان دير روه . بُني عدد قليل من فنادق آرت ديكو في ميامي بيتش بعد الحرب، لكن هذا الطراز اختفى إلى حد كبير في أماكن أخرى، باستثناء التصميم الصناعي، حيث استمر استخدامه في تصميم السيارات ومنتجات مثل آلات الموسيقى. في ستينيات القرن العشرين، شهد هذا الطراز انتعاشًا أكاديميًا متواضعًا، ويعود الفضل في ذلك جزئيًا إلى كتابات مؤرخين معماريين مثل بيفيس هيلير . في سبعينيات القرن العشرين، بُذلت جهود في الولايات المتحدة وأوروبا للحفاظ على أفضل نماذج عمارة آرت ديكو، وتم ترميم العديد من المباني وإعادة استخدامها لأغراض أخرى. العمارة ما بعد الحداثية ، التي ظهرت لأول مرة في ثمانينيات القرن العشرين، مثل آرت ديكو، غالبًا ما تتضمن عناصر زخرفية بحتة. ^{[ 38 ] [ 59 ] [ 79 ] [ 80 ]} لا يزال آرت ديكو مصدر إلهام للمصممين، وكثيرًا ما يُستخدم في الأزياء والمجوهرات ومستحضرات التجميل المعاصرة. ^{[ 81 ]}

• 
  عمال يفرزون البريد ، جدارية في مبنى أرييل ريوس الفيدرالي، واشنطن العاصمة ، بريشة ريجينالد مارش (1936).
• 
  الفن في المناطق الاستوائية ، جدارية في مبنى ويليام جيفرسون كلينتون الفيدرالي ، واشنطن العاصمة، للفنان روكويل كينت (1938).
• 
  تفاصيل من لوحة جدارية على سقف ردهة مبنى 30 روكفلر بلازا في مدينة نيويورك، للفنان جوزيب ماريا سيرت (1941).

لم يُخصص قسمٌ للرسم في معرض عام 1925. كان فن الآرت ديكو، بحكم تعريفه، فنًا زخرفيًا، مصممًا لتزيين غرفة أو عمل معماري، لذا لم يعمل سوى عدد قليل من الرسامين حصريًا بهذا الأسلوب، لكن اثنين منهم ارتبطا ارتباطًا وثيقًا بهذا الفن. رسم جان دوباس جداريات الآرت ديكو لجناح بوردو في معرض الفنون الزخرفية لعام 1925 في باريس، كما رسم اللوحة فوق المدفأة في معرض "ميزون دو كوليكسيونور" في نفس المعرض، والذي ضم أثاثًا من تصميم رولمان وغيره من مصممي الآرت ديكو البارزين. كانت جدارياته بارزة أيضًا في ديكور سفينة الركاب الفرنسية "إس إس نورماندي" . كان عمله زخرفيًا بحتًا، مصممًا كخلفية أو مكمل لعناصر الديكور الأخرى. ^{[ 82 ]}

الرسامة الأخرى المرتبطة ارتباطًا وثيقًا بهذا الأسلوب هي تامارا دي ليمبيكا . ولدت في بولندا، وهاجرت إلى باريس بعد الثورة الروسية . درست على يد موريس دينيس وأندريه لوت ، واستعارت العديد من العناصر من أساليبهما. رسمت صورًا شخصية بأسلوب آرت ديكو واقعي وديناميكي وملون. ^{[ 83 ]}

في ثلاثينيات القرن العشرين، ظهر شكل جديد ومثير من فن الآرت ديكو في الولايات المتحدة. خلال فترة الكساد الكبير، أُنشئ مشروع الفنون الفيدرالي التابع لإدارة تقدم الأشغال لتوفير فرص عمل للفنانين العاطلين عن العمل. وكُلِّف العديد منهم بتزيين المباني الحكومية والمستشفيات والمدارس. لم يكن هناك أسلوب آرت ديكو محدد مُستخدم في الجداريات؛ فقد انتمى الفنانون الذين كُلِّفوا برسم الجداريات في المباني الحكومية إلى مدارس فنية متنوعة، من المدرسة الإقليمية الأمريكية إلى الواقعية الاجتماعية ؛ ومن بينهم ريجينالد مارش وروكويل كينت والرسام المكسيكي دييغو ريفيرا . كانت الجداريات تُصنَّف ضمن فن الآرت ديكو لأنها كانت جميعها زخرفية ومرتبطة بالأنشطة في المبنى أو المدينة التي رُسمت فيها: زيَّن كلٌّ من ريجينالد مارش وروكويل كينت مباني البريد الأمريكية، وعرضا موظفي البريد أثناء العمل، بينما صوَّر دييغو ريفيرا عمال مصانع السيارات لمعهد ديترويت للفنون . تضمنت جدارية دييغو ريفيرا " رجل عند مفترق الطرق " (1933) لمبنى 30 روكفلر بلازا صورة غير مُصرَّح بها للينين . ^{[ 84 ] [ 85 ]} عندما رفض ريفيرا إزالة لوحة لينين، تم تدمير اللوحة ورسم الفنان الإسباني جوزيب ماريا سيرت جدارية جديدة . ^{[ 86 ] [ 87 ] [ 88 ]}

• 
  تصميم برنامج " بعد ظهر يوم من حياة فاون" للمؤلف ليون باكست لفرقة الباليه الروسية (1912).
• 
  غلاف مجلة فانيتي فير بريشة جورج ليباب (1919)
• 
  تفسير موسيقى هارلم جاز 1 بقلم وينولد ريس ( حوالي عام 1920 )
• 
  غلاف مجلة هاربر بازار بريشة إرتيه (1922)
• 
  ملصق مترو أنفاق لندن من تصميم هوراس تايلور (1924)
• 
  ملصق فيلم مولان روج من تصميم تشارلز جيسمار (1925)
• 
  ملصق مترو طوكيو لهيسوي سوجيورا (1927)
• 
  ارتدي المجوهرات - أنت الفائز، من تصميم لودفيج هولوين (حوالي عام 1930)
• 
  غلاف كتاب " مهرج كولومبيا " ، بدون ذكر اسم المؤلف (1931)

ظهر أسلوب آرت ديكو مبكرًا في الفنون التصويرية، في السنوات التي سبقت الحرب العالمية الأولى. وبرز في باريس من خلال ملصقات وتصاميم أزياء ليون باكست لفرقة الباليه الروسية، وفي كتالوجات مصمم الأزياء بول بواريه. ^{[ 97 ]} وقد جسدت رسومات جورج باربييه وجورج ليباب ، بالإضافة إلى الصور المنشورة في مجلة الموضة "لا غازيت دو بون تون"، أناقة هذا الأسلوب وجاذبيته بشكل مثالي. وفي عشرينيات القرن العشرين، تغير المظهر؛ إذ اتسمت الأزياء السائدة بطابع أكثر عفوية ورياضية وجرأة، مع ظهور عارضات الأزياء عادةً وهن يدخنّ السجائر. وسرعان ما تبنت مجلات الموضة الأمريكية، مثل فوغ وفانيتي فير وهاربرز بازار، هذا الأسلوب الجديد ونشرته في الولايات المتحدة. كما أثر هذا الأسلوب على أعمال رسامي الكتب الأمريكيين، مثل روكويل كينت. في ألمانيا، كان أشهر فنان ملصقات في تلك الفترة هو لودفيج هولفاين ، الذي ابتكر ملصقات ملونة ومثيرة لمهرجانات الموسيقى والبيرة، وفي أواخر حياته المهنية، للحزب النازي. ^{[ 98 ]}

خلال فترة فن الآرت نوفو، كانت الملصقات تُستخدم عادةً للإعلان عن المنتجات المسرحية أو عروض الكباريه. وفي عشرينيات القرن العشرين، لاقت ملصقات السفر، المصممة لخطوط السفن البخارية وشركات الطيران، رواجًا كبيرًا. وشهد أسلوب تصميمها تغييرًا ملحوظًا في تلك الفترة، حيث ركز الانتباه على المنتج المُعلن عنه. فأصبحت الصور أبسط وأكثر دقة ووضوحًا وديناميكية، وغالبًا ما كانت تُوضع على خلفية أحادية اللون. وفي فرنسا، برز مصممو فن الآرت ديكو، ومنهم شارل لوبو وبول كولين ، الذي اشتهر بتصميم ملصقات للمغنية والراقصة الأمريكية جوزفين بيكر . وصمم جان كارلو ملصقات لأفلام تشارلي شابلن ومسلسلاته وعروضه المسرحية؛ وفي أواخر ثلاثينيات القرن العشرين، هاجر إلى الولايات المتحدة، حيث صمم، خلال الحرب العالمية الثانية، ملصقات لتشجيع الإنتاج الحربي. واشتهر المصمم شارل جيسمار بتصميم ملصقات للمغنية ميستينغيت ولشركة الخطوط الجوية الفرنسية . كان كاساندر من بين أشهر مصممي ملصقات فن الآرت ديكو الفرنسيين ، والذي صمم الملصق الشهير لسفينة الركاب إس إس نورماندي في عام 1935. ^{[ 98 ]}

في ثلاثينيات القرن العشرين، ظهر نوع جديد من الملصقات في الولايات المتحدة خلال فترة الكساد الكبير. وقد استعان مشروع الفنون الفيدرالي بفنانين أمريكيين لإنشاء ملصقات للترويج للسياحة والفعاليات الثقافية. ^{[ 99 ]}

• 
  الطيور – كواي دورسيه رقم 55 في باريس، من تصميم لويس هيبوليت بوالو ونحت ليون بينيه (1913)
• 
  تمثيلات مجازية – تلع منزل ميهاي زيزمان (Calea Călăraşilor رقم 44) في بوخارست ، بقلم سورو (1920)
• 
  أزهار منمقة (خاصة الأزهار الحلزونية والحزم المتقاربة) - عنصر معماري لمتجر عطور أورسيه في باريس، من تصميم جورج بيال (1922).
• 
  الجرة – خزانة زاوية مصنوعة من خشب الماهوجني بتصميم سلة ورد مرصعة بالعاج، من تصميم جاك إميل رولمان (1923)، متحف بروكلين ، مدينة نيويورك
• 
  سلة الزهور – الشرفات والجملون في شارع مونتين رقم 41 في باريس، مهندس معماري أو نحات غير معروف (1924) ^{[ 100 ]}
• 
  أنماط متكررة – أعمال حديدية زخرفية لمبنى ماديسون بلمونت (شارع ماديسون رقم 181-183) في مدينة نيويورك، من تصميم فيروبراندت (1925) ^{[ 101 ]}
• 
  زهرة البردي - بورت دو شونور، في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة في باريس، من تصميم إدغار براندت (1925) ^{[ 102 ]}
• 
  لفائف أوراق الشجر - أبواب المصعد، من تصميم براندت (1926)، حديد مشغول، زجاج، برونز مطلي ومذهب، متحف كالوست غولبنكيان ، لشبونة ^{[ 103 ]}
• 
  إعادة تفسير مبسطة للأعمدة الدوريكية (مع تاج أو قاعدة مستطيلة أساسية، أو مجرد عمود) - قبر غوستاف سيمون في مقبرة بريفيل ، نانسي، فرنسا، مهندس معماري مجهول (بعد عام 1926)
• 
  الزخرفة لا تقتصر على الزخارف فحسب، بل تشمل أيضًا مجموعات الأحجام - Withuis ( شارع تشارلز ويست رقم 183) في بروكسل ، بلجيكا، من تصميم جوزيف ديونغري (1927) ^{[ 104 ]}
• 
  ألعاب بارعة بين النور والظلام – تصميم مسرحي لمسرحية "ميستيرول مانول" (البنّاء مانول)، من تصميم فيكتور فيودوروف (1927-1928)، ضمن مقتنيات المسرح الوطني ، بوخارست
• 
  الميدالية ذات الشكل الثماني - علامة متجر لا ساماريتان متعدد الأقسام في باريس، من تصميم هنري سوفاج (1928) ^{[ 105 ]}
• 
  الفسيفساء - ميزون بلو (شارع الألزاس رقم 28) في أنجيه ، فرنسا، صممه روجر جوسيراند ، وزينه الأخوة أودوريكو بالفسيفساء (1928).
• 
  القوالب العمودية - منزل جريبروك ( شارع بروك رقم 28) في لندن ، من تصميم السير جون بورنيت وشركائه (1928-1929) ^{[ 106 ]}
• 
  القوالب الأفقية – Atlantic Huis (Westplein رقم 51) في روتردام ، بقلم PG Buskens (1928–1930)
• 
  الزخرفة المتدرجة – قاعة المدخل لمبنى كرايسلر في مدينة نيويورك، من تصميم ويليام فان ألين (1928-1930)
• 
  نافورة ارتوازية - مصباح، من تصميم بول كيس ( حوالي عام 1930 )، زجاج ومعدن، في معرض مؤقت بعنوان "عصر الجاز" في متحف كليفلاند للفنون ، الولايات المتحدة الأمريكية
• 
  وفرة الخيرات – شارع الشانزليزيه رقم 77 في باريس، مهندس معماري مجهول ( حوالي عام 1930 )
• 
  متعرجات معقدة – قاعدة طاولة كونسول، من تصميم بول فيهير ( حوالي عام 1930 )، مصنوعة من المعدن، ضمن معرض مؤقت بعنوان "عصر الجاز" في متحف كليفلاند للفنون
• 
  تبسيط التصميم – شارع غرام رقم 17-21 في باريس، من تصميم مارسيل شابي (1930)
• 
  شعاع الشمس - تفاصيل أعلى مدخل مبنى إيسترن كولومبيا (شارع ساوث برودواي رقم 849) في لوس أنجلوس، من تصميم كلود بيلمان (1930)
• 
  جمالية الإضاءة الاصطناعية - ميزون دو فرانس (معرض لويس فويتون الآن )، شارع الشانزليزيه رقم 101 في باريس، من تصميم لويس هيبوليت بوالو وشارل هنري بيسنارد (1931) ^{[ 107 ]}
• 
  زقورة – فندق الاتحاد (Strada Ion Câmpineanu no. 11) في بوخارست، من تصميم أرغير كولينا (1931) ^{[ 107 ]}
• 
  الأسطح المضيئة الرأسية والأفقية - قاعة المدخل في فيلا كافروا في كروا ، فرنسا، من تصميم روب ماليت ستيفنز (1932) ^{[ 108 ]}
• 
  الخط المتموج - نقش بارز على قبر عائلة سترايسكو في مقبرة بيلو ، بوخارست، من تصميم جورج كريستينيل (1934) ^{[ 109 ]}
• 
  حروف زخرفية منمقة – Edificio del Parque في مكسيكو سيتي ، بقلم إرنستو بوينروسترو (1935)

مرّ فن الزخرفة في عصر الآرت ديكو بمراحل متميزة عديدة. فبين عامي 1910 و1920، ومع انحسار تأثير فن الآرت نوفو، شهدت أنماط التصميم عودة إلى التقاليد، لا سيما في أعمال بول إيريب. وفي عام 1912، نشر أندريه فيرا مقالًا في مجلة " الفن الزخرفي" يدعو فيه إلى العودة إلى الحرفية والمواد المستخدمة في القرون السابقة، واستخدام مجموعة جديدة من الأشكال المستوحاة من الطبيعة، وخاصة السلال وأكاليل الفاكهة والزهور. أما الاتجاه الثاني للآرت ديكو، والذي امتد أيضًا من عام 1910 إلى 1920، فقد استلهم من الألوان الزاهية للحركة الفنية المعروفة باسم " الوحشية" (Fauves) ، ومن الأزياء والديكورات الملونة لفرقة الباليه الروسية. وكثيرًا ما تميز هذا الأسلوب باستخدام مواد غريبة مثل جلد القرش، وعرق اللؤلؤ، والعاج، والجلد الملون، والخشب المطلي والمزخرف، والتطعيمات الزخرفية على الأثاث التي أبرزت هندسته. وبلغ هذا الأسلوب ذروته في معرض باريس للفنون الزخرفية عام 1925. في أواخر عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، تغير أسلوب الزخرفة، مستلهماً من المواد والتقنيات الجديدة. فأصبح أكثر انسيابية وأقل زخرفة. وبدأ الأثاث، كالعمارة، يتخذ حوافاً مستديرة ومظهراً مصقولاً وانسيابياً، مستوحى من أسلوب الحداثة الانسيابي. وبدأت مواد جديدة، مثل الفولاذ المطلي بالنيكل أو الكروم، والألومنيوم، والباكليت ( وهو شكل مبكر من البلاستيك)، بالظهور في الأثاث والديكور. ^{[ 110 ]}

خلال فترة فن الآرت ديكو، ولا سيما في ثلاثينيات القرن العشرين، عبّرت زخارف المباني عن وظيفتها. زُيّنت المسارح بمنحوتات تجسّد الموسيقى والرقص والحماس؛ وعرضت شركات الكهرباء مشاهد شروق الشمس، بينما تميّز مبنى كرايسلر بزخارف غطاء المحرك المُنمّقة؛ أما أفاريز قصر بورت دوريه في معرض باريس الاستعماري عام 1931، فقد عرضت وجوهًا تمثل مختلف جنسيات المستعمرات الفرنسية. أضفى أسلوب ستريملاين على المبنى نفسه طابع الحركة. أما جداريات إدارة تقدم الأعمال (WPA) في ثلاثينيات القرن العشرين، فقد صوّرت أناسًا عاديين؛ عمال المصانع، وعمال البريد، والعائلات، والمزارعين، بدلًا من الأبطال الكلاسيكيين. ^{[ 111 ]}

• 
  Curvy – Avenue Montaigne رقم 26، باريس، من تصميم لويس دوهايون ومارسيل جوليان (1937) ^{[ 112 ]}
• 
  زاوية – مدخل مبنى كرايسلر في مدينة نيويورك، من تصميم ويليام فان ألين (1928-1930)
• 
  غير متماثل – وزارة العدل ( بوليفاردول ريجينا إليزابيتا رقم 53)، بوخارست، بقلم كونستانتين إيوتزو (1929–1932)
• 
  متماثل – شارع شوميل رقم. 14، باريس، صممه إميل بورسييه ونحته ريموند ديلامار (1934)
• 
  لوحة "الأسلوب الماكسيمالي" - حاجز مدفأة، من تصميم إدغار براندت (1925)، مصنوعة من الحديد المطاوع، ضمن معرض مؤقت بعنوان " عصر الجاز " في متحف كليفلاند للفنون ، الولايات المتحدة الأمريكية
• 
  أسلوب بسيط – مبنى المحكمة الفيدرالية في سياتل ، الولايات المتحدة الأمريكية، من تصميم جيلبرت ستانلي أندروود (1940)

يمكن وصف فن الآرت ديكو، شأنه شأن العصر المعقد الذي أنجبه، بأنه مزيج من التناقضات: البساطة مقابل التعقيد، والزوايا الحادة مقابل الانسيابية، والشكل الهرمي مقابل الخطوط الانسيابية، والتناظر مقابل عدم الانتظام، على سبيل المثال لا الحصر. كما أن الرموز التي اختارها فنانو الآرت ديكو للتعبير عن تلك الفترة مليئة بالتناقضات. فتبدو الفتيات الجميلات بملابس القرن الثامن عشر وكأنهن يتعايشن مع السيدات الأنيقات والمتطورات والعاريات المستلقيات، وتضيء ومضات البرق براعم الورد المزخرفة. ^{[ 113 ]}

• 
  كرسي من تصميم بول فولوت (1912-1914)
• 
  كرسي بذراعين من تصميم لويس سو (1912) وشاشة مطلية من تصميم أندريه ماري (1920).
• 
  طاولة تزيين وكرسي من الرخام والخشب المزخرف والمطلي والمذهب من تصميم فولوت (1919-1920).
• 
  كرسي معدني أخضر مصنوع في بوخارست ، رومانيا (1920)
• 
  خزانة زاوية من خشب الماهوجني بتصميم سلة ورد مرصعة بالعاج من تصميم إميل جاك رولمان (1923).
• 
  كرسي مصنوع من المعدن والخشب في ليون ، فرنسا (1925)
• 
  خزانة مغطاة بجلد سمك القرش أو جلد سمك القرش من تصميم أندريه غرو (1925)
• 
  خزانة من تصميم رولمان (1926)
• 
  تصميم الخزانة من تصميم رولمان
• 
  أثاث من تصميم جيو بونتي (1927)
• 
  مكتب إداري، من تصميم ميشيل رو-سبيتز لمعرض الفنانين الزخرفيين عام 1930
• 
  كرسي نادي على طراز آرت ديكو (ثلاثينيات القرن العشرين)
• 
  أثاث وسجادة من طراز آرت ديكو المتأخر من تصميم جول ليلو (الثلاثينيات)
• 
  طاولة بوفيه على طراز الشلال

French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the president of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colours inspired by Fauvism and the Nabis.^[114]

The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such as ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.^[115]

The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.^[116] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.^[117]

Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered Art Deco furniture in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.^[118] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.

The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.^[119]

In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey, who was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic.^[120] Other top designers of Art Deco furniture of the 1930s in the United States included Gilbert Rohde, Warren McArthur, and Kem Weber.

The Waterfall style was popular in the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.^[121]

• 
  Parker Duofold desk set (c.1930)
• 
  Beau Brownie camera, design by Walter Dorwin Teague for Eastman Kodak (1930)
• 
  Philips radio set (1931)
• 
  Chrysler Airflowsedan, designed by Carl Breer (1934)
• 
  Bugatti Aérolithe (1936)
• 
  Philco table radio (c.1937)
• 
  Electrolux vacuum cleaner (1937)
• 
  Talbot-Lago T150-C SS 'Goutte d'Eau' by Figoni et Falaschi (1937)
• 
  Cord 812, designed by Gordon M. Buehrig (1937)
• 
  Phantom Corsair, designed by Rust Heinz (1938)
• 
  New York Central's 20th Century Limited Hudson 4-6-4 Streamlined locomotive (c.1939)

Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamic principles developed for aviation and ballistics to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.^[61] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.^{[122][123][124][125]}

New industrial materials began to influence the design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily moulded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.

Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.^[38]

• 
  Abundance textile design by André Mare (1911), Metropolitan Museum of Art, New York City
• 
  Design of birds from Les Ateliers de Martine by Paul Iribe (1918)
• 
  Rose pattern textiles designed by Mare (c.1919), Metropolitan Museum of Art
• 
  Rose Mousse pattern for upholstery, cotton and silk (1920), Metropolitan Museum of Art

Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colourful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly coloured and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy and Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.^[126]

The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colours. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth and Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.^[127]

Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic finishes and geometric designs.^[127]

• 
  Evening coat by Paul Poiret (c.1912), silk and metal, Metropolitan Museum of Art, New York City
• 
  Evening dress from the Journal des Dames et des Modes, illustrated by George Barbier (1913), Chester Beatty Library, Dublin
• 
  Illustration by Barbier of a gown by Paquin (1914). Stylised floral designs and bright colours were a feature of early Art Deco.
• 
  Cécile Sorel at the Comédie-Française (1920)
• 
  Evening dress by the Maison Agnès (1920–1930), silk, pearls, strass, cabochon, and other materials, Musée Galliera, Paris
• 
  Desiree Lubovska in a dress by Jean Patou (c.1921)
• 
  Skirt by the Maison Agnès (1925–1927), silk, Musée Galliera
• 
  Coco Chanel in a sailor's blouse and trousers (1928)
• 
  Louise Brooks with an à la garçonne hairstyle, in a publicity photo for Diary of Lost Girl (1929)
• 
  Advertisement for pyjamas in Lisières Fleuries fabric, from Le Jardin des Modes (1930)

Fashion changed dramatically during this period, thanks in particular to designers Paul Poiret and later Coco Chanel. Poiret introduced the concept of draping, a departure from the tailoring and patternmaking of the past.^[128] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.^[128] His styles offered structural simplicity^[128] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. With the use of new materials, brighter colours and printed designs.^[128] The designer Coco Chanel continued the transition, popularising the style of sporty, casual chic.^[129]

A particular typology of the era was the Flapper, a woman who cut her hair into a short bob, drank cocktails, smoked in public, and danced late into the night at fashionable clubs, cabarets or bohemian dives. Of course, most women didn't live like this, the Flapper being more a character present in popular imagination than a reality. Another female Art Deco style was the androgynous garçonne of the 1920s, with flattened bosom, dispelled waist and revealed legs, reducing the silhouette to a short tube, topped with a head-hugging cloche hat.^[130]

• 
  Semaphore brooch by Gerard Sandoz, in platinum, coral, onyx, diamonds, 1925
• 
  Cigarette case of leather and gold leaf by Pierre Legrain (1922), presenting a polychrome geometric decoration, Metropolitan Museum of Art, New York City
• 
  Bracelet of gold, coral and jade (1925), Museum of Decorative Arts, Paris
• 
  Gold buckle set with diamonds and carved onyx, lapis lazuli, jade, and coral, by Boucheron (1925)
• 
  Molded glass pendants on silk cords by René Lalique (1925–1930)
• 
  Mackay Emerald Necklace, emerald, diamond and platinum, by Cartier (1930), Smithsonian National Museum of Natural History, Washington, D.C.

In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamonds by introducing more colourful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. Other popular Art Deco cuts include:

• emerald cut, with long step-cut facets;
• asscher cut, more square-shaped than emerald with a high crown and the first diamond cut to ever be patented;
• marquise cut, to give the illusion of being bigger and bolder;
• baguette cut: small, rectangular step-cut shapes often used to outline bolder stones;^[131]
• old European cut, round in shape and cut by hand so sparks of color (called fire) flash from within the stone.^[132]

The settings for diamonds also changed; More and more often jewellers used platinum instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewellers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.^[133]

Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.^[133]

Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wristwatch before World War I inspired jewelers to create extraordinary, decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.^[134]

The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.^[134] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.^[134] Other notable names in the Art Deco movement include Boucheron, Lacloche, and Danish silversmith Georg Jensen, known for his work with silver and less expensive gemstones. American jewelry houses such as Tiffany & Co., Black, Starr & Frost, and Marcus & Co. also made significant contributions, producing pieces that included clocks and objets d'art, as well as jewelry.^[135]

• 
  Bottles, unknown designer or producer (1920s)
• 
  The Firebird by René Lalique (1922), Dayton Art Institute, US
• 
  Parrot vase by Lalique (1922), Cincinnati Art Museum, US
• 
  Window for a steel mill office by Louis Majorelle (1928), Grands bureaux des Aciéries de Longwy, Longlaville, France
• 
  Skyscraper Lamp, designed by Arnaldo dell'Ira (1929), Arnaldo dell'Ira Collection
• 
  Angular chandeliers by Lanchester & Lodge (c.1929–1936), Brotherton Library, University of Leeds, West Yorkshire, UK^[136]
• 
  Vase by Daum (c.1930–1935), Museum of Decorative Arts, Paris
• 
  Stained glass windows by Jean Gaudin (1932–1934), Amiens Cathedral, Amiens, France

Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had experimented with glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, creating statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.^[137]

Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.^[137]

Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.^[137]

The Great Depression impacted on the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.^[137]Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.

Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932–34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.^[138]

• 
  A grill with two wings called The Pheasants, made by Paul Kiss and displayed at the 1925 Exposition of Decorative and Industrial Arts
• 
  Iron and copper grill called Oasis by Edgar Brandt, displayed at the 1925 Paris Exposition
• 
  Table mirror by Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (c.1930)
• 
  Cocktail set of chrome-plated steel by Norman Bel Geddes (1937)

Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).^[139]

Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.^[140] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the BioShock video game series.

Art Deco visuals were an inspiration for the architecture of Iacon City in the animated science fiction film Transformers One.^[141]

• 
  Viaduto do Chá in São Paulo, built in 1892, is a historical heritage of the city
• 
  The Miami Beach Architectural District in Miami, Florida, protects historical Art Deco buildings.
• 
  Telephone Company Building on Calea Victoriei in Bucharest (1929–1934) by Walter Froy, Louis S. Weeks and Edmond van Saanen Algi, qualified as a monument istoric (Romanian for historic monument)
• 
  Strada Romulus no. 75 in Bucharest (1930s) by unknown architect, in a state of decay
• 
  U-Drop Inn, a roadside gas station and diner on U.S. Highway 66 in Shamrock, Texas (1936), now a historical monument
• 
  Messeturm in Frankfurt, Germany, by Helmut Jahn (1990), a Postmodern building that is reminiscent of Art Deco architecture^[142]
• 
  Rue Henri Heine no. 3–5 in Paris by J.J. Ory (2001), a neo-Art Deco building^[143]
• 
  Capella Hanoi in Vietnam (2021), a neo-Art Deco building

In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic Art Deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest Art Deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an Art Deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.

In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.^[144] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; the Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes Art Deco call backs to the Hoover Dam; 99 Hudson in Jersey City, New Jersey, the state's tallest building and the 46th tallest in the United States, which features Art Deco-inspired limestone and glass lineation; and the Brooklyn Tower in Brooklyn, New York, the borough's tallest building and the 19th tallest in the country, with its black glass and bronze piping.^{[144][145][146][147][148][149][150]}

• Fiell, Charlotte; Fiell, Peter (2005). Design of the 20th Century (25th anniversary ed.). Köln: Taschen. pp. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.

• شاطئ ميامي على طراز آرت ديكو
• فن الآرت ديكو في مومباي
• فن الآرت ديكو في مونتريال
• جمعية فن الآرت ديكو في واشنطن
• تصميم داخلي لغرف المعيشة
• فن الآرت ديكو في ريو دي جانيرو
• شنغهاي على طراز آرت ديكو
• متحف آرت ديكو في موسكو
• جمعية آرت ديكو في نيويورك
• جمعية آرت ديكو في لوس أنجلوس، مؤرشفة بتاريخ 17 مايو 2015 في أرشيف الإنترنت (Wayback Machine).
• ممشى آرت ديكو في مونتريال