فيلم فني

الفيلم الفني أو السينما الفنية أو الفيلم الفني المستقل هو فيلم مستقل يستهدف سوقًا متخصصة وليس جمهورًا عريضًا . ^[1] وهو "مقصود منه أن يكون عملاً فنيًا جادًا، وغالبًا ما يكون تجريبيًا وليس مصممًا لجذب الجماهير"، ^[2] "صُنع في المقام الأول لأسباب جمالية وليس للربح التجاري"، ^[3] ويحتوي على "محتوى غير تقليدي أو رمزي للغاية". ^[4]

يعرّف نقاد السينما وعلماء دراسات السينما الفيلم الفني عادةً بأنه يمتلك "صفات شكلية تميزه عن أفلام هوليوود السائدة". ^[5] يمكن أن تشمل هذه الصفات (من بين عناصر أخرى) الشعور بالواقعية الاجتماعية ؛ التركيز على التعبير التأليفي للمخرج ؛ والتركيز على أفكار أو أحلام أو دوافع الشخصيات ، بدلاً من الكشف عن قصة واضحة مدفوعة بهدف. يصف علماء السينما ديفيد بوردويل وباري كيث جرانت السينما الفنية بأنها " نوع سينمائي ، له اتفاقياته المميزة". ^{[6] [7]}

يعرض منتجو الأفلام الفنية أفلامهم عادةً في مسارح خاصة ( دور السينما التقليدية أو في الولايات المتحدة دور السينما الفنية) وفي مهرجانات الأفلام . يُستخدم مصطلح الفيلم الفني على نطاق واسع في أمريكا الشمالية والمملكة المتحدة وأستراليا، مقارنةً بأوروبا القارية ، حيث تُستخدم مصطلحات أفلام المؤلف والسينما الوطنية (مثل السينما الوطنية الألمانية) بدلاً من ذلك. نظرًا لأنها تستهدف جماهير صغيرة متخصصة في السوق، نادرًا ما تكتسب الأفلام الفنية الدعم المالي الذي يسمح بميزانيات الإنتاج الكبيرة المرتبطة بأفلام الإثارة التي يتم إصدارها على نطاق واسع . يعوض مخرجو الأفلام الفنية عن هذه القيود من خلال إنشاء نوع مختلف من الأفلام، وهو النوع الذي يستخدم عادةً ممثلين سينمائيين أقل شهرة أو حتى ممثلين هواة، ومجموعات متواضعة لصنع أفلام تركز بشكل أكبر على تطوير الأفكار واستكشاف تقنيات السرد الجديدة ومحاولة اتفاقيات صناعة الأفلام الجديدة.

تتناقض هذه الأفلام بشكل حاد مع أفلام الحركة السائدة ، والتي عادة ما تكون موجهة أكثر نحو السرد الخطي والترفيه السائد. وصف ناقد الأفلام روجر إيبرت فيلم Chungking Express ، وهو فيلم فني نال استحسان النقاد عام 1994، بأنه "تجربة دماغية إلى حد كبير" يستمتع بها المرء "بسبب ما تعرفه عن الفيلم". ^[8] ومع ذلك، قد توسع بعض الأفلام الفنية جاذبيتها من خلال تقديم عناصر معينة من الأنواع الأكثر شيوعًا مثل الأفلام الوثائقية أو السيرة الذاتية . للترويج، تعتمد الأفلام الفنية على الدعاية الناتجة عن مراجعات نقاد الأفلام؛ ومناقشة الفيلم من قبل كتاب الأعمدة الفنية والمعلقين والمدونين؛ والترويج الشفهي من قبل أعضاء الجمهور. نظرًا لأن تكاليف الاستثمار الأولية للأفلام الفنية صغيرة، فإنها تحتاج فقط إلى جذب جزء صغير من الجماهير السائدة لتصبح قابلة للاستمرار ماليًا.

تشمل رواد الأفلام الفنية الفيلم الإيطالي الصامت L'Inferno (1911)، وفيلم DW Griffith 's Intolerance (1916) وأعمال المخرج الروسي سيرجي آيزنشتاين ، الذي أثر على تطور حركات السينما الأوروبية لعقود من الزمن. ^{[9] [10] [11]} كان فيلم آيزنشتاين Battleship Potemkin (1925) فيلمًا دعائيًا ثوريًا استخدمه لاختبار نظرياته حول استخدام تحرير الأفلام لإنتاج أكبر استجابة عاطفية من الجمهور. مكنته الشهرة النقدية الدولية التي اكتسبها آيزنشتاين من هذا الفيلم من إخراج فيلم أكتوبر كجزء من احتفال كبير بالذكرى السنوية العاشرة لثورة أكتوبر عام 1917. أخرج لاحقًا فيلم The General Line في عام 1929. يصف بعض النقاد فيلم Alexander Dovzhenko Earth (1930)، الذي تم تصويره تحت تأثير آيزنشتاين، بأنه قمة السينما الفنية. ^[12]

تأثرت الأفلام الفنية أيضًا بأفلام المبدعين الطليعيين الإسبان ، مثل لويس بونويل وسلفادور دالي (الذي صنع فيلم L'Age d'Or في عام 1930)، والكاتب المسرحي والمخرج السينمائي الفرنسي جان كوكتو ، الذي استخدم فيلمه الطليعي The Blood of a Poet عام 1932 صورًا حالمة في جميع أنحاء الفيلم، بما في ذلك نماذج سلكية دوارة لرأس بشري وأقنعة دوارة ذات وجهين. في عشرينيات القرن العشرين، بدأت جمعيات الأفلام في الدعوة إلى فكرة تقسيم الأفلام إلى "سينما ترفيهية موجهة نحو جمهور جماهيري وسينما فنية جادة تستهدف جمهورًا مثقفًا". في إنجلترا، شكل ألفريد هيتشكوك وإيفور مونتاجو جمعية أفلام واستوردوا أفلامًا اعتقدوا أنها "إنجازات فنية"، مثل "أفلام سوفييتية للمونتاج الجدلي، وأفلام تعبيرية من استوديوهات Universum Film AG (UFA) في ألمانيا". ^[9]

كما أثرت حركة السينما النقية ، وهي حركة سينمائية طليعية فرنسية ظهرت في عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، على تطور فكرة الفيلم الفني. وتضمنت حركة السينما النقية العديد من فناني الدادا البارزين . استخدم الدادائيون الفيلم لتجاوز أعراف سرد القصص والتقاليد البرجوازية والمفاهيم الأرسطية التقليدية للزمان والمكان من خلال إنشاء مونتاج مرن للزمان والمكان.

تأثرت حركة السينما النقية بصناع الأفلام الألمان "المطلقين" مثل هانز ريختر وفالتر روتمان وفايكنج إيجلينج . ادعى ريختر زورًا أن فيلمه Rhythmus 21 لعام 1921 كان أول فيلم تجريدي تم إنشاؤه على الإطلاق. في الواقع، سبقه المستقبليون الإيطاليون برونو كورا وأرنالدو جينا بين عامي 1911 و1912 ^[13] (كما ورد في البيان المستقبلي للسينما ^[13] )، بالإضافة إلى زميله الفنان الألماني والتر روتمان، الذي أنتج Lichtspiel Opus 1 في عام 1920. ومع ذلك، يُعتبر فيلم ريختر Rhythmus 21 فيلمًا تجريديًا مبكرًا مهمًا.

افتتحت أول "سينما فنية" بريطانية مؤقتًا في قصر لوكس في لندن عام 1929 بواسطة إلسي كوهين . ثم أسست موقعًا دائمًا في سينما الأكاديمية في شارع أكسفورد عام 1931. ^[14]

نشأت دور السينما الفنية المتخصصة في عرض الأفلام الفنية على الساحل الشرقي للولايات المتحدة في أواخر عشرينيات القرن العشرين. وكانت مثل هذه الدور السينمائية منتشرة على نطاق واسع في كل من الولايات المتحدة وأوروبا. ^{[15] [16]}

في ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين، يمكن تقسيم أفلام هوليوود إلى تطلعات فنية للتكيفات الأدبية مثل فيلم The Informer (1935) لجون فورد وفيلم The Long Voyage Home (1940) ليوجين أونيل ، و"أفلام النوع الشعبي" المربحة مثل أفلام الإثارة التي تدور حول العصابات. يزعم ويليام سيسكا أن أفلام الواقعية الجديدة الإيطالية من منتصف إلى أواخر أربعينيات القرن العشرين، مثل Open City (1945)، و Paisa (1946)، و Bicycle Thieves يمكن اعتبارها "حركة أخرى من "حركات الأفلام الفنية الواعية". ^[9]

في أواخر الأربعينيات من القرن العشرين، تعزز تصور الجمهور الأمريكي بأن الأفلام الواقعية الجديدة الإيطالية وغيرها من الأفلام الأوروبية الجادة كانت مختلفة عن أفلام هوليوود السائدة من خلال تطوير "دور السينما الفنية" في المدن الأمريكية الكبرى والمدن الجامعية. بعد الحرب العالمية الثانية، "... سئم قطاع متزايد من الجمهور الأمريكي من أفلام هوليوود السائدة"، وذهبوا إلى دور السينما الفنية التي تم إنشاؤها حديثًا لمشاهدة "بدائل للأفلام التي تُعرض في قصور السينما في الشوارع الرئيسية". ^[5] تضمنت الأفلام التي عُرضت في دور السينما الفنية هذه "أفلامًا بريطانية وأجنبية وأمريكية مستقلة، بالإضافة إلى الأفلام الوثائقية وإحياء كلاسيكيات هوليوود". عُرضت أفلام مثل Open City لروسيليني و Tight Little Island ( Whisky Galore! ) و Basic Thieves و The Red Shoes لجمهور أمريكي كبير. ^[5]

في أواخر الخمسينيات من القرن العشرين، بدأ صناع الأفلام الفرنسيون في إنتاج أفلام متأثرة بالواقعية الجديدة الإيطالية ^[17] والسينما الكلاسيكية في هوليوود ، ^[17] وهو الأسلوب الذي أطلق عليه النقاد الموجة الفرنسية الجديدة . وعلى الرغم من عدم كونها حركة منظمة رسميًا، فقد ارتبط صناع أفلام الموجة الجديدة برفضهم الواعي للشكل السينمائي الكلاسيكي وروحهم الشبابية في تحطيم الأصنام ، وأفلامهم هي مثال على السينما الفنية الأوروبية . ^[18] كما انخرط الكثيرون في عملهم في الاضطرابات الاجتماعية والسياسية في ذلك العصر، مما جعل تجاربهم الجذرية في التحرير والأسلوب البصري والسرد جزءًا من الانفصال العام عن النموذج المحافظ. بدأ بعض أبرز رواد المجموعة، بمن فيهم فرانسوا تروفو ، وجان لوك جودار ، وإريك رومير ، وكلود شابرول ، وجاك ريفيت ، كنقاد لمجلة الأفلام Cahiers du cinéma . تنص نظرية المؤلف على أن المخرج هو "مؤلف" أفلامه، مع وجود توقيع شخصي واضح من فيلم إلى آخر.

استمرت حركة الموجة الفرنسية الجديدة حتى ستينيات القرن العشرين. وخلال ستينيات القرن العشرين، بدأ استخدام مصطلح "فيلم فني" على نطاق واسع في الولايات المتحدة أكثر من أوروبا. وفي الولايات المتحدة، غالبًا ما يتم تعريف المصطلح على نطاق واسع جدًا ليشمل أفلام "المؤلف" الناطقة بلغة أجنبية (غير الإنجليزية) ، والأفلام المستقلة ، والأفلام التجريبية ، والأفلام الوثائقية والأفلام القصيرة. وفي ستينيات القرن العشرين، أصبح "فيلم فني" تعبيرًا ملطفًا في الولايات المتحدة للأفلام الإيطالية والفرنسية من الفئة B الجريئة . وبحلول سبعينيات القرن العشرين، استُخدم المصطلح لوصف الأفلام الأوروبية الصريحة جنسيًا ذات البنية الفنية مثل الفيلم السويدي I Am Curious (Yellow) . وفي الولايات المتحدة، قد يشير مصطلح "فيلم فني" إلى أفلام الفنانين الأمريكيين المعاصرين، بما في ذلك آندي وارهول بفيلمه Blue Movie لعام 1969 ، ^{[19] [20] [21]} ولكنه يُستخدم أحيانًا بشكل فضفاض للغاية للإشارة إلى مجموعة واسعة من الأفلام المعروضة في دور العرض أو "دور السينما الفنية". وبناء على هذا النهج، فإن مجموعة واسعة من الأفلام، مثل فيلم هيتشكوك من ستينيات القرن العشرين ، وفيلم تجريبي تحت الأرض من سبعينيات القرن العشرين، وفيلم أوروبي من تأليف مؤلفين، وفيلم أميركي "مستقل"، وحتى فيلم سائد بلغة أجنبية (مع ترجمة) قد تندرج جميعها تحت تصنيف "أفلام الفن".

بحلول الثمانينيات والتسعينيات، أصبح مصطلح "الفيلم الفني" متداخلًا مع "الفيلم المستقل" في الولايات المتحدة، والذي يشترك في العديد من السمات الأسلوبية نفسها. قامت شركات مثل Miramax Films بتوزيع أفلام مستقلة اعتُبرت مجدية تجاريًا. عندما لاحظت استوديوهات الأفلام الكبرى جاذبية الأفلام المستقلة، أنشأت أقسامًا خاصة مخصصة للأفلام غير السائدة، مثل قسم Fox Searchlight Pictures التابع لشركة Twentieth Century Fox ، وقسم Focus Features التابع لشركة Universal ، وقسم Sony Pictures Classics التابع لشركة Sony Pictures Entertainment ، وقسم Paramount Vantage التابع لشركة Paramount . ناقش نقاد السينما ما إذا كان يمكن اعتبار الأفلام من هذه الأقسام "أفلامًا مستقلة"، نظرًا لأنها تتمتع بدعم مالي من استوديوهات كبرى.

في عام 2007، زعمت الأستاذة كاميل باجليا في مقالها "أفلام الفن: رحم الله روحك" أنه "باستثناء سلسلة العراب لفرانسيس فورد كوبولا ، بما فيها من ذكريات الماضي البارعة والواقعية الاجتماعية الجريئة، ... [لا يوجد] ... فيلم واحد تم إنتاجه على مدار السنوات الخمس والثلاثين الماضية يمكن القول إنه يتمتع بوزن فلسفي أو براعة في التنفيذ مساوية لفيلم الختم السابع أو بيرسونا لبيرجمان ". وتؤكد باجليا أن الشباب في العقد الأول من القرن الحادي والعشرين "ليس لديهم صبر على اللقطات الطويلة البطيئة التي تخصص فيها المخرجون الأوروبيون المتعمقون ذات يوم"، وهو النهج الذي أعطى "تدقيقًا فاخرًا لأدق تعبيرات الوجه أو الكنس البارد لغرفة معقمة أو منظر طبيعي قاتم". ^[22]

وفقًا للمخرج والمنتج والموزع روجر كورمان ، "كانت فترة الخمسينيات والستينيات من القرن العشرين هي الفترة التي شهدت أعظم تأثير للفيلم الفني. وبعد ذلك، خفت حدة التأثير. واستوعبت هوليوود دروس الأفلام الأوروبية وأدرجت تلك الدروس في أفلامها". ويذكر كورمان أن "المشاهدين كانوا قادرين على رؤية شيء من جوهر السينما الفنية الأوروبية في أفلام هوليوود في السبعينيات... [وهكذا]، أصبحت الأفلام الفنية، التي لم تكن قط مجرد مسألة سينمائية أوروبية، بشكل متزايد سينما عالمية فعلية - وإن كانت تكافح من أجل اكتساب اعتراف واسع النطاق". ويشير كورمان إلى أن "هوليوود نفسها وسعت نطاقها الجمالي بشكل جذري... لأن نطاق الموضوعات المطروحة توسع ليشمل الظروف ذاتها لصنع الصور، وإنتاج الأفلام، وتجربة الوسائط الجديدة المنشورية التي توسطها الحداثة. هناك جمهور جديد تعلم عن الأفلام الفنية في متجر الفيديو". ويذكر كورمان أن "هناك حاليًا إمكانية لإعادة ميلاد" الفيلم الفني الأمريكي. ^[23]

وقد حدد عالم السينما ديفيد بوردويل التعريف الأكاديمي لـ "فيلم الفن" في مقالة عام 1979 بعنوان "سينما الفن كأسلوب لممارسة السينما"، والتي تقارن بين أفلام الفن والأفلام السائدة في سينما هوليوود الكلاسيكية. تستخدم أفلام هوليوود السائدة شكلًا سرديًا واضحًا لتنظيم الفيلم في سلسلة من "الأحداث المرتبطة سببيًا والتي تجري في المكان والزمان"، حيث يتجه كل مشهد نحو هدف. تدور حبكة الأفلام السائدة بواسطة بطل محدد جيدًا، ومكتمل بشخصيات واضحة، ومعزز بـ "منطق الأسئلة والأجوبة، وروتين حل المشكلات، وهياكل الحبكة النهائية". ثم يتم ربط الفيلم معًا بخطى سريعة، وموسيقى تصويرية لإثارة مشاعر الجمهور المناسبة، وتحرير محكم وسلس. ^[6]

في المقابل، يذكر بوردويل أن "السينما الفنية تحفز سردها بمبدأين: الواقعية والتعبيرية التأليفية". تنحرف الأفلام الفنية عن المعايير "الكلاسيكية" السائدة لصناعة الأفلام من حيث أنها تتعامل عادةً مع هياكل سردية أكثر عرضية مع "إرخاء سلسلة السبب والنتيجة". ^[6]

تتناول الأفلام السائدة أيضًا معضلات أخلاقية أو أزمات هوية، لكن هذه القضايا تُحَل عادةً بحلول نهاية الفيلم. في الأفلام الفنية، يتم استكشاف المعضلات والتحقيق فيها بطريقة مدروسة، ولكن عادةً دون حل واضح في نهاية الفيلم. ^[24]

غالبًا ما تلعب القصة في الفيلم الفني دورًا ثانويًا في تطوير الشخصية واستكشاف الأفكار من خلال تسلسلات طويلة من الحوار. إذا كان للفيلم الفني قصة، فهي عادةً عبارة عن تسلسل متجول من الحلقات الغامضة أو المحددة بشكل غامض. قد تكون هناك فجوات غير مفسرة في الفيلم، أو تسلسلات غير واضحة عمدًا، أو تسلسلات غير ذات صلة لا تتعلق بالمشاهد السابقة، مما يجبر المشاهد على تقديم تفسيره الخاص لرسالة الفيلم. غالبًا ما "تحمل الأفلام الفنية علامات أسلوب بصري مميز" والنهج التأليفي للمخرج . ^[25] غالبًا ما يرفض فيلم السينما الفنية تقديم "خاتمة يمكن الإجابة عليها بسهولة"، بدلاً من ذلك يضع على المشاهد السينمائي مهمة التفكير في "كيف يتم سرد القصة؟ لماذا نروي القصة بهذه الطريقة؟" ^[26]

يزعم بوردويل أن "السينما الفنية بحد ذاتها هي نوع [فيلم]، له اتفاقياته المميزة". ^[7] يزعم منظّر الفيلم روبرت ستام أيضًا أن "الفيلم الفني" هو نوع من أنواع الأفلام. يزعم أن الفيلم يُعتبر فيلمًا فنيًا بناءً على المكانة الفنية بنفس الطريقة التي يمكن بها أن تستند أنواع الأفلام إلى جوانب الأفلام مثل ميزانياتها ( أفلام الإثارة أو أفلام الدرجة الثانية ) أو نجومها ( أفلام آدم ساندلر ). ^[27]

هناك علماء يشيرون إلى أن الأفلام التي يتم إنتاجها في السوق الجماهيرية مثل تلك التي يتم إنتاجها في هوليوود تجذب جمهورًا أقل تمييزًا. ^[28] ثم تتجه هذه المجموعة إلى نقاد الأفلام باعتبارهم نخبة ثقافية يمكن أن تساعد في توجيههم نحو أفلام أكثر تفكيرًا وأعلى جودة. لسد الفجوة بين الذوق الشعبي والثقافة الرفيعة، يُتوقع من نقاد الأفلام هؤلاء شرح المفاهيم غير المألوفة وجعلها جذابة لتنمية جمهور أكثر تمييزًا من رواد السينما. على سبيل المثال، يمكن لناقد الأفلام مساعدة الجمهور - من خلال مراجعاتهم - على التفكير بجدية في الأفلام من خلال توفير شروط تحليل هذه الأفلام الفنية. ^[29] من خلال تبني إطار فني لتحليل الأفلام ومراجعتها، يوفر نقاد الأفلام هؤلاء للمشاهدين طريقة مختلفة لتقدير ما يشاهدونه. لذلك عندما يتم استكشاف الموضوعات المثيرة للجدل، لن يرفض الجمهور الفيلم أو يهاجمه على الفور حيث يتم إعلامهم من قبل النقاد بقيمة الفيلم مثل كيفية تصويره للواقعية. هنا، يُنظر إلى المسارح الفنية أو دور الفن التي تعرض الأفلام الفنية على أنها "مواقع للتنوير الثقافي" تجذب النقاد والجمهور المثقف على حد سواء. فهو بمثابة مكان حيث يمكن لهؤلاء النقاد تجربة الثقافة والأجواء الفنية حيث يمكنهم استخلاص الأفكار والمواد.

القائمة التالية هي عينة صغيرة جزئية من الأفلام ذات صفات "الفيلم الفني"، تم تجميعها لإعطاء إحساس عام بما يعتبره المخرجون والأفلام ذات خصائص "الفيلم الفني". تُظهر الأفلام في هذه القائمة واحدة أو أكثر من خصائص الأفلام الفنية: فيلم جاد أو غير تجاري أو مستقل الصنع لا يستهدف جمهورًا كبيرًا. تعتبر بعض الأفلام في هذه القائمة أيضًا أفلام "مؤلف" أو أفلام مستقلة أو أفلام تجريبية . في بعض الحالات، يختلف النقاد حول ما إذا كان الفيلم سائدًا أم لا. على سبيل المثال، بينما وصف بعض النقاد فيلم My Own Private Idaho (1991) لغوس فان سانت بأنه "تمرين في التجريب السينمائي" "عالي الجودة الفنية"، ^{[30] وصفته} صحيفة واشنطن بوست بأنه فيلم سائد طموح. ^[31] تتمتع بعض الأفلام في هذه القائمة بمعظم هذه الخصائص؛ أفلام أخرى هي أفلام مصنوعة تجاريًا، أنتجتها استوديوهات سائدة، ومع ذلك تحمل السمات المميزة لأسلوب "المؤلف" للمخرج، أو لها طابع تجريبي. تُعد الأفلام الموجودة في هذه القائمة جديرة بالملاحظة إما لأنها فازت بجوائز كبرى أو ثناء نقدي من نقاد السينما المؤثرين، أو لأنها قدمت تقنية مبتكرة للسرد أو صناعة الأفلام.

في عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، لم يكن صناع الأفلام يهدفون إلى إنتاج "أفلام فنية"، ولم يستخدم نقاد السينما مصطلح "فيلم فني". ومع ذلك، كانت هناك أفلام لها أهداف جمالية متطورة، مثل فيلمي "آلام جان دارك" (1928) و "مصاص الدماء" (1932) لكارل ثيودور دراير ، وأفلام سريالية مثل فيلمي " كلب أندلسي " (1929) و "العصر الذهبي" (1930) للويس بونويل، أو حتى أفلام تتناول الأهمية السياسية والأحداث الجارية مثل تحفة سيرجي آيزنشتاين الشهيرة والمؤثرة " المدمرة بوتيمكين" . يستخدم الفيلم الأمريكي "شروق الشمس: أغنية بشريين" (1927) للمخرج التعبيري الألماني فريدريك دبليو مورناو تصميمًا فنيًا مشوهًا وتصويرًا سينمائيًا رائدًا لإنشاء عالم مبالغ فيه يشبه القصص الخيالية غني بالرمزية والصور. فيلم جان رينوار قواعد اللعبة (1939) هو كوميديا ​​أخلاقية تتجاوز تقاليد نوعها من خلال خلق هجاء لاذع ومأساوي للمجتمع الفرنسي من الطبقة العليا في السنوات التي سبقت الحرب العالمية الثانية؛ صنفه استطلاع رأي النقاد من مجلة Sight & Sound على أنه رابع أعظم فيلم على الإطلاق، خلف أفلام Vertigo و Citizen Kane و Tokyo Story . ^[32]

تم تمويل بعض هذه الأفلام المبكرة ذات التوجه الفني من قبل أفراد أثرياء بدلاً من شركات الأفلام، خاصة في الحالات التي كان فيها محتوى الفيلم مثيرًا للجدل أو من غير المرجح أن يجذب الجمهور. في أواخر الأربعينيات من القرن العشرين، أخرج المخرج البريطاني مايكل باول وإيميريك بريسبرجر فيلم The Red Shoes (1948)، وهو فيلم عن الباليه، والذي برز من بين أفلام النوع السائد في ذلك العصر. في عام 1945، أخرج ديفيد لين فيلم Brief Encounter ، وهو مقتبس من مسرحية نويل كوارد Still Life ، والتي ترصد علاقة حب عاطفية بين رجل من الطبقة العليا وامرأة من الطبقة المتوسطة وسط القضايا الاجتماعية والاقتصادية التي واجهتها بريطانيا في ذلك الوقت.

في الخمسينيات من القرن العشرين، تشمل بعض الأفلام المعروفة ذات الحساسيات الفنية فيلم La Strada (1954)، وهو فيلم عن امرأة شابة تُجبر على الذهاب للعمل لدى أحد فناني السيرك القاسيين وغير الإنسانيين لدعم أسرتها، وفي النهاية تتصالح مع وضعها؛ وفيلم Ordet (1955) للمخرج كارل ثيودور دراير، والذي يركز على عائلة تفتقر إلى الإيمان، ولكن لديها ابن يعتقد أنه يسوع المسيح ومقتنع بأنه قادر على صنع المعجزات؛ وفيلم Nights of Cabiria (1957) للمخرج فيديريكو فيليني ، والذي يتناول محاولات عاهرة فاشلة للعثور على الحب ومعاناتها ورفضها؛ وفيلم Wild Strawberries (1957) للمخرج إنغمار بيرجمان، الذي تدور قصته حول طبيب مسن، وهو أيضًا أستاذ جامعي، تقوده كوابيسه إلى إعادة تقييم حياته؛ وفيلم The 400 Blows (1959) للمخرج فرانسوا تروفو، والذي تدور أحداثه حول شاب يحاول بلوغ سن الرشد على الرغم من إساءة والديه ومعلميه والمجتمع، يعد هذا الفيلم أول خطوة كبيرة في الموجة الفرنسية الجديدة وبالنسبة للسينما، فقد أظهر أنه يمكن صنع الأفلام بأموال قليلة وممثلين هواة وطاقم صغير. في بولندا، سمح ذوبان خروشوف ببعض التخفيف من السياسات الثقافية للنظام، وأظهرت إنتاجات مثل A Generation و Kanal و Ashes and Diamonds و Lotna (1954-1959)، والتي أخرجها جميعها أندريه فايدا ، أسلوب مدرسة السينما البولندية .

في الهند ، كانت هناك حركة أفلام فنية في السينما البنغالية تُعرف باسم " السينما الموازية " أو "الموجة الهندية الجديدة". كانت هذه الحركة بديلاً للسينما التجارية السائدة. كانت معروفة بمحتواها الجاد والواقعية والطبيعية، مع عين ثاقبة على المناخ الاجتماعي والسياسي في ذلك الوقت. هذه الحركة مميزة عن السينما التجارية السائدة وبدأت في نفس الوقت تقريبًا مع الموجة الجديدة الفرنسية واليابانية . كان أكثر صناع الأفلام تأثيرًا المشاركين في هذه الحركة هم ساتياجيت راي ومرينال سين وريتويك غاتاك . كانت بعض أكثر الأفلام شهرة دوليًا التي تم إنتاجها في تلك الفترة هي ثلاثية أبو (1955-1959)، وهي ثلاثية أفلام تحكي قصة نمو صبي ريفي فقير إلى مرحلة البلوغ، وفيلم ساتياجيت راي الرعد البعيد (1973)، الذي يحكي قصة مزارع أثناء المجاعة في البنغال . ^{[33] [34] ومن بين صناع الأفلام} البنغاليين المشهورين الآخرين المشاركين في هذه الحركة ريتوبارنو غوش وأبارنا سين وغوتام غوش .

أنتج المخرجون اليابانيون عددًا من الأفلام التي كسرت التقاليد. فيلم راشومون (1950) للمخرج أكيرا كوروساوا ، وهو أول فيلم ياباني يُعرض على نطاق واسع في الغرب، يصور روايات متناقضة لأربعة شهود على جريمة اغتصاب وقتل. في عام 1952، أخرج كوروساوا فيلم إيكيرو ، وهو فيلم عن بيروقراطي من طوكيو يكافح لإيجاد معنى لحياته. فيلم قصة طوكيو (1953)، للمخرج ياسوجيرو أوزو ، يستكشف التغيرات الاجتماعية في العصر من خلال سرد قصة زوجين مسنين يسافران إلى طوكيو لزيارة أطفالهما البالغين، لكنهما يجدان أن الأطفال منغمسون في أنفسهم للغاية بحيث لا يقضون الكثير من الوقت معهم. فيلم الساموراي السبعة (1954)، للمخرج كوروساوا، يحكي قصة قرية زراعية تستأجر سبعة ساموراي بلا أسياد لمحاربة قطاع الطرق. فيلم نيران على السهل (1959)، للمخرج كون إيتشيكاوا ، يستكشف التجربة اليابانية في الحرب العالمية الثانية من خلال تصوير جندي ياباني مريض يكافح من أجل البقاء على قيد الحياة. فيلم Ugetsu (1953) للمخرج كينجي ميزوجوتشي ، هو قصة أشباح تدور أحداثها في أواخر القرن السادس عشر، وتحكي قصة فلاحين تقع قريتهم في طريق جيش متقدم. وبعد مرور عام، أخرج ميزوجوتشي فيلم Sansho the Bailiff (1954)، الذي يحكي قصة طفلين أرستقراطيين تم بيعهما للعبودية؛ بالإضافة إلى التعامل مع موضوعات خطيرة مثل فقدان الحرية، يتميز الفيلم بصور جميلة ولقطات طويلة ومعقدة.

كانت الستينيات فترة مهمة في مجال الأفلام الفنية، مع إصدار عدد من الأفلام الرائدة التي أدت إلى ظهور السينما الفنية الأوروبية. استخدم جان لوك جودار في فيلم À bout de souffle ( لاهث ) (1960) تقنيات بصرية ومونتاج مبتكرة مثل الانتقالات والعمل بالكاميرا المحمولة . سيستمر جودار، وهو شخصية رائدة في الموجة الفرنسية الجديدة، في صنع أفلام مبتكرة طوال العقد، مقترحًا أسلوبًا جديدًا تمامًا لصناعة الأفلام. بعد نجاح فيلم لاهث ، صنع جودار فيلمين آخرين مؤثرين للغاية، Contempt في عام 1963، والذي أظهر وجهة نظره حول نظام صناعة الأفلام في الاستوديو، واللقطة الطويلة الجميلة، والفيلم داخل الفيلم، و Pierrot le fou في عام 1965، وهو مزيج من أفلام الجريمة والرومانسية مع أسلوبه المناهض لهوليوود. قام فيلم Jules et Jim ، للمخرج فرانسوا تروفو، بتفكيك علاقة معقدة بين ثلاثة أفراد من خلال كتابة السيناريو والمونتاج وتقنيات الكاميرا المبتكرة. ساعد المخرج الإيطالي مايكل أنجلو أنطونيوني في إحداث ثورة في صناعة الأفلام بأفلام مثل L'Avventura (1960)، والذي كان مؤثرًا بسبب التصوير الفوتوغرافي للمناظر الطبيعية وتقنيات التأطير، ويتبع اختفاء امرأة شابة من الطبقة العليا أثناء رحلة بالقارب، والبحث اللاحق عنها من قبل عشيقها وأفضل صديق لها؛ و La Notte (1961)، وهو فحص معقد لزواج فاشل يتعامل مع قضايا مثل الفوضى والعقم؛ و Eclipse (1962)، حول امرأة شابة غير قادرة على تكوين علاقة قوية مع صديقها بسبب طبيعته المادية؛ و Red Desert (1964)، أول فيلم ملون له، والذي يتعامل مع الحاجة إلى التكيف مع العالم الحديث؛ و Blowup (1966)، أول فيلم له باللغة الإنجليزية، والذي يتناول قضايا الإدراك والواقع حيث يتبع محاولة مصور شاب لاكتشاف ما إذا كان قد صور جريمة قتل.

بدأ المخرج السويدي إنجمار بيرجمان الستينيات بقطع حجرة مثل Winter Light (1963) و The Silence (1963)، والتي تتناول موضوعات مثل العزلة العاطفية ونقص التواصل. تتناول أفلامه من النصف الثاني من العقد، مثل Persona (1966)، و Shame (1968)، و A Passion (1969)، فكرة الفيلم كحيلة. ألهمت أفلام تاديوش كونويكي الفكرية والمعبرة بصريًا ، مثل All Souls' Day ( Zaduszki ، 1961) و Salto (1962)، مناقشات حول الحرب وأثارت أسئلة وجودية نيابة عن أبطالها العاديين.

يصور فيلم فيديريكو فيليني "الحياة الحلوة" (1960) سلسلة من الليالي والفجر في روما كما يشهد عليها صحفي ساخر، هذا الفيلم هو جسر بين أسلوبه الواقعي الإيطالي السابق وأسلوبه السريالي اللاحق . في عام 1963، صنع فيليني فيلم 8½ ، وهو استكشاف للصعوبات الإبداعية والزوجية والروحية، وقد صوره المصور السينمائي جياني دي فينانزو بالأبيض والأسود . يفحص فيلم " العام الماضي في مارينباد" للمخرج آلان رينيه عام 1961 الإدراك والواقع، باستخدام لقطات تتبع رائعة أصبحت مؤثرة على نطاق واسع. يتميز فيلما روبرت بريسون " اللعنة على بلثازار" (1966) و "موشيت" (1967) بأسلوبهما الطبيعي البيضاوي. كما ساهم المخرج الإسباني لويس بونويل بشكل كبير في فن السينما من خلال أفلامه الساخرة السريالية المذهلة مثل "فيريديانا" (1961) و "الملاك المبيد" (1962).

فيلم المخرج الروسي أندريه تاركوفسكي أندريه روبليف (1966) هو صورة لرسام الأيقونات الروسي في العصور الوسطى الذي يحمل نفس الاسم. يتحدث الفيلم أيضًا عن الحرية الفنية وإمكانية وضرورة صنع الفن من أجل السلطة القمعية وفي مواجهتها. عُرضت نسخة مقطوعة من الفيلم في مهرجان كان السينمائي عام 1969 ، حيث فاز بجائزة الاتحاد الدولي لنقاد السينما (FIPRESCI) . ^[35] في نهاية العقد، أبهر فيلم ستانلي كوبريك 2001: أوديسة الفضاء (1968) الجماهير بواقعيته العلمية واستخدامه الرائد للمؤثرات الخاصة والصور المرئية غير العادية. في عام 1969، أصدر آندي وارهول فيلم Blue Movie ، وهو أول فيلم فني للبالغين يصور الجنس الصريح ويحظى بإصدار مسرحي واسع النطاق في الولايات المتحدة. ^{[19] [20] [21]} وفقًا لوارهول، كان فيلم Blue Movie مؤثرًا رئيسيًا في صنع Last Tango in Paris ، وهو فيلم فني إباحي مثير للجدل دوليًا، أخرجه برناردو بيرتولوتشي وتم إصداره بعد بضع سنوات من صنع فيلم Blue Movie . ^{[21] في} أرمينيا السوفيتية ، حظرت السلطات السوفيتية فيلم The Color of Pomegranates للمخرج سيرجي باراجانوف ، والذي تلعب فيه الممثلة الجورجية سوفيكو كياوريلي خمس شخصيات مختلفة، ولم يكن متاحًا في الغرب لفترة طويلة، وأشاد به الناقد ميخائيل فارتانوف باعتباره "ثوريًا"؛ ^[36] وفي أوائل الثمانينيات، وضعت مجلة Les Cahiers du Cinéma الفيلم في قائمة أفضل 10 أفلام. ^[37] في عام 1967، في جورجيا السوفييتية ، أخرج المخرج الجورجي المؤثر تنجيز أبو لادزه فيلم "التوسل" ( Vedreba )، الذي استند إلى زخارف الأعمال الأدبية لفاجا-بشافيلا ، حيث تُروى القصة بأسلوب سردي شعري، مليء بالمشاهد الرمزية ذات المعاني الفلسفية. في إيران، أشعل فيلم "البقرة " (1969) للمخرج داريوش مهرجوي ، والذي يدور حول رجل يصاب بالجنون بعد وفاة بقرته المحبوبة، موجة جديدة من السينما الإيرانية .

حقق محرك العرائس جيم هينسون نجاحًا فنيًا بفيلمه القصير غير المخصص للدمى والذي رُشح لجائزة الأوسكار عام 1965 بعنوان Time Piece . ^[38]

في أوائل سبعينيات القرن العشرين، صدم المخرجون الجماهير بأفلام عنيفة مثل فيلم A Clockwork Orange (1971)، وهو فيلم استكشاف وحشي لعصابات الشباب المستقبلية لستانلي كوبريك، وفيلم Last Tango in Paris (1972)، وهو فيلم برناردو بيرتولوتشي الذي يكسر المحرمات ويشتمل على مشاهد جنسية صريحة ومثيرة للجدل. وفي الوقت نفسه، صنع مخرجون آخرون أفلامًا أكثر تأملًا، مثل فيلم الخيال العلمي التأملي Solaris (1972) للمخرج أندريه تاركوفسكي ، والذي كان من المفترض أن يكون بمثابة رد سوفييتي على فيلم 2001. وفي عامي 1975 و1979 على التوالي، أخرج تاركوفسكي فيلمين آخرين نالا استحسان النقاد في الخارج: Mirror و Stalker . كان تيرينس ماليك ، الذي أخرج فيلمي Badlands (1973) و Days of Heaven (1978)، يشترك في العديد من السمات مع تاركوفسكي، مثل لقطاته الطويلة المتواصلة من الجمال الطبيعي، والصور المثيرة، وأسلوب السرد الشعري.

كانت إحدى سمات أفلام الفن في السبعينيات هي عودة الشخصيات والصور الغريبة إلى الصدارة؛ والتي تكثر في الشخصية الرئيسية المعذبة المهووسة في فيلم المخرج الألماني الجديد فيرنر هيرتزوغ Aguirre , the Wrath of God (1973)، وفي الأفلام الكلاسيكية مثل فيلم أليخاندرو جودوروفسكي المخدر The Holy Mountain (1973) والذي يدور حول لص وخيميائي يبحثان عن جزيرة اللوتس الأسطورية . ^[39] يواصل فيلم سائق التاكسي (1976)، للمخرج مارتن سكورسيزي ، الموضوعات التي استكشفها فيلم A Clockwork Orange : السكان المنبوذون الذين يعيشون في مجتمع عنيف ومتحلل. يتناقض العنف الشديد والغضب الشديد في فيلم سكورسيزي مع الأفلام الأخرى التي صدرت في نفس الفترة، مثل فيلم ديفيد لينش الكلاسيكي بالأبيض والأسود الخيالي والسريالي والصناعي Eraserhead (1977). ^[40] في عام 1974، قدم جون كاسافيتس تعليقًا حادًا على حياة العمال الأمريكيين ذوي الياقات الزرقاء في فيلم "امرأة تحت التأثير" ، والذي يظهر فيه ربة منزل غريبة الأطوار تنحدر ببطء إلى الجنون. ^[41]

كما أخرج رادلي ميتزجر في سبعينيات القرن العشرين العديد من الأفلام الفنية للبالغين، مثل Barbara Broadcast (1977)، الذي قدم أجواء "بونيلية" سريالية ، ^[42] و The Opening of Misty Beethoven (1976)، استنادًا إلى مسرحية Pygmalion لجورج برنارد شو (ومشتقها، My Fair Lady )، والتي اعتبرت، وفقًا للمؤلفة الحائزة على جوائز توني بنتلي ، "جوهرة التاج" للعصر الذهبي للإباحية ، ^{[43] [44]} وهي حقبة في الثقافة الأمريكية الحديثة افتتحت بإصدار فيلم Blue Movie لآندي وارهول (1969) وظهرت فيها ظاهرة " الإباحية الأنيقة " ^{[45] [46]} حيث بدأت الأفلام الإباحية للبالغين في الحصول على إصدار واسع، وتم مناقشتها علنًا من قبل المشاهير (مثل جوني كارسون وبوب هوب ) ^[47] وأخذها نقاد السينما على محمل الجد (مثل روجر إيبرت ). ^{[48] [49]}

في عام 1980، قدم المخرج مارتن سكورسيزي للجمهور، الذي اعتاد على مغامرات الأفلام الناجحة التي أخرجها ستيفن سبيلبرغ وجورج لوكاس ، الواقعية القاسية والجريئة لفيلمه الثور الهائج . في هذا الفيلم، استخدم الممثل روبرت دي نيرو التمثيل المنهجي إلى أقصى حد لتصوير انحدار ملاكم من مقاتل شاب حائز على جوائز إلى مالك ملهى ليلي يعاني من زيادة الوزن. يمكن أيضًا اعتبار فيلم بليد رانر (1982) للمخرج ريدلي سكوت فيلمًا فنيًا من الخيال العلمي، إلى جانب فيلم 2001: ملحمة الفضاء (1968). يستكشف بليد رانر موضوعات الوجودية ، أو ما يعنيه أن تكون إنسانًا. فشل الفيلم في شباك التذاكر، وأصبح شائعًا في دائرة دور السينما الفنية باعتباره غرابة عبادة بعد إصدار "نسخة المخرج" التي أصبحت ناجحة عبر الفيديو المنزلي VHS . في منتصف العقد، استخدم المخرج الياباني أكيرا كوروساوا الواقعية لتصوير العنف الدموي الوحشي لحرب الساموراي اليابانية في القرن السادس عشر في فيلم ران (1985). يتبع فيلم ران قصة الملك لير ، حيث يتعرض الملك المسن للخيانة من قبل أبنائه. كما قارن سيرجيو ليون بين العنف الوحشي والجوهر العاطفي في قصته الملحمية عن حياة العصابات في فيلم ذات مرة في أمريكا .

اختار مخرجون آخرون في الثمانينيات مسارًا أكثر فكرية، واستكشفوا القضايا الفلسفية والأخلاقية مثل فيلم أندريه وايدا رجل من حديد (1981)، وهو نقد للحكومة الشيوعية البولندية، والذي فاز بجائزة السعفة الذهبية عام 1981 في مهرجان كان السينمائي . أخرج مخرج بولندي آخر، كريستوف كيشلوفسكي ، فيلم الوصايا العشر للتلفزيون عام 1988، وهو سلسلة أفلام تستكشف القضايا الأخلاقية والألغاز الأخلاقية. تم إصدار فيلمين من هذه الأفلام في دور العرض باسم فيلم قصير عن الحب وفيلم قصير عن القتل . في عام 1989، أخرج وودي آلن ، على حد تعبير ناقد نيويورك تايمز فينسنت كانبي ، "أكثر أفلامه جدية ومرحًا حتى الآن"، الجرائم والجنح ، والذي يتضمن قصصًا متعددة لأشخاص يحاولون إيجاد البساطة الأخلاقية والروحية بينما يواجهون قضايا وأفكارًا مروعة تحيط بالاختيارات التي يتخذونها. اختار المخرج الفرنسي لويس مال مسارًا أخلاقيًا آخر لاستكشافه من خلال تجسيد تجارب طفولته الحقيقية في فيلم Au Revoir les enfants ، الذي يصور ترحيل الحكومة النازية المحتلة لليهود الفرنسيين إلى معسكرات الاعتقال خلال الحرب العالمية الثانية.

فيلم فني آخر نال إشادة النقاد من هذه الحقبة، ^[50] فيلم الطريق للمخرج فيم فيندرز باريس، تكساس (1984)، فاز أيضًا بجائزة السعفة الذهبية. ^{[51] [52] [53]}

لم يكن كيشلوفسكي المخرج الوحيد الذي تجاوز التمييز بين السينما والتلفزيون. فقد أخرج إنجمار بيرجمان فيلم فاني وألكسندر (1982)، والذي عُرض على التلفزيون في نسخة ممتدة لمدة خمس ساعات. وفي المملكة المتحدة، مولت القناة الرابعة ، وهي قناة تلفزيونية جديدة، كليًا أو جزئيًا، العديد من الأفلام التي عُرضت في دور العرض من خلال شركتها الفرعية فيلم 4. كما قدم ويم فيندرز نهجًا آخر للحياة من وجهة نظر روحية في فيلمه أجنحة الرغبة (1987) ، وهو تصوير لـ "ملاك ساقط" يعيش بين الرجال، والذي فاز بجائزة أفضل مخرج في مهرجان كان السينمائي .

في عام 1982، أصدر المخرج التجريبي جودفري ريجيو الفيلم الفني الناجح المفاجئ Koyaanisqatsi ؛ وهو فيلم بدون حوار، ويركز على التصوير السينمائي (المكون بشكل أساسي من التصوير السينمائي البطيء والتصوير الفوتوغرافي الفاصل الزمني للمدن والمناظر الطبيعية، مما ينتج عنه قصيدة نغمية بصرية ) والأيديولوجية الفلسفية حول التكنولوجيا والبيئة. ^{[54] [55] [56]}

كان أحد الأساليب الأخرى التي استخدمها المخرجون في الثمانينيات هو خلق عوالم بديلة غريبة وسريالية. فيلم "After Hours " للمخرج مارتن سكورسيزي (1985) هو فيلم كوميدي مثير يصور مغامرات رجل محيرة في عالم سريالي ليلي من اللقاءات العشوائية مع شخصيات غامضة. حقق فيلم " Blue Velvet" للمخرج ديفيد لينش (1986)، وهو فيلم إثارة غامض على غرار أفلام الجريمة مليء بالرمزية والاستعارات حول عوالم مستقطبة ويسكنها شخصيات مشوهة مختبئة في عالم سفلي قذر لمدينة صغيرة، نجاحًا مفاجئًا بالنظر إلى موضوعه المزعج للغاية. فيلم "The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover" للمخرج بيتر جريناواي (1989) هو كوميديا ​​سوداء خيالية حول أكل لحوم البشر والعنف الشديد مع موضوع فكري: نقد "ثقافة النخبة" في بريطانيا التاتشرية .

وفقًا لرافائيل باسان ، في مقاله " الملاك : نيزك في سماء الرسوم المتحركة"، ^[57] يمكن اعتبار فيلم الملاك لباتريك بوكانوفسكي ، الذي عُرض في مهرجان كان السينمائي عام 1982 ، بداية الرسوم المتحركة المعاصرة. تمحو أقنعة الشخصيات كل شخصية بشرية وتعطي انطباعًا بالسيطرة الكاملة على "مادة" الصورة وتكوينها البصري، باستخدام مناطق مشوهة ورؤى غامضة وتحولات وأشياء اصطناعية.

في عام 1989، أصبح فيلم "مدينة الحزن " للمخرج هو هسياو هسين أول فيلم تايواني يحصل على جائزة الأسد الذهبي في مهرجان البندقية السينمائي . يعرض الفيلم تاريخ تايوان من خلال عائلة واحدة، ويمثل خطوة أخرى من خطوات الموجة التايوانية الجديدة، التي تميل إلى تصوير الحياة الواقعية الواقعية في كل من المناطق الحضرية والريفية في تايوان.

في تسعينيات القرن العشرين، استلهم المخرجون نجاح فيلم Blue Velvet (1986) لديفيد لينش وفيلم The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989) لبيتر جريناواي وأنشأوا أفلامًا بعوالم بديلة غريبة وعناصر من السريالية. صور المخرج الياباني أكيرا كوروساوا في فيلم Dreams (1990) أحلامه الخيالية في سلسلة من المشاهد القصيرة التي تتراوح من المناظر الطبيعية الريفية الرعوية المثالية إلى الرؤى المروعة للشياطين المعذبة والمناظر الطبيعية المدمرة بعد الحرب النووية. يتميز فيلم Barton Fink (1991) للأخوين كوهين ، والذي فاز بجائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي ، بإشارات أدبية مختلفة في قصة غامضة عن كاتب يواجه مجموعة من الشخصيات الغريبة، بما في ذلك روائي مدمن للكحوليات ومسيء وقاتل متسلسل. الطريق المفقود (1997)، من نفس مخرج فيلم Blue Velvet ، هو فيلم إثارة نفسية يستكشف عوالم خيالية وتحولات غريبة بين الزمان والمكان والانهيارات العقلية باستخدام صور سريالية.

استكشف مخرجون آخرون في التسعينيات قضايا وموضوعات فلسفية مثل الهوية والصدفة والموت والوجودية. استكشف فيلم My Own Private Idaho (1991) للمخرج جوس فان سانت وفيلم Chungking Express (1994) للمخرج وونغ كار واي موضوع الهوية. الأول هو فيلم طريق مستقل/فيلم صداقة عن محتالين شابين في الشارع، والذي يستكشف موضوع البحث عن المنزل والهوية. وقد أطلق عليه "علامة فارقة في السينما المستقلة في التسعينيات"، ^{[58] و} "تأملات شعرية صارمة"، ^[59] و"تمرين في التجريب السينمائي" ^[60] "عالي الجودة الفنية". ^{[30] يستكشف} فيلم Chungking Express ^[61] موضوعات الهوية والانفصال والوحدة والعزلة في "غابة الخرسانة المجازية" في هونج كونج الحديثة. استكشف تود هاينز حياة ربة منزل في الضواحي ووفاتها في النهاية بسبب المواد السامة في فيلم Safe الذي حقق نجاحًا كبيرًا عام 1995. ^[62]

في عام 1991، فيلم مهم آخر من إخراج إدوارد يانج ، مخرج الموجة الجديدة التايواني، يوم صيفي أكثر إشراقًا هو تصوير لحياة مراهق عادي تم إجلاؤه من الصين إلى تايوان والذي تأثر بالوضع السياسي والوضع المدرسي والوضع العائلي الذي جعل البطل الرئيسي يقتل فتاة في النهاية. في عام 1992، متمردو إله النيون ، أول فيلم روائي طويل لتساي مينج ليانج ، الجيل الثاني من الموجة الجديدة التايوانية، يتميز بأسلوبه الفريد في صناعة الأفلام مثل الاغتراب والحركة البطيئة للممثل (طاقمه المتكرر، لي كانج شنغ ) والوتيرة البطيئة وعدد قليل من الحوارات.

فيلم Seven Servants (1996) للمخرج داريوش شوكوف هو عمل سينمائي فني أصلي عن رجل يسعى إلى "توحيد" أعراق العالم حتى أنفاسه الأخيرة. بعد عام واحد من فيلم Seven Servants ، يروي فيلم عباس كياروستامي Taste of Cherry (1997)، ^[63] الذي فاز بجائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي، قصة مماثلة مع لمسة مختلفة؛ يدور كلا الفيلمين حول رجل يحاول توظيف شخص لدفنه بعد انتحاره. تم تصوير فيلم Seven Servants بأسلوب بسيط، بلقطات طويلة ووتيرة مريحة وفترات طويلة من الصمت. يتميز الفيلم أيضًا باستخدامه للقطات الطويلة واللقطات العلوية لخلق شعور بالمسافة بين الجمهور والشخصيات. تتناول أعمال تشانغ ييمو في أوائل تسعينيات القرن العشرين، مثل Ju Dou (1990)، و Raise the Red Lantern (1991)، و The Story of Qiu Ju (1992)، و To Live (1994)، المشاعر الإنسانية من خلال سرديات مؤثرة. وقد فاز فيلم To Live بجائزة لجنة التحكيم الكبرى.

استكشفت العديد من أفلام التسعينيات موضوعات ذات توجه وجودي تتعلق بالحياة والصدفة والموت. يستكشف فيلم Short Cuts (1993) للمخرج روبرت ألتمان موضوعات الصدفة والموت والخيانة من خلال تتبع 10 قصص متوازية ومتشابكة. وقد وصف الناقد مايكل ويلمنجتون من شيكاغو تريبيون الفيلم، الذي فاز بجائزة الأسد الذهبي وكأس فولبي في مهرجان البندقية السينمائي ، بأنه "جدارية جاز انتقائية متعددة الجوانب ومتعددة المزاجات ومنظمة بشكل مبهر" . فيلم The Double Life of Véronique (1991) للمخرج كرزيستوف كيشلوفسكي هو دراما حول موضوع الهوية واستعارة سياسية عن الانقسام بين الشرق والغرب في أوروبا؛ يتميز الفيلم بالتصوير السينمائي المنمق وأجواء خيالية وعناصر خارقة للطبيعة غير مفسرة.

فيلم دارين أرونوفسكي باي (1998) هو "فيلم معقد وغامض بشكل لا يصدق مليء بالأسلوب والمضمون المذهلين" حول "بحث عالم رياضيات مصاب بجنون العظمة عن السلام". ^[64] يخلق الفيلم "عالمًا غريبًا مستوحى من ديفيد لينش يشبه فيلم Eraserhead ^{" [65]} تم تصويره "بالأبيض والأسود، مما يضفي جوًا يشبه الحلم على جميع الإجراءات" ويستكشف قضايا مثل "الميتافيزيقيا والروحانية". ^[66] فيلم ماثيو بارني دورة كريماستر (1994-2002) هو دورة من خمسة أفلام رمزية مجازية تخلق نظامًا جماليًا مغلقًا بذاته، يهدف إلى استكشاف عملية الخلق. تمتلئ الأفلام بالتلميحات إلى الأعضاء التناسلية والتطور الجنسي، وتستخدم نماذج سردية مستمدة من السيرة الذاتية والأساطير والجيولوجيا.

في عام 1997، عاد تيرينس ماليك بعد غياب دام 20 عامًا بفيلم The Thin Red Line ، وهو فيلم حرب يستخدم الشعر والطبيعة للتميز عن أفلام الحرب النموذجية. وقد تم ترشيحه لسبع جوائز أوسكار ، بما في ذلك أفضل فيلم وأفضل مخرج. ^[67]

تمزج بعض أفلام التسعينيات بين الأجواء البصرية الخيالية أو السريالية واستكشاف القضايا الفلسفية. فيلم Sátántangó (1994)، للمخرج المجري بيلا تار ، هو فيلم من 7 أجزاء.+فيلم مدته ساعة ونصف ، تم تصويره بالأبيض والأسود، ويتناول موضوع تار المفضل، وهو عدم الكفاءة، حيث يعود المحتال إيريمياس إلى قرية في مكان غير محدد في المجر، ويقدم نفسه كزعيم وشخصية مسيح للقرويين السذج. تتناول ثلاثية الألوان الثلاثة لكيشلوفسكي (1993-1994)، وخاصة الأزرق (1993) والأحمر (1994)، العلاقات الإنسانية وكيف يتعامل الناس معها في حياتهم اليومية. أطلق على ثلاثية الأفلام اسم "استكشافات الروحانية والوجودية" ^[68] التي خلقت "تجربة سامية حقًا". ^[69] أدرجت صحيفة الجارديان فيلم Breaking the Waves (1996) كواحد من أفضل 25 فيلمًا فنيًا. صرح المراجع أن "كل المكونات التي حددت مسيرة لارس فون ترير المهنية (وبالتالي، الكثير من السينما الأوروبية الحديثة) موجودة هنا: التمثيل المثير، والتقنيات البصرية المبتكرة، والبطلة المتألمة، والدراما التي تتناول القضايا، ولقطة مثيرة للجدل تجعل الفيلم بأكمله لا يمكن تفويته". ^[70]

صرح لويس بيل من مجلة فيلم جورنال إنترناشيونال أن فيلم المخرج الأسترالي أندرو دومينيك الغربي اغتيال جيسي جيمس على يد الجبان روبرت فورد (2007) هو "عمل رائع قائم على الأدب ينجح كفيلم فني وفيلم من نوع مختلف". ^{[71] على عكس أفلام} جيسي جيمس ذات التوجه الأكشن في الماضي، ربما تكون ملحمة دومينيك غير التقليدية أكثر دقة في وصف نفسية الخارج عن القانون المستسلمة خلال الأشهر الأخيرة من حياته حيث يستسلم لجنون القبض عليه ويطور صداقة محفوفة بالمخاطر مع قاتله في النهاية، روبرت فورد .

في عام 2009، ادعى المخرج بول توماس أندرسون أن فيلمه Punch-Drunk Love لعام 2002 والذي يدور حول شخص خجول ومكبوت ومدمن للغضب كان "فيلمًا فنيًا لآدم ساندلر "، في إشارة إلى إدراج الممثل الكوميدي "الفتى الجامعي" ساندلر في الفيلم؛ يزعم الناقد روجر إيبرت أن Punch-Drunk Love "قد يكون المفتاح لجميع أفلام آدم ساندلر، وقد يحرر ساندلر لاتجاه جديد في عمله. لا يمكنه الاستمرار في صنع تلك الكوميديا ​​الغبية إلى الأبد، أليس كذلك؟ من كان ليتخيل أنه يتمتع بهذه الأعماق المجهولة؟" ^[72]

فيلم عم بونمي الذي يتذكر حياته الماضية للمخرج أبيتشاتبونج ويراسيثاكول ، والذي فاز بجائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان عام 2010، "يربط بين ما قد يكون مجرد سلسلة من المشاهد المصورة بشكل جميل مع تأملات مؤثرة ومضحكة حول طبيعة الموت والتناسخ والحب والخسارة والكرمة". ^[73] ويراسيثاكول هو مخرج أفلام مستقل وكاتب سيناريو ومنتج أفلام، يعمل خارج الحدود الصارمة لنظام استوديو الأفلام التايلاندي. تتناول أفلامه الأحلام والطبيعة والجنس، بما في ذلك مثليته الجنسية، ^[74] والتصورات الغربية لتايلاند وآسيا. تُظهر أفلام ويراسيثاكول تفضيلًا للهياكل السردية غير التقليدية (مثل وضع العناوين/التترات في منتصف الفيلم) والعمل مع غير الممثلين.

صدر فيلم تيرينس ماليك شجرة الحياة (2011) بعد عقود من التطوير وفاز بجائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي 2011 ؛ ​​وقد أشاد به النقاد بشدة. في مسرح أفون في ستامفورد بولاية كونيتيكت ، نُشرت رسالة حول سياسة عدم استرداد الأموال في المسرح بسبب "بعض تعليقات العملاء واستجابة الجمهور المستقطبة" للفيلم. صرح المسرح أنه "يقف وراء هذا العمل الفني الطموح والأفلام الصعبة الأخرى". ^{[75] يُطلق على} فيلم Drive (2011)، من إخراج نيكولاس ويندينج ريفن ، ^[76] عادةً فيلم أكشن فني . ^[77] في عام 2011 أيضًا، أصدر المخرج لارس فون ترير فيلم Melancholia ، وهو فيلم يتناول الاكتئاب واضطرابات عقلية أخرى بينما يُظهر أيضًا رد فعل الأسرة تجاه كوكب يقترب يمكن أن يصطدم بالأرض. حظي الفيلم باستقبال جيد، حيث زعم البعض أنه تحفة فون ترير، بينما سلط آخرون الضوء على أداء كيرستن دانست ، والمرئيات، والواقعية التي تم تصويرها في الفيلم.

عُرض فيلم "تحت الجلد" للمخرج جوناثان جلازر (وهو مثال على " الخيال العلمي الفني " ^[78] ) في مهرجان البندقية السينمائي لعام 2013 وعُرض في دور العرض من خلال استوديو A24 المستقل في العام التالي. يتتبع الفيلم، بطولة سكارليت جوهانسون ، كائنًا فضائيًا في هيئة بشرية أثناء سفرها حول جلاسكو ، حيث تلتقط الرجال غير الحذرين لممارسة الجنس معهم، وتحصد لحومهم وتجردهم من إنسانيتهم. يتناول الفيلم موضوعات مثل الجنس والإنسانية والتشييء، وقد تلقى مراجعات إيجابية ^[79] وأشاد به البعض باعتباره تحفة فنية؛ ^[80] ووصف الناقد ريتشارد روبر الفيلم بأنه "ما نتحدث عنه عندما نتحدث عن الفيلم باعتباره فنًا". ^[81]

شهد هذا العقد أيضًا إعادة ظهور " رعب الفن " ^[82] مع نجاح أفلام مثل Beyond the Black Rainbow (2010)، و Black Swan (2010)، و Stoker (2013)، و Enemy (2013)، و The Babadook (2014)، و Only Lovers Left Alive (2014)، و A Girl Walks Home Alone at Night (2014)، و Goodnight Mommy (2014)، و Nightcrawler (2014)، و It Follows (2015)، و The Witch (2015)، و The Wailing (2016)، و Split (2016)، والإثارة الاجتماعية Get Out (2017)، و Mother! (2017)، Annihilation (2018)، A Quiet Place (2018)، Hereditary (2018)، Suspiria (2018؛ إعادة إنتاج لفيلم 1977 الذي يحمل نفس الاسم )، Mandy (2018)، The Nightingale (2018)، The House That Jack Built (2018)، Us (2019)، Midsommar (2019)، The Lighthouse (2019)، Color Out of Space (2019) والفائز بجائزة الأوسكار لأفضل فيلم Parasite (2019). ^{[83] [84] [85] [86] [87]}

روما (2018)، هو فيلم للمخرج ألفونسو كوارون مستوحى من طفولته التي عاشها في المكسيك في السبعينيات. تم تصويره بالأبيض والأسود، ويتناول موضوعات مشتركة مع أفلام كوارون السابقة، مثل الموت والطبقة. تم توزيع الفيلم من خلال نتفليكس ، مما أكسب عملاق البث أولترشيح لجائزة الأوسكار لأفضل فيلم . ^[88]

كانت الرسوم المتحركة الفنية (مع عناوين مرشحة لجوائز الأوسكار مثل Song of the Sea و Loving Vincent ) تكتسب زخمًا أيضًا خلال هذه الحقبة كبديل لأفلام الرسوم المتحركة السائدة إلى جانب أعمال رسامي الرسوم المتحركة المشهورين ساتوشي كون ودون هيرتزفيلدت وأري فولمان من العقد السابق. ^{[89] [90] [91]}

قال توم شون عن عمل كريستوفر نولان : "لقد أكمل أحد عشر فيلمًا، [...] جميعها تلبي متطلبات الترفيه في الاستوديو، ولكنها تحمل في الوقت نفسه علامات لا تمحى من النوع الشخصي من الموضوعات والهواجس التي كانت تقليديًا حكرًا على دور الفن: مرور الوقت، وفشل الذاكرة، وغرائبنا في الإنكار والانحراف، والعمليات الدقيقة لحياتنا الداخلية، في مواجهة المناظر الطبيعية حيث تلتقي خطوط صدع الصناعة المتأخرة بنقاط التصدع والمفارقات في عصر المعلومات ". ^[92]

تتضمن الانتقادات الموجهة للأفلام الفنية كونها متكلفة للغاية ومفرطة في التكلف بالنسبة للجمهور السائد. ^{[93] [94] [95]}

استشهد الناقد السينمائي مايكل نوردين من صحيفة لوس أنجلوس ويكلي بفيلمي Gummo (1997) باعتبارهما " فيلم استغلال فني" و Amores Perros (2000) باعتبارهما مثالاً على "الصورة النمطية للأفلام الفنية التي تتميز بوجود عدد أكبر من الكلاب الميتة مقارنة بفيلم Where the Red Fern Grows وكل كتاب آخر كان عليك قراءته في المدرسة الإعدادية". ^[96]

تم التعرف على التلفزيون الفني عالي الجودة ، ^[97] وهو نوع أو أسلوب تلفزيوني يشترك في بعض السمات نفسها مع الأفلام الفنية. كما أن البرامج التلفزيونية، مثل Twin Peaks لديفيد لينش ومارك فروست و The Singing Detective لدينيس بوتر ، "تتسم أيضًا بتخفيف السببية، والتركيز بشكل أكبر على الواقعية النفسية أو القصصية، وانتهاكات الوضوح الكلاسيكي للمكان والزمان، والتعليق الصريح للمؤلف، والغموض". ^[98]

كما هو الحال مع الكثير من أعمال لينش الأخرى (ولا سيما فيلم Blue Velvet )، يستكشف Twin Peaks الفجوة بين قشرة الاحترام في البلدة الصغيرة والطبقات الأكثر فسادًا للحياة الكامنة تحت سطحها. من الصعب وضع العرض في نوع تلفزيوني محدد؛ من الناحية الأسلوبية، يستعير النغمة المزعجة والمقدمات الخارقة للطبيعة لأفلام الرعب ويقدم في الوقت نفسه محاكاة ساخرة غريبة ومضحكة لأوبرا الصابون الأمريكية مع عرض درامي ممل للأنشطة المشكوك فيها أخلاقياً لشخصياتها الغريبة. يمثل العرض استقصاءً أخلاقيًا جادًا يتميز بالفكاهة الغريبة والوريد العميق للسريالية ، ويدمج الرسوم المصغرة عالية الأسلوب والصور الفنية السريالية والتي غالبًا ما تكون غير قابلة للوصول إلى جانب السرد المفهوم للأحداث.

يستكشف مسلسل Black Mirror التلفزيوني الحائز على جائزة إيمي لتشارلي بروكر والمُركز على المملكة المتحدة الموضوعات المظلمة والساخرة أحيانًا في المجتمع الحديث، وخاصة فيما يتعلق بالعواقب غير المتوقعة للتكنولوجيات الجديدة؛ وبينما تم تصنيفه على أنه "خيال مضاربي"، بدلاً من تلفزيون فني، فقد تلقى مراجعات رائعة. قد يكون مسلسل The Wire التابع لـ HBO مؤهلاً أيضًا باعتباره "تلفزيونًا فنيًا"، حيث نال قدرًا أكبر من الاهتمام النقدي من الأكاديميين مقارنة بمعظم البرامج التلفزيونية. على سبيل المثال، عرضت مجلة نظرية الفيلم Film Quarterly العرض على غلافها. ^[99]

كانت الأفلام الفنية جزءًا من الثقافة الشعبية من المسلسلات الهزلية المتحركة مثل The Simpsons ^[100] و Clone High التي تسخر منها وتسخر منها ^[101] وحتى سلسلة الويب لمراجعة الأفلام الكوميدية Brows Held High (التي يستضيفها كايل كالجرين). ^{[102] [103] [104] [105]}

• حواجب مرفوعة على اليوتيوب
• أفضل 100 فيلم فني وعالمي – Rotten Tomatoes at Wayback Machine
• أفضل 25 فيلمًا فنيًا على الإطلاق | The Guardian
• 10 أفلام رائعة تشكل مقدمة مثالية لسينما الفنون الجميلة – طعم السينما
• أفضل 10 أفلام فنية في السنوات العشر الماضية | Stark Insider