تاريخ الفيلم

يسجل تاريخ الفيلم تطور شكل الفن المرئي الذي تم إنشاؤه باستخدام تقنيات الأفلام والذي بدأ في أواخر القرن التاسع عشر.

لم يتم تحديد ظهور الفيلم كوسيلة فنية بشكل واضح. كانت هناك عروض سينمائية سابقة من قبل آخرين، ومع ذلك، يمكن اعتبار العرض التجاري العام لعشرة أفلام قصيرة للأخوين لوميير في باريس في 28 ديسمبر 1895، بمثابة اختراق للصور المتحركة السينمائية المسقطة. كانت الأفلام الأولى بالأبيض والأسود، مدتها أقل من دقيقة، بدون صوت مسجل، وتتكون من لقطة واحدة من كاميرا ثابتة. شهد العقد الأول انتقال الفيلم من الحداثة إلى صناعة ترفيه جماهيرية راسخة، مع تأسيس شركات واستوديوهات إنتاج الأفلام في جميع أنحاء العالم. تطورت الاتفاقيات نحو لغة سينمائية عامة، مع تحرير الفيلم وحركات الكاميرا وغيرها من التقنيات السينمائية التي ساهمت بأدوار محددة في سرد ​​الأفلام.

أثرت الوسائط الجديدة الشائعة، بما في ذلك التلفزيون (السائد منذ الخمسينيات)، والفيديو المنزلي (الثمانينيات)، والإنترنت (التسعينيات)، على توزيع الأفلام واستهلاكها. استجابت صناعة الأفلام عادةً بمحتوى يناسب الوسائط الجديدة، والابتكارات التقنية (بما في ذلك الأفلام ذات الشاشة العريضة (الخمسينيات)، والأفلام ثلاثية الأبعاد، ورباعية الأبعاد ) وأفلام أكثر روعة لإبقاء العروض المسرحية جذابة. سمحت الأنظمة الأرخص والأسهل في التعامل (بما في ذلك أفلام 8 مم والفيديو وكاميرات الهواتف الذكية ) لعدد متزايد من الأشخاص بإنشاء أفلام ذات جودة متفاوتة، لأي غرض بما في ذلك الأفلام المنزلية وفن الفيديو . كانت الجودة التقنية أقل عادةً من الأفلام الاحترافية، ولكنها تحسنت باستخدام الفيديو الرقمي والكاميرات الرقمية عالية الجودة وبأسعار معقولة . مع تحسنها بمرور الوقت، أصبحت أساليب الإنتاج الرقمية أكثر شيوعًا خلال التسعينيات، مما أدى إلى تأثيرات بصرية واقعية بشكل متزايد ورسوم متحركة حاسوبية طويلة شائعة .

ظهرت أنواع مختلفة من الأفلام خلال تاريخ الفيلم، وتمتعت بدرجات متفاوتة من النجاح.

يعود استخدام الفيلم كشكل فني إلى عدة تقاليد سابقة في الفنون مثل رواية القصص (الشفوية) والأدب والمسرح والفنون البصرية. جمعت كانتاسوريا والتقاليد القديمة المماثلة بين رواية القصص وسلسلة من الصور التي تم عرضها أو الإشارة إليها واحدة تلو الأخرى. تشمل أسلاف الفيلم التي استخدمت بالفعل الضوء والظلال لإنشاء الفن قبل ظهور تكنولوجيا الأفلام الحديثة التصوير الظلي وعرائس الظل والكاميرا المظلمة والفانوس السحري .

يمثل فن التصوير الظلي ومسرح العرائس الظلية أمثلة مبكرة على نية استخدام الصور المتحركة للترفيه ورواية القصص. ^[1] يُعتقد أن هذا الفن نشأ في الشرق الأقصى، واستخدم الظلال التي تلقيها الأيدي أو الأشياء للمساعدة في إنشاء السرد. تمتعت مسرحية العرائس الظلية بشعبية لعدة قرون في جميع أنحاء آسيا، ولا سيما في جاوة ، وانتشرت في النهاية إلى أوروبا خلال عصر التنوير . ^[2]

بحلول القرن السادس عشر، كان الفنانون غالبًا ما يستحضرون صورًا لأشباح، باستخدام تقنيات مثل الكاميرا المظلمة وأشكال أخرى من العرض لتعزيز أدائهم. ^[3] يبدو أن عروض الفوانيس السحرية التي تم تطويرها في النصف الأخير من القرن السابع عشر استمرت في هذا التقليد بصور الموت والوحوش والشخصيات المخيفة الأخرى. ^[4] حوالي عام 1790، تم تطوير هذه الممارسة إلى نوع من عروض الأشباح المتعددة الوسائط المعروفة باسم phantasmagoria . قامت هذه العروض الشعبية بتسلية الجماهير باستخدام الشرائح الميكانيكية والإسقاط الخلفي وأجهزة العرض المحمولة والتراكب والذوبان والممثلين الأحياء والدخان (الذي قد يتم عرض العروض عليه) والروائح والأصوات وحتى الصدمات الكهربائية. ^{[5] [6] في حين أن} العديد من عروض الفوانيس السحرية الأولى كانت تهدف إلى تخويف المشاهدين، إلا أن التطورات التي أحرزها عارضو الأفلام سمحت بسرد القصص الإبداعية وحتى التعليمية التي يمكن أن تجذب جمهورًا عائليًا أوسع. ^[7] سمحت التقنيات الرائدة حديثًا مثل استخدام وجهات النظر المذابة والكروماتروب بانتقالات أكثر سلاسة بين صورتين متوقعتين وساعدت في تقديم سرد أقوى. [ ^8]

في عام 1833، أدت الدراسة العلمية للوهم الستروبوسكوبي في العجلات ذات الأسلاك بواسطة جوزيف بلاتو ومايكل فاراداي وسيمون ستامبفر إلى اختراع فانتاسكوب، المعروف أيضًا باسم القرص الستروبوسكوبي أو فيناكستيسكوب ، والذي كان شائعًا في العديد من الدول الأوروبية لفترة من الوقت. اعتقد بلاتو أنه يمكن تطويره بشكل أكبر لاستخدامه في الخيال العلمي وتخيل ستامبفر نظامًا للمشاهد الأطول مع شرائط على بكرات، بالإضافة إلى نسخة شفافة (ربما مخصصة للإسقاط). حاول بلاتو وتشارلز ويتستون وأنطوان كلوديه وآخرون الجمع بين التقنية والمنظار المجسم (الذي تم تقديمه عام 1838) والتصوير الفوتوغرافي (الذي تم تقديمه عام 1839) للحصول على وهم أكثر اكتمالاً للواقع، ولكن لعقود من الزمان كانت مثل هذه التجارب تعوقها في الغالب الحاجة إلى أوقات تعرض طويلة، مع ضبابية الحركة حول الأشياء التي تتحرك بينما يسقط الضوء المنعكس على المواد الكيميائية الحساسة للضوء. تمكن عدد قليل من الأشخاص من الحصول على نتائج جيدة من تقنيات إيقاف الحركة ، ولكن هذه التقنيات لم يتم تسويقها إلا نادرًا جدًا ولم يكن لأي شكل من أشكال التصوير المتحرك تأثير ثقافي كبير قبل ظهور التصوير الزمني.

لم يكن من المقصود في البداية أن يتم عرض معظم التسلسلات الفوتوغرافية المبكرة، المعروفة باسم التصوير الزمني ، في الحركة، وكانت تُقدم عادةً كطريقة جادة، بل وحتى علمية، لدراسة الحركة. كانت التسلسلات تنطوي بشكل شبه حصري على قيام البشر أو الحيوانات بحركة بسيطة أمام الكاميرا. ^[9] بدءًا من عام 1878 مع نشر بطاقات خزانة الحصان في الحركة ، بدأ المصور إدوارد مويبريدج في إجراء مئات الدراسات التصويرية الزمنية لحركة الحيوانات والبشر في الوقت الفعلي. وسرعان ما تبعه مصورون زمنيون آخرون مثل إتيان جول ماري وجورج ديميني وألبرت لوند وأوتومار أنشوتز . في عام 1879، بدأ مويبريدج في إلقاء محاضرات حول حركة الحيوانات واستخدم زوبراكسيسكوب لعرض رسوم متحركة لخطوط تسجيلاته، وتتبعها على أقراص زجاجية. ^[10]

في عام 1887، بدأ المخترع والمصور الألماني أوتومار أنشوتز في تقديم تسجيلاته الكرونوفوتوجرافية أثناء الحركة، باستخدام جهاز أطلق عليه اسم Elektrischen Schnellseher (المعروف أيضًا باسم Electrotachyscope )، والذي عرض حلقات قصيرة على شاشة زجاجية صغيرة. وبحلول عام 1891، بدأ الإنتاج الضخم لجهاز عرض يعمل بالعملة المعدنية أكثر اقتصادا يحمل نفس الاسم والذي تم عرضه في المعارض والأسواق الدولية. تم تركيب بعض الأجهزة لفترات أطول، بما في ذلك بعضها في قصر الكريستال في لندن، وفي العديد من المتاجر الأمريكية. وحول تركيز الوسيلة من الاهتمام التقني والعلمي بالحركة إلى الترفيه للجماهير، سجل المصارعين والراقصين والبهلوانات ومشاهد من الحياة اليومية. دفع ما يقرب من 34000 شخص لمشاهدة عروضه في حديقة المعارض ببرلين في صيف عام 1892. وشاهده آخرون في لندن أو في معرض شيكاغو العالمي عام 1893 . على الرغم من قلة الأدلة المتبقية على معظم هذه التسجيلات، فمن المحتمل أن بعض المشاهد كانت تصور مشاهد كوميدية مُدبرة. تشير السجلات الموجودة إلى أن بعض إنتاجاته أثرت بشكل مباشر على الأعمال اللاحقة لشركة Edison، مثل فيلم Fred Ott's Sneeze لعام 1894. [ 11 ^]

استندت التطورات في تقنيات عرض الأفلام السينمائية إلى شعبية الفوانيس السحرية والعروض الكرونوفوتوجرافية وغيرها من أشكال الترفيه المعروض ذات الصلة الوثيقة مثل الأغاني المصورة . من أكتوبر 1892 إلى مارس 1900، عرض المخترع إميل رينو نظام أفلام Théâtre Optique ("المسرح البصري") في متحف جريفين في باريس. تم عرض جهاز رينو، الذي عرض سلسلة من القصص المتحركة مثل Pauvre Pierrot و Autour d'une cabine ، لأكثر من 500000 زائر على مدار 12800 عرض. ^{[12] [13]} في 25 و 29 و 30 نوفمبر 1894، عرض أوتومار أنشوتز صورًا متحركة من أقراص Electrotachyscope على شاشة كبيرة في القاعة الكبرى المظلمة في مبنى مكتب بريد في برلين. من 22 فبراير إلى 30 مارس 1895، تم عرض برنامج تجاري مدته ساعة ونصف يحتوي على 40 مشهدًا مختلفًا لجمهور يبلغ عدده 300 شخص في الرايخستاغ القديم واستقبل حوالي 4000 زائر. ^[14]

طوال أواخر القرن التاسع عشر، قدم العديد من المخترعين مثل وردزورث دونيثورب ولويس لو برنس وويليام فريز جرين والإخوة سكلادانوفسكي مساهمات رائدة في تطوير الأجهزة التي يمكنها التقاط وعرض الصور المتحركة، مما وضع الأساس لظهور السينما كوسيلة فنية. خدمت المشاهد في هذه التجارب في المقام الأول لإثبات التكنولوجيا نفسها وعادة ما تم تصويرها مع العائلة أو الأصدقاء أو حركة المرور المارة كموضوعات متحركة. تم تصوير أقدم فيلم باقٍ، والمعروف اليوم باسم مشهد حديقة راوندهاي (1888)، بواسطة لويس لو برنس وصوّر لفترة وجيزة أفراد عائلته وهم يتحركون. ^[15]

في يونيو 1889، كلف المخترع الأمريكي توماس إديسون مساعدًا مختبريًا، ويليام كينيدي ديكسون ، بالمساعدة في تطوير جهاز يمكنه إنتاج صور مرئية لمرافقة الأصوات الصادرة عن الفونوغراف . بناءً على الآلات السابقة التي صنعها مويبريدج وماري وأنشوتز وآخرين، ابتكر ديكسون وفريقه جهاز عرض Kinetoscope ، مع حلقات من السيلولويد تحتوي على حوالي نصف دقيقة من الترفيه السينمائي. ^[16] بعد معاينة مبكرة في 20 مايو 1891، قدم إديسون الجهاز في عام 1893. ^[17] عرضت العديد من الأفلام المعروضة على جهاز Kinetoscope عروض فودفيل شهيرة في استوديو إديسون بلاك ماريا . ^[18] سرعان ما أصبح جهاز كينيتوسكوب إحساسًا عالميًا مع وجود العديد من صالات العرض في جميع أنحاء المدن الكبرى بحلول عام 1895. ^[17] مع تلاشي الجدة الأولية للصور، كانت شركة إديسون بطيئة في تنويع ذخيرتها من الأفلام وتسبب تراجع الاهتمام العام في تباطؤ الأعمال بحلول ربيع عام 1895. لعلاج انخفاض الأرباح، أجريت تجارب، مثل فيلم ديكسون التجريبي الصوتي ، في محاولة لتحقيق الهدف الأصلي للجهاز المتمثل في توفير مرافقة بصرية للتسجيلات الصوتية. ومع ذلك، منعت القيود المفروضة على مزامنة الصوت مع المرئيات التطبيق الواسع النطاق. ^[19] خلال نفس الفترة، بدأ المخترعون في تطوير التقنيات نحو عرض الأفلام التي ستتجاوز في النهاية تنسيق صندوق إديسون. ^[20]

استخدم الأخوان سكلادانوفسكي جهاز Bioscop الذي صنعاه بأنفسهما لعرض أول عرض سينمائي لجمهور مدفوع الأجر في الأول من نوفمبر 1895 في برلين. لكنهما لم يمتلكا الجودة أو الموارد المالية اللازمة لاكتساب الزخم. لم تمر معظم هذه الأفلام بالمرحلة التجريبية ولم تحظ جهودهما باهتمام عام كبير حتى بعد نجاح السينما.

في النصف الأخير من عام 1895، قام الأخوان أوغست ولويس لوميير بتصوير عدد من المشاهد القصيرة باستخدام اختراعهما، جهاز التصوير السينمائي . في 28 ديسمبر 1895، قدم الأخوان أول عرض تجاري لهما في باريس (على الرغم من وجود أدلة على عروض توضيحية للجهاز أمام جمهور صغير في وقت مبكر من أكتوبر 1895). ^[21] تألف العرض من عشرة أفلام واستمر لمدة 20 دقيقة تقريبًا. تألف البرنامج بشكل أساسي من أفلام واقعية مثل العمال يغادرون مصنع لوميير كوثائق صادقة للعالم، لكن العرض تضمن أيضًا الكوميديا ​​المسرحية L'Arroseur Arrosé . ^[22] كان جهاز التصوير السينمائي، وهو العرض الأكثر تقدمًا لعرض الأفلام حتى الآن، ناجحًا على الفور، حيث حقق في المتوسط ​​2500 إلى 3000 فرنك يوميًا بحلول نهاية يناير 1896. ^[17] بعد العرض الأول، تم تغيير ترتيب واختيار الأفلام كثيرًا. ^[20]

كانت المصالح التجارية الأساسية للأخوين لوميير تتلخص في بيع الكاميرات ومعدات الأفلام للعارضين، وليس الإنتاج الفعلي للأفلام. وعلى الرغم من هذا، استلهم صناع الأفلام في جميع أنحاء العالم من إمكانات الأفلام حيث جلب العارضون عروضهم إلى بلدان جديدة. وقد قدم هذا العصر من صناعة الأفلام، الذي أطلق عليه المؤرخ السينمائي توم جانينج اسم "سينما الجذب السياحي"، طريقة رخيصة وبسيطة نسبيًا لتوفير الترفيه للجماهير. ويزعم جانينج أنه بدلاً من التركيز على القصص، اعتمد صناع الأفلام بشكل أساسي على القدرة على إسعاد الجماهير من خلال "القوة الوهمية" لمشاهدة التسلسلات المتحركة، تمامًا كما فعلوا في عصر كينيتوسكوب الذي سبقه. ^[23] وعلى الرغم من هذا، فقد حدثت تجارب مبكرة في صناعة الأفلام الخيالية (سواء في الأفلام الواقعية أو الأنواع الأخرى). كانت الأفلام تُعرض في الغالب داخل مساحات العرض المؤقتة، أو في خيام العارضين المتجولين في المعارض، أو كأعمال "غبية" في برامج الفودفيل. ^[24] وخلال هذه الفترة، قبل تحديد عملية ما بعد الإنتاج بوضوح، سُمح للعارضين بممارسة حريتهم الإبداعية في عروضهم. لتعزيز تجربة المشاهدين، كانت بعض العروض مصحوبة بموسيقيين حيين في أوركسترا، وأرغن مسرحي، ومؤثرات صوتية حية وتعليقات من قبل رجل العرض أو عارض الأفلام. ^{[25] [26]}

كانت التجارب في تحرير الأفلام والمؤثرات الخاصة وبناء السرد وحركة الكاميرا خلال هذه الفترة من قبل صناع الأفلام في فرنسا وإنجلترا والولايات المتحدة مؤثرة في إرساء هوية للفيلم في المستقبل. في كل من استوديوهات Edison وLumière، أسست السرديات الفضفاضة مثل فيلم Edison لعام 1895، Washday Troubles، ديناميكيات العلاقات القصيرة وخطوط القصة البسيطة. ^[27] في عام 1896، تم إصدار La Fée aux Choux ( جنية الكرنب ) لأول مرة. أخرجت وحررت أليس جاي القصة، ويمكن القول إنها أقدم فيلم سردي في التاريخ، وكذلك أول فيلم أخرجته امرأة. ^[28] في نفس العام، أصدرت شركة Edison Manufacturing Company فيلم The May Irwin Kiss في مايو وحقق نجاحًا ماليًا واسع النطاق. أدى الفيلم، الذي تضمن أول قبلة في تاريخ السينما، إلى أقدم الدعوات المعروفة للرقابة على الأفلام . ^[29]

كان قسم لايملايت الأسترالي أحد أوائل منتجي الأفلام الأوائل . بدءًا من عام 1898، تم تشغيله بواسطة جيش الخلاص في ملبورن بأستراليا. أنتج قسم لايملايت مواد تبشيرية لاستخدامها من قبل جيش الخلاص، بما في ذلك شرائح الفوانيس منذ عام 1891، بالإضافة إلى العقود الخاصة والحكومية. في تسعة عشر عامًا من التشغيل، أنتج قسم لايملايت حوالي 300 فيلم بأطوال مختلفة، مما يجعله أحد أكبر منتجي الأفلام في عصره. أنتج قسم لايملايت فيلمًا عام 1904 لجوزيف بيري بعنوان Bushranging في شمال كوينزلاند ، والذي يُعتقد أنه أول فيلم على الإطلاق عن قطاع الطرق.

في بداياته، نادرًا ما كان مقدمو الأفلام أو الجمهور يعتبرون الفيلم شكلًا فنيًا. اعتبرت الطبقة العليا الأفلام شكلًا "مبتذلًا" و"منخفض الثقافة" من أشكال الترفيه الرخيص، وكانت الأفلام تروق إلى حد كبير للطبقة العاملة وكانت غالبًا قصيرة جدًا بحيث لا تحمل أي إمكانات سردية قوية. ^[30] روجت الإعلانات الأولية للتكنولوجيات المستخدمة لعرض الأفلام بدلاً من الأفلام نفسها. ومع تزايد شهرة الأجهزة لدى الجمهور، تم استغلال إمكاناتها في التقاط الأحداث وإعادة إنشائها في المقام الأول في شكل أفلام إخبارية ووقائع. ^[31] أثناء إنشاء هذه الأفلام، غالبًا ما استعان المصورون السينمائيون بالقيم الجمالية التي أرستها أشكال الفن السابقة مثل التأطير والوضع المتعمد للكاميرا في تكوين صورهم. ^[32] في مقال نُشر عام 1955 في مجلة The Quarterly of Film Radio and television، أكد المنتج والمؤرخ السينمائي كينيث ماكجوان أن الإخراج المتعمد وإعادة إنشاء الأحداث لأفلام الأخبار "جلب القصص إلى الشاشة". ^[33]

مع الإعلان عن تقنيات الأفلام على المحتوى، بدأت الأفلام الواقعية في البداية كـ "سلسلة من المشاهد" التي غالبًا ما تحتوي على لقطات لأماكن جميلة وحيوية أو عروض أداء. ^[32] بعد نجاح عرضهم عام 1895، أسس الأخوان لوميير شركة وأرسلوا مصورين عبر العالم لالتقاط مواضيع جديدة للعرض. بعد أن يصور المصور السينمائي المشاهد، غالبًا ما يعرضون تسجيلاتهم محليًا ثم يرسلونها إلى مصنع الشركة في ليون لعمل نسخ مكررة للبيع لمن يريدها. ^[34] في عملية تصوير الأفلام الواقعية، وخاصة تلك التي تحتوي على أحداث حقيقية، اكتشف صناع الأفلام وجربوا تقنيات كاميرا متعددة للتكيف مع طبيعتها غير المتوقعة. ^[35] نظرًا للطول القصير (غالبًا لقطة واحدة فقط) للعديد من الأفلام الواقعية، تشير سجلات الكتالوج إلى أن شركات الإنتاج قامت بتسويقها للعارضين من خلال الترويج لأفلام واقع متعددة بموضوعات ذات صلة يمكن شراؤها لتكمل بعضها البعض. غالبًا ما قدم العارضون الذين اشتروا الأفلام في برنامج وكانوا يقدمون مرافقة شفهية لشرح الحدث على الشاشة للجمهور. ^[32]

اجتمع أول جمهور يدفع مقابل فيلم سينمائي في حديقة ماديسون سكوير لمشاهدة واقع مسرحي يزعم أنه معركة ملاكمة صورها وودفيل لاثام باستخدام جهاز يسمى Eidoloscope في 20 مايو 1895. بتكليف من لاثام، ابتكر المخترع الفرنسي يوجين أوغستين لاوست الجهاز بخبرة إضافية من ويليام كينيدي ديكسون وصنع آلية عُرفت باسم حلقة لاثام ، والتي سمحت بأوقات تشغيل مستمرة أطول وكانت أقل تآكلًا على فيلم السيلولويد. ^[36]

في السنوات اللاحقة، أثبتت عروض الأفلام الواقعية والأفلام الإخبارية أنها مربحة. في عام 1897، تم إصدار فيلم The Corbett-Fitzsimmons Fight . كان الفيلم تسجيلًا كاملاً لمباراة بطولة العالم للوزن الثقيل في الملاكمة في كارسون سيتي، نيفادا . حقق الفيلم دخلاً أكبر في شباك التذاكر مقارنة بإيرادات البوابات الحية وكان أطول فيلم تم إنتاجه في ذلك الوقت. ربما انجذب الجمهور إلى فيلم Corbett-Fitzsimmons بأعداد كبيرة لأن جيمس جيه كوربيت (المعروف أيضًا باسم جنتلمان جيم) أصبح معبودًا في الحفلات المسائية منذ أن لعب نسخة خيالية من نفسه في مسرحية. ^[37]

منذ عام 1910 فصاعدًا، عُرضت نشرات الأخبار بانتظام وسرعان ما أصبحت وسيلة شائعة لاكتشاف الأخبار قبل ظهور التلفزيون - تم تصوير البعثة البريطانية إلى القطب الجنوبي للقطب الجنوبي لأفلام الأخبار وكذلك مظاهرات المطالبة بحق المرأة في التصويت التي كانت تحدث في نفس الوقت. كان ف. بيرسي سميث رائدًا مبكرًا في مجال الأفلام الوثائقية عن الطبيعة يعمل لدى تشارلز أوربان عندما كان رائدًا في استخدام التصوير الفوتوغرافي الفاصل الزمني والتصوير السينمائي الدقيق في فيلمه الوثائقي لعام 1910 عن نمو الزهور. ^{[38] [39]}

بعد العرض الناجح لسينماتوغراف، تسارع تطور صناعة الأفلام السينمائية بسرعة في فرنسا. جرب العديد من صناع الأفلام هذه التقنية أثناء عملهم لتحقيق نفس النجاح الذي حققه الأخوان لوميير مع عرضهم. أسس هؤلاء صناع الأفلام شركات جديدة مثل شركة ستار فيلم ، وباثي فرير ، وشركة غومون فيلم .

كان المخرج الفرنسي جورج ميلييه هو السلف الأكثر شهرة لصناعة الأفلام السردية . كان ميلييه ساحرًا استخدم سابقًا إسقاطات الفانوس السحري لتعزيز عمله السحري. في عام 1895، حضر ميلييه عرضًا لجهاز التصوير السينمائي وأدرك إمكانات الجهاز لمساعدته في عمله. حاول شراء جهاز من الأخوين لوميير، لكنهما رفضا. ^[40] بعد أشهر، اشترى كاميرا من روبرت دبليو بول وبدأ في إجراء تجارب على الجهاز من خلال إنشاء أحداث واقعية. خلال هذه الفترة من التجارب، اكتشف ميلييه ونفذ العديد من المؤثرات الخاصة بما في ذلك خدعة التوقف والتعريض المتعدد واستخدام الذوبان في أفلامه. ^[16] في نهاية عام 1896، أسس ميلييه شركة ستار فيلم وبدأ في إنتاج وإخراج وتوزيع مجموعة من الأعمال التي ستحتوي في النهاية على أكثر من 500 فيلم قصير. ^[41] إدراكًا للإمكانات السردية التي توفرها الجمع بين خلفيته المسرحية والمؤثرات المكتشفة حديثًا للكاميرا، صمم ميلييس مسرحًا متقنًا يحتوي على أبواب فخاخ ونظام ذباب . ^[33] سمحت تقنيات بناء المسرح والمونتاج بتطوير قصص أكثر تعقيدًا، مثل فيلم عام 1896، Le Manoir du Diable ( بيت الشيطان ) ، والذي يُعتبر الأول في نوع أفلام الرعب، وفيلم Cendrillon ( سندريلا ) عام 1899. ^{[42] [43]} في أفلام ميلييس، استند في وضع الكاميرا على البناء المسرحي لإطارات المسرح ، والمستوى المجازي أو الجدار الرابع الذي يقسم الممثلين والجمهور. ^[44] طوال حياته المهنية، وضع ميلييس الكاميرا باستمرار في وضع ثابت وفي النهاية فقد حظه لدى الجمهور حيث جرب صناع الأفلام الآخرون تقنيات أكثر تعقيدًا وإبداعًا. ^[45] يُعرف ميلييس على نطاق واسع اليوم بفيلمه لعام 1902، Le Voyage Dans La Lune (رحلة إلى القمر) ، حيث استخدم خبرته في المؤثرات والبناء السردي لإنشاء أول فيلم خيال علمي . ^[46]

في عام 1900، بدأ تشارلز باثي إنتاج الأفلام تحت العلامة التجارية باثي فرير ، مع تعيين فرديناند زيكا لقيادة العملية الإبداعية. ^[47] قبل هذا التركيز على الإنتاج، انخرط باثي في ​​الصناعة من خلال عرض وبيع ما كان من المحتمل أن تكون نسخًا مزيفة من كينيتوسكوب في متجر الفونوغراف الخاص به. مع القيادة الإبداعية لزيكا والقدرة على إنتاج نسخ من الأفلام بكميات كبيرة من خلال شراكة مع شركة فرنسية لصناعة الأدوات، سعى تشارلز باثي إلى جعل باثي فرير منتج الأفلام الرائد في البلاد. في غضون السنوات القليلة التالية، أصبحت باثي فرير أكبر استوديو أفلام في العالم، مع مكاتب تابعة في المدن الكبرى ومجموعة متزايدة من الأفلام المتاحة للعرض. ^[48] كانت أفلام الشركة متنوعة في المحتوى، مع تخصص المخرجين في أنواع مختلفة للعروض في أرض المعارض طوال أوائل القرن العشرين. ^[47]

كانت شركة Gaumont Film Company هي المنافس الإقليمي الرئيسي لشركة Pathé-Frères. أسسها ليون جومون عام 1895 ، وكانت الشركة تبيع في البداية معدات التصوير الفوتوغرافي وبدأت إنتاج الأفلام عام 1897، تحت إشراف أليس جاي ، أول مخرجة في الصناعة. ^[49] تشترك أفلامها السابقة في العديد من الخصائص والموضوعات مع منافسيها المعاصرين، مثل Lumières و Méliès . استكشفت أفلام الرقص والسفر، وغالبًا ما جمعت بين الاثنين، مثل Le Boléro التي قدمتها Miss Saharet (1905) و Tango (1905). كانت العديد من أفلام الرقص المبكرة لجاى شائعة في مناطق الجذب في قاعات الموسيقى مثل أفلام الرقص الثعبانية - وهي أيضًا عنصر أساسي في كتالوجات أفلام Lumières و Thomas Edison . ^[50] في عام 1906، قدمت فيلم The Life of Christ ، وهو إنتاج بميزانية كبيرة في ذلك الوقت، والذي تضمن 300 كومبارس.

كان المخترع الألماني ورجل الأعمال السينمائي أوسكار ميستر شخصية مهمة في السنوات الأولى للسينما. وكانت شركته ميستر فيلم واحدة من الشركات الألمانية المهيمنة قبل ظهور شركة UFA، التي اندمجت معها في النهاية. أضاف ميستر أولاً محرك جنيف على أجهزة العرض لإحداث حركة متقطعة متذبذبة لتقدم إطارات الفيلم، وأنشأ أول استوديو سينمائي في ألمانيا عام 1900.

منذ عام 1896، كان ميستر مهتمًا بالبحث عن طريقة لإعادة إنتاج ومزامنة المؤثرات الصوتية للأداء السينمائي في وقت الأفلام الصامتة . لذلك اخترع ميستر جهاز Tonbilder Biophon لعرض الأفلام، حيث كان الجرامفون يعزف مقطوعة Unter den Linden المصاحبة لعرض الصور المتحركة، لكنه لم يكن إضافة بسيطة ولكن لمطابقة سلسلة المقطوعات الموسيقية بدقة مع الصور المتحركة. في الواقع، لإضافة الصوت إلى السينما الصامتة، كان من الضروري حل مشاكل المزامنة، حيث تم تسجيل الصورة والصوت وإعادة إنتاجهما بواسطة أجهزة منفصلة، ​​وكان من الصعب بدء تشغيلها والحفاظ عليها. في 31 أغسطس 1903، أجرى ميستر أول عرض صوتي تم في ألمانيا في مسرح "أبولو" في برلين.

جرب كل من سيسيل هيبورث وروبرت دبليو بول استخدام تقنيات كاميرا مختلفة في أفلامهما. كانت "كاميرا التصوير السينمائي رقم 1" لبول عام 1895 هي أول كاميرا تتميز بالتدوير العكسي، مما سمح بتعريض نفس لقطات الفيلم عدة مرات، وبالتالي إنشاء تعرضات متعددة . تم استخدام هذه التقنية لأول مرة في فيلمه عام 1901 سكروج، أو شبح مارلي . جرب كلا المخرجين سرعات الكاميرا لتوليد تأثيرات جديدة. صور بول مشاهد من فيلم على سيارة هاربة عبر بيكاديللي سيركس (1899) عن طريق تدوير جهاز الكاميرا ببطء شديد. ^[51] عندما تم عرض الفيلم بمعدل 16 إطارًا في الثانية المعتاد، بدا أن المشهد يمر بسرعة كبيرة. استخدم هيبورث التأثير المعاكس في فيلم الزعيم الهندي ومسحوق سيدليتز (1901). يتم تسريع حركات الزعيم عن طريق تدوير الكاميرا بسرعة أكبر من 16 إطارًا في الثانية، مما ينتج ما يطلق عليه الجمهور الحديث " تأثير الحركة البطيئة ". ^[52]

بدأت الأفلام الأولى التي انتقلت من اللقطات الفردية إلى المشاهد المتتالية في مطلع القرن العشرين. ونظرًا لفقدان العديد من الأفلام المبكرة ، فقد يكون من الصعب تحديد التحول الحاسم من اللقطات المفردة الثابتة إلى سلسلة من المشاهد. وعلى الرغم من هذه القيود، يعزو مايكل بروك من معهد الفيلم البريطاني استمرارية الفيلم الحقيقية، التي تنطوي على انتقال الحركة من تسلسل إلى آخر، إلى فيلم روبرت دبليو بول عام 1898، Come Along, Do!. ولم يتبق اليوم سوى لقطة ثابتة من اللقطة الثانية. ^{[53] وكان الفيلم البريطاني} Attack on a China Mission ، الذي صدر عام 1901، أحد أوائل الأفلام التي أظهرت استمرارية الحركة عبر مشاهد متعددة. ^[33] بدأ استخدام العنوان الفرعي لشرح الأحداث والحوار على الشاشة في أوائل القرن العشرين. واستُخدمت العناوين الفرعية المصورة لأول مرة في فيلم روبرت دبليو بول، Scrooge, or Marley's Ghost. ^[54] في معظم البلدان، بدأ استخدام العناوين الفرعية تدريجيًا لتوفير الحوار والسرد للفيلم، وبالتالي الاستغناء عن الحاجة إلى السرد الذي يقدمه العارضون.

تم تعزيز تطوير الحركة المستمرة عبر لقطات متعددة في إنجلترا من قبل مجموعة من رواد الأفلام المرتبطين بشكل فضفاض والذين أطلق عليهم بشكل جماعي " مدرسة برايتون ". وشمل هؤلاء المخرجين جورج ألبرت سميث وجيمس ويليامسون ، من بين آخرين. جرب سميث وويليامسون استمرارية الحركة وكانا على الأرجح أول من دمج استخدام الإدخالات واللقطات المقربة بين اللقطات. ^[33] كانت إحدى التقنيات الأساسية للتصوير السينمائي الخادع هي التعرض المزدوج للفيلم في الكاميرا. كان سميث رائدًا في هذا التأثير في فيلم عام 1898، تصوير شبح . وفقًا لسجلات كتالوج سميث، فإن الفيلم ( المفقود الآن ) يروي كفاح المصور لالتقاط شبح بالكاميرا. باستخدام التعرض المزدوج للفيلم، وضع سميث شكلًا شبحيًا شفافًا على الخلفية بطريقة كوميدية لاستفزاز المصور. ^[55] وُصفت لوحة الإخوة الكورسيكيين لسميث في كتالوج شركة وارويك للتجارة عام 1900: "من خلال التصوير الدقيق للغاية، يظهر الشبح *شفافًا تمامًا*. وبعد الإشارة إلى أنه قُتل بطعنة سيف، ومناشدة الانتقام، يختفي. ثم تظهر "رؤية" تُظهر المبارزة القاتلة في الثلج". ^[56] بدأ سميث أيضًا تقنية المؤثرات الخاصة للحركة العكسية . وقد فعل ذلك من خلال تكرار الفعل مرة ثانية، أثناء تصويره بكاميرا مقلوبة، ثم ضم ذيل السلبي الثاني إلى ذيل الأول. ^[57] كانت أول الأفلام التي تم صنعها باستخدام هذه الأداة هي Tipsy وTopsy وTurvy و The Awkward Sign Painter . أقدم مثال باقٍ لهذه التقنية هو فيلم سميث The House That Jack Built ، الذي صنع قبل سبتمبر 1900. أخذ سيسيل هيبورث هذه التقنية إلى أبعد من ذلك من خلال طباعة السلبيات للحركة الأمامية في إطار معاكس بإطار تلو الآخر، مما أدى إلى إنتاج طباعة تم فيها عكس الفعل الأصلي تمامًا. وللقيام بذلك، قام ببناء طابعة خاصة يتم فيها عرض الصورة السلبية التي تمر عبر جهاز عرض على بوابة الكاميرا من خلال عدسة خاصة مما يعطي صورة بنفس الحجم. وقد أطلق على هذا الترتيب اسم "طابعة العرض"، وفي النهاية " طابعة بصرية ". ^[58]

في عام 1898، جرب جورج ألبرت سميث اللقطات القريبة، فصوّر لقطات لرجل يشرب البيرة وامرأة تستنشق التبغ. ^[33] في العام التالي، صنع سميث القبلة في النفق ، وهي تسلسل يتكون من ثلاث لقطات: قطار يدخل نفقًا؛ رجل وامرأة يتبادلان قبلة قصيرة في الظلام ثم يعودان إلى مقاعدهما؛ القطار يخرج من النفق. ابتكر سميث السيناريو استجابة لنجاح نوع يُعرف باسم رحلة الشبح . في فيلم رحلة الشبح، تلتقط الكاميرات الحركة والمحيط من مقدمة قطار متحرك. ^{[59] [60]} تشكل اللقطات المنفصلة، ​​عند تحريرها معًا، تسلسلًا مميزًا للأحداث وتثبت السببية من لقطة إلى أخرى. ^[61] بعد القبلة في النفق ، جرب سميث بشكل أكثر تحديدًا استمرارية العمل عبر اللقطات المتعاقبة وبدأ في استخدام الإضافات في أفلامه، مثل مرآة قراءة الجدة وحادث ماري جين . ^[33] في عام 1900، صنع سميث فيلم كما يُرى من خلال تلسكوب . تُظهر اللقطة الرئيسية مشهدًا في الشارع مع شاب يربط رباط الحذاء ثم يلامس قدم صديقته، بينما يراقب رجل عجوز هذا من خلال تلسكوب. ثم هناك لقطة قريبة لأيدي الفتاة على قدمها تظهر داخل قناع دائري أسود، ثم لقطة عودة إلى استمرار المشهد الأصلي. ^[62]

أتقن جيمس ويليامسون تقنيات بناء السرد في فيلمه عام 1900، هجوم على مهمة صينية . الفيلم، الذي وصفه مؤرخ الأفلام جون بارنز لاحقًا بأنه "أكثر الأفلام تطورًا في السرد من أي فيلم تم تصويره في إنجلترا حتى ذلك الوقت"، يبدأ بأول لقطة تظهر متمردين صينيين من الملاكمين عند البوابة؛ ثم ينتقل إلى عائلة المبشرين في الحديقة، حيث ينشب قتال. تشير الزوجة إلى البحارة البريطانيين من الشرفة، الذين يأتون لإنقاذهم. ^[63] استخدم الفيلم أيضًا أول قطع "بزاوية عكسية" في تاريخ السينما. ^[64] في العام التالي، ابتكر ويليامسون فيلم السنونو الكبير . في الفيلم. ينزعج رجل من وجود صانع الفيلم و"يبتلع" الكاميرا ومشغلها من خلال استخدام لقطات مقربة مُقحمة. ^[65] لقد جمع بين هذه التأثيرات، جنبًا إلى جنب مع التراكبات، واستخدام انتقالات المسح للإشارة إلى تغيير المشهد، وتقنيات أخرى لإنشاء لغة فيلم، أو " قواعد الفيلم ". ^{[66] [67]} أدى استخدام جيمس ويليامسون للحركة المستمرة في فيلمه لعام 1901، Stop Thief! إلى تحفيز نوع سينمائي يُعرف باسم "فيلم المطاردة". ^[68] في الفيلم، يسرق متشرد ساق لحم ضأن من صبي جزار في اللقطة الأولى، ويطارده صبي الجزار والكلاب المتنوعة في اللقطة التالية، وأخيرًا يتم القبض عليه بواسطة الكلاب في اللقطة الثالثة. ^[68]

تم إنتاج فيلم إعدام ماري ستيوارت عام 1895 بواسطة شركة إديسون للعرض باستخدام جهاز كينيتوسكوب ، وقد أظهر إعدام ماري ملكة اسكتلندا أمام الكاميرا بالكامل. تم تحقيق التأثير المعروف باسم خدعة التوقف عن طريق استبدال الممثل بدمية في اللقطة النهائية. ^{[69] [70]} تعتبر التقنية المستخدمة في الفيلم واحدة من أقدم الاستخدامات المعروفة للمؤثرات الخاصة في الأفلام. ^[71]

بدأ صانع الأفلام الأمريكي إدوين إس بورتر في صناعة الأفلام لشركة إديسون في عام 1901. وكان بورتر، وهو عامل عرض سابق استأجره توماس إديسون لتطوير نموذج العرض الجديد المعروف باسم فيتاسكوب ، مستوحى جزئيًا من أعمال ميلييه وسميث وويليامسون واستفاد من تقنياتهم المبتكرة حديثًا لتعزيز تطوير السرد المستمر من خلال التحرير. ^[16] عندما بدأ في صناعة أفلام أطول في عام 1902، وضع فترة إذابة بين كل لقطة، تمامًا كما كان جورج ميلييه يفعل بالفعل، وكان يكرر نفس الإجراء كثيرًا عبر فترات الذوبان.

في عام 1902، صور بورتر فيلم حياة رجل إطفاء أمريكي لشركة إديسون للتصنيع وقام بتوزيع الفيلم في العام التالي. في الفيلم، قام بورتر بدمج لقطات أرشيفية من أفلام إديسون السابقة مع لقطات تم تصويرها حديثًا وربطها معًا لنقل قصة درامية عن إنقاذ امرأة وطفلها بواسطة رجال إطفاء أبطال. ^[16]

كان فيلم بورتر، The Great Train Robbery (1903)، مدته اثنتي عشرة دقيقة، مع عشرين لقطة منفصلة وعشرة مواقع داخلية وخارجية مختلفة. يُنظر إلى الفيلم على أنه الأول في نوع الفيلم الغربي وله أهمية لاستخدام اللقطات التي تشير إلى حدوث أحداث متزامنة في مواقع مختلفة. ^[16] ساعد استخدام بورتر لكل من البيئات الخارجية المصطنعة والحقيقية في خلق شعور بالمساحة بينما أدى وضع الكاميرا في لقطة أوسع إلى ترسيخ العمق والسماح بمدة ممتدة للحركة على الشاشة. ^{[72] كان} فيلم The Great Train Robbery بمثابة إحدى المركبات التي ستطلق وسيلة الفيلم إلى شعبية جماهيرية. ^{[40] [73]} في نفس العام، افتتح مايلز براذرز أول بورصة أفلام في البلاد، مما سمح للعارضين الدائمين باستئجار الأفلام من الشركة بتكلفة أقل من المنتجين الذين باعوا أفلامهم مباشرة. ^[74]

افتتح جون بي هاريس أول مسرح دائم مخصص حصريًا لعرض الأفلام، وهو مسرح نيكلوديون ، في عام 1905 في بيتسبرغ، بنسلفانيا. انتشرت الفكرة بسرعة وبحلول عام 1908، كان هناك حوالي 8000 مسرح نيكلوديون في جميع أنحاء البلاد. ^[75] مع وصول مسرح نيكلوديون، أدى طلب الجمهور على كمية أكبر من أفلام القصص ذات الموضوعات والمواقع المتنوعة إلى الحاجة إلى توظيف المزيد من المواهب الإبداعية وتسبب في استثمار الاستوديوهات في تصميمات مسرحية أكثر تفصيلاً. ^[74]

في عام 1908، قاد توماس إديسون إنشاء صندوق ائتماني بين شركات الأفلام الكبرى في أمريكا والمعروف باسم شركة براءات اختراع الأفلام (MPPC) للحد من انتهاك براءات اختراعه. سيطر أعضاء الصندوق على كل جانب من جوانب عملية صناعة الأفلام من إنشاء مخزون الأفلام وإنتاج الأفلام وتوزيعها على دور السينما من خلال ترتيبات الترخيص. أدى الصندوق إلى زيادة صناعة الأفلام عالية الجودة بسبب المنافسة الداخلية وفرض قيودًا على عدد الأفلام الأجنبية لتشجيع نمو صناعة الأفلام الأمريكية، ولكنه أيضًا ثبط إنتاج الأفلام الروائية. بحلول عام 1915، فقدت شركة براءات اختراع الأفلام معظم قبضتها على صناعة الأفلام حيث تحركت الشركات نحو الإنتاج الأوسع للأفلام الروائية. ^[46]

مع الطفرة السينمائية العالمية، انضمت المزيد من الدول الآن إلى بريطانيا وفرنسا وألمانيا والولايات المتحدة في إنتاج الأفلام الجادة. في إيطاليا، انتشر الإنتاج على عدة مراكز، وكانت تورينو أول مركز رئيسي لإنتاج الأفلام، وأنجبت ميلانو ونابولي أول مجلات الأفلام. ^[76] في تورينو، كانت أمبروسيو أول شركة في هذا المجال في عام 1905، وظلت الأكبر في البلاد خلال هذه الفترة. وكان منافسها الأكثر أهمية هو سينيس في روما، والتي بدأت الإنتاج في عام 1906. كانت القوة العظيمة للصناعة الإيطالية هي الملاحم التاريخية، مع وجود طاقم عمل كبير ومناظر طبيعية ضخمة. في وقت مبكر من عام 1911، أحدث فيلم جيوفاني باستروني المكون من بكرتين La Caduta di Troia ( سقوط طروادة ) انطباعًا كبيرًا في جميع أنحاء العالم، وتبعه إنتاجات أكبر مثل Quo Vadis؟ (1912)، والذي استمر لمدة 90 دقيقة، وفيلم باستروني Cabiria لعام 1914، والذي استمر لمدة ساعتين ونصف. ^[77]

كانت الشركات الإيطالية أيضًا لديها خط قوي في الكوميديا ​​الصامتة، مع ممثلين مثل أندريه ديد ، المعروف محليًا باسم "كريتينيتي"، وفي أماكن أخرى باسم "فولسهيد" و"جريبوي"، حققوا شهرة عالمية بنكاته السريالية تقريبًا.

كانت الدنمارك أهم دولة منتجة للأفلام في شمال أوروبا حتى الحرب العالمية الأولى. ^{[77] [78]} تأسست شركة نورديسك هناك في عام 1906 من قبل أولي أولسن ، وهو رجل عروض في أرض المعارض، وبعد فترة وجيزة من تقليد نجاحات صناع الأفلام الفرنسيين والبريطانيين، أنتج في عام 1907 67 فيلمًا، معظمها من إخراج فيجو لارسن، بموضوعات مثيرة مثل Den hvide Slavinde (العبد الأبيض) و Isbjørnejagt (صيد الدب القطبي) و Løvejagten (صيد الأسد) . بحلول عام 1910، بدأت شركات دنماركية جديدة أصغر حجمًا في الانضمام إلى العمل، وبالإضافة إلى صنع المزيد من الأفلام حول تجارة الرقيق الأبيض ، فقد ساهموا بموضوعات جديدة أخرى. كان أهم هذه الاكتشافات هو فيلم أستا نيلسن في أفجروندن (الهاوية) ، الذي أخرجه أوربان جاد لصالح شركة كوزموراما، وقد جمع هذا الفيلم بين السيرك والجنس والغيرة والقتل، وكل ذلك تم تصويره بإقناع كبير، ودفع صناع الأفلام الدنماركيين الآخرين إلى هذا الاتجاه. وبحلول عام 1912، كانت شركات الأفلام الدنماركية تتضاعف بسرعة. ^[77]

كانت صناعة السينما السويدية أصغر وأبطأ في البداية من الصناعة الدنماركية. هنا، بدأ تشارلز ماجنوسون ، مصور الأفلام الإخبارية لسلسلة دور السينما Svenskabiografteatern ، إنتاج أفلام روائية لهم في عام 1909، وأخرج عددًا من الأفلام بنفسه. زاد الإنتاج في عام 1912، عندما تعاقدت الشركة مع فيكتور سيوستروم وموريتز ستيلر كمخرجين. لقد بدأوا بتقليد الموضوعات التي تفضلها صناعة السينما الدنماركية، ولكن بحلول عام 1913 كانوا ينتجون أعمالهم الأصلية المذهلة، والتي بيعت بشكل جيد للغاية. ^[77]

بدأت صناعة السينما في روسيا في عام 1908 عندما قام باثي بتصوير بعض الموضوعات الخيالية هناك، ثم إنشاء شركات أفلام روسية حقيقية بواسطة ألكسندر درانكوف وألكسندر خانجونكوف . سرعان ما أصبحت شركة خانجونكوف أكبر شركة أفلام روسية، وظلت كذلك حتى عام 1918. ^[77]

في ألمانيا، كان أوسكار ميستر مشاركًا في صناعة الأفلام منذ عام 1896، لكنه لم يصنع عددًا كبيرًا من الأفلام سنويًا حتى عام 1910. عندما بدأ طفرة الأفلام العالمية، استمر هو والقليل من الأشخاص الآخرين في صناعة الأفلام الألمانية في بيع نسخ من أفلامهم الخاصة بشكل مباشر، مما جعلهم في وضع غير مؤات. لم يبدأ التحول إلى تأجير النسخ إلا عندما أحضر بول ديفيدسون ، مالك سلسلة دور السينما، أستا نيلسن وأوربان جاد إلى ألمانيا من الدنمارك في عام 1911، وأنشأ شركة إنتاج، Projektions-AG "Union" ( PAGU )، ^[77] رد ميستر بسلسلة من الأفلام الطويلة بطولة هيني بورتن، ولكن على الرغم من نجاحها في العالم الناطق باللغة الألمانية، إلا أنها لم تكن ناجحة بشكل خاص على المستوى الدولي، على عكس أفلام أستا نيلسن. كان أحد منتجي الأفلام الألمان المتنامين قبل الحرب العالمية الأولى هو الفرع الألماني لشركة إكلير الفرنسية ، دويتشه إكلير. تم مصادرة هذه الشركة من قبل الحكومة الألمانية، وتحويلها إلى DECLA عندما بدأت الحرب. ولكن في المجمل، لم يكن للمنتجين الألمان سوى جزء صغير من السوق الألمانية في عام 1914. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

بشكل عام، منذ حوالي عام 1910، كانت الأفلام الأمريكية تمتلك أكبر حصة من السوق في جميع الدول الأوروبية باستثناء فرنسا، وحتى في فرنسا، كانت الأفلام الأمريكية قد دفعت للتو الإنتاج المحلي من المركز الأول عشية الحرب العالمية الأولى. ^{[ بحاجة لمصدر ] توسعت} شركة Pathé Frères وشكلّت بشكل كبير صناعة الأفلام الأمريكية، حيث خلقت العديد من "الأوائل" في صناعة الأفلام، مثل إضافة عناوين وترجمات إلى الأفلام لأول مرة، وإصدار مخطوطات لأول مرة، وتقديم ملصقات الأفلام لأول مرة، وإنتاج صور ملونة لأول مرة، وإخراج الفواتير التجارية لأول مرة، والاتصال بالعارضين ودراسة احتياجاتهم لأول مرة. يقتصر أكبر مورد للأفلام في العالم، شركة Pathé ، على السوق الأمريكية، التي وصلت إلى مستوى التشبع، لذلك تسعى الولايات المتحدة إلى تحقيق أرباح إضافية من الأسواق الأجنبية. تُعرَّف الأفلام بأنها ظاهرة أمريكية "خالصة" في الولايات المتحدة. ^[79]

تشمل تقنيات الأفلام الجديدة التي تم تقديمها في هذه الفترة استخدام الإضاءة الاصطناعية وتأثيرات النار والإضاءة المنخفضة (أي الإضاءة التي يكون فيها معظم الإطار مظلمًا) لتعزيز الأجواء أثناء المشاهد الشريرة. ^[77]

كما تم تحسين استمرارية الحركة من لقطة إلى أخرى، كما هو الحال في فيلم Pathé's le Cheval emballé (الحصان الهارب) (1907) حيث تم استخدام القطع المتقاطع بين الحركات المتوازية . بدأ DW Griffith أيضًا في استخدام القطع المتقاطع في فيلم The Fatal Hour ، الذي تم صنعه في يوليو 1908. كان التطور الآخر هو استخدام لقطة وجهة النظر ، والتي استخدمت لأول مرة في عام 1910 في فيلم Back to Nature من إنتاج Vitagraph . كما تم استخدام اللقطات الإضافية لأغراض فنية؛ كان الفيلم الإيطالي La mala planta (النبات الشرير) ، من إخراج ماريو كاسيريني، يحتوي على لقطة إضافية لثعبان يزحف فوق "النبات الشرير". ^{[ بحاجة لمصدر ]} بحلول عام 1914، كان من المعتقد على نطاق واسع في صناعة الأفلام الأمريكية أن القطع المتقاطع كان مفيدًا بشكل عام لأنه جعل من الممكن التخلص من الأجزاء غير المثيرة للاهتمام من الحركة والتي لا تلعب أي دور في تقدم الدراما. ^[80]

في عام 1909، أصبح مقاس 35 ملم هو مقياس الفيلم المسرحي المعترف به دوليًا. ^[46]

مع ازدياد طول الأفلام، تم توظيف كتاب متخصصين لتبسيط القصص الأكثر تعقيدًا المستمدة من الروايات أو المسرحيات إلى شكل يمكن احتواؤه على بكرة واحدة. بدأ استخدام الأنواع كفئات؛ كان التقسيم الرئيسي هو الكوميديا ​​والدراما، ولكن تم تقسيم هذه الفئات إلى فئات فرعية أخرى. ^[77]

بدأ استخدام العناوين الفرعية التي تحتوي على سطور حوار بشكل ثابت منذ عام 1908 فصاعدًا، ^[81] كما هو الحال في فيلم An Auto Heroine؛ أو The Race for the Vitagraph Cup and How It Was Won من إنتاج شركة Vitagraph . وفي النهاية، تم إدراج الحوار في منتصف المشهد وأصبح شائعًا بحلول عام 1912. وقد أدى تقديم عناوين الحوار إلى تحويل طبيعة السرد السينمائي. عندما أصبحت عناوين الحوار تُقطع دائمًا في المشهد بعد أن تبدأ الشخصية في التحدث، ثم تُترك مع قطع للشخصية قبل أن تنتهي من التحدث، عندها أصبح لدينا شيء يعادل فعليًا الفيلم الصوتي المعاصر . ^[77]

كانت سنوات الحرب العالمية الأولى بمثابة فترة انتقالية معقدة لصناعة السينما. فقد تغير عرض الأفلام من البرامج القصيرة إلى الأفلام الروائية. وأصبحت أماكن العرض أكبر وبدأت تفرض أسعارًا أعلى. ^[77]

في الولايات المتحدة، جلبت هذه التغييرات الدمار للعديد من شركات الأفلام، وكانت شركة فيتاجراف استثناءً. بدأ إنتاج الأفلام في التحول إلى لوس أنجلوس أثناء الحرب العالمية الأولى. تأسست شركة يونيفرسال فيلم مانوفاكتشرينج في عام 1912 كشركة مظلة. وشملت الشركات الجديدة شركة جيسي لاسكي فيتشر بلاي، وفيموس بلايرز، وكلاهما تشكل في عام 1913، ثم اندمجا لاحقًا في فيموس بلايرز-لاسكي . كان أكبر نجاح في هذه السنوات هو فيلم ديفيد وورك جريفيث ميلاد أمة (1915). تبع جريفيث هذا بفيلم أكبر وهو التعصب (1916)، ولكن نظرًا للجودة العالية للأفلام المنتجة في الولايات المتحدة، كانت سوق أفلامهم مرتفعة. ^[77]

في فرنسا، توقف إنتاج الأفلام بسبب التعبئة العسكرية العامة للبلاد في بداية الحرب. وعلى الرغم من أن إنتاج الأفلام بدأ مرة أخرى في عام 1915، إلا أنه كان على نطاق أضيق، وتقاعدت الشركات الكبرى تدريجيًا عن الإنتاج. صمد إنتاج الأفلام الإيطالية بشكل أفضل، على الرغم من أن ما يسمى "أفلام الديفا"، التي تقوم ببطولتها بطلات من النساء المعذبات، كانت فشلاً تجاريًا. في الدنمارك، زادت شركة نورديسك إنتاجها كثيرًا في عامي 1915 و1916 لدرجة أنها لم تتمكن من بيع جميع أفلامها، مما أدى إلى انخفاض حاد للغاية في الإنتاج الدنماركي، ونهاية أهمية الدنمارك على الساحة السينمائية العالمية. ^[77]

لقد ضعفت صناعة السينما الألمانية بشكل خطير بسبب الحرب. وكان أهم منتجي الأفلام الجدد في ذلك الوقت هو جو ماي ، الذي صنع سلسلة من أفلام الإثارة والمغامرات خلال سنوات الحرب، لكن إرنست لوبيتش برز أيضًا بسلسلة من الكوميديا ​​والدراما الناجحة للغاية. ^[77]

في هذا الوقت، كانت الاستوديوهات معتمة للسماح للتصوير بعدم التأثر بأشعة الشمس المتغيرة. تم استبدال ذلك بأضواء كاشفة وكشافات. تم تبني استخدام القزحية على نطاق واسع في المشاهد الأولية والنهائية في هذه الفترة. هذا هو الكشف عن فيلم تم تصويره في قناع دائري، والذي يكبر تدريجيًا حتى يتوسع خارج الإطار. تم استخدام شقوق أخرى ذات أشكال مختلفة، بما في ذلك الفتحات الرأسية والقطرية. ^[77]

كانت فكرة " التركيز الناعم " فكرة جديدة مستمدة من التصوير الفوتوغرافي الثابت . وقد بدأت هذه الفكرة في عام 1915، حيث تم إخراج بعض اللقطات عن التركيز عمدًا من أجل التأثير التعبيري، كما في فيلم Fanchon the Cricket بطولة ماري بيكفورد . ^[77]

خلال هذه الفترة، بدأت تأثيرات الكاميرا المقصود منها نقل المشاعر الذاتية للشخصيات في الفيلم في الظهور حقًا. يمكن الآن القيام بذلك كلقطات من وجهة نظر ( POV )، كما في فيلم The Story of the Glove لسيدني درو (1915)، حيث تمثل اللقطة المهتزة التي يتم حملها باليد لباب وثقب المفتاح وجهة نظر رجل مخمور. ظهر استخدام الصور المشوهة (بالمعنى العام للشكل المشوه) لأول مرة في هذه السنوات عندما أخرج آبل جانس فيلم La Folie du Docteur Tube (جنون الدكتور تيوب) . في هذا الفيلم، تم اقتراح تأثير دواء يتم إعطاؤه لمجموعة من الأشخاص من خلال تصوير المشاهد المنعكسة في مرآة مشوهة من نوع أرض المعارض. ^[77]

استمرت التأثيرات الرمزية المستمدة من التقاليد الأدبية والفنية التقليدية في الظهور في الأفلام خلال هذه السنوات. في فيلم "الضمير المنتقم" (1914) لـ DW Griffith، يسبق عنوان "ولادة الفكر الشرير" سلسلة من ثلاث لقطات للبطل وهو ينظر إلى عنكبوت ونمل يأكل حشرة. كان للفن والأدب الرمزي من مطلع القرن أيضًا تأثير أكثر عمومية على عدد صغير من الأفلام التي تم إنتاجها في إيطاليا وروسيا. كان القبول المتكئ للموت الناتج عن العاطفة والرغبات المحرمة سمة رئيسية لهذا الفن، وكانت حالات الهذيان التي تم تناولها لفترة طويلة مهمة أيضًا. ^[77]

كان استخدام اللقطات الملحقة ، أي لقطات مقربة لأشياء أخرى غير الوجوه، قد تم تأسيسه بالفعل من قبل مدرسة برايتون، ولكن نادرًا ما تم استخدامه قبل عام 1914. في الحقيقة، لم تبدأ مرحلة جديدة في استخدام اللقطات الملحقة إلا مع فيلم جريفيث "الضمير المنتقم" . ^[77] بالإضافة إلى اللقطات الرمزية المذكورة بالفعل، استخدم الفيلم أيضًا على نطاق واسع عددًا كبيرًا من لقطات التقريب الكبيرة للأيدي المتشابكة والأقدام المطرقّة كوسيلة للتأكيد على تلك الأجزاء من الجسم كمؤشرات للتوتر النفسي. ^[81]

تم تطوير الإضافات الجوية في أوروبا في أواخر عشرينيات القرن العشرين. ^{[ بحاجة لمصدر ]} هذا النوع من اللقطات هو واحد في مشهد لا يحتوي على أي من الشخصيات في القصة، ولا توجد لقطة من وجهة نظر يراها أحدهم. أحد الأمثلة المبكرة هو عندما أخرج موريس تورنور فيلم فخر العشيرة (1917)، حيث توجد سلسلة من اللقطات للأمواج التي تضرب على شاطئ صخري لإظهار الحياة القاسية لأهل الصيد. يحتوي فيلم نيلسون لموريس إلفي ؛ قصة بطل إنجلترا البحري الخالد (1919) على تسلسل رمزي يتحلل من صورة القيصر فيلهلم الثاني إلى طاووس، ثم إلى سفينة حربية. ^[81]

بحلول عام 1914، أصبحت سينما الاستمرارية هي النمط الراسخ للسينما التجارية. تضمنت إحدى تقنيات الاستمرارية المتقدمة انتقالًا دقيقًا وسلسًا من لقطة إلى أخرى. ^[77] كما أصبح القطع إلى زوايا مختلفة داخل المشهد راسخًا كتقنية لتشريح مشهد إلى لقطات في الأفلام الأمريكية. ^[81] إذا تغير اتجاه اللقطة بأكثر من تسعين درجة، يُطلق عليه قطع الزاوية العكسية. ^{[82] كان} رالف إينس الشخصية الرائدة في التطوير الكامل للقطع بزاوية عكسية في أفلامه، مثل الفتاة المناسبة وحبيبته الشبحية . ^[81]

استمر استخدام هياكل الفلاش باك في التطور في هذه الفترة، حيث كانت الطريقة المعتادة للدخول والخروج من الفلاش باك هي من خلال الذوبان. ^{[ بحاجة لمصدر ]} فيلم The Man That Might Have Been ( ويليام جيه همفري ، 1914) من شركة فيتاجراف هو أكثر تعقيدًا، مع سلسلة من الأحلام والذكريات الماضية التي تتناقض مع مرور البطل الحقيقي عبر الحياة مع ما كان يمكن أن يكون، لو لم يمت ابنه.

بعد عام 1914، بدأ استخدام القطع المتقاطع بين الأحداث المتوازية ــ أكثر في الأفلام الأمريكية منها في الأفلام الأوروبية. واستُخدم القطع المتقاطع للحصول على تأثيرات جديدة للتباين، مثل تسلسل القطع المتقاطع في فيلم The Whispering Chorus (1918) للمخرج سيسيل ب. ديميل ، حيث يقيم زوج متوفى علاقة غرامية مع عاهرة صينية في وكر للأفيون، بينما تتزوج زوجته التي لا تعلم بذلك في الكنيسة في نفس الوقت. ^[81]

اكتسبت أفلام التلوين الصامتة أيضًا شعبية خلال هذه الفترات. كان التلوين الكهرماني يعني النهار، أو الليل المضاء بشكل واضح، وكانت الصبغات الزرقاء تعني الفجر أو الليل الخافت، وكان التلوين الأحمر يمثل مشاهد النار، وكان التلوين الأخضر يعني جوًا غامضًا، وكانت الصبغات البنية (المعروفة أيضًا باسم تدرج اللون البني ) تُستخدم عادةً للأفلام الطويلة بدلاً من المشاهد الفردية. تعد ملحمة دي دبليو جريفث الرائدة، ميلاد أمة ، والفيلم الشهير لعام 1920 دكتور جيكل والسيد هايد ، وملحمة روبرت وين من نفس العام، خزانة الدكتور كاليجاري ، بعض الأمثلة البارزة للأفلام الصامتة الملونة. ^{[ بحاجة لمصدر ]}

كانت الدراما التصويرية للخلق ، التي عُرضت لأول مرة على الجمهور في عام 1914، أول سيناريو رئيسي يتضمن صوتًا متزامنًا وفيلمًا متحركًا وشرائح ملونة. ^[83] حتى عام 1927، تم إنتاج معظم الأفلام بدون صوت. يشار إلى هذه الفترة عادةً باسمالسينما الصامتة . ^{[84] [85]}

كان الاتجاه العام في تطوير السينما، والذي انطلق من الولايات المتحدة، نحو استخدام الأجهزة السينمائية الجديدة المطورة خصيصًا للتعبير عن المحتوى السردي لقصص الأفلام، والجمع بين هذا والهياكل الدرامية القياسية المستخدمة بالفعل في المسرح التجاري. ^{[ بحاجة لمصدر ] كان لدى} دي دبليو جريفث أعلى مكانة بين المخرجين الأمريكيين في الصناعة، بسبب الإثارة الدرامية التي نقلها إلى الجمهور من خلال أفلامه. أظهر فيلم سيسيل ب . ديميل The Cheat (1915) المعضلات الأخلاقية التي تواجه شخصياتهم بطريقة أكثر دقة من جريفيث. كان ديميل أيضًا على اتصال أوثق بواقع الحياة الأمريكية المعاصرة. كان موريس تورنور أيضًا في مرتبة عالية بسبب الجمال التصويري لأفلامه، جنبًا إلى جنب مع دقة تعامله مع الخيال، بينما كان في نفس الوقت قادرًا على الحصول على قدر أكبر من الواقعية من ممثليه في اللحظات المناسبة، كما في فيلم A Girl's Folly (1917). ^[77]

كان سيدني درو هو الرائد في تطوير "الكوميديا ​​المهذبة"، بينما تم تحسين فن الكوميديا ​​الصامتة من قبل فاتي أرباكل وتشارلز تشابلن ، اللذان بدآ مع شركة ماك سينيت كيستون. لقد قللا من الوتيرة المحمومة المعتادة لأفلام سينيت لإعطاء الجمهور فرصة لتقدير دقة ومهارة حركتهم، وذكاء نكاتهم. بحلول عام 1917، كان تشابلن أيضًا يقدم المزيد من الحبكة الدرامية في أفلامه، ويمزج الكوميديا ​​بالعاطفة. ^[77]

في روسيا، نجح يفجيني باور في إضفاء كثافة بطيئة من التمثيل ممزوجة بلمسات رمزية على الفيلم بطريقة فريدة. ^[77]

في السويد، صنع فيكتور سيوستروم سلسلة من الأفلام التي جمعت بين حقائق حياة الناس ومحيطهم بطريقة مذهلة، في حين طور موريتز ستيلر الكوميديا ​​المتطورة إلى مستوى جديد. ^[77]

في ألمانيا، استوحى إرنست لوبيتش إلهامه من العمل المسرحي لماكس راينهاردت ، سواء في الكوميديا ​​البرجوازية أو في العروض المسرحية، وطبق ذلك على أفلامه، وبلغت ذروتها في die Puppe ( الدمية ) و die Austernprinzessin ( الأميرة المحار ) و Madame DuBarry . ^[77]

في بداية الحرب العالمية الأولى ، كانت السينما الفرنسية والإيطالية الأكثر شعبية على مستوى العالم. وكانت الحرب بمثابة انقطاع مدمر لصناعة السينما الأوروبية.

طوال أوائل القرن العشرين، واصل فنانو الشاشة تعلم كيفية العمل بالكاميرات وخلق الأوهام باستخدام المكان والزمان في لقطاتهم. مهد هذا الشكل الجديد من الإبداع الطريق لمجموعة كاملة جديدة من الأشخاص للوصول إلى النجومية، بما في ذلك ديفيد دبليو جريفيث، الذي صنع لنفسه اسمًا بفيلمه عام 1915، ميلاد أمة . في عام 1920، كان هناك تغييران رئيسيان في صناعة الأفلام: إدخال الصوت وإنشاء أنظمة الاستوديو. في عشرينيات القرن العشرين، بدأ المواهب الذين كانوا يعملون بشكل مستقل في الانضمام إلى الاستوديوهات والعمل مع ممثلين ومخرجين آخرين. في عام 1927، تم إصدار فيلم The Jazz Singer ، مما جلب الصوت إلى صناعة الأفلام.

شهدت السينما الألمانية ، التي تميزت بتلك الأوقات، عصر حركة الفيلم التعبيرية الألمانية . كانت برلين مركزها مع Filmstudio Babelsberg . ^{[91] [87]} عوضت الأفلام التعبيرية الأولى عن نقص الميزانيات الباذخة باستخدام تصميمات ديكور بزوايا غير واقعية للغاية وعبثية هندسيًا، إلى جانب تصميمات مرسومة على الجدران والأرضيات لتمثيل الأضواء والظلال والأشياء. غالبًا ما تعاملت مؤامرات وقصص الأفلام التعبيرية مع الجنون والخيانة وغيرها من الموضوعات "الفكرية" التي أثارتها تجارب الحرب العالمية الأولى. كان لأفلام مثل The Cabinet of Dr. Caligari (1920) و Nosferatu (1922) و M (1931) تأثير دولي كبير لا يزال من الممكن التعرف عليه في أعمال صانعي الأفلام ومصممي الألعاب والفنانين الحاليين. ^[92]

ساهمت أفلام مثل متروبوليس (1927) والمرأة في القمر (1929) جزئيًا في إنشاء نوع أفلام الخيال العلمي ^[93] وأصبحت لوتي راينيجر رائدة في مجال الرسوم المتحركة، حيث أنتجت أفلام رسوم متحركة مثل مغامرات الأمير أحمد ، أقدم فيلم رسوم متحركة أوروبي الصنع وبقي على قيد الحياة.

هاجر العديد من المخرجين والممثلين والكتاب وغيرهم من الألمان والمقيمين في ألمانيا إلى الولايات المتحدة عندما استولى النازيون على السلطة، مما أعطى هوليوود وصناعة السينما الأمريكية الميزة النهائية في المنافسة مع الدول الأخرى المنتجة للأفلام. ^[94]

لقد اكتسبت الصناعة الأميركية، أو "هوليوود"، كما أصبحت تُعرف بعد مركزها الجغرافي الجديد في كاليفورنيا ، المكانة التي احتلتها منذ ذلك الحين، إلى حد ما،: مصنع أفلام للعالم وتصدير منتجاته إلى معظم بلدان العالم.

بحلول عشرينيات القرن العشرين، وصلت الولايات المتحدة إلى ما لا يزال عصرها من أعظم إنتاج على الإطلاق، حيث أنتجت ما معدله 800 فيلم روائي طويل سنويًا، ^[95] أو 82٪ من الإجمالي العالمي (أمان، 1997). جعلت أفلام تشارلي شابلن الكوميدية وباستر كيتون ، ومغامرات دوجلاس فيربانكس الجريئة ورومانسية كلارا بو ، على سبيل المثال لا الحصر، وجوه هؤلاء المؤدين معروفة جيدًا في كل قارة. تم تطوير وتصدير المعيار البصري الغربي الذي سيصبح تحرير الاستمرارية الكلاسيكي - على الرغم من أن اعتماده كان أبطأ في بعض البلدان غير الغربية التي لا تتمتع بتقاليد واقعية قوية في الفن والدراما، مثل اليابان .

كان هذا التطور معاصرًا لنمو نظام الاستوديو وأكبر وسيلة دعائية له، نظام النجوم ، الذي ميز الفيلم الأمريكي لعقود قادمة ووفر نماذج لصناعات الأفلام الأخرى. مكّنت سيطرة الاستوديوهات الفعالة من أعلى إلى أسفل على جميع مراحل منتجاتها من مستوى جديد ومتزايد باستمرار من الإنتاج الباذخ والتطور التقني. في الوقت نفسه، أدى التنظيم التجاري للنظام والتركيز على الهروب الساحر إلى تثبيط الجرأة والطموح إلى ما هو أبعد من درجة معينة، ومن الأمثلة البارزة على ذلك المسيرة المهنية القصيرة ولكن الأسطورية للمخرج المتمرد إيريش فون ستروهيم في أواخر العشرينيات.

في عام 1924، أسس سام جولدوين ولويس ب. ماير وشركة مترو بيكتشرز شركة مترو جولدوين ماير . ^[46]

في أواخر عام 1927، أصدرت شركة وارنر فيلم The Jazz Singer ، والذي كان صامتًا في الغالب ولكنه احتوى على ما يُعتبر عمومًا أول حوار متزامن (وغناء) في فيلم روائي طويل؛ ^[96] ولكن هذه العملية تم إنجازها بالفعل أولاً بواسطة تشارلز تاز راسل في عام 1914 بالفيلم الطويل The Photo-Drama of Creation . وتألفت هذه الدراما من شرائح صور وصور متحركة متزامنة مع تسجيلات الفونوغراف للمحادثات والموسيقى. سرعان ما حلت طرق الصوت على الفيلم مثل Fox Movietone وDeForest Phonofilm و RCA Photophone محل عمليات الصوت المبكرة على القرص مثل Vitaphone . أقنع هذا الاتجاه الصناعيين المترددين إلى حد كبير بأن "الصور الناطقة" أو "الأفلام الناطقة" هي المستقبل. بُذلت الكثير من المحاولات قبل نجاح The Jazz Singer ، والذي يمكن رؤيته في قائمة أنظمة صوت الأفلام . وفي عام 1926، أصدرت شركة وارنر براذرز . يعرض فيلم دون جوان لأول مرة مع تأثيرات صوتية وموسيقى متزامنة. ^[46]

كان التغيير سريعًا بشكل ملحوظ. بحلول نهاية عام 1929، كانت هوليوود كلها تقريبًا أفلام ناطقة، مع العديد من أنظمة الصوت المتنافسة (التي سرعان ما تم توحيدها). كان التحول الكامل أبطأ قليلاً في بقية العالم، لأسباب اقتصادية في المقام الأول. كانت الأسباب الثقافية أيضًا عاملاً في دول مثل الصين واليابان ، حيث تعايشت الأفلام الصامتة بنجاح مع الصوت حتى ثلاثينيات القرن العشرين، وأنتجت بالفعل ما سيكون بعضًا من أكثر الكلاسيكيات احترامًا في تلك البلدان، مثل فيلم The Goddess (الصين، 1934) لـ Wu Yonggang وفيلم I Was Born, But... (اليابان، 1932) لياسوجيرو أوزو . ولكن حتى في اليابان، وجدت شخصية مثل benshi ، الراوي الحي الذي كان جزءًا رئيسيًا من السينما الصامتة اليابانية، أن مسيرتها التمثيلية كانت على وشك الانتهاء.

لقد عزز الصوت قبضة الاستوديوهات الكبرى في العديد من البلدان: حيث طغت التكلفة الهائلة للانتقال على المنافسين الأصغر حجمًا، في حين اجتذبت حداثة الصوت جمهورًا أكبر بكثير للمنتجين الذين بقوا. وفي حالة الولايات المتحدة، ينسب بعض المؤرخين إلى الصوت إنقاذ نظام استوديو هوليوود في مواجهة الكساد الأعظم (باركنسون، 1995). وهكذا بدأ ما يُطلق عليه الآن غالبًا "العصر الذهبي لهوليوود"، والذي يشير تقريبًا إلى الفترة التي بدأت مع تقديم الصوت حتى أواخر الأربعينيات. بلغت السينما الأمريكية ذروتها من السحر المصنوع بكفاءة والجاذبية العالمية خلال هذه الفترة. يُنظر الآن إلى كبار الممثلين في ذلك العصر على أنهم نجوم السينما الكلاسيكيون، مثل كلارك جابل وكاثرين هيبورن وهمفري بوجارت وجريتا جاربو وأعظم جاذبية شباك التذاكر في الثلاثينيات، الممثلة الطفلة شيرلي تيمبل .

ولكن على المستوى الإبداعي، كان التحول السريع صعباً، وفي بعض النواحي، عادت الأفلام لفترة وجيزة إلى ظروف أيامها الأولى. كانت أواخر العشرينيات مليئة بالأفلام الناطقة الثابتة على المسرح، حيث كان الفنانون أمام الكاميرا وخلفها يكافحون مع القيود الصارمة لمعدات الصوت المبكرة وعدم اليقين بشأن كيفية استخدام الوسيلة الجديدة. تم تقديم العديد من فناني المسرح والمخرجين والكتاب إلى السينما حيث سعى المنتجون إلى توظيف موظفين ذوي خبرة في سرد ​​القصص القائمة على الحوار. لم يتمكن العديد من كبار صناع الأفلام الصامتة والممثلين من التكيف ووجدوا أن حياتهم المهنية قد تقلصت بشدة أو حتى انتهت.

كانت هذه الفترة المحرجة قصيرة العمر إلى حد ما. كان عام 1929 عامًا فاصلًا: كان ويليام ويلمان مع Chinatown Nights و The Man I Love ، وروبن ماموليان مع Applause ، وألفريد هيتشكوك مع Blackmail (أول فيلم بريطاني صوتي)، من بين المخرجين الذين جلبوا المزيد من السيولة إلى الأفلام الناطقة وجربوا الاستخدام التعبيري للصوت (Eyman، 1997). في هذا، استفاد كلاهما من التقدم التقني في الميكروفونات والكاميرات، وقدرات التحرير ومزامنة الصوت بعد التصوير (بدلاً من تسجيل كل الصوت مباشرة في وقت التصوير)، ودفعوا إلى أبعد من ذلك.

أكدت الأفلام الصوتية على التاريخ الأسود، واستفادت من الأنواع المختلفة إلى حد أكبر مما استفادت منه الأفلام الصامتة. والأمر الأكثر وضوحًا هو ولادة الفيلم الموسيقي ؛ كان أول فيلم موسيقي كلاسيكي في هوليوود هو The Broadway Melody (1929)، وكان لهذا الشكل أول منشئ رئيسي له في مصمم الرقصات/المخرج Busby Berkeley ( 42nd Street ، 1933، Dames ، 1934). في فرنسا، استخدم المخرج الطليعي رينيه كلير الأغاني والرقص بشكل سريالي في أفلام كوميدية مثل Under the Roofs of Paris (1930) و Le Million (1931). بدأت Universal Pictures في إصدار أفلام رعب قوطية مثل Dracula و Frankenstein (كلاهما عام 1931). في عام 1933، أصدرت RKO Pictures فيلم "الوحش العملاق" الكلاسيكي لميريان سي كوبر King Kong . ازدهر هذا الاتجاه على أفضل نحو في الهند ، حيث أدى تأثير الدراما التقليدية للبلاد القائمة على الغناء والرقص إلى جعل الموسيقى الشكل الأساسي لمعظم الأفلام الناطقة (كوك، 1990)؛ وعلى الرغم من عدم ملاحظة العالم الغربي لهذا النوع من السينما الهندية الشعبية لعقود من الزمن، إلا أنها أصبحت مع ذلك الأكثر إنتاجاً في العالم. ( انظر أيضاً بوليوود ) .

في هذا الوقت، أصبحت أفلام العصابات الأمريكية مثل Little Caesar و The Public Enemy للمخرج ويلمان (كلاهما عام 1931) شائعة. اكتسب الحوار الآن الأسبقية على الكوميديا ​​الهزلية في أفلام هوليوود: المزاح السريع والذكي في The Front Page (1931) أو It Happened One Night (1934)، أو التورية الجنسية في Mae West ( She Done Him Wrong ، 1933)، أو الحديث الهراء الفوضوي التخريبي غالبًا للأخوين ماركس ( Duck Soup ، 1933). خطا والت ديزني ، الذي كان يعمل سابقًا في مجال الرسوم المتحركة القصيرة، خطوة إلى الأفلام الروائية بأول فيلم رسوم متحركة ناطق باللغة الإنجليزية Snow White and the Seven Dwarfs ، الذي أصدرته شركة RKO Pictures في عام 1937. عام 1939، وهو عام مهم للسينما الأمريكية، جلب أفلامًا مثل The Wizard of Oz و Gone with The Wind .

كانت حوالي 80 بالمائة من أفلام الفترة من تسعينيات القرن التاسع عشر إلى عشرينيات القرن العشرين ملونة. ^[97] استخدم العديد منهم حمامات صبغ أحادية اللون لتلوين الأفلام ، وقام البعض بطلاء الإطارات بألوان شفافة متعددة يدويًا، ومنذ عام 1905 كانت هناك عملية استنسل ميكانيكية ( Pathécolor ).

كانت Kinemacolor ، أول عملية تصوير سينمائي ملونة ناجحة تجاريًا، حيث أنتجت أفلامًا بلونين (الأحمر والسماوي) من عام 1908 إلى عام 1914.

تم تقديم عملية الألوان الطبيعية ثلاثية الشرائط من تكنيكولور بنجاح كبير في عام 1932 مع فيلم الرسوم المتحركة القصير الحائز على جائزة الأوسكار " الزهور والأشجار " من إنتاج والت ديزني ، من إخراج بيرت جيليت . تم استخدام تكنيكولور في البداية بشكل أساسي في المسرحيات الموسيقية مثل " ساحر أوز " (1939)، وفي أفلام الأزياء مثل " مغامرات روبن هود "، وفي الرسوم المتحركة. بعد فترة وجيزة من انتشار التلفزيون في أوائل الخمسينيات، أصبح اللون أكثر أو أقل معيارًا للأفلام المسرحية.

خلقت الرغبة في الدعاية الحربية ضد المعارضة نهضة في صناعة السينما في بريطانيا، مع الدراما الحربية الواقعية مثل 49th Parallel (1941)، Went the Day Well؟ (1942)، The Way Ahead (1944) وفيلم البحرية الشهير لنويل كوارد وديفيد لين بعنوان In Which We Serve في عام 1942، والذي فاز بجائزة الأوسكار الخاصة . وقد وُجدت هذه الأفلام جنبًا إلى جنب مع أفلام أكثر بريقًا مثل The Life and Death of Colonel Blimp (1943) و A Canterbury Tale (1944) و A Matter of Life and Death (1946) لمايكل باول وإيميريك بريسبرجر ، بالإضافة إلى فيلم Henry V (1944 ) للمخرج لورانس أوليفييه ، استنادًا إلى التاريخ الشكسبيري Henry V. سمح نجاح فيلم سنو وايت والأقزام السبعة لشركة ديزني بإنتاج المزيد من الأفلام المتحركة مثل بينوكيو (1940)، وفانتازيا (1940)، ودامبو (1941)، وبامبي (1942).

كما جلبت بداية تورط الولايات المتحدة في الحرب العالمية الثانية انتشارًا للأفلام التي تهدف إلى الوطنية والدعاية. وشملت أفلام الدعاية الأمريكية Desperate Journey (1942)، و Mrs. Miniver (1942)، و Forever and a Day (1943)، و Objective, Burma! (1945). تشمل الأفلام الأمريكية البارزة من سنوات الحرب فيلم Watch on the Rhine (1943)، الذي كتب سيناريوهه داشيل هاميت ؛ وفيلم Shadow of a Doubt (1943)، الذي أخرجه هيتشكوك وكتب سيناريوهه ثورنتون وايلدر ؛ وفيلم السيرة الذاتية لجورج م. كوهان Yankee Doodle Dandy (1942)، بطولة جيمس كاجني ، والفيلم الشهير للغاية Casablanca ، بطولة همفري بوجارت . قام بوغارت ببطولة 36 فيلمًا بين عامي 1934 و1942 بما في ذلك فيلم The Maltese Falcon (1941) للمخرج جون هيوستن ، وهو أحد أوائل الأفلام التي تعتبر الآن من أفلام الجريمة الكلاسيكية . في عام 1941، أصدرت شركة RKO Pictures فيلم Citizen Kane للمخرج أورسون ويلز . غالبًا ما يُعتبر أعظم فيلم في كل العصور. مهد الطريق للأفلام السينمائية الحديثة، حيث أحدث ثورة في سرد ​​القصص السينمائية.

كما جلبت القيود المفروضة في زمن الحرب اهتمامًا بموضوعات أكثر خيالية. وشملت هذه الأفلام البريطانية ميلودراما غينزبورو (بما في ذلك الرجل ذو الرداء الرمادي والسيدة الشريرة )، وأفلام مثل Here Comes Mr. Jordan و Heaven Can Wait و I Married a Witch و Blithe Spirit . كما أنتج فال لوتون سلسلة من أفلام الرعب ذات الميزانية الصغيرة ذات الأجواء المؤثرة، ومن أشهر الأمثلة Cat People و Isle of the Dead و The Body Snatcher . ربما شهد العقد أيضًا ما يسمى بـ " أفلام النساء "، مثل Now و Voyager و Random Harvest و Mildred Pierce في ذروة شعبيتها.

شهد عام 1946 إطلاق راديو RKO لفيلم It's a Wonderful Life من إخراج المخرج الإيطالي المولد فرانك كابرا . كان الجنود العائدون من الحرب مصدر إلهام لأفلام مثل The Best Years of Our Lives ، وكان العديد من العاملين في صناعة الأفلام قد خدموا ببعض القدرات أثناء الحرب. أثرت تجارب صامويل فولر في الحرب العالمية الثانية على أفلامه التي كانت سيرة ذاتية إلى حد كبير في العقود اللاحقة مثل The Big Red One . تأسس استوديو Actors Studio في أكتوبر 1947 على يد إيليا كازان وروبرت لويس وشيريل كروفورد ، وفي نفس العام صور أوسكار فيشينجر Motion Painting No. 1 .

في عام 1943، عُرض فيلم Ossessione في إيطاليا، ليمثل بداية الواقعية الجديدة الإيطالية . ومن بين الأفلام الرئيسية من هذا النوع خلال الأربعينيات من القرن العشرين فيلم Bicycle Thieves و Rome وOpen City و La Terra Trema . وفي عام 1952، عُرض فيلم Umberto D ، والذي يُعتبر عادةً آخر فيلم من هذا النوع.

في أواخر الأربعينيات من القرن العشرين، في بريطانيا، شرعت استوديوهات إيلينغ في إنتاج سلسلة من الأفلام الكوميدية الشهيرة، بما في ذلك Whisky Galore! و Passport to Pimlico و Kind Hearts and Coronets و The Man in the White Suit ، وأخرجت كارول ريد أفلام الإثارة المؤثرة Odd Man Out و The Fallen Idol و The Third Man . كما أصبح ديفيد لين أيضًا قوة سريعة في السينما العالمية من خلال Brief Encounter وتعديلاته على ديكنز Great Expectations و Oliver Twist ، وكان مايكل باول وإيميريك بريسبورجر سيشهدان أفضل ما في شراكتهما الإبداعية من خلال أفلام مثل Black Narcissus و The Red Shoes .

حققت لجنة الأنشطة غير الأمريكية التابعة لمجلس النواب في هوليوود في أوائل الخمسينيات. واحتجاجًا من جانب أعضاء هوليوود العشرة أمام اللجنة، أسفرت جلسات الاستماع عن إدراج العديد من الممثلين والكتاب والمخرجين، بما في ذلك تشايفسكي وتشارلي شابلن ودالتون ترامبو ، على القائمة السوداء ، وفر العديد منهم إلى أوروبا، وخاصة المملكة المتحدة.

تُرجمت روح العصر في حقبة الحرب الباردة إلى نوع من جنون العظمة تقريبًا، والذي تجلى في موضوعات مثل جيوش الغازي من الكائنات الفضائية الشريرة ( غزو خاطفي الأجساد ، وحرب العوالم ) والطابور الخامس الشيوعي ( المرشح المنشوري ).

خلال السنوات التي أعقبت الحرب مباشرة، تعرضت صناعة السينما أيضًا للتهديد من جانب التلفزيون، وكانت الشعبية المتزايدة لهذه الوسيلة سببًا في إفلاس بعض دور العرض وإغلاقها. وقد أدى انهيار "نظام الاستوديو" إلى ظهور أفلام مثل Sunset Boulevard (1950) و The Bad and the Beautiful (1952).

في عام 1950، تسبب الطليعيون من أتباع الحركة الحرفية في أعمال شغب في مهرجان كان السينمائي ، عندما عُرض فيلم "مقالة عن الوحل والخلود" لإيزيدور إيزو . بعد انتقادهم لتشارلي شابلن وانشقاقهم عن الحركة، واصل أتباع الحركة الحرفية إحداث الاضطرابات عندما عرضوا تقنياتهم الجديدة في التصوير الفائق الوضوح . الفيلم الأكثر شهرة هو فيلم " عواءات لساد " للمخرج جاي ديبورد عام 1952. وبسبب انزعاجهم من العدد المتزايد من المسارح المغلقة، وجدت الاستوديوهات والشركات طرقًا جديدة ومبتكرة لإعادة الجماهير. وشمل ذلك محاولات توسيع جاذبيتها بتنسيقات شاشة جديدة. تم الإعلان عن سينما سكوب ، التي ظلت تميز شركة 20th Century Fox حتى عام 1967 ، مع فيلم The Robe عام 1953. وتباهت فيستافيجن وسينيراما وتود -أو بنهج "الأكبر هو الأفضل" لتسويق الأفلام لجمهور أمريكي متضائل. وقد أدى هذا إلى إحياء الأفلام الملحمية للاستفادة من صيغ الشاشة الكبيرة الجديدة. ومن بين أنجح الأمثلة على هذه الأفلام الرائعة التوراتية والتاريخية: الوصايا العشر (1956)، والفايكنج (1958)، وبن هور (1959)، وسبارتاكوس (1960)، وإل سيد (1961). وخلال هذه الفترة أيضًا، تم إنتاج عدد من الأفلام المهمة الأخرى في تود-أو ، التي طورها مايك تود قبل وفاته بفترة وجيزة، بما في ذلك أوكلاهوما! (1955)، وحول العالم في 80 يومًا (1956)، وجنوب المحيط الهادئ (1958) وكليوباترا (1963) بالإضافة إلى العديد من الأفلام الأخرى.

انتشرت أيضًا الحيل لجذب الجماهير. لم يستمر موضة الأفلام ثلاثية الأبعاد سوى عامين، 1952-1954، وساعدت في بيع فيلمي House of Wax و Creature from the Black Lagoon . كان المنتج ويليام كاسل يروج لأفلام تتميز بفيلم "Emergo" و"Percepto"، أول سلسلة من الحيل التي ظلت أدوات تسويقية شائعة لكاسل وغيره طوال الستينيات.

في عام 1954، تم ترشيح دوروثي داندريدج كأفضل ممثلة في حفل الأوسكار عن دورها في فيلم كارمان جونز. أصبحت أول امرأة سوداء يتم ترشيحها لهذه الجائزة. ^[99]

في الولايات المتحدة، انعكس ميل ما بعد الحرب العالمية الثانية نحو التشكيك في المؤسسة والمعايير المجتمعية والنشاط المبكر لحركة الحقوق المدنية في أفلام هوليوود مثل Blackboard Jungle (1955)، و On the Waterfront (1954)، و Marty لـ Paddy Chayefsky و 12 Angry Men لـ Reginald Rose (1957). واصل ديزني إنتاج أفلام الرسوم المتحركة، ولا سيما؛ Cinderella (1950)، و Peter Pan (1953)، و Lady and the Tramp (1955)، و Sleeping Beauty (1959). ومع ذلك، بدأ في المشاركة بشكل أكبر في أفلام الحركة الحية، حيث أنتج كلاسيكيات مثل 20,000 Leagues Under the Sea (1954)، و Old Yeller (1957). بدأ التلفزيون يتنافس بجدية مع الأفلام المعروضة في دور العرض، ولكن من المدهش أنه شجع على زيادة الذهاب إلى السينما بدلاً من تقليصها.

ربما يكون فيلم Limelight فيلمًا فريدًا من نوعه في جانب واحد مثير للاهتمام على الأقل. كان بطلاه، تشارلي شابلن وكلير بلوم ، في الصناعة في ما لا يقل عن ثلاثة قرون مختلفة. في القرن التاسع عشر، ظهر شابلن لأول مرة على المسرح في سن الثامنة، في عام 1897، في فرقة رقص القبقاب، The Eight Lancaster Lads. في القرن الحادي والعشرين، لا تزال بلوم تتمتع بمسيرة مهنية كاملة ومنتجة، حيث ظهرت في عشرات الأفلام والمسلسلات التلفزيونية التي تم إنتاجها حتى عام 2022. تلقت إشادة خاصة لدورها في The King's Speech (2010).

بعد نهاية الحرب العالمية الثانية في أربعينيات القرن العشرين، شهد العقد التالي، الخمسينيات، "العصر الذهبي" للسينما العالمية غير الإنجليزية ، ^{[100] [101]} وخاصة السينما الآسيوية . ^{[102] [103]} تم إنتاج العديد من الأفلام الآسيوية الأكثر شهرة على الإطلاق خلال هذا العقد، بما في ذلك Tokyo Story (1953) للمخرج ياسوجيرو أوزو ، و The Apu Trilogy (1955–1959) و Jalsaghar (1958) للمخرج ساتياجيت راي ، و Ugetsu (1954) و Sansho the Bailiff (1954) للمخرج كينجي ميزوجوتشي ، و Awaara (1951) للمخرج راج كابور ، و Floating Clouds (1955) للمخرج ميكيو ناروسي ، و Pyaasa (1957) و Kaagaz Ke Phool (1959) للمخرج جورو دوت ، وأفلام أكيرا كوروساوا Rashomon (1950) و Ikiru (1952) و Seven Samurai (1954) و Thron of Blood (1957). ^{[102] [103]}

خلال "العصر الذهبي" للسينما اليابانية في الخمسينيات من القرن العشرين، تضمنت الأفلام الناجحة راشومون (1950) والساموراي السبعة (1954) والقلعة المخفية (1958) لأكيرا كوروساوا ، بالإضافة إلى قصة طوكيو لياسوجيرو أوزو (1953) وجودزيلا لإيشيرو هوندا ( 1954). ^[104] كان لهذه الأفلام تأثير عميق على السينما العالمية. على وجه الخصوص، أعيد إنتاج فيلم الساموراي السبعة لكوروساوا عدة مرات كأفلام غربية ، مثل السبعة الرائعون (1960) ومعركة ما وراء النجوم (1980)، كما ألهم العديد من أفلام بوليوود ، مثل شولاي (1975) وبوابة الصين (1998). كما أعيد إنتاج فيلم راشومون باسم الغضب (1964)، وألهم أفلامًا بأساليب سرد القصص " تأثير راشومون "، مثل أندا نال (1954)، والمشتبه بهم المعتادون (1995)، والبطل (2002). كان فيلم القلعة المخفية أيضًا مصدر إلهام وراء فيلم حرب النجوم لجورج لوكاس ( 1977). ومن بين صناع الأفلام اليابانيين المشهورين الآخرين من هذه الفترة كينجي ميزوجوتشي وميكيو ناروسي وهيروشي إيناغاكي وناغيسا أوشيما . ^[102] أصبحت السينما اليابانية فيما بعد أحد مصادر الإلهام الرئيسية وراء حركة هوليوود الجديدة في الستينيات إلى الثمانينيات.

خلال العصر الذهبي للسينما الهندية في الخمسينيات من القرن العشرين، كانت تنتج 200 فيلم سنويًا، في حين اكتسبت الأفلام الهندية المستقلة اعترافًا أكبر من خلال المهرجانات السينمائية الدولية . كان أحد أشهرها ثلاثية أبو (1955-1959) للمخرج السينمائي البنغالي الشهير ساتياجيت راي ، الذي كان لأفلامه تأثير عميق على السينما العالمية، مع وجود مخرجين مثل أكيرا كوروساوا، ^[105] مارتن سكورسيزي ، ^{[106] [107]} جيمس إيفوري ، ^[108] عباس كياروستامي ، إيليا كازان ، فرانسوا تروفو ، ^[109] ستيفن سبيلبرغ ، ^{[110] [111]} كارلوس ساورا ، ^[112] جان لوك جودار ، ^[113] إيساو تاكاهاتا ، ^[114] جريجوري نافا ، إيرا ساكس ، ويس أندرسون ^[115] وداني بويل ^[116] متأثرين بأسلوبه السينمائي. وفقًا لمايكل سراجو من مجلة The Atlantic Monthly ، فإن " الدراما الشبابية التي غمرت دور الفن منذ منتصف الخمسينيات تدين بمديونية هائلة لثلاثية أبو". ^[117] كما أن تقنية التصوير السينمائي للإضاءة المرتدة لسوبراتا ميترا نشأت أيضًا من ثلاثية أبو . ^[118] ومن بين صناع الأفلام الهنود المشهورين الآخرين من هذه الفترة جورو دوت ، ^[102] وريتويك غاتاك ، ^[103] ومرينال سين ، وراج كابور ، وبيمال روي ، وك. آصف ، ومحبوب خان . ^[119]

كما شهدت السينما في كوريا الجنوبية "العصر الذهبي" في الخمسينيات من القرن الماضي، بدءًا من إعادة إنتاج المخرج لي كيو هوان الناجحة للغاية لفيلم Chunhyang-jon (1955). ^[120] وشهد ذلك العام أيضًا إصدار فيلم Yangsan Province للمخرج الشهير كيم كي يونج ، مما يمثل بداية مسيرته الإنتاجية. زادت جودة وكمية صناعة الأفلام بسرعة بحلول نهاية الخمسينيات من القرن الماضي. بدأت الأفلام الكورية الجنوبية، مثل الكوميديا ​​​​Sijibganeun nal (يوم الزفاف) للمخرج لي بيونج إيل عام 1956 ، في الفوز بجوائز دولية. وعلى النقيض من بداية الخمسينيات من القرن الماضي، عندما تم إنتاج 5 أفلام فقط في السنة، تم إنتاج 111 فيلمًا في كوريا الجنوبية في عام 1959. ^[121]

كانت الخمسينيات أيضًا "العصر الذهبي" للسينما الفلبينية ، مع ظهور أفلام أكثر فنية ونضوجًا، وتحسن كبير في التقنيات السينمائية بين صانعي الأفلام. أنتج نظام الاستوديو نشاطًا محمومًا في صناعة الأفلام المحلية حيث تم إنتاج العديد من الأفلام سنويًا وبدأت العديد من المواهب المحلية في اكتساب التقدير في الخارج. شمل المخرجون الفلبينيون الأوائل في تلك الحقبة جيراردو دي ليون وجريجوريو فرنانديز وإيدي روميرو ولامبرتو أفيلانا وسيريو سانتياجو . ^{[122] [123]}

خلال ستينيات القرن العشرين، تراجع نظام الاستوديو في هوليوود ، لأن العديد من الأفلام أصبحت تُصنع في مواقع في بلدان أخرى، أو تستخدم مرافق الاستوديو في الخارج، مثل Pinewood في المملكة المتحدة و Cinecittà في روما. كانت أفلام "هوليوود" لا تزال تستهدف إلى حد كبير جمهور الأسرة، وغالبًا ما كانت الأفلام الأكثر تقليدية هي التي أنتجت أكبر نجاحات الاستوديوهات. كانت إنتاجات مثل Mary Poppins (1964) و My Fair Lady (1964) و The Sound of Music (1965) من بين أكبر مصادر الأموال في العقد. كما ساهم النمو في المنتجين المستقلين وشركات الإنتاج، وزيادة قوة الممثلين الأفراد، في تراجع إنتاج استوديوهات هوليوود التقليدية.

كان هناك أيضًا وعي متزايد بالسينما الناطقة بلغة أجنبية في أمريكا خلال هذه الفترة. خلال أواخر الخمسينيات والستينيات، أنتج مخرجو الموجة الفرنسية الجديدة مثل فرانسوا تروفو وجان لوك جودار أفلامًا مثل Les quatre cents coups و Breathless و Jules et Jim والتي كسرت قواعد البنية السردية لسينما هوليوود . كما أصبح الجمهور على دراية بالأفلام الإيطالية مثل La Dolce Vita (1960) لفيديريكو فيليني و8½ ( 1963) والدراما الصارخة للمخرج السويدي إنجمار بيرجمان .

في بريطانيا، أدت "السينما الحرة" لليندسي أندرسون وتوني ريتشاردسون وآخرين إلى مجموعة من الأعمال الدرامية الواقعية والمبتكرة بما في ذلك Saturday Night and Sunday Morning و A Kind of Loving و This Sporting Life . ساعدت أفلام بريطانية أخرى مثل Repulsion و Darling و Alfie و Blowup و Georgy Girl (جميعها في عامي 1965 و1966) في الحد من حظر ممارسة الجنس والعُري على الشاشة، في حين أن الجنس العرضي والعنف في أفلام جيمس بوند ، بدءًا من Dr. No في عام 1962، من شأنه أن يجعل المسلسل مشهورًا في جميع أنحاء العالم.

خلال ستينيات القرن العشرين، أنتج عثمان سمبين العديد من الأفلام باللغتين الفرنسية والولوفية وأصبح "أب" السينما الأفريقية . وفي أميركا اللاتينية، تحدى العديد من صناع الأفلام هيمنة نموذج "هوليوود". ودعا فرناندو سولاناس وأوكتافيو جيتينو إلى إنشاء سينما ثالثة منخرطة سياسياً على النقيض من هوليوود والسينما الأوروبية التي ينتجها مؤلفون .

وفي مصر استمر العصر الذهبي للسينما المصرية في الستينيات على أيدي العديد من المخرجات، وقد قدرت السينما المصرية المرأة بشكل كبير في ذلك الوقت، مثل سعاد حسني . وكان الأخوة ذو الفقار؛ عز الدين ذو الفقار وصلاح ذو الفقار ومحمود ذو الفقار على موعد مع العديد من الإنتاجات، ^[124] بما في ذلك فيلم نهر الحب (1960) لعز الدين ذو الفقار ، ^[125] والأيادي الناعمة (1964) لمحمود ذو الفقار ، وفيلم أغلى من حياتي (1965) بطولة صلاح ذو الفقار وإنتاج شركة أفلام صلاح ذو الفقار ؛ زوجتي المدير العام (1966) ^[126] وكذلك فيلم صلاح الدين (1963) ليوسف شاهين . ^{[127] [128]}

علاوة على ذلك، فإن جنون العظمة النووي في ذلك العصر، والتهديد بتبادل نووي مروع (مثل المواجهة النووية التي حدثت عام 1962 مع الاتحاد السوفييتي أثناء أزمة الصواريخ الكوبية ) أثارا ردود فعل داخل مجتمع السينما أيضًا. تم إنتاج أفلام مثل دكتور سترينجلوف لستانلي كوبريك وفيلم Fail Safe مع هنري فوندا في هوليوود التي كانت معروفة ذات يوم بوطنيتها الصريحة والدعاية في زمن الحرب.

في الأفلام الوثائقية، شهدت الستينيات ازدهار السينما المباشرة ، وهو أسلوب مراقبة في صناعة الأفلام بالإضافة إلى ظهور أفلام أكثر حزبية مثل In the Year of the Pig عن حرب فيتنام لإميل دي أنطونيو . ومع ذلك، بحلول أواخر الستينيات، بدأ صناع الأفلام في هوليوود في إنشاء أفلام أكثر ابتكارًا وريادة تعكس الثورة الاجتماعية التي اجتاحت جزءًا كبيرًا من العالم الغربي مثل Bonnie and Clyde (1967)، و The Graduate (1967)، و 2001: A Space Odyssey (1968)، و Rosemary's Baby (1968)، و Midnight Cowboy (1969)، و Easy Rider (1969) و The Wild Bunch (1969). غالبًا ما يُعتبر Bonnie and Clyde بداية ما يسمى بهوليوود الجديدة .

في السينما اليابانية، أنتج المخرج الحائز على جائزة الأوسكار أكيرا كوروساوا فيلم يوجيمبو (1961)، والذي كان له تأثير عميق في جميع أنحاء العالم مثل أفلامه السابقة. ويتجلى تأثير هذا الفيلم بشكل واضح في فيلم "حفنة من الدولارات" (1964) للمخرج سيرجيو ليوني وفيلم " آخر رجل واقف" (1996) للمخرج والتر هيل . وكان فيلم يوجيمبو أيضًا هو أصل اتجاه " الرجل بلا اسم ".

كانت هوليوود الجديدة هي الفترة التي أعقبت تراجع نظام الاستوديو خلال الخمسينيات والستينيات ونهاية قانون الإنتاج (الذي تم استبداله في عام 1968 بنظام تصنيف أفلام MPAA ). خلال السبعينيات، صور صانعو الأفلام بشكل متزايد محتوى جنسيًا صريحًا وعرضوا مشاهد إطلاق نار ومعارك تضمنت صورًا رسومية للوفيات الدموية - ومن الأمثلة البارزة على ذلك فيلم The Last House on the Left (1972) للمخرج ويس كرافن .

السينما ما بعد الكلاسيكية هي الأساليب المتغيرة لسرد القصص لمنتجي هوليوود الجدد. لعبت الأساليب الجديدة للدراما وتوصيف الشخصيات على توقعات الجمهور المكتسبة خلال فترة العصر الكلاسيكي/الذهبي: قد يكون التسلسل الزمني للقصة مشوشًا، وقد تتميز خطوط القصة بـ "نهايات ملتوية" مقلقة ، وقد يتصرف الشخصيات الرئيسية بطريقة غامضة أخلاقيًا، وقد تكون الخطوط الفاصلة بين الخصم والبطل غير واضحة . يمكن رؤية بدايات سرد القصص ما بعد الكلاسيكية في أفلام نوار الأربعينيات والخمسينيات من القرن العشرين ، في أفلام مثل Rebel Without a Cause (1955)، وفي فيلم Hitchcock's Psycho . شهد عام 1971 إصدار أفلام مثيرة للجدل مثل Straw Dogs و A Clockwork Orange و The French Connection و Dirty Harry . أثار هذا جدلاً حادًا حول التصعيد الملحوظ للعنف في السينما.

خلال سبعينيات القرن العشرين، ظهرت مجموعة جديدة من صناع الأفلام الأمريكيين، مثل مارتن سكورسيزي ، وفرانسيس فورد كوبولا ، وجورج لوكاس ، وودي آلن ، وتيرينس ماليك ، وروبرت ألتمان . وتزامن ذلك مع الشعبية المتزايدة لنظرية المؤلف في أدبيات السينما ووسائل الإعلام، والتي افترضت أن أفلام المخرج السينمائي تعبر عن رؤيته الشخصية ورؤيته الإبداعية. ساعد تطوير أسلوب المؤلف في صناعة الأفلام في منح هؤلاء المخرجين سيطرة أكبر بكثير على مشاريعهم مما كان ممكنًا في العصور السابقة. أدى هذا إلى بعض النجاحات النقدية والتجارية العظيمة، مثل فيلم سائق التاكسي لسكورسيزي، وأفلام العراب لكوبولا ، وطارد الأرواح الشريرة لويليام فريدكين ، وناشفيل لألتمان ، وآني هول ومانهاتن لألين ، وبادلاندز وأيام الجنة لماليك ، وحي تشايناتاون للمهاجر البولندي رومان بولانسكي . ولكنها أدت أيضًا إلى بعض الإخفاقات، بما في ذلك فيلم At Long Last Love للمخرج بيتر بوغدانوفيتش ، والملحمة الغربية باهظة الثمن Heaven's Gate للمخرج مايكل تشيمينو ، والتي ساعدت في التسبب في زوال داعمها، شركة United Artists .

كانت الكارثة المالية التي حلت بفيلم Heaven's Gate بمثابة نهاية المخرجين المبدعين من "هوليوود الجديدة"، الذين كانوا يتمتعون بحرية إبداعية ومالية غير مقيدة لتطوير الأفلام. وكان النجاح الهائل الذي حققه فيلم Jaws للمخرج ستيفن سبيلبيرج في سبعينيات القرن العشرين سبباً في نشوء مفهوم " الأفلام الضخمة " الحديثة. ومع ذلك، فإن النجاح الهائل الذي حققه فيلم Star Wars للمخرج جورج لوكاس عام 1977 أدى إلى أكثر من مجرد الترويج لصناعة الأفلام الضخمة. فقد أدى الاستخدام الثوري للمؤثرات الخاصة وتحرير الصوت والموسيقى في الفيلم إلى اعتباره على نطاق واسع أحد أهم الأفلام في تاريخ هذه الوسيلة، فضلاً عن كونه الفيلم الأكثر تأثيراً في سبعينيات القرن العشرين. وركزت استوديوهات هوليوود بشكل متزايد على إنتاج عدد أقل من الأفلام ذات الميزانيات الضخمة للغاية مع حملات تسويقية وترويجية ضخمة. وكان هذا الاتجاه قد تنبأ به بالفعل النجاح التجاري لأفلام الكوارث مثل The Poseidon Adventure و The Towering Inferno .

خلال منتصف سبعينيات القرن العشرين، تم إنشاء المزيد من المسارح الإباحية، والتي يطلق عليها بشكل ملطف "دور السينما للبالغين"، وبدأ الإنتاج القانوني لأفلام إباحية صريحة . أصبحت أفلام إباحية مثل Deep Throat ونجمتها ليندا لوفليس ظاهرة ثقافية شعبية وأدت إلى موجة من أفلام الجنس المماثلة. اختفت دور السينما الإباحية أخيرًا خلال الثمانينيات، عندما سمح انتشار أجهزة تسجيل الفيديو المنزلية وأشرطة الفيديو الإباحية للجمهور بمشاهدة أفلام الجنس في المنزل. في أوائل السبعينيات، أصبح الجمهور الناطق باللغة الإنجليزية أكثر وعياً بالسينما الألمانية الغربية الجديدة ، وكان فيرنر هيرتزوج ورينر فيرنر فاسبيندر ويم فيندرز من بين أبرز روادها.

في السينما العالمية ، شهدت السبعينيات زيادة كبيرة في شعبية أفلام الفنون القتالية ، ويرجع ذلك إلى حد كبير إلى إعادة اختراعها من قبل بروس لي ، الذي ابتعد عن الأسلوب الفني لأفلام الفنون القتالية الصينية التقليدية وأضاف إليها شعورًا أكبر بالواقعية بأسلوبه في الجيت كون دو . بدأ هذا مع فيلم The Big Boss (1971)، الذي حقق نجاحًا كبيرًا في جميع أنحاء آسيا . ومع ذلك، لم يكتسب شهرة في العالم الغربي حتى بعد وقت قصير من وفاته في عام 1973، عندما تم إصدار فيلم Enter the Dragon . أصبح الفيلم أنجح فيلم للفنون القتالية في تاريخ السينما، وروج لنوع أفلام الفنون القتالية في جميع أنحاء العالم، وعزز مكانة بروس لي كأيقونة ثقافية. ومع ذلك، كانت سينما الحركة في هونغ كونغ في تراجع بسبب موجة من أفلام " Bruceploitation ". انتهى هذا الاتجاه في نهاية المطاف في عام 1978 مع أفلام الكوميديا ​​​​الفنون القتالية ، Snake in the Eagle's Shadow و Drunken Master ، من إخراج Yuen Woo-ping وبطولة Jackie Chan ، مما أرسى الأساس لنهضة سينما الحركة في هونغ كونغ في الثمانينيات.

بينما كان نوع الفيلم الموسيقي قد تراجع في هوليوود بحلول هذا الوقت، كانت الأفلام الموسيقية تكتسب شعبية بسرعة في سينما الهند ، حيث تم صياغة مصطلح " بوليوود " لصناعة الأفلام الهندية المتنامية في بومباي (مومباي الآن) والتي انتهى بها الأمر إلى الهيمنة على السينما في جنوب آسيا ، متجاوزة صناعة الأفلام البنغالية التي نالت استحسان النقاد في شعبيتها. جمع صناع الأفلام الهنود بين الصيغة الموسيقية في هوليوود واتفاقيات المسرح الهندي القديم لإنشاء نوع فيلم جديد يسمى " ماسالا "، والذي هيمن على السينما الهندية طوال أواخر القرن العشرين. ^[129] صورت أفلام "ماسالا" هذه الحركة والكوميديا ​​والدراما والرومانسية والميلودراما في آن واحد، مع أغاني " فيلمي " ورقص. بدأ هذا الاتجاه مع الأفلام التي أخرجها مانموهان ديساي وبطولة أميتاب باتشان ، الذي يظل أحد أشهر نجوم السينما في جنوب آسيا. كان الفيلم الهندي الأكثر شعبية على الإطلاق هو فيلم Sholay (1975)، وهو فيلم "ماسالا" مستوحى من لص حقيقي بالإضافة إلى فيلم Seven Samurai للمخرج كوروساوا وأفلام Spaghetti Westerns .

شهد نهاية العقد أول تسويق دولي كبير للسينما الأسترالية، حيث نالت أفلام بيتر وير Picnic at Hanging Rock و The Last Wave و The Chant of Jimmie Blacksmith لفريد شيبيسي استحسان النقاد. في عام 1979، حاز صانع الأفلام الأسترالي جورج ميلر أيضًا على اهتمام دولي بفيلمه الأكشن العنيف منخفض الميزانية Mad Max .

خلال ثمانينيات القرن العشرين، بدأ الجمهور يشاهد الأفلام على أجهزة تسجيل الفيديو المنزلية بشكل متزايد . وفي الجزء الأول من ذلك العقد، حاولت استوديوهات الأفلام اتخاذ إجراءات قانونية لحظر امتلاك أجهزة تسجيل الفيديو في المنازل باعتبارها انتهاكًا لحقوق الطبع والنشر ، وهو ما ثبت فشله. وفي النهاية، أصبح بيع وتأجير الأفلام على الفيديو المنزلي "مكانًا ثانيًا" مهمًا لعرض الأفلام، ومصدرًا إضافيًا للإيرادات لصناعة الأفلام. وعادةً ما تقدم أسواق الفيديو المباشر (المتخصصة) إنتاجات منخفضة الجودة ورخيصة لا تعتبر مناسبة جدًا للجمهور العام من إصدارات التلفزيون والمسرح.

كان من شأن الجمع بين لوكاس وسبيلبيرج أن يهيمن على سينما " هوليوود " لمعظم الثمانينيات، وأدى إلى الكثير من التقليد. ساعد فيلمان تابعان لـ Star Wars ، وثلاثة أفلام لـ Jaws ، وثلاثة أفلام من Indiana Jones في جعل تتمات الأفلام الناجحة أكثر توقعًا من أي وقت مضى. أطلق لوكاس أيضًا شركة THX Ltd ، وهي قسم من Lucasfilm في عام 1982، ^[130] بينما استمتع سبيلبيرج بأحد أعظم نجاحات العقد في ET the Extra-Terrestrial في نفس العام. شهد عام 1982 أيضًا إصدار فيلم Tron من إنتاج شركة ديزني والذي كان أحد أول الأفلام من استوديو كبير يستخدم رسومات الكمبيوتر على نطاق واسع. عانت السينما المستقلة الأمريكية أكثر خلال العقد، على الرغم من أن أفلام Martin Scorsese 's Raging Bull (1980)، و After Hours (1985)، و The King of Comedy (1983) ساعدت في ترسيخه كواحد من أكثر صناع الأفلام الأمريكيين شهرة في ذلك العصر. كما تم إصدار فيلم Scarface في عام 1983 ، والذي حقق أرباحًا كبيرة وأدى إلى شهرة أكبر لممثله الرئيسي آل باتشينو . كما شهد إصدار تيم بيرتون لعام 1989 لشخصية بوب كين ، باتمان ، تصوير جاك نيكلسون للجوكر المجنون ، والذي حقق له 60-90 مليون دولار بعد تضمين نسبته من الإجمالي. ^[131]

حصلت السينما البريطانية على دفعة قوية خلال أوائل الثمانينيات من القرن العشرين مع وصول شركة جولدكريست فيلمز التابعة لديفيد بوتنام . وقد نالت أفلام عربات النار وغاندي وحقول القتل وغرفة ذات إطلالة إعجاب جمهور "متوسط ​​الثقافة" الذي كان يتجاهله بشكل متزايد استوديوهات هوليوود الكبرى. وفي حين ساعدت أفلام السبعينيات في تحديد الأفلام السينمائية الحديثة الضخمة ، فإن الطريقة التي عرضت بها "هوليوود" أفلامها ستتغير الآن. ففي الغالب، كانت الأفلام تُعرض لأول مرة في عدد أكبر من دور العرض، على الرغم من أن بعض الأفلام لا تزال تُعرض لأول مرة باستخدام نظام العرض المحدود/عرض الطريق . وعلى عكس بعض التوقعات، لم يسمح صعود دور السينما المتعددة بعرض أفلام أقل شهرة، بل سمح ببساطة بإعطاء الأفلام الضخمة عددًا أكبر من العروض. ومع ذلك، فإن الأفلام التي تم تجاهلها في دور السينما كانت تُمنح بشكل متزايد فرصة ثانية على الفيديو المنزلي.

خلال الثمانينيات، شهدت السينما اليابانية انتعاشًا، ويرجع ذلك إلى حد كبير إلى نجاح أفلام الأنمي . في بداية الثمانينيات، أعيد إنتاج Space Battleship Yamato (1973) و Mobile Suit Gundam (1979)، وكلاهما لم ينجح كمسلسل تلفزيوني، كأفلام وحققا نجاحًا كبيرًا في اليابان. على وجه الخصوص، أشعل Mobile Suit Gundam امتياز Gundam لأنمي Real Robot mecha . كما أشعل نجاح Macross: Do You Remember Love؟ امتياز Macross لأنمي mecha. كان هذا أيضًا العقد الذي تأسس فيه استوديو جيبلي . أنتج الاستوديو أول أفلام الخيال لهاياو ميازاكي ، Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) و Castle in the Sky (1986)، بالإضافة إلى فيلم Isao Takahata 's Grave of the Fireflies (1988)، وقد حققت جميعها نجاحًا كبيرًا في اليابان وحظيت بإشادة النقاد في جميع أنحاء العالم. بدأت أفلام الرسوم المتحركة الأصلية (OVA) أيضًا خلال هذا العقد؛ كان الفيلم السايبربانك Megazone 23 (1985) للمخرج نوبورو إيشيجورو هو الأكثر تأثيرًا من بين أفلام OVA المبكرة . وكان فيلم الأنمي الأكثر شهرة في هذا العقد هو فيلم السايبربانك Akira (1988) للمخرج كاتسوهيرو أوتومو ، والذي على الرغم من عدم نجاحه في البداية في دور العرض اليابانية، إلا أنه حقق نجاحًا دوليًا.

كما شهدت سينما الأكشن في هونغ كونغ ، والتي كانت في حالة من التراجع بسبب أفلام بروس الاستغلالية التي لا تنتهي بعد وفاة بروس لي ، انتعاشًا في الثمانينيات، ويرجع ذلك إلى حد كبير إلى إعادة اختراع نوع أفلام الأكشن بواسطة جاكي شان . فقد سبق له أن جمع بين نوعي أفلام الكوميديا ​​وأفلام الفنون القتالية بنجاح في أفلام عام 1978 Snake in the Eagle's Shadow و Drunken Master . وكانت الخطوة التالية التي اتخذها هي الجمع بين نوع أفلام الفنون القتالية الكوميدية هذا مع التركيز الجديد على الأعمال المثيرة المعقدة والخطيرة للغاية ، والتي تذكرنا بعصر الأفلام الصامتة. وكان أول فيلم في هذا النمط الجديد من سينما الأكشن هو Project A (1983)، والذي شهد تشكيل فريق جاكي شان للأعمال المثيرة بالإضافة إلى "الإخوة الثلاثة" (تشان وسامو هونغ ويوين بياو ). وأضاف الفيلم أعمالًا مثيرة معقدة وخطيرة إلى المعارك والفكاهة الصامتة ، وحقق نجاحًا كبيرًا في جميع أنحاء الشرق الأقصى. نتيجة لذلك، واصل تشان هذا الاتجاه بأفلام الحركة والفنون القتالية التي تحتوي على حركات أكثر تعقيدًا وخطورة، بما في ذلك Wheels on Meals (1984)، و Police Story (1985)، وArmour of God (1986)، و Project A Part II (1987)، و Police Story 2 (1988)، و Dragons Forever (1988). كانت الاتجاهات الجديدة الأخرى التي بدأت في الثمانينيات هي النوع الفرعي " الفتيات المسلحات "، والذي اشتهرت به ميشيل يوه ؛ وخاصة نوع " سفك الدماء البطولي "، الذي يدور حول الثالوث ، والذي كان رائده إلى حد كبير جون وو والذي اشتهر به تشو يون فات . تم تبني اتجاهات الحركة في هونغ كونغ هذه لاحقًا من قبل العديد من أفلام الحركة في هوليوود في التسعينيات والعقد الأول من القرن الحادي والعشرين.

شهدت أوائل التسعينيات تطور سينما مستقلة ناجحة تجاريًا في الولايات المتحدة. على الرغم من هيمنة الأفلام ذات المؤثرات الخاصة مثل Terminator 2: Judgment Day (1991) و Jurassic Park (1993) و Titanic (1997)، والذي أصبح الأخير الفيلم الأعلى ربحًا على الإطلاق في ذلك الوقت حتى فيلم Avatar (2009)، الذي أخرجه أيضًا جيمس كاميرون، إلا أن الأفلام المستقلة مثل Sex, Lies, and Videotape (1989) للمخرج ستيفن سودربيرج و Reservoir Dogs (1992) للمخرج كوينتين تارانتينو حققت نجاحًا تجاريًا كبيرًا سواء في السينما أو على الفيديو المنزلي.

قدم صناع الأفلام المرتبطون بحركة Dogme 95 السينمائية الدنمركية بيانًا يهدف إلى تنقية صناعة الأفلام. وقد نالت أفلامها القليلة الأولى استحسان النقاد على مستوى العالم، وبعد ذلك خفتت الحركة ببطء.

صدر فيلم Goodfellas للمخرج سكورسيزي عام 1990. ويعتبره الكثيرون أحد أعظم الأفلام التي تم إنتاجها على الإطلاق، وخاصة في فئة أفلام العصابات. ويقال إنه يمثل أعلى نقطة في مسيرة سكورسيزي المهنية.

بدأت الاستوديوهات الأمريكية الكبرى في إنشاء شركات إنتاج "مستقلة" خاصة بها لتمويل وإنتاج أفلام غير سائدة. اشترت ديزني واحدة من أنجح الشركات المستقلة في التسعينيات، وهي شركة ميراماكس فيلمز ، في العام السابق لإطلاق فيلم تارانتينو الناجح للغاية Pulp Fiction في عام 1994. شهد نفس العام بداية توزيع الأفلام والفيديو عبر الإنترنت. كما استعادت الأفلام المتحركة التي تستهدف جمهور الأسرة شعبيتها، مع ديزني الجميلة والوحش (1991)، وعلاء الدين (1992)، والأسد الملك (1994). خلال عام 1995، أنتجت استوديوهات بيكسار للرسوم المتحركة أول فيلم رسوم متحركة بالكمبيوتر، Toy Story ، وأصدرته ديزني. بعد نجاح Toy Story، نمت الرسوم المتحركة بالكمبيوتر لتصبح التقنية السائدة للرسوم المتحركة الطويلة، مما سمح لشركات الأفلام المنافسة مثل دريم ووركس وتونتيث سينتشري فوكس ووارنر براذرز بالتنافس بفعالية مع ديزني بأفلام ناجحة خاصة بهم. خلال أواخر تسعينيات القرن العشرين، بدأ تحول سينمائي آخر، من مخزون الأفلام المادية إلى تكنولوجيا السينما الرقمية . وفي الوقت نفسه، أصبحت أقراص DVD هي المعيار الجديد لفيديو المستهلك، لتحل محل أشرطة VHS.

منذ أواخر العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، وفرت منصات بث الوسائط مثل YouTube وسيلة لأي شخص لديه إمكانية الوصول إلى الإنترنت والكاميرات (وهي ميزة قياسية للهواتف الذكية ) لنشر مقاطع الفيديو للعالم. كما تنافست الصناعة مع الشعبية المتزايدة لألعاب الفيديو وغيرها من أشكال الترفيه المنزلي ، وبدأت مرة أخرى في جعل الإصدارات المسرحية أكثر جاذبية، مع تقنيات ثلاثية الأبعاد الجديدة وأفلام ملحمية (خيالية وأبطال خارقين) أصبحت ركيزة أساسية في دور السينما.

كما برز الفيلم الوثائقي كنوع تجاري ربما لأول مرة، مع نجاح أفلام مثل March of the Penguins وفيلمي Michael Moore 's Bowling for Columbine و Fahrenheit 9/11 . تم إنشاء نوع جديد مع Martin Kunert و Eric Manes ' Voices of Iraq ' ، عندما تم توزيع 150 كاميرا DV رخيصة الثمن في جميع أنحاء العراق، مما أدى إلى تحويل الأشخاص العاديين إلى صانعي أفلام تعاونيين. أدى نجاح فيلم Gladiator إلى إحياء الاهتمام بالسينما الملحمية ، وتجدد الاهتمام بفيلم Moulin Rouge! بالسينما الموسيقية . أصبحت أنظمة المسرح المنزلي متطورة بشكل متزايد، كما حدث مع بعض أقراص DVD ذات الإصدار الخاص المصممة للعرض عليها. تم إصدار ثلاثية سيد الخواتم على أقراص DVD في كل من الإصدار المسرحي وفي إصدار موسع خاص مخصص فقط لجمهور السينما المنزلية.

في عام 2001، بدأت سلسلة أفلام هاري بوتر ، وبحلول نهايتها في عام 2011، أصبحت سلسلة الأفلام الأعلى ربحًا على الإطلاق حتى تجاوزها عالم مارفل السينمائي في عام 2015.

بفضل التقدم في تكنولوجيا عرض الأفلام، أصبح من الممكن الآن إصدار الأفلام الروائية في نفس الوقت في سينما IMAX ، وكان أولها فيلم الرسوم المتحركة Treasure Planet من إنتاج ديزني عام 2002؛ وكان أول فيلم حي في فيلم The Matrix Revolutions عام 2003 وإعادة إصدار فيلم The Matrix Reloaded . وفي وقت لاحق من العقد، كان فيلم The Dark Knight أول فيلم روائي طويل يتم تصويره جزئيًا على الأقل بتقنية IMAX.

لقد كان هناك عولمة متزايدة للسينما خلال هذا العقد، حيث اكتسبت الأفلام الناطقة بلغة أجنبية شعبية في الأسواق الناطقة باللغة الإنجليزية. تشمل أمثلة هذه الأفلام Crouching Tiger وHidden Dragon (المندرينية) و Amélie (الفرنسية) و Lagaan (الهندية) و Spirited Away (اليابانية) و City of God (البرتغالية البرازيلية) و The Passion of the Christ (الآرامية) و Apocalypto (المايا) و Inglourious Basterds (لغات أوروبية متعددة). تعد إيطاليا الدولة الأكثر حصولاً على جوائز في جائزة الأوسكار لأفضل فيلم بلغة أجنبية ، حيث فازت بـ 14 جائزة و3 جوائز خاصة و31 ترشيحًا .

في عام 2003، كان هناك إحياء لشعبية الأفلام ثلاثية الأبعاد ، وكان أولها فيلم Ghosts of the Abyss للمخرج جيمس كاميرون والذي تم إصداره كأول فيلم ثلاثي الأبعاد كامل الطول بتقنية IMAX تم تصويره باستخدام نظام الكاميرا الواقعية . استخدم نظام الكاميرا هذا أحدث كاميرات الفيديو عالية الدقة، وليس الأفلام، وقد تم بناؤه لكاميرون بواسطة مدير التصوير الفوتوغرافي المرشح لجائزة إيمي فينس بيس، وفقًا لمواصفاته. تم استخدام نفس نظام الكاميرا لتصوير Spy Kids 3D: Game Over (2003)، و Aliens of the Deep IMAX (2005)، و The Adventures of Sharkboy and Lavagirl بتقنية ثلاثية الأبعاد (2005).

بعد أن أصبح فيلم أفاتار ثلاثي الأبعاد لجيمس كاميرون الفيلم الأكثر ربحًا على الإطلاق، اكتسبت الأفلام ثلاثية الأبعاد شعبية وجيزة مع إصدار العديد من الأفلام الأخرى بتقنية ثلاثية الأبعاد، حيث كانت أفضل النجاحات النقدية والمالية في مجال الرسوم المتحركة السينمائية مثل Despicable Me من إنتاج Universal Pictures / Illumination Entertainment و How To Train Your Dragon و Shrek Forever After و Megamind من إنتاج DreamWorks Animation . كما يُذكر أن فيلم أفاتار رائد في الاستخدام المتطور للغاية لتقنية التقاط الحركة والتأثير على العديد من الأفلام الأخرى مثل Rise of the Planet of the Apes . ^[132]

في عام 2011، كانت أكبر صناعات الأفلام من حيث عدد الأفلام الروائية المنتجة هي تلك الموجودة في الهند والولايات المتحدة والصين ونيجيريا واليابان. ^[133] في هوليوود، زادت أفلام الأبطال الخارقين بشكل كبير في الشعبية والنجاح المالي، مع إصدار أفلام تعتمد على Marvel و DC Comics كل عام. ^[134] كان نوع الأبطال الخارقين هو الأكثر هيمنة في إيرادات شباك التذاكر الأمريكية .

سيطرت شركة ديزني على قائمة الأفلام الأعلى ربحًا ، حيث كان عام 2019 هو الأكثر ربحًا في قائمة أفضل 50 فيلمًا. كان فيلم الأبطال الخارقين لعام 2019 Avengers: Endgame هو الفيلم الأكثر نجاحًا على الإطلاق في شباك التذاكر. وشملت الأفلام الأخرى الأعلى ربحًا Star Wars: The Force Awakens و Avengers: Infinity War و Jurassic World . كانت إصدارات ديزني غالبًا هي الأفلام الأعلى ربحًا سنويًا في النصف الأخير من العقد، بعناوين مثل Toy Story 3 و The Avengers و Frozen . بلغ نجاح ديزني ذروته في استحواذ ديزني على شركة 21st Century Fox .

حاولت استوديوهات الأفلام الكبرى محاكاة نجاح عالم مارفل السينمائي لشركة ديزني بامتيازاتها الخاصة. أنشأت شركة وارنر براذرز امتيازات مثل عالم دي سي الممتد . أنتجت شركة ديزني نسخًا حية أو صورًا واقعية من أفلام الرسوم المتحركة الكلاسيكية، مثل علاء الدين والأسد الملك . أصبحت سلسلة الأفلام المستندة إلى روايات الشباب شائعة، وتحولت من الخيال إلى الخيال العلمي الديستوبي. تضمنت المسلسلات البارزة ألعاب الجوع .

حققت أفلام The Tale of Princess Kaguya و Summer 1993 و Leave No Trace و Minding the Gap تقييمات 100% على موقع Rotten Tomatoes . ومن بين الأفلام الأخرى التي نالت استحسان النقاد Mad Max: Fury Road و The Social Network و Get Out . كما تم إدراج أفلام مثل Portrait of a Lady on Fire و The Tree of Life و Moonlight و Parasite بشكل متكرر في استطلاعات رأي النقاد لأفضل أفلام العقد الأول من القرن الحادي والعشرين. في عام 2010، ظهرت أول امرأة تفوز بجائزة أفضل مخرج في تاريخ الأوسكار. فاز فيلم The Hurt Locker للمخرجة كاثرين بيجلو بست جوائز. ^[135] في عام 2020، أصبح Parasite أول فيلم غير ناطق باللغة الإنجليزية يفوز بجائزة الأوسكار لأفضل فيلم .

أدى وباء كوفيد-19 إلى إغلاق دور السينما في جميع أنحاء العالم استجابةً لعمليات الإغلاق. واجهت العديد من الأفلام المقرر إصدارها في أوائل عشرينيات القرن العشرين تأخيرات في التطوير والإنتاج والتوزيع، مع إصدار أفلام أخرى على خدمات البث مع نافذة عرض مسرحية قليلة أو معدومة. شهد العصر تحولًا عميقًا في كيفية إنتاج الأفلام وتوزيعها واستهلاكها عالميًا. أدى الوباء إلى تسارع سريع في التحول نحو البث المباشر، كوسيلة أساسية لتوزيع الأفلام. تكيفت صناعة الأفلام وأنتجت أعمالًا بارزة تعكس ديناميكيات العصر المتغيرة.

• السينما: من عام 1890 إلى الآن
• ما هي الكاميرا المظلمة؟
• مقدمة عن السينما المبكرة
• أصول السينما الوثائقية
• تاريخ صيغ الأفلام
• تاريخ الصوت في الأفلام على FilmSound.org
• قائمة الأفلام الصوتية المبكرة 1894-1929 على موقع Silent Era
• التاريخ المبكر للأفلام العريضة – مصور سينمائي أمريكي، يناير 1930
• تاريخ أفلام هوليوود
• تاريخ تكنيكولور
• نبذة مختصرة عن تاريخ الرسوميات الحاسوبية في الأفلام
• تاريخ اكتشاف التصوير السينمائي أرشيف 2020-10-05 على موقع واي باك مشين تسلسل زمني مصور بقلم بول بيرنز