فيلم فني

ملصقات العرض السينمائي لفيلمي "الجحيم" و "التعصب" ، واللذان غالباً ما ينسب إليهما مؤرخو السينما الفضل في كونهما أول فيلمين فنيين.

من بين رواد السينما الفنية فيلم "الجحيم" الإيطالي الصامت (1911)، وفيلم "التعصب " للمخرج دي دبليو غريفيث (1916)، وأعمال المخرج الروسي سيرجي آيزنشتاين ، الذي أثر في تطور الحركات السينمائية الأوروبية لعقود. ^{[ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]} كان فيلم آيزنشتاين "المدمرة بوتمكين " (1925) فيلمًا دعائيًا ثوريًا استخدمه لاختبار نظرياته حول استخدام المونتاج السينمائي لإثارة أكبر قدر من الاستجابة العاطفية لدى الجمهور. وقد مكّنته الشهرة النقدية العالمية التي حصدها آيزنشتاين من هذا الفيلم من إخراج فيلم " أكتوبر" كجزء من احتفال كبير بالذكرى العاشرة لثورة أكتوبر عام 1917. ثم أخرج لاحقًا فيلم "الخط العام" عام 1929. ويُعرّف بعض النقاد فيلم " الأرض" (1930) للمخرج ألكسندر دوفجينكو ، الذي صُوّر تحت تأثير آيزنشتاين، بأنه ذروة السينما الفنية. ^{[ 12 ]}

تأثرت الأفلام الفنية أيضًا بأفلام رواد السينما الطليعية الإسبان ، مثل لويس بونويل وسلفادور دالي (مخرج فيلم "العصر الذهبي" عام 1930)، وبالكاتب المسرحي والمخرج الفرنسي جان كوكتو ، الذي استخدم في فيلمه الطليعي " دم شاعر" عام 1932 صورًا حالمة طوال أحداثه، بما في ذلك نماذج سلكية دوارة لرأس بشري وأقنعة مزدوجة الجوانب دوارة. في عشرينيات القرن العشرين، بدأت جمعيات السينما بالدعوة إلى تقسيم الأفلام إلى "سينما ترفيهية موجهة لجمهور واسع وسينما فنية جادة موجهة لجمهور مثقف". في إنجلترا، أسس ألفريد هيتشكوك وإيفور مونتاجو جمعية سينمائية واستوردا أفلامًا اعتبراها "إنجازات فنية"، مثل "الأفلام السوفيتية ذات المونتاج الجدلي، والأفلام التعبيرية لاستوديوهات يونيفرسوم فيلم إيه جي (UFA) في ألمانيا". ^{[ 9 ]}

أثرت حركة السينما النقية ، وهي حركة سينمائية طليعية فرنسية ظهرت في عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، على تطور فكرة الفيلم الفني.وضمت هذه الحركة عدداً من فناني دادا البارزين . استخدم الدادائيون السينما لتجاوز تقاليد السرد القصصي، والتقاليد البرجوازية، والمفاهيم الأرسطية التقليدية للزمان والمكان، وذلك من خلال ابتكار مونتاج مرن للزمان والمكان.

تأثرت حركة السينما المجردة بمخرجين ألمان "مطلقين" مثل هانز ريختر ، ووالتر روتمن، وفايكنغ إيغلينغ . ادعى ريختر زورًا أن فيلمه "إيقاع 21" (1921) كان أول فيلم تجريدي على الإطلاق. في الواقع، سبقه في هذا المجال كل من برونو كورا وأرنالدو جينا، وهما من رواد الحركة المستقبلية الإيطالية ، بين عامي 1911 و1912 ^{[ 13 ]} (كما ورد في بيان الحركة المستقبلية للسينما ^{[ 13 ]} )، بالإضافة إلى الفنان الألماني والتر روتمن، الذي أنتج فيلم "ليختشبيل أوبوس 1" (Lichtspiel Opus 1) عام 1920. ومع ذلك، يُعتبر فيلم ريختر " إيقاع 21" فيلمًا تجريديًا مبكرًا هامًا.

افتتحت إلسي كوهين أول دار عرض سينمائي فنية بريطانية مؤقتًا في قصر لوكس في لندن عام 1929. ثم أنشأت موقعًا دائمًا في سينما أكاديمي في شارع أكسفورد عام 1931. ^{[ 14 ]}

ظهرت دور السينما الفنية المتخصصة في عرض الأفلام الفنية على الساحل الشرقي للولايات المتحدة في أواخر عشرينيات القرن العشرين. وانتشرت هذه الدور على نطاق واسع في كل من الولايات المتحدة وأوروبا. ^{[ 15 ] [ 16 ]}

في ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين، كان من الممكن تقسيم أفلام هوليوود إلى قسمين: الأول ذو طابع فني، كأفلام مقتبسة من أعمال أدبية مثل فيلم " المخبر" لجون فورد (1935) وفيلم " الرحلة الطويلة إلى الوطن " ليوجين أونيل ( 1940)، والثاني ذو طابع تجاري، كأفلام الإثارة والجريمة. ويرى ويليام سيسكا أن أفلام الواقعية الجديدة الإيطالية من منتصف إلى أواخر أربعينيات القرن العشرين، مثل " المدينة المفتوحة " (1945) و "بايزا" (1946) و "سارقو الدراجات " (1948)، يمكن اعتبارها حركة سينمائية فنية واعية أخرى. ^{[ 9 ]}

في أواخر أربعينيات القرن العشرين، تعززت لدى الجمهور الأمريكي قناعة بأن أفلام الواقعية الجديدة الإيطالية وغيرها من الأفلام الأوروبية الجادة تختلف عن أفلام هوليوود السائدة، وذلك بفضل انتشار دور السينما الفنية في المدن الأمريكية الكبرى والبلدات الجامعية. بعد الحرب العالمية الثانية، "...بدأت شريحة متزايدة من الجمهور الأمريكي المُحب للسينما تشعر بالملل من أفلام هوليوود السائدة"، فتوجهوا إلى دور السينما الفنية التي أُنشئت حديثًا لمشاهدة "بدائل للأفلام المعروضة في دور السينما الرئيسية". ^{[ 5 ]} وشملت الأفلام المعروضة في هذه الدور الفنية "أفلامًا بريطانية وأجنبية وأمريكية مستقلة، بالإضافة إلى أفلام وثائقية وإعادة عرض لأفلام هوليوود الكلاسيكية". وقد عُرضت أفلام مثل " المدينة المفتوحة " لروسيليني، و" الجزيرة الصغيرة الضيقة " ( ويسكي غالور! ) و "لصوص الدراجات" و "الأحذية الحمراء" لماكيندريك أمام جمهور أمريكي كبير. ^{[ 5 ]}

في أواخر خمسينيات القرن العشرين، بدأ المخرجون الفرنسيون بإنتاج أفلام متأثرة بالواقعية الجديدة الإيطالية ^{[ 17 ]} وسينما هوليوود الكلاسيكية ^{[ 17 ]} ، وهو أسلوب أطلق عليه النقاد اسم الموجة الفرنسية الجديدة . ورغم أنها لم تكن حركة منظمة رسمياً، إلا أن مخرجي الموجة الجديدة ارتبطوا برفضهم الواعي للشكل السينمائي الكلاسيكي وروحهم الشبابية المتمردة ، وتُعد أفلامهم مثالاً على سينما الفن الأوروبية ^{[ 18 ]} . كما انخرط العديد منهم في أعمالهم مع الاضطرابات الاجتماعية والسياسية لتلك الحقبة، جاعلين تجاربهم الجذرية في المونتاج والأسلوب البصري والسرد جزءاً من قطيعة عامة مع النموذج المحافظ. وقد بدأ بعض أبرز رواد هذه المجموعة، بمن فيهم فرانسوا تروفو ، وجان لوك غودار ، وإريك رومر ، وكلود شابرول ، وجاك ريفيت ، مسيرتهم كناقدين في مجلة " كراسات السينما" السينمائية . تنص نظرية المؤلف على أن المخرج هو "مؤلف" أفلامه، وله بصمة شخصية واضحة من فيلم لآخر.

استمرت حركة الموجة الفرنسية الجديدة حتى ستينيات القرن العشرين. وخلال تلك الفترة، شاع استخدام مصطلح "الفيلم الفني" في الولايات المتحدة أكثر من أوروبا. في الولايات المتحدة، يُعرّف المصطلح عادةً تعريفًا واسعًا ليشمل أفلام "المؤلف" الأجنبية (غير الإنجليزية)، والأفلام المستقلة ، والأفلام التجريبية ، والأفلام الوثائقية، والأفلام القصيرة. في ستينيات القرن العشرين، أصبح مصطلح "الفيلم الفني" في الولايات المتحدة كنايةً عن أفلام الدرجة الثانية الإيطالية والفرنسية ذات المحتوى الجنسي الصريح . وبحلول سبعينيات القرن العشرين، استُخدم المصطلح لوصف الأفلام الأوروبية ذات المحتوى الجنسي الصريح والبنية الفنية، مثل الفيلم السويدي " أنا فضولي (أصفر)" . في الولايات المتحدة، قد يشير مصطلح "الفيلم الفني" إلى أفلام فنانين أمريكيين معاصرين، بمن فيهم آندي وارهول وفيلمه "بلو موفي " عام 1969 ، ^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]} ولكنه يُستخدم أحيانًا بشكل فضفاض جدًا للإشارة إلى مجموعة واسعة من الأفلام المعروضة في دور العرض المتخصصة أو "دور السينما الفنية". وبناءً على هذا النهج، قد تندرج مجموعة واسعة من الأفلام، مثل فيلم لهيتشكوك من ستينيات القرن الماضي ، وفيلم تجريبي مستقل من سبعينيات القرن الماضي، وفيلم لمخرج أوروبي، وفيلم أمريكي "مستقل"، وحتى فيلم أجنبي تجاري (مع ترجمة)، تحت مسمى "الأفلام الفنية".

بحلول ثمانينيات وتسعينيات القرن العشرين، اختلط مصطلح "الفيلم الفني" بمصطلح "الفيلم المستقل" في الولايات المتحدة، نظرًا لتشابههما في العديد من السمات الأسلوبية. قامت شركات مثل " ميراماكس فيلمز" بتوزيع أفلام مستقلة لاقت رواجًا تجاريًا. وعندما لاحظت استوديوهات الإنتاج السينمائي الكبرى جاذبية الأفلام المستقلة لدى فئة معينة من الجمهور، أنشأت أقسامًا متخصصة في إنتاج الأفلام غير التجارية، مثل قسم "فوكس سيرشلايت بيكتشرز" التابع لشركة " توينتيث سينشري فوكس" ، وقسم "فوكس فيتشرز " التابع لشركة "يونيفرسال" ، وقسم "سوني بيكتشرز كلاسيكس" التابع لشركة "سوني بيكتشرز إنترتينمنت" ، وقسم "باراماونت فانتاج " التابع لشركة "باراماونت" . وقد دار جدل بين نقاد السينما حول إمكانية اعتبار أفلام هذه الأقسام "أفلامًا مستقلة"، نظرًا لحصولها على دعم مالي من استوديوهات كبرى.

في عام ٢٠٠٧، جادلت البروفيسورة كاميل باجليا في مقالها "أفلام الفن: وداعًا" بأنه "باستثناء سلسلة " العراب " لفرانسيس فورد كوبولا ، بتقنياتها البارعة في استخدام الفلاش باك وواقعيتها الاجتماعية القاسية، ... [لا يوجد] ... فيلم واحد أُنتج خلال السنوات الخمس والثلاثين الماضية يُمكن القول إنه يُضاهي فيلمي بيرغمان " الختم السابع " أو "بيرسونا " من حيث الثقل الفلسفي أو براعة التنفيذ ". وتشير باجليا إلى أن شباب الألفية الجديدة "لا يملكون الصبر على اللقطات الطويلة والبطيئة التي تخصص فيها المخرجون الأوروبيون المتعمقون في التفكير"، وهو أسلوب كان يُتيح "التدقيق المُتقن في أدق تعابير الوجه أو المشهد البارد لغرفة معقمة أو منظر طبيعي قاتم". ^{[ ٢٢ ]}

بحسب المخرج والمنتج والموزع روجر كورمان ، "كانت فترة الخمسينيات والستينيات من القرن العشرين ذروة تأثير السينما الفنية. بعد ذلك، تضاءل هذا التأثير. استوعبت هوليوود دروس الأفلام الأوروبية ودمجتها في أفلامها". ويذكر كورمان أن "المشاهدين استطاعوا أن يلمسوا جوهر السينما الفنية الأوروبية في أفلام هوليوود في السبعينيات... [وهكذا]، أصبحت السينما الفنية، التي لم تكن يومًا حكرًا على السينما الأوروبية، سينما عالمية حقيقية - وإن كانت تكافح من أجل الحصول على اعتراف واسع". ويشير كورمان إلى أن "هوليوود نفسها وسّعت نطاقها الجمالي بشكل جذري... لأن نطاق المواضيع المطروحة اتسع ليشمل ظروف صناعة الصور، وإنتاج الأفلام، والتجربة الإعلامية الجديدة والمتعددة الأوجه للحداثة. هناك جمهور جديد تعرّف على الأفلام الفنية من خلال متاجر الفيديو". ويؤكد كورمان أن "هناك حاليًا إمكانية لنهضة" السينما الفنية الأمريكية. ^{[ 23 ]}

في عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، لم يكن هدف صانعي الأفلام إنتاج "أفلام فنية"، ولم يستخدم نقاد السينما مصطلح "الفيلم الفني". مع ذلك، ظهرت أفلام ذات أهداف جمالية راقية، مثل فيلمي كارل تيودور دراير " آلام جان دارك" (1928) و "فامبير" (1932)، وأفلام سريالية مثل فيلمي لويس بونويل " كلب أندلسي " (1929) و "العصر الذهبي" (1930)، أو حتى أفلام تتناول قضايا سياسية وأحداثًا جارية، مثل تحفة سيرجي آيزنشتاين الشهيرة والمؤثرة " المدمرة بوتمكين" . أما الفيلم الأمريكي " شروق الشمس: أغنية إنسانين " (1927) للمخرج التعبيري الألماني إف دبليو مورناو، فيستخدم تصميمًا فنيًا مشوهًا وتصويرًا سينمائيًا رائدًا لخلق عالم مبالغ فيه، أشبه بالحكايات الخرافية، غني بالرمزية والصور. يُعد فيلم جان رينوار " قواعد اللعبة " (1939) كوميديا ​​اجتماعية تتجاوز تقاليد هذا النوع من خلال تقديم هجاء لاذع ومأساوي للمجتمع الفرنسي الراقي في السنوات التي سبقت الحرب العالمية الثانية؛ وقد صنّفه استطلاع رأي النقاد في مجلة " سايت آند ساوند" رابع أعظم فيلم على الإطلاق، بعد أفلام "فيرتيجو " و "المواطن كين" و "قصة طوكيو" . ^{[ 32 ]}

بعض هذه الأفلام المبكرة ذات التوجه الفني مُوِّلت من قِبَل أفراد أثرياء بدلاً من شركات الإنتاج السينمائي، لا سيما في الحالات التي كان فيها محتوى الفيلم مثيراً للجدل أو من غير المرجح أن يجذب جمهوراً. في أواخر الأربعينيات، أخرج المخرج البريطاني مايكل باول وإيمريك بريسبورغر فيلم "الأحذية الحمراء " (1948)، وهو فيلم عن الباليه، تميز عن أفلام التيار السائد في تلك الحقبة. وفي عام 1945، أخرج ديفيد لين فيلم "لقاء قصير" ، وهو مقتبس من مسرحية " الحياة الساكنة" لنويل كوارد ، والتي تتناول قصة حب عاطفية بين رجل من الطبقة العليا وامرأة من الطبقة المتوسطة وسط المشكلات الاجتماعية والاقتصادية التي واجهتها بريطانيا آنذاك.

في خمسينيات القرن العشرين، تضمنت بعض الأفلام المعروفة ذات الحساسية الفنية فيلم La Strada (1954)، وهو فيلم عن شابة تُجبر على العمل لدى فنان سيرك قاسٍ وغير إنساني لإعالة أسرتها، وتتقبل في النهاية وضعها؛ وفيلم Ordet (1955) للمخرج كارل ثيودور دراير، الذي يتمحور حول عائلة تفتقر إلى الإيمان، ولكن لديها ابن يعتقد أنه يسوع المسيح ومقتنع بأنه قادر على صنع المعجزات؛ وفيلم Nights of Cabiria (1957) للمخرج فيديريكو فيليني ، الذي يتناول محاولات عاهرة فاشلة للعثور على الحب، ومعاناتها ورفضها؛ وفيلم Wild Strawberries (1957) للمخرج إنغمار بيرغمان، الذي تدور قصته حول طبيب مسن، وهو أيضًا أستاذ جامعي، تقوده كوابيسه إلى إعادة تقييم حياته؛ وفيلم "الضربات الأربعمائة " (1959) للمخرج فرانسوا تروفو، الذي تدور أحداثه حول شاب يحاول النضوج رغم إساءة معاملة والديه ومعلميه والمجتمع، يُعد هذا الفيلم الخطوة الأولى الكبيرة في الموجة الفرنسية الجديدة ، وقد أثبت للسينما إمكانية إنتاج أفلام بميزانية محدودة، وبمشاركة ممثلين هواة، وطاقم عمل صغير. في بولندا، سمح انفراج خروتشوف ببعض التخفيف في السياسات الثقافية للنظام، وعرضت أعمال مثل "جيل" ، و"قناة" ، و"رماد وألماس" ، و"لوتنا" (1954-1959)، وجميعها من إخراج أندريه فايدا ، أسلوب المدرسة السينمائية البولندية .

شهدت ستينيات القرن العشرين حقبةً مهمةً في تاريخ السينما الفنية، حيث أُصدر عددٌ من الأفلام الرائدة التي أسهمت في ظهور السينما الفنية الأوروبية. استخدم فيلم "على حافة الهاوية" (À bout de souffle) (1960) للمخرج جان لوك غودار تقنيات بصرية ومونتاجية مبتكرة، مثل القطع المفاجئة واستخدام الكاميرا المحمولة . واصل غودار، أحد رواد الموجة الفرنسية الجديدة، تقديم أفلام مبتكرة طوال العقد، مقترحًا أسلوبًا جديدًا كليًا في صناعة الأفلام. بعد نجاح "على حافة الهاوية" ، أخرج غودار فيلمين آخرين مؤثرين للغاية، هما "الاحتقار" (Contempt) عام 1963، الذي عرض فيه رؤيته لنظام صناعة الأفلام في الاستوديوهات، واللقطات الطويلة الجميلة، وتقنية الفيلم داخل الفيلم، و" بييرو المجنون" (Pierrot le fou) عام 1965، الذي يمزج بين أفلام الجريمة والرومانسية بأسلوبه المناهض لهوليوود. أما فيلم "جول وجيم" (Jules et Jim) للمخرج فرانسوا تروفو، فقد فكك علاقةً معقدةً بين ثلاثة أفراد من خلال كتابة سيناريو مبتكرة، ومونتاج، وتقنيات تصوير متطورة. ساهم المخرج الإيطالي مايكل أنجلو أنطونيوني في إحداث ثورة في صناعة الأفلام من خلال أفلام مثل L'Avventura (1960)، الذي كان له تأثير كبير بفضل تصويره للمناظر الطبيعية وتقنيات التأطير، ويتناول اختفاء شابة من الطبقة العليا أثناء رحلة بالقارب، والبحث اللاحق الذي يقوم به حبيبها وصديقتها المقربة؛ La Notte (1961)، وهو دراسة معقدة لزواج فاشل تناول قضايا مثل الاغتراب والعقم؛ Eclipse (1962)، الذي يتناول قصة شابة غير قادرة على تكوين علاقة متينة مع حبيبها بسبب طبيعته المادية؛ Red Desert (1964)، وهو أول فيلم ملون له، ويتناول الحاجة إلى التكيف مع العالم الحديث؛ و Blowup (1966)، وهو أول فيلم له باللغة الإنجليزية، والذي يتناول قضايا الإدراك والواقع من خلال تتبع محاولة مصور شاب لاكتشاف ما إذا كان قد صور جريمة قتل.

بدأ المخرج السويدي إنغمار بيرغمان عقد الستينيات بأعمالٍ ذات طابعٍ حميمي، مثل " ضوء الشتاء" (1963) و "الصمت" (1963)، والتي تناولت مواضيعَ كالعزلة العاطفية وانعدام التواصل. أما أفلامه في النصف الثاني من العقد، مثل "بيرسونا" (1966) و "العار" (1968) و "عاطفة" (1969)، فقد تناولت فكرة السينما كفنٍّ مصطنع. وأثارت أفلام تاديوش كونفيكي ، ذات الطابع الفكري والتعبيري البصري، مثل "يوم جميع الأرواح" ( زادوشكي ، 1961) و "سالتو" (1962)، نقاشاتٍ حول الحرب، وطرحت تساؤلاتٍ وجودية من منظور أبطالها العاديين.

يُصوّر فيلم "الحياة الحلوة " (1960) للمخرج فيديريكو فيليني سلسلة من الليالي والفجر في روما كما يراها صحفي ساخر، ويُمثّل هذا الفيلم حلقة وصل بين أسلوبه الواقعي الإيطالي الجديد السابق وأسلوبه السريالي اللاحق . في عام 1963، أخرج فيليني فيلم "8½" ، الذي يستكشف الصعوبات الإبداعية والزوجية والروحية، وصُوّر بالأبيض والأسود بعدسة مدير التصوير جياني دي فينانزو . أما فيلم " العام الماضي في مارينباد " (1961) للمخرج آلان رينيه، فيتناول الإدراك والواقع، مستخدمًا لقطات تتبع واسعة النطاق أصبحت ذات تأثير كبير. ويُعدّ فيلما روبرت بريسون " بالتازار بالصدفة" (1966) و "موشيت" (1967) مميزين بأسلوبهما الطبيعي والموجز. كما أسهم المخرج الإسباني لويس بونويل إسهامًا كبيرًا في فن السينما من خلال أفلامه الساخرة السريالية الصادمة مثل "فيريديانا " (1961) و "الملاك المُبيد" (1962).

فيلم "أندريه روبليف " (1966) للمخرج الروسي أندريه تاركوفسكي، هو بورتريه للرسام الروسي الشهير الذي يحمل الاسم نفسه، والذي اشتهر برسم الأيقونات في العصور الوسطى. يتناول الفيلم أيضًا موضوع الحرية الفنية، وإمكانية وضرورة الإبداع الفني في مواجهة السلطة القمعية. عُرضت نسخة مختصرة من الفيلم في مهرجان كان السينمائي عام 1969 ، حيث فاز بجائزة الاتحاد الدولي لنقاد السينما (FIPRESCI) . ^{[ 35 ]} في نهاية العقد، أبهر فيلم "2001: ملحمة الفضاء " (1968) للمخرج ستانلي كوبريك الجماهير بواقعيته العلمية، واستخدامه الرائد للمؤثرات الخاصة، وصوره البصرية غير المألوفة. في عام 1969، أصدر آندي وارهول فيلم "بلو موفي" ، وهو أول فيلم فني للكبار يُعرض على نطاق واسع في دور السينما الأمريكية، ويُصوّر مشاهد جنسية صريحة. ^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]} وفقًا لوارهول، كان فيلم "بلو موفي" مصدر إلهام رئيسي في صناعة فيلم " لاست تانغو إن باريس" ، وهو فيلم فني إيروتيكي مثير للجدل عالميًا، من إخراج برناردو برتولوتشي ، والذي صدر بعد سنوات قليلة من إنتاج "بلو موفي" . ^{[ 21 ]} في أرمينيا السوفيتية ، حظرت السلطات السوفيتية فيلم " لون الرمان" لسيرجي باراجانوف ، الذي لعبت فيه الممثلة الجورجية سوفيكو تشياوريلي خمس شخصيات مختلفة، ولم يكن متاحًا في الغرب لفترة طويلة، وأشاد به الناقد ميخائيل فارتانوف ووصفه بأنه "ثوري"؛ ^{[ 36 ]} وفي أوائل الثمانينيات، أدرجت مجلة "لي كاييه دو سينما" الفيلم ضمن قائمة أفضل عشرة أفلام. ^{[ 37 ]} في عام 1967، في جورجيا السوفيتية ، أخرج المخرج الجورجي المؤثر تينغيز أبولادزه فيلم "فيدريبا " (التضرع)، المستوحى من أعمال فازها بشافيلا الأدبية، حيث تُروى القصة بأسلوب سردي شعري، زاخر بالمشاهد الرمزية ذات الدلالات الفلسفية. وفي إيران، أشعل فيلم " البقرة " (1969) للمخرج داريوش مهرجوي ، الذي يتناول قصة رجل يُصاب بالجنون بعد نفوق بقرته المحبوبة، شرارة الموجة الجديدة للسينما الإيرانية .

حقق محرك الدمى جيم هينسون نجاحًا فنيًا بفيلمه القصير "تايم بيس" الذي رُشح لجائزة الأوسكار عام 1965 والذي لم يكن من إنتاج برنامج الدمى . ^{[ 38 ]}

في أوائل سبعينيات القرن العشرين، صدم المخرجون الجماهير بأفلام عنيفة مثل "برتقالة آلية" (1971)، وهو فيلم ستانلي كوبريك الذي يستكشف بوحشية عصابات الشباب في المستقبل، و" التانغو الأخير في باريس " (1972)، وهو فيلم برناردو برتولوتشي الجريء والمثير للجدل والذي كسر المحظورات بمشاهد جنسية صريحة. في الوقت نفسه، قدم مخرجون آخرون أفلامًا أكثر تأملًا، مثل فيلم الخيال العلمي التأملي "سولاريس " (1972) للمخرج أندريه تاركوفسكي ، والذي يُفترض أنه كان ردًا سوفيتيًا على فيلم "2001 : ملحمة الفضاء". في عامي 1975 و1979 على التوالي، أخرج تاركوفسكي فيلمين آخرين حظيا بإشادة نقدية واسعة في الخارج: " المرآة " و "المطارد" . تشارك تيرينس ماليك ، مخرج فيلمي "الأراضي الوعرة" (1973) و" أيام الجنة " (1978)، العديد من السمات مع تاركوفسكي، مثل لقطاته الطويلة والمطولة للجمال الطبيعي، وصوره المؤثرة، وأسلوبه السردي الشعري.

من السمات الأخرى لأفلام الفن في سبعينيات القرن العشرين عودة الشخصيات والصور الغريبة إلى الواجهة؛ والتي تتجلى بوضوح في شخصية البطل المعذب والمهووس في فيلم "أغيري، غضب الرب " (1973) للمخرج الألماني فيرنر هيرتزوغ ، أحد رواد الموجة الجديدة ، وفي أفلام ذات طابع خاص مثل فيلم "الجبل المقدس " (1973) للمخرج أليخاندرو خودوروفسكي ، وهو فيلم ذو طابع سريالي يتناول قصة لص وخيميائي يبحثان عن جزيرة اللوتس الأسطورية . ^{[ 39 ]} يواصل فيلم "سائق التاكسي " (1976) للمخرج مارتن سكورسيزي استكشاف المواضيع التي تناولها فيلم "برتقالة آلية" : مجتمع مغترب يعيش في مجتمع عنيف ومتدهور. يتناقض العنف الصريح والغضب المتأجج في فيلم سكورسيزي مع أفلام أخرى صدرت في الفترة نفسها، مثل فيلم " رأس الممحاة " (1977) الكلاسيكي بالأبيض والأسود للمخرج ديفيد لينش ، وهو فيلم حالم وسريالي وصناعي. ^{[ 40 ]} في عام 1974، قدم جون كاسافيتس تعليقًا لاذعًا على حياة الطبقة العاملة الأمريكية في فيلم "امرأة تحت التأثير" ، الذي يصور ربة منزل غريبة الأطوار تنزلق ببطء إلى الجنون. ^{[ 41 ]}

وفي سبعينيات القرن العشرين أيضاً، أخرج رادلي ميتزجر العديد من الأفلام الفنية للبالغين، مثل فيلم Barbara Broadcast (1977)، الذي قدم أجواءً سريالية "بونيلية"، ^{[ 42 ]} وفيلم The Opening of Misty Beethoven (1976)، المقتبس من مسرحية Pygmalion لجورج برنارد شو (ومشتقها، My Fair Lady )، والذي اعتبرته الكاتبة الحائزة على جوائز توني بنتلي "جوهرة التاج" للعصر الذهبي للأفلام الإباحية ، ^{[ 43 ] [ 44 ]} وهي حقبة في الثقافة الأمريكية الحديثة تم افتتاحها بإصدار فيلم Blue Movie لأندي وارهول (1969) وشهدت ظاهرة " الإباحية الأنيقة " ^{[ 45 ] [ 46 ]} حيث بدأت الأفلام الإباحية للبالغين في الحصول على عرض واسع النطاق، وتم مناقشتها علنًا من قبل المشاهير (مثل جوني كارسون وبوب هوب ) ^{[ 47 ]} وأخذها نقاد السينما على محمل الجد (مثل روجر إيبرت ). ^{[ 48 ] [ 49 ]}

في عام ١٩٨٠، قدّم المخرج مارتن سكورسيزي للجمهور، الذي اعتاد على أفلام المغامرات الضخمة والهروبية من الواقعية لستيفن سبيلبرغ وجورج لوكاس ، فيلمه الواقعي القاسي " الثور الهائج" . في هذا الفيلم، بالغ الممثل روبرت دي نيرو في استخدام أسلوب التمثيل المنهجي ليجسد انحدار ملاكم من مقاتل شاب فائز بالجوائز إلى مالك ملهى ليلي بدين ومنسي. ويمكن اعتبار فيلم " بليد رانر " (١٩٨٢) للمخرج ريدلي سكوت ، إلى جانب فيلم "٢٠٠١: أوديسة الفضاء " (١٩٦٨)، فيلماً فنياً خيالياً علمياً. يستكشف "بليد رانر " مواضيع الوجودية ، أو ما يعنيه أن تكون إنساناً. ورغم فشله تجارياً، اكتسب الفيلم شعبية في دور العرض الفنية كفيلم مميز بعد نجاح نسخة المخرج منه عبر أشرطة الفيديو المنزلية. في منتصف العقد، استخدم المخرج الياباني أكيرا كوروساوا الواقعية لتصوير العنف الوحشي والدموي لحروب الساموراي اليابانية في القرن السادس عشر في فيلم "ران " (1985). واتبع الفيلم حبكة مسرحية " الملك لير" ، حيث يتعرض ملك مسن للخيانة من قبل أبنائه. كما قارن سيرجيو ليون بين العنف الوحشي والعمق العاطفي في ملحمته عن حياة العصابات في فيلم " حدث ذات مرة في أمريكا" .

في ثمانينيات القرن العشرين، اتخذ مخرجون آخرون منحىً فكريًا أكثر عمقًا، مستكشفين قضايا فلسفية وأخلاقية، مثل فيلم " رجل من حديد " (1981) للمخرج أندريه فايدا ، وهو نقد للحكومة الشيوعية البولندية، والذي فاز بجائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي عام 1981. وفي عام 1988، أخرج المخرج البولندي كريستوف كيشلوفسكي سلسلة "الوصايا العشر" التلفزيونية، وهي سلسلة أفلام تتناول قضايا أخلاقية ومعضلات معنوية. عُرض اثنان من هذه الأفلام في دور السينما تحت عنواني "فيلم قصير عن الحب" و "فيلم قصير عن القتل " . وفي عام 1989، قدم وودي آلن ، الذي وصفه ناقد صحيفة نيويورك تايمز فينسنت كانبي بأنه "أكثر أفلامه جديةً وفكاهةً حتى الآن"، فيلم " جرائم وجنح "، الذي يتناول قصصًا متعددة لأشخاص يسعون إلى البساطة الأخلاقية والروحية في مواجهة قضايا وأفكار خطيرة تتعلق بخياراتهم. اختار المخرج الفرنسي لويس مال مساراً أخلاقياً آخر لاستكشافه من خلال تجسيد تجارب طفولته الحقيقية في فيلم " Au revoir les enfants" ، الذي يصور ترحيل الحكومة النازية المحتلة لليهود الفرنسيين إلى معسكرات الاعتقال خلال الحرب العالمية الثانية.

فيلم فني آخر نال استحسان النقاد من هذه الحقبة، ^{[ 50 ]} فيلم الطريق "باريس، تكساس " (1984) للمخرج ويم فيندرز ، والذي فاز أيضاً بجائزة السعفة الذهبية. ^{[ 51 ] [ 52 ] [ 53 ]}

لم يكن كيشلوفسكي المخرج الوحيد الذي تجاوز التمييز بين السينما والتلفزيون. فقد أخرج إنغمار بيرغمان فيلم "فاني وألكسندر " (1982)، الذي عُرض على التلفزيون بنسخة مطولة مدتها خمس ساعات. وفي المملكة المتحدة، مولت القناة الرابعة ، وهي قناة تلفزيونية جديدة آنذاك، كلياً أو جزئياً، العديد من الأفلام التي عُرضت في دور السينما من خلال شركتها التابعة "فيلم 4" . وقدّم ويم فيندرز رؤية أخرى للحياة من منظور روحي في فيلمه " أجنحة الرغبة " (1987) ، الذي يصوّر "ملاكاً ساقطاً" يعيش بين البشر، والذي فاز بجائزة أفضل مخرج في مهرجان كان السينمائي .

في عام 1982، أصدر المخرج التجريبي غودفري ريجيو فيلم "كويانيسكاتسي" الذي حقق نجاحًا مفاجئًا في دور العرض الفنية ؛ وهو فيلم صامت، يركز على التصوير السينمائي (الذي يتألف بشكل أساسي من التصوير البطيء والتصوير بتقنية الفاصل الزمني للمدن والمناظر الطبيعية، مما ينتج عنه قصيدة بصرية ) وعلى أيديولوجية فلسفية حول التكنولوجيا والبيئة. ^{[ 54 ] [ 55 ] [ 56 ]}

من بين الأساليب الأخرى التي استخدمها المخرجون في ثمانينيات القرن العشرين، ابتكار عوالم بديلة غريبة وسريالية. فيلم " بعد ساعات العمل " (1985) لمارتن سكورسيزي ، وهو فيلم كوميدي تشويقي، يصور مغامرات رجل محيرة في عالم ليلي سريالي مليء بلقاءات عابرة مع شخصيات غامضة. أما فيلم " المخمل الأزرق " (1986) لديفيد لينش، وهو فيلم تشويقي غامض على نمط أفلام النوار، مليء بالرمزية والاستعارات حول عوالم متناقضة، ويسكنه شخصيات مشوهة تختبئ في عالم سفلي مظلم لبلدة صغيرة، فقد حقق نجاحًا مفاجئًا بالنظر إلى موضوعه المقلق للغاية. فيلم "الطباخ، اللص، زوجته وعشيقها " (1989) لبيتر غرينواي ، هو فيلم خيالي/ كوميدي سوداوي يدور حول أكل لحوم البشر والعنف المفرط، ويحمل في طياته رسالة فكرية: نقد "ثقافة النخبة" في بريطانيا في عهد تاتشر .

بحسب رافائيل باسان ، في مقالته " الملاك : نيزك في سماء الرسوم المتحركة"، ^{[ 57 ]} يُمكن اعتبار فيلم " الملاك" لباتريك بوكانوفسكي ، الذي عُرض في مهرجان كان السينمائي عام 1982 ، بدايةً للرسوم المتحركة المعاصرة. إذ تُخفي أقنعة الشخصيات كل سمات الشخصية الإنسانية، وتُعطي انطباعًا بالسيطرة التامة على "مادة" الصورة وتكوينها البصري، باستخدام مناطق مشوهة، ورؤى غامضة، وتحولات، وأجسام اصطناعية.

في عام 1989، أصبح فيلم " مدينة الحزن" للمخرج هو هسياو-هسين أول فيلم تايواني يحصل على جائزة الأسد الذهبي في مهرجان البندقية السينمائي . يروي الفيلم تاريخ تايوان من خلال قصة عائلة واحدة، ويمثل خطوة أخرى في الموجة التايوانية الجديدة، التي تميل إلى تصوير الحياة الواقعية والبسيطة في كل من المناطق الحضرية والريفية في تايوان.

في تسعينيات القرن العشرين، استلهم المخرجون من نجاح فيلمي ديفيد لينش " المخمل الأزرق " (1986) وبيتر غرينواي " الطباخ واللص وزوجته وعشيقها " (1989)، فابتكروا أفلامًا تتناول عوالم بديلة غريبة وعناصر من السريالية. صوّر المخرج الياباني أكيرا كوروساوا في فيلمه " أحلام " (1990) تأملاته الخيالية في سلسلة من المشاهد القصيرة التي تتراوح بين مناظر ريفية هادئة ورؤى مرعبة لشياطين معذبة ومناظر طبيعية مدمرة بعد حرب نووية. أما فيلم " بارتون فينك " (1991) للأخوين كوين ، الحائز على جائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي ، فيتضمن إشارات أدبية متنوعة في قصة غامضة عن كاتب يواجه مجموعة من الشخصيات الغريبة، من بينهم روائي مدمن على الكحول وعنيف وقاتل متسلسل. فيلم Lost Highway (1997)، من نفس مخرج فيلم Blue Velvet ، هو فيلم إثارة نفسية يستكشف عوالم خيالية، وتحولات غريبة في الزمان والمكان، وانهيارات عقلية باستخدام صور سريالية.

استكشف مخرجون آخرون في التسعينيات قضايا ومواضيع فلسفية كالهوية، والصدفة، والموت، والوجودية. تناول فيلم "أيداهو الخاصة بي" (1991) للمخرج غاس فان سانت ، وفيلم "تشونغكينغ إكسبرس " (1994) للمخرج وونغ كار واي، موضوع الهوية. الأول فيلم مستقل من نوع أفلام الطريق/الصداقة، يحكي قصة شابين يعملان في الشوارع، ويستكشف موضوع البحث عن الوطن والهوية. وُصف بأنه "علامة فارقة في السينما المستقلة في التسعينيات"، ^{[ 58 ]} و"تأملات شعرية عميقة"، ^{[ 59 ]} و"تجربة سينمائية رائدة" ^{[ 60 ]} ذات "جودة فنية عالية". ^{[ 30 ]} أما فيلم "تشونغكينغ إكسبرس ^{" [ 61 ]} فيستكشف مواضيع الهوية، والانفصال، والوحدة، والعزلة في "غابة الخرسانة المجازية" لهونغ كونغ الحديثة. استكشف تود هاينز حياة ربة منزل في الضواحي وموتها في نهاية المطاف بسبب المواد السامة في فيلم Safe الذي حقق نجاحًا نقديًا كبيرًا عام 1995. ^{[ 62 ]}

في عام ١٩٩١، قدم إدوارد يانغ ، أحد رواد الموجة الجديدة في السينما التايوانية، فيلمًا هامًا آخر بعنوان " يوم صيفي أكثر إشراقًا" ، يصور حياة مراهق عادي تم إجلاؤه من الصين إلى تايوان، حيث تأثرت حياته بالوضع السياسي والمدرسي والعائلي، مما دفع بطل الفيلم إلى قتل فتاة في النهاية. وفي عام ١٩٩٢، قدم تساي مينغ ليانغ ، أحد رواد الموجة الجديدة في السينما التايوانية، فيلم " متمردو إله النيون" ، وهو أول فيلم روائي طويل له، ويتميز بأسلوبه السينمائي الفريد الذي يجمع بين التغريب، وبطء حركة الممثلين (وخاصة الممثل لي كانغ شنغ )، وبطء الإيقاع، وقلة الحوار.

يُعد فيلم " الخدم السبعة " (1996) للمخرج داريوش شوكوف عملاً سينمائياً فنياً أصيلاً، يتناول قصة رجل يسعى جاهداً لتوحيد أعراق العالم حتى آخر أنفاسه. بعد عام من عرض " الخدم السبعة " ، يأتي فيلم " طعم الكرز" (1997) ^{للمخرج عباس} كيارستمي، الحائز ^على جائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي، ليُقدم قصة مشابهة ولكن بنكهة مختلفة؛ فكلا الفيلمين يدور حول رجل يحاول استئجار شخص لدفنه بعد انتحاره. صُوّر فيلم "الخدم السبعة" بأسلوب بسيط، مع لقطات طويلة، وإيقاع هادئ، وفترات صمت طويلة. كما يتميز الفيلم باستخدامه للقطات البعيدة واللقطات العلوية لخلق شعور بالمسافة بين المشاهد والشخصيات. تستكشف أعمال تشانغ ييمو في أوائل التسعينيات، مثل "جو دو" (1990)، و" ارفعوا الفانوس الأحمر" (1991)، و "قصة تشيو جو" (1992)، و" أن تعيش" (1994)، المشاعر الإنسانية من خلال سرديات مؤثرة. وقد فاز فيلم "أن تعيش" بجائزة لجنة التحكيم الكبرى.

استكشفت العديد من أفلام التسعينيات مواضيع وجودية تتعلق بالحياة والصدفة والموت. يستكشف فيلم "Short Cuts " (1993) للمخرج روبرت ألتمان مواضيع الصدفة والموت والخيانة من خلال تتبع عشر قصص متوازية ومتشابكة. وقد وصفه الناقد السينمائي مايكل ويلمنجتون من صحيفة شيكاغو تريبيون بأنه "لوحة جاز انتقائية متعددة الأوجه والمشاعر، ذات بنية مبهرة"، وقد فاز الفيلم بجائزة الأسد الذهبي وكأس فولبي في مهرجان البندقية السينمائي . أما فيلم " The Double Life of Véronique" (1991) للمخرج كريستوف كيشلوفسكي ، فهو دراما تتناول موضوع الهوية، ويحمل في طياته رمزية سياسية حول الانقسام بين الشرق والغرب في أوروبا؛ ويتميز الفيلم بأسلوب تصوير سينمائي مميز، وأجواء روحانية، وعناصر خارقة للطبيعة غامضة.

فيلم " باي" (1998) للمخرج دارين أرونوفسكي فيلمٌ "معقدٌ وغامضٌ للغاية، يجمع بين الأسلوب والمضمون المذهلين"، ويتناول قصة عالم رياضيات مصاب بجنون العظمة يسعى إلى "البحث عن السلام". ^{[ 64 ]} يخلق الفيلم عالماً غريباً مستوحى من ديفيد لينش ، أشبه بعالم " إريزر هيد "، ^{[ 65 ]} مصوّراً "بالأبيض والأسود، مما يضفي جواً حالماً على جميع أحداثه"، ويستكشف قضايا مثل "الميتافيزيقا والروحانية". ^{[ 66 ]} أما سلسلة "كريماستر " (1994-2002) للمخرج ماثيو بارني ، فهي سلسلة من خمسة أفلام رمزية مجازية، تُشكّل نظاماً جمالياً متكاملاً، يهدف إلى استكشاف عملية الخلق. تزخر هذه الأفلام بالإشارات إلى الأعضاء التناسلية والتطور الجنسي، وتستخدم نماذج سردية مستمدة من السيرة الذاتية والأساطير والجيولوجيا.

في عام 1997، عاد تيرينس ماليك بعد غياب دام 20 عامًا بفيلم "الخط الأحمر الرفيع" ، وهو فيلم حربي يستخدم الشعر والطبيعة ليتميز عن أفلام الحرب التقليدية. رُشِّح الفيلم لسبع جوائز أوسكار ، من بينها جائزة أفضل فيلم وأفضل مخرج. ^{[ 67 ]}

تمزج بعض أفلام التسعينيات بين أجواء بصرية أثيرية أو سريالية واستكشاف قضايا فلسفية. فيلم "ساتانتانغو " (1994)، للمخرج المجري بيلا تار ، فيلمٌ مدته سبع ساعات ونصف ، مصوّر بالأبيض والأسود، يتناول موضوع تار المفضل، وهو الشعور بالنقص، حيث يعود المحتال إيريمياس إلى قرية في مكان غير محدد في المجر، مقدماً نفسه كقائد وشخصية مسيحانية لسكان القرية السذج. أما ثلاثية كيشلوفسكي " الألوان الثلاثة " (1993-1994)، وخاصةً فيلمي "الأزرق" (1993) و "الأحمر" (1994)، فتتناول العلاقات الإنسانية وكيفية تعامل الناس معها في حياتهم اليومية. وُصفت هذه الثلاثية بأنها "استكشافات للروحانية والوجودية" ^{[ 68 ]} خلقت "تجربة روحية سامية حقاً". ^{[ 69 ]} أدرجت صحيفة الغارديان فيلم "كسر الأمواج " (1996) ضمن أفضل 25 فيلمًا فنيًا. وذكر الناقد أن "جميع العناصر التي باتت تُعرّف مسيرة لارس فون ترير (وبالتالي، جزءًا كبيرًا من السينما الأوروبية الحديثة) حاضرة هنا: أداء تمثيلي متقن، وتقنيات بصرية مبتكرة، وبطلة تعاني، ودراما تتناول قضايا جوهرية، وجرعة مُحفزة من الجدل تجعل الفيلم بأكمله لا يُفوّت". ^{[ 70 ]}

ذكر لويس بيل من مجلة "فيلم جورنال إنترناشونال" أن فيلم "اغتيال جيسي جيمس على يد الجبان روبرت فورد " (2007) للمخرج الأسترالي أندرو دومينيك ، وهو فيلم غربي ، "عملٌ أدبيٌّ رائعٌ ينجح كفيلمٍ فنيٍّ وفيلمٍ ينتمي إلى نوعٍ سينمائيٍّ مُحدد". ^{[ 71 ]} وعلى عكس أفلام جيسي جيمس السابقة التي غلب عليها طابع الحركة ، فإن ملحمة دومينيك غير التقليدية ربما تُفصّل بدقةٍ أكبر نفسية الخارج عن القانون المُستسلمة خلال الأشهر الأخيرة من حياته، وهو يستسلم لجنون العظمة من الوقوع في الأسر، ويُطوّر صداقةً هشةً مع قاتله في نهاية المطاف، روبرت فورد .

في عام ٢٠٠٩، زعم المخرج بول توماس أندرسون أن فيلمه " Punch-Drunk Love" (٢٠٠٢) ، الذي يتناول قصة شاب خجول مكبوت يعاني من نوبات غضب شديدة، هو "فيلم فني من بطولة آدم ساندلر "، في إشارة إلى مشاركة الممثل الكوميدي آدم ساندلر، المعروف بأدواره في أفلام الشباب الجامعي، في الفيلم. ويزعم الناقد روجر إيبرت أن فيلم "Punch-Drunk Love " قد يكون مفتاحًا لفهم جميع أفلام آدم ساندلر، وقد يحرره لتوجه جديد في أعماله. لا يمكنه الاستمرار في إنتاج تلك الكوميديات السخيفة إلى الأبد، أليس كذلك؟ من كان ليتوقع أن يمتلك مثل هذه القدرات غير المكتشفة؟ ^{[ ٧٢ ]}

فيلم "العم بونمي الذي يتذكر حياته الماضية" للمخرج أبيشاتبونغ ويراسثاكول ، الحائز على جائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي عام 2010، "يربط بين ما قد يبدو مجرد سلسلة من المشاهد المصورة ببراعة مع تأملات مؤثرة وفكاهية حول طبيعة الموت والتناسخ، والحب، والفقدان، والكارما". ^{[ 73 ]} ويراسثاكول مخرج وكاتب سيناريو ومنتج أفلام مستقل، يعمل خارج القيود الصارمة لنظام استوديوهات الأفلام التايلاندية. تتناول أفلامه الأحلام، والطبيعة، والجنس، بما في ذلك ميوله الجنسية المثلية، ^{[ 74 ]} والتصورات الغربية عن تايلاند وآسيا. تُظهر أفلام ويراسثاكول ميلاً إلى استخدام هياكل سردية غير تقليدية (مثل وضع العناوين/الأسماء في منتصف الفيلم) والعمل مع غير الممثلين.

صدر فيلم " شجرة الحياة " (2011) للمخرج تيرينس ماليك بعد عقود من التطوير، وفاز بجائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي عام 2011 ، ونال استحسان النقاد. وفي مسرح آفون بمدينة ستامفورد بولاية كونيتيكت ، نُشرت رسالة تُفيد بسياسة المسرح بعدم استرداد قيمة التذاكر بسبب "بعض آراء الزبائن وردود فعل الجمهور المتباينة" تجاه الفيلم. وأكد المسرح دعمه لهذا العمل الفني الطموح وغيره من الأفلام الجريئة. ^{[ 75 ]} أما فيلم " درايف " (2011) من إخراج نيكولاس ويندينغ ريفن ، ^{[ 76 ]} فيُصنف عادةً ضمن أفلام الحركة الفنية . ^{[ 77 ]} وفي عام 2011 أيضاً، أصدر المخرج لارس فون ترير فيلم "ميلانخوليا" ، الذي يتناول الاكتئاب واضطرابات نفسية أخرى، ويُظهر في الوقت نفسه ردة فعل عائلة تجاه كوكب يقترب من الأرض مُهدداً بالاصطدام بها. حظي الفيلم باستقبال جيد، حيث ادعى البعض أنه تحفة فون ترير، بينما سلط آخرون الضوء على أداء كريستين دانست ، والمؤثرات البصرية، والواقعية التي تم تصويرها في الفيلم.

عُرض فيلم " تحت الجلد " للمخرج جوناثان جليزر (وهو مثال على أفلام الخيال العلمي الفنية ^{[ 78 ]} ) في مهرجان البندقية السينمائي عام 2013، وحصل على عرض سينمائي من خلال استوديو الإنتاج المستقل A24 في العام التالي. تدور أحداث الفيلم، من بطولة سكارليت جوهانسون ، حول كائن فضائي متجسد في هيئة بشرية، يجوب شوارع غلاسكو ، ويصطاد الرجال الغافلين لممارسة الجنس، ثم يحصد لحومهم ويجردهم من إنسانيتهم. يتناول الفيلم مواضيع حساسة كالجنسانية والإنسانية والتشييء، وقد حظي بتقييمات إيجابية ^{[ 79 ]} ، ووصفه البعض بأنه تحفة فنية ^{[ 80 ]} ؛ كما وصفه الناقد ريتشارد روبر بأنه "ما نتحدث عنه عندما نتحدث عن السينما كفن". ^{[ 81 ]}

شهد هذا العقد أيضًا عودة ظهور " رعب الفن " ^{[ 82 ]} مع نجاح أفلام مثل Beyond the Black Rainbow (2010)، و Black Swan (2010)، و Stoker ( 2013)، و Enemy (2013)، و The Babadook (2014)، و Only Lovers Left Alive (2014)، و A Girl Walks Home Alone at Night (2014)، و Goodnight Mommy (2014) ، و Nightcrawler (2014)، و It Follows (2015)، و The Witch (2015)، و The Wailing (2016)، و Split (2016)، وفيلم الإثارة الاجتماعية Get Out (2017)، و Mother! (2017)، الإبادة (2018)، مكان هادئ (2018)، وراثي (2018)، سوسبيريا (2018؛ نسخة جديدة من فيلم 1977 الذي يحمل نفس الاسم )، ماندي (2018)، العندليب (2018)، المنزل الذي بناه جاك (2018)، نحن (2019)، منتصف الصيف (2019)، المنارة (2019)، لون من الفضاء الخارجي (2019)، وفيلم طفيلي (2019) الحائز على جائزة الأوسكار لأفضل فيلم . ^{[ 83 ] [ 84 ] [ 85 ] [ 86 ] [ 87 ]}

فيلم "روما " (2018) من إخراج ألفونسو كوارون، مستوحى من طفولته في المكسيك خلال سبعينيات القرن الماضي. صُوّر الفيلم بالأبيض والأسود، ويتناول مواضيع مشتركة مع أفلام كوارون السابقة، كالموت والطبقية. عُرض الفيلم عبر منصة نتفليكس ، وحصلت المنصة العملاقة على أولترشيح لها لجائزة الأوسكار لأفضل فيلم . ^{[ 88 ]}

شهدت أفلام الرسوم المتحركة الفنية (التي رُشّحت لجوائز الأوسكار مثل "أغنية البحر" و "لوفينج فنسنت ") رواجًا متزايدًا خلال هذه الحقبة كبديلٍ لأفلام الرسوم المتحركة التجارية، إلى جانب أعمال رسامي الرسوم المتحركة المرموقين ماكوتو شينكاي ، وساتوشي كون ، ودون هيرتزفيلدت، وآري فولمان من العقد السابق. ^{[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]}

قال توم شون عن أعمال كريستوفر نولان : "لقد أنجز أحد عشر فيلماً روائياً، [...] جميعها تستوفي معايير الترفيه الاستوديو، ومع ذلك فهي تحمل بصمة لا تمحى من نوع المواضيع والهواجس الشخصية التي تعتبر تقليدياً حكراً على دور العرض الفنية: مرور الزمن، وإخفاقات الذاكرة، وغرائبنا في الإنكار والتهرب، والآلية الدقيقة لحياتنا الداخلية، في مقابل مناظر طبيعية تلتقي فيها خطوط الصدع في أواخر العصر الصناعي بنقاط التصدع ومفارقات عصر المعلومات ." ^{[ 92 ]}

خلال العقد الثاني من القرن الحادي والعشرين، توسعت دور السينما الفنية عالميًا عبر المنصات الإلكترونية. وقد ساهمت جائحة كوفيد-19 في تسريع هذا التحول، حيث تحولت المهرجانات الكبرى إلى منصات افتراضية، مما أتاح للجمهور العالمي (من نقاد وعشاق السينما على حد سواء) مشاهدة الأفلام المستقلة والتجريبية دون الحاجة إلى السفر. ^{[ 93 ]} كما أطلقت العديد من دور السينما الفنية برامج افتراضية وخدمات بث للوصول إلى جمهور أوسع.

ظهرت أشكال جديدة لسرد القصص. أفلام " سينما سطح المكتب " - وهي سرديات تتكشف بالكامل على شاشات الكمبيوتر أو الهواتف المحمولة - تتعامل مع الشاشة ككاميرا ولوحة في آن واحد، مما يعكس ثقافة الإنترنت المعاصرة. ^{[ 94 ]}

تم تحديد نوع أو أسلوب تلفزيوني فني عالي الجودة ، ^{[ 100 ]} وهو نوع أو أسلوب تلفزيوني يشترك في بعض السمات مع الأفلام الفنية. كما تتميز البرامج التلفزيونية، مثل مسلسل " توين بيكس" لديفيد لينش ومارك فروست، ومسلسل "المحقق المغني" لدينيس بوتر ، بـ "تخفيف من حدة السببية، وزيادة التركيز على الواقعية النفسية أو القصصية، وانتهاكات للوضوح الكلاسيكي للمكان والزمان، وتعليق صريح من المؤلف، والغموض". ^{[ 101 ]}

كما هو الحال في معظم أعمال لينش الأخرى (ولا سيما فيلم "بلو فيلفيت ")، يستكشف مسلسل "توين بيكس" الهوة بين قشرة الاحترام الظاهرية لبلدة صغيرة والطبقات المظلمة للحياة الكامنة تحت سطحها. يصعب تصنيف المسلسل ضمن نوع تلفزيوني محدد؛ فمن الناحية الأسلوبية، يستعير المسلسل النبرة المقلقة والفرضيات الخارقة للطبيعة لأفلام الرعب، ويقدم في الوقت نفسه محاكاة ساخرة غريبة للمسلسلات الأمريكية، مع عرض ميلودرامي مبتذل للأنشطة المشكوك في أخلاقيتها لشخصياته غريبة الأطوار. يمثل المسلسل بحثًا أخلاقيًا جادًا يتميز بروح الدعابة الغريبة ونزعة سريالية عميقة ، حيث يدمج مشاهد قصيرة ذات أسلوب مميز، وصورًا فنية سريالية يصعب فهمها في كثير من الأحيان، إلى جانب سرد الأحداث المفهوم.

قد يُصنّف مسلسل " ذا واير " من إنتاج HBO ضمن فئة "التلفزيون الفني"، إذ حظي باهتمام نقدي أكاديمي أكبر من معظم المسلسلات التلفزيونية. فعلى سبيل المثال، خصصت مجلة "فيلم كوارترلي" المتخصصة في نظرية السينما غلافها للمسلسل. ^{[ 102 ]}