تاريخ المسرح

يتتبع تاريخ المسرح تطور المسرح على مدار الـ 2500 عام الماضية. وفي حين أن العناصر الأدائية موجودة في كل مجتمع، فمن المعتاد الاعتراف بالتمييز بين المسرح كشكل فني وترفيهي، والعناصر المسرحية أو الأدائية في أنشطة أخرى. يهتم تاريخ المسرح في المقام الأول بأصل المسرح وتطوره اللاحق كنشاط مستقل. منذ أثينا الكلاسيكية في القرن الخامس قبل الميلاد، ازدهرت تقاليد المسرح النابضة بالحياة في الثقافات في جميع أنحاء العالم. ^[1]

لا يوجد دليل قاطع على أن المسرح تطور من الطقوس، على الرغم من أوجه التشابه بين أداء الأفعال الطقسية والمسرح وأهمية هذه العلاقة. ^[2] هذا التشابه بين المسرح المبكر والطقوس يشهد عليه أرسطو سلبًا ، حيث عرّف المسرح في كتابه فن الشعر على النقيض من عروض الأسرار المقدسة : لم يتطلب المسرح من المتفرج أن يصوم أو يشرب الكيكيون أو يسير في موكب؛ ومع ذلك، يشبه المسرح الأسرار المقدسة بمعنى أنه جلب التطهير والشفاء للمتفرج من خلال الرؤية، التيما . وبالتالي تم تسمية الموقع المادي لمثل هذه العروض بالثيترون . ^[3]

وفقًا للمؤرخين أوسكار بروكيت وفرانكلين هيلدي، فإن الطقوس تتضمن عادةً عناصر ترفيهية أو تمنح المتعة، مثل الأزياء والأقنعة بالإضافة إلى المؤدين المهرة. ومع تزايد تعقيد المجتمعات، بدأ تمثيل هذه العناصر المذهلة في ظل ظروف غير طقسية. ومع حدوث ذلك، تم اتخاذ الخطوات الأولى نحو المسرح كنشاط مستقل. ^[4]

المسرح اليوناني، الأكثر تطورًا في أثينا، هو جذر التقاليد الغربية؛ المسرح كلمة من أصل يوناني. ^[2] كان جزءًا من ثقافة أوسع نطاقًا للمسرح والأداء في اليونان الكلاسيكية التي شملت المهرجانات والطقوس الدينية والسياسة والقانون وألعاب القوى والجمباز والموسيقى والشعر وحفلات الزفاف والجنازات والندوات . ^{[6] [أ]} كانت المشاركة في العديد من المهرجانات في المدينة الدولة - والحضور في مدينة ديونيسيا كعضو جمهور (أو حتى كمشارك في العروض المسرحية) على وجه الخصوص - جزءًا مهمًا من المواطنة . ^{[7] تضمنت المشاركة المدنية} أيضًا تقييم خطاب الخطباء الذي يتضح في العروض في محكمة القانون أو الجمعية السياسية ، وكلاهما كان يُفهم على أنه مشابه للمسرح وأصبح يستوعب بشكل متزايد مفرداته الدرامية. ^[8] يتألف مسرح اليونان القديمة من ثلاثة أنواع من الدراما : المأساة والكوميديا ​​ومسرحية الساتير . ^[9]

المأساة الأثينية - أقدم شكل باقٍ من أشكال المأساة - هي نوع من الدراما الراقصة التي شكلت جزءًا مهمًا من الثقافة المسرحية لدولة المدينة. ^{[10] [ب]} بعد أن ظهرت في وقت ما خلال القرن السادس قبل الميلاد، ازدهرت خلال القرن الخامس قبل الميلاد (ومنذ نهايته بدأت تنتشر في جميع أنحاء العالم اليوناني) واستمرت في شعبيتها حتى بداية الفترة الهلنستية . [ ^{11] [ج]} لا توجد مأساة من القرن السادس و32 فقط من أكثر من ألف مأساة تم أداؤها خلال القرن الخامس قد نجا. ^{[12] [د]} لدينا نصوص كاملة موجودة من قبل إسخيلوس وسوفوكليس ويوربيديس . ^{[13] [هـ]} لا تزال أصول المأساة غامضة، على الرغم من أنها تم إضفاء الطابع المؤسسي عليها بحلول القرن الخامس في المسابقات ( أجون ) التي أقيمت كجزء من الاحتفالات للاحتفال بديونيسوس ( إله الخمر والخصوبة ) . ^[14] بصفتهم متسابقين في مسابقة مدينة ديونيسيا (الأكثر شهرة بين المهرجانات لتقديم الدراما)، كان مطلوبًا من الكتاب المسرحيين تقديم رباعية من المسرحيات (على الرغم من أن الأعمال الفردية لم تكن مرتبطة بالضرورة بقصة أو موضوع)، والتي تتكون عادةً من ثلاث مآسي ومسرحية ساتير واحدة. ^{[15] [و]} ربما بدأ عرض المآسي في مدينة ديونيسيا في وقت مبكر من عام 534 قبل الميلاد؛ تبدأ السجلات الرسمية ( ديداسكالياي ) من عام 501 قبل الميلاد، عندما تم تقديم مسرحية الساتير. ^{[16] [ز]} تُدْرِم معظم المآسي الأثينية أحداثًا من الأساطير اليونانية ، على الرغم من أن الفرس -الذي يُدْرِج الاستجابة الفارسية لأخبار هزيمتهم العسكرية في معركة سلاميس عام 480 قبل الميلاد- هو الاستثناء البارز في الدراما الباقية. ^{[17] [ح]} عندما فاز إسخيلوس بالجائزة الأولى عن مسرحيته في مدينة ديونيسيا عام 472 قبل الميلاد، كان قد كتب المآسي لأكثر من 25 عامًا، ومع ذلك فإن معالجتها المأساوية للتاريخ الحديث هي أقدم مثال على الدراما التي بقيت على قيد الحياة. ^[18] بعد أكثر من 130 عامًا، قام الفيلسوف أرسطو بتحليل المأساة الأثينية في القرن الخامس في أقدم عمل باقٍ من النظرية الدرامية - كتابه فن الشعر (حوالي 335 قبل الميلاد). الكوميديا ​​الأثينية يُقسم الكوميديا ​​اليونانية بشكل تقليدي إلى ثلاث فترات، "الكوميديا ​​القديمة"، و"الكوميديا ​​الوسطى"، و"الكوميديا ​​الجديدة". نجت الكوميديا ​​القديمة اليوم إلى حد كبير في شكل المسرحيات الإحدى عشرة الباقية لأريستوفانيس ، بينما ضاعت الكوميديا ​​الوسطى إلى حد كبير (حُفظت فقط في أجزاء قصيرة نسبيًا في مؤلفين مثل أثينايوس النقراطي ). تُعرف الكوميديا ​​الجديدة في المقام الأول من أجزاء البردي الكبيرة لمسرحيات ميناندر . عرّف أرسطو الكوميديا ​​بأنها تمثيل لأشخاص مضحكين ينطوي على نوع من الخطأ أو القبح الذي لا يسبب الألم أو الدمار. ^[19]

تطور المسرح الغربي وتوسع بشكل كبير في عهد الرومان . كتب المؤرخ الروماني ليفي أن الرومان اختبروا المسرح لأول مرة في القرن الرابع قبل الميلاد، بأداء قدمه ممثلون إتروسكان . ^[20] يزعم بيتشام أن الرومان كانوا على دراية "بالممارسات ما قبل المسرحية" لبعض الوقت قبل هذا الاتصال المسجل. ^[21] كان مسرح روما القديمة شكلًا فنيًا مزدهرًا ومتنوعًا، بدءًا من عروض المهرجانات لمسرح الشارع والرقص العاري والألعاب البهلوانية، إلى عرض الكوميديا ​​​​الموقفية الجذابة على نطاق واسع لبلاوتوس ، إلى المآسي عالية الأسلوب والمفصلة لفظيًا لسينيكا . على الرغم من أن روما كان لديها تقليد أصلي في الأداء، إلا أن الهيلينية للثقافة الرومانية في القرن الثالث قبل الميلاد كان لها تأثير عميق ومنشط على المسرح الروماني وشجع على تطوير الأدب اللاتيني بأعلى جودة للمسرح.

بعد توسع الجمهورية الرومانية (509-27 قبل الميلاد) في العديد من الأراضي اليونانية بين 270 و 240 قبل الميلاد، واجهت روما الدراما اليونانية . ^[22] من السنوات الأخيرة للجمهورية وبواسطة الإمبراطورية الرومانية (27 قبل الميلاد - 476 بعد الميلاد)، انتشر المسرح غربًا عبر أوروبا وحول البحر الأبيض المتوسط ​​ووصل إلى إنجلترا؛ كان المسرح الروماني أكثر تنوعًا واتساعًا وتطورًا من أي ثقافة قبله. ^[23] بينما استمر أداء الدراما اليونانية طوال الفترة الرومانية، فإن عام 240 قبل الميلاد يمثل بداية الدراما الرومانية المنتظمة. ^{[22] [i]} ومع ذلك، منذ بداية الإمبراطورية، انخفض الاهتمام بالدراما الطويلة لصالح مجموعة متنوعة من وسائل الترفيه المسرحية. ^[24]

كانت أولى الأعمال المهمة في الأدب الروماني هي المآسي والكوميدية التي كتبها ليفيوس أندرونيكوس منذ عام 240 قبل الميلاد. ^[25] وبعد خمس سنوات، بدأ جنايوس نايفيوس أيضًا في كتابة الدراما. ^[25] لم تنج أي مسرحيات لأي من الكاتبين. في حين أن كلا الكاتبين المسرحيين ألفوا في كلا النوعين ، فقد كان أندرونيكوس موضع تقدير كبير لمآسيه ونايفيوس لكوميدياته؛ وكان خلفاؤهم يميلون إلى التخصص في أحدهما أو الآخر، مما أدى إلى فصل التطور اللاحق لكل نوع من أنواع الدراما. ^[25] بحلول بداية القرن الثاني قبل الميلاد، ترسخت الدراما في روما وتم تشكيل نقابة للكتاب ( collegium poetarum ). ^[26]

الكوميديا ​​الرومانية التي نجت كلها fabula palliata (كوميديات مبنية على مواضيع يونانية) وتأتي من اثنين من الكتاب المسرحيين: تيتوس ماكيوس بلاوتوس (بلوتوس) و Publius Terentius Afer (تيرينس). ^[27] في إعادة صياغة الأصول اليونانية، ألغى الكتاب المسرحيون الكوميديون الرومانيون دور الجوقة في تقسيم الدراما إلى حلقات وقدموا المرافقة الموسيقية لحوارها ( بين ثلث الحوار في الكوميديا ​​لبلوتوس وثلثي الحوار في تلك الخاصة بتيرينس). ^[28] تدور أحداث جميع المشاهد في الموقع الخارجي للشارع وغالبًا ما تتبع تعقيداتها من التنصت . ^[28] كتب بلاوتوس، الأكثر شهرة من الاثنين، بين عامي 205 و 184 قبل الميلاد، وقد نجا عشرون من كوميدياته، ومن أشهرها مسرحياته الهزلية ؛ وقد أعجب به لذكاء حواره واستخدامه لمجموعة متنوعة من المقاييس الشعرية . ^[29] لقد نجت جميع المسرحيات الكوميدية الست التي كتبها تيرينس بين عامي 166 و160 قبل الميلاد؛ وقد تعرضت تعقيدات حبكاته، التي كان يجمع فيها غالبًا بين عدة أعمال يونانية أصلية، للانتقاد في بعض الأحيان، لكن حبكاته المزدوجة مكنت من تقديم عرض متطور للسلوك البشري المتناقض. ^[29]

لم تنجُ أي مأساة رومانية مبكرة، على الرغم من أنها كانت تحظى بتقدير كبير في عصرها؛ يعرف المؤرخون ثلاثة من كتاب المأساة الأوائل - كوينتوس إينيوس وماركوس باكوفيوس ولوسيوس أكيوس . ^[28] من زمن الإمبراطورية، نجا عمل اثنين من كتاب المأساة - أحدهما مؤلف غير معروف، بينما الآخر هو الفيلسوف الرواقي سينيكا . ^[30] نجت تسع من مآسي سينيكا، وكلها من fabula crepidata (مآسي مقتبسة من أصول يونانية)؛ على سبيل المثال، استندت مسرحيته Phaedra إلى مسرحية هيبوليتوس ليوربيديس . ^[31] لا يعرف المؤرخون من كتب المثال الوحيد المتبقي من fabula praetexta (المآسي المستندة إلى مواضيع رومانية)، أوكتافيا ، ولكن في الأوقات السابقة نُسبت عن طريق الخطأ إلى سينيكا بسبب ظهوره كشخصية في المأساة. ^[30]

على النقيض من المسرح اليوناني القديم، كان المسرح في روما القديمة يسمح للممثلات الإناث. وبينما تم توظيف الأغلبية للرقص والغناء، فمن المعروف أن أقلية من الممثلات قمن بأداء أدوار التحدث، وكانت هناك ممثلات حققن الثروة والشهرة والتقدير لفنهن، مثل يوخاريس وديونيزيا وغاليريا كوبيولا وفابيا أريتي : كما شكلن نقابة تمثيل خاصة بهن، Sociae Mimae ، والتي كانت ثرية للغاية على ما يبدو. ^[32]

مع سقوط الإمبراطورية الرومانية الغربية في الاضمحلال خلال القرنين الرابع والخامس، انتقل مقر السلطة الرومانية إلى القسطنطينية والإمبراطورية الرومانية الشرقية ، والتي تسمى اليوم الإمبراطورية البيزنطية . في حين أن الأدلة الباقية عن المسرح البيزنطي ضئيلة، إلا أن السجلات الموجودة تُظهر أن التقليد أو المشاهد أو التلاوات من المآسي والكوميديا ​​والرقصات وغيرها من وسائل الترفيه كانت شائعة جدًا. كان لدى القسطنطينية مسرحان كانا قيد الاستخدام حتى أواخر القرن الخامس. ^{[33] ومع ذلك، فإن الأهمية الحقيقية للبيزنطيين في تاريخ المسرح تتمثل في الحفاظ على العديد} من النصوص اليونانية الكلاسيكية وتجميع موسوعة ضخمة تسمى سودا ، والتي استمدت منها كمية كبيرة من المعلومات المعاصرة عن المسرح اليوناني.

منذ القرن الخامس، انغمست أوروبا الغربية في فترة من الفوضى العامة التي استمرت (مع فترة وجيزة من الاستقرار تحت الإمبراطورية الكارولنجية في القرن التاسع) حتى القرن العاشر. وعلى هذا النحو، اختفت معظم الأنشطة المسرحية المنظمة في أوروبا الغربية . ^{[ بحاجة لمصدر ]} وبينما يبدو أن الفرق البدوية الصغيرة سافرت حول أوروبا طوال الفترة، وقدمت عروضها أينما وجدت جمهورًا، فلا يوجد دليل على أنها أنتجت أي شيء سوى مشاهد بدائية. ^[34] وقد شجبت الكنيسة هؤلاء المؤدين خلال العصور المظلمة حيث اعتبرتهم خطرين وثنيين.

بحلول أوائل العصور الوسطى ، بدأت الكنائس في أوروبا في تقديم نسخ درامية لأحداث توراتية معينة في أيام محددة من العام. تم تضمين هذه التمثيلات الدرامية من أجل تنشيط الاحتفالات السنوية. ^[35] استذكرت الأشياء والأفعال الرمزية - الملابس والمذابح والمباخر والبانتومايم التي يؤديها الكهنة - الأحداث التي تحتفل بها الطقوس المسيحية. كانت هذه مجموعات واسعة من العلامات المرئية التي يمكن استخدامها للتواصل مع جمهور أمي إلى حد كبير. تطورت هذه العروض إلى دراما طقسية ، أقدمها هو مجاز عيد الفصح "من تبحث عنه" (Quem-Quaeritis) ، الذي يرجع تاريخه إلى حوالي عام 925. ^[35] تم غناء الدراما الليتورجية بشكل متجاوب من قبل مجموعتين ولم تتضمن ممثلين ينتحلون شخصيات. ومع ذلك، في وقت ما بين عامي 965 و975، قام إثيلولد من وينشستر بتأليف Regularis Concordia (الاتفاقية الرهبانية) التي تحتوي على مسرحية كاملة مع توجيهات للأداء. ^[36]

كتبت هروسفيثا (حوالي 935 - 973)، وهي راهبة في شمال ألمانيا ، ست مسرحيات مستوحاة من مسرحيات تيرينس الكوميدية ولكنها استخدمت موضوعات دينية. هذه المسرحيات الست - أبراهام، وكاليماخوس، ودولسيتيوس، وجاليكانوس، وبابنوتيوس، وسابينتيا - هي أول مسرحيات معروفة ألفتها كاتبة مسرحية وأول أعمال درامية غربية يمكن التعرف عليها في عصر ما بعد الكلاسيكية. ^[36] نُشرت لأول مرة في عام 1501 وكان لها تأثير كبير على المسرحيات الدينية والتعليمية في القرن السادس عشر. تبعت هروسفيثا هيلديجارد من بينجن (توفيت عام 1179)، وهي رئيسة دير بندكتيني ، كتبت دراما موسيقية لاتينية تسمى أوردو فيرتوتوم عام 1155.

مع توقف غزوات الفايكنج في منتصف القرن الحادي عشر، انتشرت الدراما الليتورجية من روسيا إلى الدول الاسكندنافية إلى إيطاليا . فقط في شبه الجزيرة الأيبيرية التي احتلها المسلمون لم يتم تقديم الدراما الليتورجية على الإطلاق. وعلى الرغم من العدد الكبير من الدراما الليتورجية التي نجت من تلك الفترة، فإن العديد من الكنائس كانت تقدم واحدة أو اثنتين فقط في السنة وعدد أكبر لم يقدم أيًا منها على الإطلاق. ^[37]

كان عيد الحمقى مهمًا بشكل خاص في تطوير الكوميديا. فقد قلب المهرجان مكانة رجال الدين الأقل شأنًا وسمح لهم بالسخرية من رؤسائهم وروتين الحياة الكنسية. وفي بعض الأحيان كانت تُعرض مسرحيات كجزء من المناسبة، وكان هناك قدر معين من السخرية والكوميديا ​​يتسلل إلى هذه العروض. ورغم أن الحلقات الكوميدية كان عليها أن تنتظر حقًا حتى فصل الدراما عن الطقوس الدينية، إلا أن عيد الحمقى كان له بلا شك تأثير عميق على تطوير الكوميديا ​​في المسرحيات الدينية والدنيوية. ^[38]

بدأ عرض المسرحيات الدينية خارج الكنيسة في وقت ما في القرن الثاني عشر من خلال عملية مقبولة تقليديًا لدمج الدراما الليتورجية القصيرة في مسرحيات أطول والتي تُرجمت بعد ذلك إلى اللغة العامية وقام بتأديتها أشخاص عاديون. يعطي سر آدم (1150) مصداقية لهذه النظرية حيث يشير توجيهها المسرحي التفصيلي إلى أنها عُرضت في الهواء الطلق. نجا عدد من المسرحيات الأخرى من تلك الفترة، بما في ذلك La Seinte Resurrection ( نورماندي )، و The Play of the Magi Kings ( إسبانية )، و Sponsus ( فرنسية ).

كانت أهمية العصور الوسطى العليا في تطوير المسرح تتمثل في التغييرات الاقتصادية والسياسية التي أدت إلى تشكيل النقابات ونمو المدن. وقد أدى هذا إلى تغييرات كبيرة في أواخر العصور الوسطى . في الجزر البريطانية ، تم إنتاج المسرحيات في حوالي 127 مدينة مختلفة خلال العصور الوسطى. تمت كتابة مسرحيات الغموض العامية هذه في دورات من عدد كبير من المسرحيات: يورك (48 مسرحية)، تشيستر (24)، ويكفيلد (32) ومجهول (42). نجا عدد أكبر من المسرحيات من فرنسا وألمانيا في هذه الفترة وتم تقديم بعض أنواع الدراما الدينية في كل دولة أوروبية تقريبًا في أواخر العصور الوسطى . احتوت العديد من هذه المسرحيات على الكوميديا ​​والشياطين والأشرار والمهرجين . ^[39]

كان أغلب الممثلين في هذه المسرحيات من السكان المحليين. على سبيل المثال، في فالنسيان عام 1547، تم تخصيص أكثر من 100 دور لـ 72 ممثلًا. ^[40] تم عرض المسرحيات على مسارح عربات الاستعراض ، والتي كانت عبارة عن منصات مثبتة على عجلات تستخدم لتحريك الديكور. غالبًا ما كان الممثلون الهواة في إنجلترا من الذكور فقط، ولكن في بلدان أخرى كان لديهم ممثلات. سمحت منصة المسرح، التي كانت مساحة غير محددة وليست مكانًا محددًا، بتغييرات مفاجئة في الموقع.

ظهرت مسرحيات الأخلاق كشكل درامي مميز حوالي عام 1400 وازدهرت حتى عام 1550. مسرحية الأخلاق الأكثر إثارة للاهتمام ^{[ وفقًا لمن؟ ]} هي قلعة المثابرة التي تصور تقدم البشرية من الولادة إلى الموت. ومع ذلك، فإن مسرحية الأخلاق الأكثر شهرة وربما الدراما الأكثر شهرة في العصور الوسطى هي Everyman . يتلقى كل إنسان استدعاء الموت ، ويكافح من أجل الفرار ويستسلم أخيرًا للضرورة. على طول الطريق ، هجره الأقارب والسلع والرفقة - فقط الأعمال الصالحة تذهب معه إلى القبر.

كما كان هناك عدد من العروض الدنيوية التي أقيمت في العصور الوسطى، أقدمها مسرحية غرينوود لآدم دي لا هال في عام 1276. تحتوي على مشاهد ساخرة ومواد شعبية مثل الجنيات وغيرها من الأحداث الخارقة للطبيعة. كما ارتفعت شعبية المسرحيات الهزلية بشكل كبير بعد القرن الثالث عشر. تأتي غالبية هذه المسرحيات من فرنسا وألمانيا وهي متشابهة في النبرة والشكل، وتؤكد على الجنس والإفرازات الجسدية. ^[41] أشهر كاتب مسرحي للمهزلة هو هانز ساكس (1494-1576) الذي كتب 198 عملاً دراميًا. في إنجلترا، تعد مسرحية الرعاة الثانية لدورة ويكفيلد أشهر مسرحية هزلية مبكرة. ومع ذلك، لم تظهر المسرحيات الهزلية بشكل مستقل في إنجلترا حتى القرن السادس عشر مع عمل جون هيوود (1497-1580).

كان من أهم رواد تطوير الدراما الإليزابيثية غرف البلاغة في الأراضي المنخفضة . ^[42] كانت هذه الجمعيات مهتمة بالشعر والموسيقى والدراما وعقدت مسابقات لمعرفة أي جمعية يمكنها تأليف أفضل دراما فيما يتعلق بسؤال مطروح.

في نهاية العصور الوسطى المتأخرة ، بدأ ظهور الممثلين المحترفين في إنجلترا وأوروبا . احتفظ كل من ريتشارد الثالث وهنري السابع بشركات صغيرة من الممثلين المحترفين. تم عرض مسرحياتهم في القاعة الكبرى في مسكن أحد النبلاء، وغالبًا ما تكون هناك منصة مرتفعة في أحد طرفيها للجمهور و"شاشة" في الطرف الآخر للممثلين. كانت مسرحيات الممثلين الإيمائيين ، التي تم عرضها خلال موسم الكريسماس ، وأقنعة البلاط، من الأمور المهمة أيضًا . كانت هذه الأقنعة شائعة بشكل خاص في عهد هنري الثامن الذي بنى بيت ريفيلز وأنشأ مكتب ريفيلز في عام 1545. ^[43]

جاءت نهاية الدراما في العصور الوسطى بسبب عدد من العوامل، بما في ذلك ضعف قوة الكنيسة الكاثوليكية ، والإصلاح البروتستانتي وحظر المسرحيات الدينية في العديد من البلدان. ​​منعت إليزابيث الأولى جميع المسرحيات الدينية في عام 1558 وتم إسكات مسرحيات الدورة الكبرى بحلول ثمانينيات القرن السادس عشر. وبالمثل، تم حظر المسرحيات الدينية في هولندا في عام 1539، والدولة البابوية في عام 1547 وفي باريس في عام 1548. أدى التخلي عن هذه المسرحيات إلى تدمير المسرح الدولي الذي كان موجودًا وأجبر كل دولة على تطوير شكلها الخاص من الدراما. كما سمح ذلك للكتاب المسرحيين بالتحول إلى مواضيع دنيوية ووفر لهم الاهتمام المتجدد بالمسرح اليوناني والروماني الفرصة المثالية. ^[43]

كانت الكوميديا ​​​​ديلارتي ( حرفيًا " كوميديا ​​المهنة " ) ^[44] شكلًا مبكرًا من أشكال المسرح الاحترافي، نشأ من المسرح الإيطالي ، وكان شائعًا في جميع أنحاء أوروبا بين القرنين السادس عشر والثامن عشر. ^{[45] [46]} كانت تسمى سابقًا "الكوميديا ​​​​الإيطالية" باللغة الإنجليزية وتُعرف أيضًا باسم كوميديا ​​​​ألا ماسكيرا وكوميديا ​​​​إمبروفيسو وكوميديا ​​​​ديلارتي أل إمبروفيسو . ^[47] تتميز الكوميديا ​​​​بأنواع مقنعة ،وكانت مسؤولة عن صعود الممثلات مثل إيزابيلا أندرييني ^[48] والعروض المرتجلة القائمة على الرسومات أو السيناريوهات. ^{[49] [50]} الكوميديا​​​​، مثل The Tooth Puller ، مكتوبة ومرتجلة. ^{[49] [51] دخول} وخروج الشخصيات مكتوب. من السمات المميزة للكوميديا ​​هي اللاتزو ، وهي نكتة أو "شيء أحمق أو ذكي"، وعادة ما تكون معروفة جيدًا للممثلين وإلى حد ما روتين مكتوب. ^{[51] [52]} ومن السمات الأخرى للكوميديا ​​التمثيل الإيمائي ، والذي يستخدمه في الغالب شخصية أرليكينو، والمعروفة الآن باسم هارلكوين . ^[53] 

تمثل شخصيات الكوميديا ​​عادةً أنواعًا اجتماعية ثابتة وشخصيات نمطية ، مثل الرجال المسنين الحمقى، أو الخدم الماكرين، أو الضباط العسكريين المليئين بالتفاخر الزائف . [ ^{49] [54]} الشخصيات هي "شخصيات حقيقية" مبالغ فيها، مثل الطبيب الذي يعرف كل شيء والذي يُدعى Il Dottore ، أو الرجل العجوز الجشع الذي يُدعى Pantalone ، أو العلاقة المثالية مثل Innamorati . ^[48] تم تشكيل العديد من الفرق لتقديم الكوميديا ، بما في ذلك I Gelosi (التي كان بها ممثلون مثل Andreini وزوجها Francesco Andreini )، ^[55] فرقة Confidenti، وفرقة Desioi، وفرقة Fedeli. ^{[48] [49] غالبًا ما كانت} الكوميديا ​​تُقدم في الخارج على منصات أو في مناطق شعبية مثل ساحة ( ساحة المدينة ). ^{[47] [49]} نشأ شكل المسرح في إيطاليا، لكنه انتشر في جميع أنحاء أوروبا - وأحيانًا إلى أماكن بعيدة مثل موسكو. ^[56]

قد يكون أصل الكوميديا ​​مرتبطًا بالكرنفال في البندقية ، حيث ابتكر المؤلف والممثل أندريا كالمو شخصية Il Magnifico، سلف vecchio (الرجل العجوز) Pantalone، بحلول عام 1570. في سيناريو فلامينيو سكالا ، على سبيل المثال، يستمر Il Magnifico ويمكن استبداله بـ Pantalone حتى القرن السابع عشر. في حين أن شخصيات كالمو (التي تضمنت أيضًا الكابيتانو الإسباني ونوع dottore ) لم تكن ملثمة، فمن غير المؤكد في أي نقطة ارتدت الشخصيات القناع. ومع ذلك، فإن الارتباط بالكرنفال (الفترة بين عيد الغطاس وأربعاء الرماد ) يشير إلى أن ارتداء الأقنعة كان من تقاليد الكرنفال وتم تطبيقه في مرحلة ما. يتركز التقليد في شمال إيطاليا في فلورنسا ومانتوفا والبندقية ، حيث خضعت الشركات الكبرى لحماية الدوقات المختلفة . وفي الوقت نفسه، نشأ تقليد نابولي في الجنوب وتميز بشخصية المسرح البارزة بولسينيلا ، والتي ارتبطت بنابولي منذ فترة طويلة وتطورت إلى أنواع مختلفة في أماكن أخرى - وأشهرها شخصية الدمية بانش (من عروض بانش وجودي التي تحمل نفس الاسم ) في إنجلترا.

سمحت الكوميديا ​​​​المسرحية للنساء المحترفات بالتمثيل في وقت مبكر: تمت الإشارة إلى لوكريزيا دي سيينا ، التي ورد اسمها في عقد ممثلين من عام 1564، باعتبارها أول ممثلة إيطالية معروفة بالاسم، مع فينسينزا أرماني وباربرا فلامينيا كأول بريما دونا والممثلات الموثقات جيدًا في أوروبا. ^[57]

يحتاج هذا القسم إلى مصادر إضافية للتحقق . يُرجى المساعدة في تحسين هذه المقالة عن طريق إضافة مصادر موثوقة في هذا القسم. قد يتم الطعن في المواد غير الموثقة وإزالتها. ( أبريل 2011 ) ( تعرف على كيفية ومتى يمكنك إزالة هذه الرسالة )

نشأ مسرح عصر النهضة الإنجليزي من عدة تقاليد مسرحية تعود إلى العصور الوسطى، مثل مسرحيات الغموض التي كانت تشكل جزءًا من المهرجانات الدينية في إنجلترا وأجزاء أخرى من أوروبا خلال العصور الوسطى. وتشمل المصادر الأخرى " مسرحيات الأخلاق " و"الدراما الجامعية" التي حاولت إعادة خلق المأساة الأثينية. كما ساهمت التقاليد الإيطالية للكوميديا ​​​​ديلارتي ، بالإضافة إلى الأقنعة المعقدة التي كانت تُعرض كثيرًا في البلاط، في تشكيل المسرح العام.

منذ ما قبل حكم إليزابيث الأولى، كانت شركات الممثلين مرتبطة بأسر كبار الأرستقراطيين وأدت قطعًا دنيوية موسميًا في مواقع مختلفة. ^[58] أصبحت هذه الأساس للاعبين المحترفين الذين قدموا عروضهم على المسرح الإليزابيثي. حلت جولات هؤلاء الممثلين تدريجيًا محل عروض مسرحيات الغموض والأخلاق التي قدمها اللاعبون المحليون. ^[58] ألغى قانون عام 1572 أي شركات غير مرخصة تفتقر إلى الرعاية الرسمية من خلال وصفها بالمتشردين . ^[58]

كانت سلطات مدينة لندن معادية بشكل عام للعروض العامة، لكن عدائها كان يفوق ذوق الملكة في المسرحيات ودعم مجلس الملكة الخاص. ^[59] نشأت المسارح في الضواحي، وخاصة في منطقة ساوثوورك الحرة، التي يمكن الوصول إليها عبر نهر التيمز لسكان المدينة ولكنها خارج سيطرة السلطات. حافظت الشركات على التظاهر بأن عروضها العامة كانت مجرد بروفات للعروض المتكررة أمام الملكة، ولكن في حين أن الأخيرة منحت الهيبة، كانت الأولى هي المصدر الحقيقي للدخل للاعبين المحترفين.

وإلى جانب العوامل الاقتصادية التي كانت تحكم المهنة، تغيرت طبيعة الدراما مع اقتراب نهاية تلك الفترة. ففي عهد إليزابيث، كانت الدراما تعبيراً موحداً فيما يتصل بالطبقة الاجتماعية: فكان أفراد البلاط يشاهدون نفس المسرحيات التي يشاهدها عامة الناس في المسارح العامة. ومع تطور المسارح الخاصة، أصبحت الدراما أكثر توجهاً نحو أذواق وقيم جمهور الطبقة العليا. وبحلول الجزء الأخير من عهد تشارلز الأول، لم يعد يُكتب سوى عدد قليل من المسرحيات الجديدة للمسارح العامة، التي كانت تعتمد على الأعمال المتراكمة في العقود السابقة. ^[60]

كانت المعارضة البيوريتانية للمسرح (المستنيرة بحجج آباء الكنيسة الأوائل الذين كتبوا مقالات طويلة ضد وسائل الترفيه المنحطة والعنيفة للرومان) تزعم ليس فقط أن المسرح بشكل عام كان وثنيًا ، بل وأن أي مسرحية تمثل شخصية دينية كانت وثنية بطبيعتها . في عام 1642، عند اندلاع الحرب الأهلية الإنجليزية ، حظرت السلطات البيوريتانية عرض جميع المسرحيات داخل حدود مدينة لندن. سحق الهجوم الشامل ضد الفساد الأخلاقي المزعوم للمسرح كل ما تبقى في إنجلترا من التقاليد الدرامية.

إذا كانت البروتستانتية تتميز بعلاقة متناقضة مع المسرح، فإن الكاثوليكية المضادة للإصلاح كانت ستستخدمها لأغراض عاطفية وإنجيلية صريحة. ^[61] تطورت الابتكارات الزخرفية للكنائس الكاثوليكية الباروكية بشكل تكافلي مع فن تصميم المناظر الطبيعية المتطور بشكل متزايد . يمكن الاحتفاظ بالتقاليد المسرحية في العصور الوسطى وتطويرها في البلدان الكاثوليكية، حيثما كان يُعتقد أنها مفيدة. Sacre rappresentazioni في إيطاليا، واحتفالات عيد جسد المسيح في جميع أنحاء أوروبا، هي أمثلة على ذلك. أعطت Autos sacramentales ، المسرحيات المكونة من فصل واحد في مركز احتفالات عيد جسد المسيح في إسبانيا، إدراكًا ملموسًا ومنتصراً للتجريدات في لاهوت القربان المقدس الكاثوليكي ، وأشهرها على يد بيدرو كالديرون دي لا باركا . في حين أن التركيز على القدر في اللاهوت البروتستانتي أدى إلى تقدير جديد للقدرية في الدراما الكلاسيكية ، يمكن مواجهة ذلك. كانت فكرة الكوميديا ​​المأساوية نفسها مثيرة للجدل لأن هذا النوع كان تطورًا ما بعد الكلاسيكية، لكن الكوميديا ​​المأساوية أصبحت شكلًا شائعًا للإصلاح المضاد لأنها كانت مناسبة لإظهار الأعمال الحميدة للعناية الإلهية ، وتأييد مفهوم الإرادة الحرة . كان Il pastor fido (الراعي الأمين، الذي كتب في ثمانينيات القرن السادس عشر، ونُشر عام 1602) لجيوفاني باتيستا غواريني هو الكوميديا ​​المأساوية الأكثر تأثيرًا في تلك الفترة، بينما اشتهر تيرسو دي مولينا بشكل خاص بتخريبه ببراعة لتداعيات مؤامراته المأساوية من خلال النهايات الكوميدية. يكمن انقلاب مماثل بدوافع لاهوتية للتوقعات العامة وراء tragœdiæ sacræ مثل Ermenegildo لفرانشيسكو سفورزا بالافيتشينو . ^[61] تطور هذا النوع من المأساة المقدسة من التمثيل الدرامي في العصور الوسطى لحياة القديسين؛ فيها يموت أبطال الشهداء بطريقة مأساوية ومنتصرة. من خلال تعزيز تشجيع الكاثوليكية المضادة للإصلاح لعبادة الشهداء، يمكن لمثل هذه المسرحيات أن تحتفل بشخصيات معاصرة مثل السير توماس مور - بطل العديد من الأعمال الدرامية في جميع أنحاء أوروبا - أو يمكن استخدامها لإثارة المشاعر القومية. ^[61]

خلال عصرها الذهبي ، من عام 1590 إلى عام 1681 تقريبًا، ^{[62] شهدت} إسبانيا زيادة هائلة في إنتاج المسرح الحي بالإضافة إلى أهمية المسرح داخل المجتمع الإسباني. كان شكلًا فنيًا متاحًا لجميع المشاركين في عصر النهضة في إسبانيا، حيث كان يحظى برعاية كبيرة من الطبقة الأرستقراطية ويحضره عدد كبير من الطبقات الدنيا. ^[63] كان حجم وتنوع المسرحيات الإسبانية خلال العصر الذهبي غير مسبوق في تاريخ المسرح العالمي، متجاوزًا، على سبيل المثال، الإنتاج الدرامي لعصر النهضة الإنجليزي بعامل لا يقل عن أربعة أضعاف. ^{[62] [63] [64]} على الرغم من أن هذا المجلد كان مصدرًا للنقد بقدر ما كان مصدرًا للثناء على مسرح العصر الذهبي الإسباني، لتأكيده على الكمية قبل الجودة، ^[65] لا يزال عدد كبير من 10000 ^[63] إلى 30000 ^[65] مسرحية من هذه الفترة تعتبر روائع. ^{[66] [67]}

كان من بين كبار الفنانين في تلك الفترة لوبي دي فيغا ، وهو معاصر لشكسبير، والذي غالبًا ما كان يُنظر إليه في نفس الوقت على أنه يوازيه في المسرح الإسباني، ^[68] وكالديرون دي لا باركا ، مخترع الزرزويلا ^[69] وخليفة لوبي باعتباره الكاتب المسرحي الإسباني البارز. ^{[70] ساعد} جيل فيسينتي ، ولوبي دي رويدا ، وخوان ديل إنسينا في إرساء أسس المسرح الإسباني في منتصف القرن السادس عشر، ^{[71] [72] [73]} بينما قدم فرانسيسكو دي روخاس زوريلا وتيرسو دي مولينا مساهمات كبيرة في النصف الأخير من العصر الذهبي. ^{[74] [75]} وكان من بين الممثلين المهمين لوبي دي رويدا (الذي ذُكر سابقًا بين كتاب المسرحيات) وخوان رانا لاحقًا. ^{[76] [77]}

كانت مصادر التأثير للمسرح الوطني الناشئ في إسبانيا متنوعة بقدر تنوع المسرح الذي انتهى الأمر بإنتاجه. ساهمت تقاليد سرد القصص التي نشأت في الكوميديا ​​​​الإيطالية ^[78] والتعبير الإسباني الفريد عن ترفيه المنشدين المتجولين في أوروبا الغربية ^{[79] [80]} في التأثير الشعبوي على السرد والموسيقى على التوالي في المسرح الإسباني المبكر. من ناحية أخرى، ساهمت النقد الأرسطي الجديد والدراما الليتورجية في وجهات نظر أدبية وأخلاقية. ^{[81] [82]} بدوره، أثر مسرح العصر الذهبي الإسباني بشكل كبير على مسرح الأجيال اللاحقة في أوروبا وفي جميع أنحاء العالم. كان للدراما الإسبانية تأثير فوري وهام على التطورات المعاصرة في مسرح عصر النهضة الإنجليزي . ^[66] كما كان لها تأثير دائم على المسرح في جميع أنحاء العالم الناطق بالإسبانية. ^[83] بالإضافة إلى ذلك، يتم ترجمة عدد متزايد من الأعمال، مما يزيد من نطاق مسرح العصر الذهبي الإسباني ويعزز سمعته بين النقاد ورواد المسرح. ^[84]

هذا القسم يحتاج إلى التوسعة ، يمكنك المساعدة بإضافة المزيد إليه. ( يوليو 2024 )

أبرز الكتاب المسرحيين:

• بيير كورني (1606-1684)
• موليير (1622-1673)
• جان راسين (1639-1699)

كان المسرح اليوناني حيًا ومزدهرًا في جزيرة كريت. خلال عصر النهضة الكريتي، كان هناك كاتبان مسرحيان يونانيان بارزان هما جورجيوس تشورتاتزيس وفيتسينتزوس كورناروس حاضرين في الجزء الأخير من القرن السادس عشر. ^{[85] [86]}

يحتاج هذا القسم إلى مصادر إضافية للتحقق . يُرجى المساعدة في تحسين هذه المقالة عن طريق إضافة مصادر موثوقة في هذا القسم. قد يتم الطعن في المواد غير الموثقة وإزالتها. ( مايو 2011 ) ( تعرف على كيفية ومتى يمكنك إزالة هذه الرسالة )

بعد حظر العروض المسرحية العامة لمدة 18 عامًا من قبل النظام البيوريتاني، كانت إعادة فتح المسارح في عام 1660 إيذانًا بنهضة الدراما الإنجليزية. مع استعادة الملك في عام 1660 جاء ترميم وإعادة فتح المسرح. تسمى الكوميديا ​​الإنجليزية المكتوبة والمُقدمة في فترة الاستعادة من عام 1660 إلى عام 1710 بشكل جماعي "كوميديا ​​الاستعادة". تشتهر كوميديا ​​الاستعادة بصراحتها الجنسية ، وهي صفة شجعها تشارلز الثاني (1660-1685) شخصيًا ومن خلال الأخلاق الأرستقراطية الفاحشة في بلاطه . لأول مرة سُمح للنساء بالتمثيل، مما وضع حدًا لممارسة قيام الممثل الصبياني بدور النساء. شمل الجمهور المتنوع اجتماعيًا كلًا من الأرستقراطيين وخدمهم ومتطفليهم، وشريحة كبيرة من الطبقة المتوسطة. أحب جمهور الاستعادة أن يرى انتصار الخير في مآسيهم واستعادة الحكومة الشرعية. في الكوميديا، أحبوا رؤية حياة الحب للشباب والأناقة، مع زوجين رئيسيين يجلبان مغازلتهما إلى نهاية ناجحة (غالبًا ما يتغلبان على معارضة كبار السن للقيام بذلك). كان لزامًا على البطلات أن يكن عفيفات، لكنهن مستقلات التفكير وصريحات؛ الآن بعد أن لعبتهن النساء، كان هناك المزيد من الأميال للكاتب المسرحي في إخفائهن بملابس الرجال أو منحهن فرصة الهروب من الاغتصاب. انجذب هؤلاء المشاهدون إلى الكوميديا ​​من خلال الكتابة الموضوعية الحديثة، والحبكات المزدحمة والصاخبة ، وتقديم الممثلات المحترفات الأوائل، وظهور أول ممثلين مشاهير. بالنسبة لغير رواد المسرح، كانت هذه الكوميديا ​​تُرى على نطاق واسع على أنها فاسقة ومشتبه بها أخلاقيًا، وتدعم تصرفات طبقة صغيرة ومتميزة ومنحطة للإعجاب. سيطرت نفس الطبقة على جماهير مسرح الاستعادة. شهدت هذه الفترة أول كاتبة مسرحية محترفة، أفرا بيهن .

كرد فعل على انحطاط إنتاجات عصر تشارلز الثاني، نمت شعبية الكوميديا ​​العاطفية . ركز هذا النوع على تشجيع السلوك الفاضل من خلال إظهار شخصيات من الطبقة المتوسطة تتغلب على سلسلة من التجارب الأخلاقية. اعتقد كتاب مسرحيون مثل كولي سيبر وريتشارد ستيل أن البشر طيبون بطبيعتهم ولكنهم قادرون على الضلال. من خلال مسرحيات مثل The Conscious Lovers و Love's Last Shift ، سعوا إلى جذب المشاعر النبيلة للجمهور حتى يتمكن المشاهدون من الإصلاح. ^{[87] [88]}

ظهرت مسرحيات الاستعادة المذهلة ، أو "المسرحيات الآلية" المنظمة بشكل متقن، على خشبة المسرح العامة في لندن في فترة الاستعادة في أواخر القرن السابع عشر ، حيث أذهلت الجماهير بالحركة والموسيقى والرقص والمشاهد المتحركة واللوحات الخيالية الباروكية والأزياء الرائعة والمؤثرات الخاصة مثل حيل الباب السري والممثلين "الطائرين" والألعاب النارية . لطالما اكتسبت هذه العروض سمعة سيئة باعتبارها تهديدًا مبتذلًا وتجاريًا للدراما الارتدادية "المشروعة" الذكية ؛ ومع ذلك، فقد اجتذبت سكان لندن بأعداد غير مسبوقة وتركتهم مذهولين ومبتهجين.

تُعرف العروض المسرحية المذهلة أحيانًا باسم "الأوبرا الإنجليزية"، وهي عروض محلية المنشأ وتعود جذورها إلى أقنعة البلاط في أوائل القرن السابع عشر ، على الرغم من أنها لا تخجل أبدًا من استعارة الأفكار وتكنولوجيا المسرح من الأوبرا الفرنسية . ومع ذلك، فإن تنوعها غير مرتب لدرجة أن معظم مؤرخي المسرح يأسوا من تعريفها كنوع على الإطلاق. ^[89] عادةً ما يُطلق مصطلح "أوبرا" على عدد قليل فقط من أعمال هذه الفترة، حيث أن البعد الموسيقي لمعظمها تابع للبعد البصري. كان المشهد والمناظر الطبيعية هما اللذان اجتذبا الحشود، كما يتضح من العديد من التعليقات في مذكرات عاشق المسرح صمويل بيبس . ^[90] دفعت تكلفة إنتاج مشاهد أكثر تعقيدًا شركتي المسرح المتنافستين إلى دوامة خطيرة من الإنفاق الضخم والخسائر أو الأرباح الضخمة في المقابل. إن الفشل الذريع مثل فيلمي " ألبيون وألبانيوس" لجون درايدن من شأنه أن يترك الشركة في ديون خطيرة، في حين أن الأفلام الناجحة مثل فيلم " سايكي " لتوماس شادويل أو فيلم " الملك آرثر " لدرايدن من شأنها أن تضع الشركة في وضع مالي مريح لفترة طويلة. ^[91]

يحتاج هذا القسم إلى مصادر إضافية للتحقق . يُرجى المساعدة في تحسين هذه المقالة عن طريق إضافة مصادر موثوقة في هذا القسم. قد يتم الطعن في المواد غير الموثقة وإزالتها. ( أبريل 2011 ) ( تعرف على كيفية ومتى يمكنك إزالة هذه الرسالة )

كانت الكلاسيكية الجديدة هي الشكل السائد للمسرح في القرن الثامن عشر. وقد طالبت باللياقة والالتزام الصارم بالوحدات الكلاسيكية . يتميز المسرح الكلاسيكي الجديد وكذلك الفترة الزمنية بفخامته. كانت الأزياء والديكورات معقدة ومفصلة. يتميز التمثيل بالإيماءات الكبيرة والميلودراما. يشمل المسرح الكلاسيكي الجديد عصر الاستعادة وعصر أوغسطين وعصر جونستين. بمعنى ما، يتبع العصر الكلاسيكي الجديد عصر النهضة مباشرة.

مسارح أوائل القرن الثامن عشر - تم استبدال المهزلة الجنسية التي ظهرت في فترة الترميم بالكوميديات الساخرة سياسياً، وفي عام 1737 أقر البرلمان قانون ترخيص المسرح الذي فرض الرقابة الحكومية على العروض العامة وحدد عدد المسارح في لندن إلى اثنين.

ينقسم المسرح في القرن التاسع عشر إلى قسمين: المبكر والمتأخر. كانت الفترة المبكرة تهيمن عليها الميلودراما والرومانسية .

بدءًا من فرنسا، أصبحت الميلودراما الشكل المسرحي الأكثر شعبية. غالبًا ما تُعتبر مسرحية أوغست فون كوتزيبو " كراهية البشر والتوبة " (1789) أول مسرحية ميلودرامية. أسست مسرحيات كوتزيبو ورينيه تشارلز جيلبرت دي بيكسيريكورت الميلودراما باعتبارها الشكل الدرامي السائد في أوائل القرن التاسع عشر. ^[92]

في ألمانيا، كان هناك اتجاه نحو الدقة التاريخية في الأزياء والمشاهد ، وثورة في هندسة المسرح، وإدخال الشكل المسرحي للرومانسية الألمانية . تحت تأثير اتجاهات فلسفة القرن التاسع عشر والفنون البصرية ، أصبح الكتاب الألمان مفتونين بشكل متزايد بماضيهم التوتوني وكان لديهم شعور متزايد بالقومية . ألهمت مسرحيات جوتهولد إفرايم ليسينج ويوهان فولفغانغ فون جوته وفريدريش شيلر وغيرهم من كتاب مسرحيات العاصفة والاندفاع إيمانًا متزايدًا بالشعور والغريزة كدليل على السلوك الأخلاقي.

في بريطانيا ، كان بيرسي بيش شيلي واللورد بايرون من أهم الكتاب المسرحيين في عصرهما، على الرغم من أن مسرحيات شيلي لم تُعرض حتى وقت لاحق من القرن. في المسارح الصغيرة، كانت البورليتا والميلودراما الأكثر شعبية. تُرجمت مسرحيات كوتزيبو إلى اللغة الإنجليزية وكانت قصة الغموض لتوماس هولكروفت أولى العديد من الميلودراما الإنجليزية. بدأ بيرس إيغان ودوجلاس ويليام جيرولد وإدوارد فيتزبول وجون بالدوين باكستون اتجاهًا نحو المزيد من القصص المعاصرة والريفية بدلاً من الميلودراما التاريخية أو الخيالية المعتادة. أسس جيمس شيريدان نولز وإدوارد بولوير ليتون دراما "جنتلمانية" بدأت في إعادة ترسيخ الهيبة السابقة للمسرح مع الأرستقراطية . ^[93]

وشهدت الفترة الأخيرة من القرن التاسع عشر ظهور نوعين متعارضين من الدراما: الواقعية وغير الواقعية، مثل الرمزية وسلائف التعبيرية .

بدأت الواقعية في وقت مبكر من القرن التاسع عشر في روسيا مقارنة بأي مكان آخر في أوروبا واتخذت شكلاً أكثر صرامة. ^[94] بدءًا من مسرحيات إيفان تورجينيف (الذي استخدم "التفاصيل المنزلية للكشف عن الاضطرابات الداخلية")، وألكسندر أوستروفسكي (الذي كان أول كاتب مسرحي محترف في روسيا)، وأليكسي بيسيمسكي (الذي سبقت مسرحيته مصير مرير (1859) الطبيعية )، وليو تولستوي (الذي تعد مسرحيته قوة الظلام (1886) "واحدة من أكثر المسرحيات الطبيعية فعالية")، بلغ تقليد الواقعية النفسية في روسيا ذروته مع إنشاء مسرح موسكو للفنون بواسطة كونستانتين ستانيسلافسكي وفلاديمير نيميروفيتش دانتشينكو . ^[95]

كانت القوة المسرحية الأكثر أهمية في ألمانيا في أواخر القرن التاسع عشر هي قوة جورج الثاني، دوق ساكس-ماينينجن وفرقة ماينينجن ، تحت إشراف لودفيج كرونيك . غالبًا ما تُعتبر إنتاجات الفرقة الأكثر دقة تاريخيًا في القرن التاسع عشر، على الرغم من أن هدفه الأساسي كان خدمة مصالح الكاتب المسرحي. تقف فرقة ماينينجن في بداية الحركة الجديدة نحو الإنتاج الموحد (أو ما يسميه ريتشارد فاجنر Gesamtkunstwerk ) وصعود المخرج ( على حساب الممثل) باعتباره الفنان المهيمن في صناعة المسرح. ^[96]

الواقع أن الحركة المسرحية الطبيعية ، وهي حركة نشأت عن كتاب تشارلز داروين " أصل الأنواع " (1859) والظروف السياسية والاقتصادية المعاصرة، وجدت مؤيدها الرئيسي في إميل زولا . وقد أعاق تحقيق أفكار زولا الافتقار إلى الكتاب المسرحيين القادرين على كتابة الدراما الطبيعية. وظهر أندريه أنطوان في ثمانينيات القرن التاسع عشر بمسرحه الحر الذي كان مفتوحًا للأعضاء فقط وبالتالي كان معفيًا من الرقابة. وسرعان ما نال موافقة زولا وبدأ في عرض أعمال طبيعية وقطع واقعية أجنبية أخرى. ^[97]

في بريطانيا، استمرت الميلودراما والكوميديا ​​الخفيفة والأوبرا وشكسبير والدراما الإنجليزية الكلاسيكية والبورليسك الفيكتوري والبانتومايم وترجمات المهزلة الفرنسية والأوبريتات الفرنسية منذ ستينيات القرن التاسع عشر، في اكتساب الشعبية. كانت الأوبرا الكوميدية لجيلبرت وسوليفان ناجحة للغاية ، مثل HMS Pinafore (1878) و The Mikado (1885)، مما أدى إلى توسيع جمهور المسرح الموسيقي بشكل كبير. ^[98] أدى هذا، جنبًا إلى جنب مع الإضاءة المحسنة في الشوارع ووسائل النقل في لندن ونيويورك، إلى طفرة في بناء المسارح في أواخر العصر الفيكتوري والإدواردي في ويست إند وعلى برودواي. في وقت لاحق، بدأ عمل هنري آرثر جونز وآرثر وينج بينرو اتجاهًا جديدًا على المسرح الإنجليزي.

في حين مهد عملهم الطريق، فإن تطور الدراما الأكثر أهمية يرجع الفضل فيه إلى الكاتب المسرحي هنريك إبسن . ولد إبسن في النرويج عام 1828. كتب خمسة وعشرين مسرحية، أشهرها بيت الدمية (1879)، والأشباح (1881)، والبطة البرية (1884)، وهيدا جابلر (1890). بالإضافة إلى ذلك، تستحضر أعماله روزمرشولم (1886) وعندما نستيقظ نحن الموتى (1899) شعورًا بالقوى الغامضة التي تعمل في مصير الإنسان، والتي كانت لتكون موضوعًا رئيسيًا للرمزية وما يسمى " مسرح العبث ". ^{[ بحاجة لمصدر ]}

بعد إبسن، شهد المسرح البريطاني انتعاشًا مع أعمال جورج برنارد شو ، وأوسكار وايلد ، وجون جالسوورثي ، وويليام بتلر ييتس ، وهارلي جرانفيل باركر . وعلى عكس معظم الأعمال الكئيبة والجادة للغاية لمعاصريهم، كتب شو ووايلد في المقام الأول في شكل كوميدي. كانت الكوميديا ​​الموسيقية الإدواردية شائعة للغاية، حيث نالت إعجاب أذواق الطبقة المتوسطة في التسعينيات المرحة ^[99] وتلبي تفضيلات الجمهور للترفيه الهارب خلال الحرب العالمية الأولى.

في حين استمرت العديد من مسرحيات القرن العشرين في توسيع مشاريع الواقعية والطبيعية، كان هناك أيضًا قدر كبير من المسرح التجريبي الذي رفض تلك الاتفاقيات. تشكل هذه التجارب جزءًا من الحركات الحداثية وما بعد الحداثة وتضمنت أشكالًا من المسرح السياسي بالإضافة إلى أعمال ذات توجه جمالي أكثر. تشمل الأمثلة: المسرح الملحمي ، ومسرح القسوة ، وما يسمى " مسرح العبث ".

أصبح مصطلح ممارس المسرح يُستخدم لوصف شخص يقوم بإنشاء عروض مسرحية وينتج خطابًا نظريًا يفيد عمله العملي. ^[100] قد يكون ممارس المسرح مخرجًا أو كاتبًا مسرحيًا أو ممثلًا أو -بشكل مميز- مزيجًا من هذه الأدوار المنفصلة تقليديًا. تصف "ممارسة المسرح" العمل الجماعي الذي يقوم به ممارسو المسرح المختلفون. ^[101] تُستخدم لوصف ممارسة المسرح من تطوير كونستانتين ستانيسلافسكي لـ " نظامه "، من خلال ميكانيكا حيوية فسيفولود مايرهولد ، وملحمة بيرتولت بريشت ومسرح الفقراء لجيرزي جروتوفسكي ، حتى يومنا هذا، مع ممارسي المسرح المعاصرين بما في ذلك أوغستو بوال مع مسرحه للمضطهدين ، والمسرح الشعبي لداريو فو ، وأنثروبولوجيا المسرح ليوجينيو باربا ووجهات نظر آن بوجارت . [ ^102]

تشمل الشخصيات الرئيسية الأخرى في مسرح القرن العشرين: أنتونين أرتود ، أوغست ستريندبرغ ، أنطون تشيخوف ، ماكس راينهارت ، فرانك ويديكيند ، موريس ميترلينك ، فيديريكو غارسيا لوركا ، يوجين أونيل ، لويجي بيرانديللو ، جورج برنارد شو ، جيرترود شتاين ، إرنست تولر ، فلاديمير ماياكوفسكي ، آرثر ميلر ، تينيسي ويليامز ، وجان جينيه ، ويوجين إيونسكو ، وصامويل بيكيت ، وهارولد بينتر ، وفريدريك دورنمات ، وهاينر مولر ، وكاريل تشرشل .

وقد استمرت أو ظهرت عدد من الحركات الجمالية في القرن العشرين، بما في ذلك:

• الطبيعية
• الواقعية
• الدادائية
• التعبيرية
• السريالية ومسرح القسوة
• مسرح العبث
• ما بعد الحداثة
• أجيتبروب

بعد الشعبية الكبيرة التي حققتها المسرحيات الكوميدية الموسيقية البريطانية الإدواردية ، أصبح المسرح الموسيقي الأمريكي مهيمناً على المسرح الموسيقي، بداية من المسرحيات الموسيقية لمسرح الأميرة ، ثم أعمال الأخوين غيرشوين، وكول بورتر ، وجيروم كيرن ، ورودجرز وهارت ، ثم رودجرز وهامرشتاين في وقت لاحق .

على مدار معظم التاريخ، تم فصل الأدب الإنجليزي الجميل والمسرح، لكن هذين الشكلين الفنيين مترابطان. ^[103] ومع ذلك، إذا لم يتعلموا كيفية العمل جنبًا إلى جنب، فقد يكون ذلك ضارًا بالشكل الفني. ^[104] يجب أداء نثر الأدب الإنجليزي والقصص التي يرويها والمسرح لديه هذه القدرة. ^[105] منذ البداية، كان المسرح الأمريكي فريدًا ومتنوعًا، ويعكس المجتمع حيث سعت أمريكا وراء هويتها الوطنية. ^[106] كانت أول مسرحية تم عرضها، في عام 1752 في ويليامزبرغ فيرجينيا، هي "تاجر البندقية" لشكسبير . ^[107] بسبب المجتمع البيوريتاني المؤقت، تم حظر المسرح من عام 1774 حتى عام 1789. ^[108] كان هذا المعيار المجتمعي بسبب السماح بالأخلاق البيوريتانية وكان يُنظر إلى أي ترفيه آخر على أنه غير مناسب وتافه (بدون هدف) وحسي (ممتع). ^[109] أثناء الحظر، غالبًا ما كان المسرح يختبئ من خلال تسمية نفسه محاضرات أخلاقية. ^[110] توقف المسرح لفترة وجيزة بسبب الحرب الثورية ، لكنه استؤنف بسرعة بعد انتهاء الحرب في عام 1781. ^[108] بدأ المسرح ينتشر غربًا ، وغالبًا ما كانت المدن بها مسارح قبل أن يكون لديها أرصفة أو مجاري. ^[111] كان هناك العديد من شركات المسرح الاحترافية الرائدة في وقت مبكر، ولكن واحدة من أكثرها نفوذاً كانت في فيلادلفيا (1794-1815)؛ ومع ذلك، كانت جذور الشركة متزعزعة بسبب حظر المسرح. ^[108]

مع توسع البلاد، توسع المسرح أيضًا؛ فبعد حرب عام 1812 ، اتجه المسرح غربًا. ^[108] كانت العديد من المسارح الجديدة تديرها المجتمعات المحلية ، ولكن في نيو أورلينز، بدأ الفرنسيون مسرحًا احترافيًا في عام 1791. ^[108] انفصلت العديد من الفرق وأنشأت مسرحًا في سينسيناتي، أوهايو . ^[108] ظهر أول مسرح غربي رسمي في عام 1815 عندما أخذ صمويل دريك (1769-1854) شركته المسرحية الاحترافية من ألباني إلى بيتسبرغ إلى نهر أوهايو وكنتاكي . ^[108] إلى جانب هذه الدائرة ، كان يأخذ الفرقة أحيانًا إلى ليكسينغتون ولويسفيل وفرانكفورت . ^[108] وفي بعض الأحيان، كان يقود الفرقة إلى أوهايو وإنديانا وتينيسي وميسوري . ^{[108] بينما كانت} هناك فرق ركوب دائرية، كانت مجتمعات المسرح الأكثر ثباتًا في الغرب غالبًا ما تجلس على الأنهار بحيث يكون من السهل الوصول إليها بالقوارب . ^[108] خلال هذه الفترة الزمنية، كان هناك عدد قليل جدًا من المسارح فوق نهر أوهايو، وفي الواقع لم يكن لدى شيكاغو مسرح دائم حتى عام 1833. ^[108] وبسبب الأوقات المضطربة في أمريكا والأزمة الاقتصادية التي حدثت بسبب الحروب، عانى المسرح خلال أكثر فتراته توسعًا من الإفلاس وتغيير الإدارة. ^{[108] كما كان لمعظم المسارح الأمريكية المبكرة تأثير} أوروبي كبير لأن العديد من الممثلين كانوا من مواليد إنجلترا وتدربوا فيها . ^[108] بين عامي 1800 و1850، اختفت الفلسفة الكلاسيكية الجديدة تمامًا تقريبًا تحت تأثير الرومانسية التي كانت ذات تأثير كبير على المسرح الأمريكي في القرن التاسع عشر الذي كان يعبد " الوحش النبيل ". ^[108] وبسبب الاكتشافات النفسية الجديدة وطرق التمثيل، ولدت الرومانسية في النهاية الواقعية . ^[108] حدث هذا الاتجاه نحو الواقعية بين عامي 1870 و1895. ^[108]

في هذا العصر من المسرح، يتحول البطل الأخلاقي إلى الإنسان الحديث الذي هو نتاج بيئته. ^[112] ويرجع هذا التحول الكبير جزئيًا إلى الحرب الأهلية لأن أمريكا أصبحت الآن ملطخة بدمائها، بعد أن فقدت براءتها . [ ^113]

خلال هذه الفترة من المسرح، ظهرت هوليوود وهددت المسرح الأمريكي. ^[114] ومع ذلك، لم يتراجع المسرح خلال هذا الوقت، بل كان في الواقع مشهورًا ومُلاحظًا في جميع أنحاء العالم. ^{[114] حقق} تينيسي ويليامز وآرثر ميلر شهرة عالمية خلال هذه الفترة.

يرجع تاريخ أقدم حدث شبه مسرحي مسجل إلى عام 2000 قبل الميلاد مع "مسرحيات الآلام" في مصر القديمة . تم تقديم قصة الإله أوزوريس سنويًا في المهرجانات في جميع أنحاء الحضارة. ^[115]

وفي العصر الحديث تطور فن المسرح في النصف الثاني من القرن التاسع عشر من خلال التفاعل مع أوروبا، فضلاً عن تطور الأشكال المسرحية الشعبية التي عرفتها مصر قبل هذا التاريخ بآلاف السنين. ^{[116] [117] [118]}

البداية كانت على يد يعقوب صانو وأبو خليل قباني ، ثم انقسم الوضع إلى فرق مسرحية حرة منها فرقة يوسف وهبي مثل فاطمة رشدي التي تقدم تراجيديا أو تراجيديا، وأبو السعود الإبياري ، إسماعيل ياسين ، بديع خيري. وعلي الكسار ونجيب الريحاني في تقديم الكوميديا ​​بطريقة أخرى. ^{[119] [120] [121]}

وقد عُرضت في ما يسمى بمسرح القاعات في ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين أكثر من 350 مسرحية، شارك في تقديمها بيرم التونسي وأمين صدقي وبديع خيري وأبو السعود الإبياري وأخرجها عزيز عيد وبشارة واكيم وعبد العزيز خليل. بالإضافة إلى إحصائيات مهمة، منها أن أقدم فرقة من القطاع الخاص هي فرقة الريحاني ، حيث استمر نشاطها 67 عامًا، بدءًا من عام 1916 وحتى عام 1983، أي ما يقرب من سبعين عامًا. وأكثر فرق القطاع الخاص إنتاجًا هي فرقة رمسيس، التي أنتجت أكثر من 240 مسرحية من عام 1923 وحتى عام 1960. وأقدم فرق المسرح الحكومي عمرًا هي فرقة المسرح القومي، التي استمرت لأكثر من 80 عامًا، بدءًا من عام 1935 وحتى الآن. ^{[122] [123]}

وبعد ثورة 1952 ظهر مجموعة من الكتاب المسرحيين أمثال ألفريد فرج ، وعلي سالم ، ونعمان عاشور، وسعد الدين وهبة وغيرهم، أما بالنسبة لفرق البلاد فإن أكثر المخرجين إنتاجاً هم الفنانان فتوح نشاطي، وزكي طليمات. ^[124]

ومن المسرحيين المصريين الذين عرضت أعمالهم على خشبة المسرح أمين صدقي، وبديع خيري، وأبو السعود الإبياري، وتوفيق الحكيم، ومن أغلب المسرحيين العالميين الذين عرضت أعمالهم على خشبة المسرح موليير ، وبيير كورني ، ووليام شكسبير . ^{[125] [126]}

كانت بصمة المرأة واضحة في تاريخ المسرح المصري، حيث بدأت منيرة المهدية كأول مطربة وممثلة مصرية، ومؤسسة فرقة مسرحية باسمها في بداية القرن العشرين بدلاً من الشاميين واليهود، فقبل ذلك الوقت كانت المرأة محرمة على التمثيل، مما أحدث ضجة ساهمت في زيادة شهرتها، كما كانت منيرة المهدية هي من اكتشفت موسيقار الأجيال محمد عبد الوهاب ، وأعطته الفرصة لإكمال ألحان مسرحية كليوباترا ومارك أنطونيو بعد وفاة سيد درويش المفاجئة ، وشجعته على الوقوف أمامها مجسداً دور مارك أنطونيو في نفس العرض، ومنذ أوائل الستينيات بدأت نجوم السينما تغزو المسارح مثل صلاح ذو الفقار في رصاصة في القلب عام 1964، المأخوذ عن رواية توفيق الحكيم عام 1933، وغيرهما الكثير. وفي سبعينيات القرن العشرين، كانت الكوميديا ​​هي المهيمنة مثل فيلم العيال كبريت عام 1979.

وفي عام 2020 خصصت وزيرة الثقافة المصرية الدكتورة إيناس عبد الدايم الدورة المقبلة من المهرجان القومي للمسرح المصري للاحتفال بمرور 150 عامًا على انطلاق المسرح المصري الحديث، وستستعرض نتائج عمل الفريق البحثي المكون من عمرو دوارة حارس ذاكرة المسرح، والذي بدأ منذ عام 1993 في إعداد أكبر موسوعة مسرحية مصرية تتضمن كل تفاصيل العروض المسرحية الاحترافية خلال خمسة عشر عقدًا، بدءًا من عام 1870 على يد يعقوب صنوع وحتى عام 2019، والتي بلغ عدد العروض خلالها 6300 عمل احترافي، تم عرضها على الجمهور مقابل رسوم في شباك التذاكر. وخاطبت هيئة الكتاب لطباعة الموسوعة. وستساعد تلك الموسوعة القارئ والباحث على التعرف على روائع وإبداعات المسرح المصري عبر تاريخه. ^{[127] [128] [122]}

نشأ المسرح الحديث في غانا في أوائل القرن العشرين. ^[129] ظهر أولاً كتعليق أدبي على استعمار إفريقيا من قبل أوروبا. ^[129] من بين أقدم الأعمال التي يمكن رؤية ذلك فيها The Blinkards التي كتبها كوبينا سيكي في عام 1915. The Blinkards هي هجاء صارخ للأفارقة الذين اعتنقوا الثقافة الأوروبية التي تم جلبها إليهم. في هذه المسرحية، يهين سيكي ثلاث مجموعات من الأفراد: أي شخص أوروبي، وأي شخص يقلد الأوروبيين، ومزارع الكاكاو الأفريقي الغني. ومع ذلك، كان هذا التمرد المفاجئ مجرد شرارة البداية للمسرح الأدبي الغاني. ^[129]

مسرحية أخرى تشبهها من حيث وجهة نظرها الساخرة هي أنوا . كتبتها الكاتبة الغانية أما أتا أيدو ، وتبدأ ببطلتها التي تحمل نفس الاسم أنوا وهي ترفض عروض الزواج التي قدمها لها العديد من الخاطبين. وتصر على اتخاذ قراراتها الخاصة بشأن من ستتزوج. وتؤكد المسرحية على الحاجة إلى المساواة بين الجنسين واحترام المرأة. ^[129] هذا المثل الأعلى للاستقلال، فضلاً عن المساواة، يقود أنوا إلى مسار متعرج من السعادة والبؤس. تختار أنوا رجلاً خاصًا بها للزواج. تدعم أنوا زوجها كوفي جسديًا وعاطفيًا. ومن خلال دعمها، يزدهر كوفي في الثروة، لكنه يصبح فقيرًا ككائن روحي. ومن خلال تراكم ثروته، يفقد كوفي نفسه فيها. يتغير زواجه السعيد من أنوا عندما يبدأ في استئجار العبيد بدلاً من القيام بأي عمل بنفسه. وهذا لا معنى له بالنسبة لأنوا لأنه يجعل كوفي ليس أفضل من المستعمرين الأوروبيين الذين تكرههم بسبب الطريقة التي تشعر أنهم استخدموا بها شعوب إفريقيا. زواجهما بلا أطفال، ويُفترض أن السبب في ذلك هو طقوس قام بها كوفي لاستبدال رجولته بالثروة. إن رؤية أنوا لثروة كوفي المكتسبة من العبيد وعدم قدرتها على إنجاب طفل تؤدي إلى انتحارها. ^[129] اسم أنوا يعني "القوة الأخلاقية المتفوقة" بينما يعني اسم كوفي "المولود يوم الجمعة فقط". يبدو أن هذا الاختلاف حتى في أساس اسميهما يشير إلى التفوق الأخلاقي للمرأة في مجتمع يديره الذكور. ^[129]

مسرحية أخرى ذات أهمية هي زواج أنانسوا ، التي كتبها إيفوا ساذرلاند عام 1975. المسرحية بأكملها مبنية على تقليد شفوي من شعب آكان يسمى أنانسسيم (حكايات شعبية). الشخصية الرئيسية في المسرحية هي أنانس (العنكبوت). صفات أنانس هي واحدة من أكثر أجزاء المسرحية انتشارًا. أنانس ماكر، أناني، لديه نظرة ثاقبة في الطبيعة البشرية والحيوانية، طموح، بليغ، وذكي. من خلال وضع الكثير من نفسه في كل ما يفعله، يدمر أنانس كل مخططاته وينتهي به الأمر فقيرًا. ^[129] يتم استخدام أنانس في المسرحية كنوع من كل رجل. لقد كُتب بمعنى مبالغ فيه من أجل فرض عملية فحص الذات. يتم استخدام أنانس كوسيلة لإثارة محادثة من أجل التغيير في مجتمع أي شخص يقرأ. تحكي المسرحية عن محاولة أنانس تزويج ابنته أنانسوا لأي من مجموعة مختارة من الزعماء الأثرياء، أو نوع آخر من الخاطبين الأثرياء في نفس الوقت، من أجل جمع المال. في النهاية، يأتي جميع الخاطبين إلى منزله في وقت واحد، ويجب عليه استخدام كل دهائه لنزع فتيل الموقف. ^[129] لا يروي الراوي القصة فحسب، بل إنه يمثلها أيضًا ويتفاعل معها ويعلق عليها. إلى جانب ذلك، يتم استخدام Mbuguous، وهو الاسم الذي يطلق على طائفة متخصصة للغاية من تقنيات المسرح الغاني التي تسمح بمشاركة الجمهور. إن Mbuguous في هذه الحكاية هي الأغاني التي تزين الحكاية أو تعلق عليها. يتم استخدام العفوية من خلال هذه التقنية بالإضافة إلى الارتجال بما يكفي لتلبية أي معيار من معايير المسرح الحديث. ^[129]

في دراسته الرائدة لمسرح اليوروبا ، أرجع جويل أديدي أصوله إلى حفلة تنكرية لإيجونجون ("عبادة الأسلاف"). ^{[130] وتتوج} المراسم التقليدية بجوهر الحفلة التنكرية حيث يُعتقد أن الأسلاف يعودون إلى عالم الأحياء لزيارة أحفادهم. ^{[131] بالإضافة إلى أصله في الطقوس} ، يمكن إرجاع مسرح اليوروبا إلى "الطبيعة المسرحية" لعدد من الآلهة في البانتيون اليوروبا ، مثل أوباتالا الإله الأعظم، وأوجون إله الإبداع، وكذلك الحديد والتكنولوجيا، ^[132] وسانجو إله العاصفة"، التي يُشبع تبجيلها "بالدراما والمسرح والأهمية الرمزية الشاملة من حيث تفسيرها النسبي". ^[133]

نشأت تقاليد مسرح ألارينجو من حفلة إيغونجون التنكرية في القرن السادس عشر. كانت ألارينجو فرقة من المؤدين المتجولين الذين حملت أشكالهم المقنعة جوًا من الغموض. لقد ابتكروا مشاهد قصيرة ساخرة استوحوا من عدد من الشخصيات النمطية الراسخة. استخدمت عروضهم التمثيل الإيمائي والموسيقى والألعاب البهلوانية . أثر تقليد ألارينجو على المسرح المتجول الشعبي، والذي كان الشكل المسرحي الأكثر انتشارًا وتطورًا في نيجيريا من الخمسينيات إلى الثمانينيات. في التسعينيات، انتقل المسرح المتجول الشعبي إلى التلفزيون والسينما والآن يقدم عروضًا حية نادرًا فقط. ^{[134] [135]}

كما تطور "المسرح الشامل" في نيجيريا في الخمسينيات. وقد استخدم تقنيات غير طبيعية، وصورًا جسدية سريالية ، ومارس استخدامًا مرنًا للغة. وقد استخدم كتاب المسرح في منتصف السبعينيات بعض هذه التقنيات، لكنهم عبروا عنها "بتقدير جذري لمشاكل المجتمع". ^[136]

لقد أثرت أساليب الأداء التقليدية بشكل كبير على الشخصيات الرئيسية في المسرح النيجيري المعاصر. لقد استلهم عمل هوبرت أوجوندي (الذي يُشار إليه أحيانًا باسم "أب المسرح اليوروبي المعاصر") من تقاليد ألارينجو وحفلات إيجونجون التنكرية. ^{[137] يمنح} وولي سوينكا ، الذي "يُعترف به عمومًا بأنه أعظم كاتب مسرحي حي في إفريقيا"، الإله أوجون أهمية ميتافيزيقية معقدة في عمله. ^[138] في مقالته "المرحلة الرابعة" (1973)، ^[139] يقارن سوينكا الدراما اليوروبية بالدراما الأثينية الكلاسيكية ، ويربط كليهما بتحليل الفيلسوف الألماني فريدريك نيتشه في القرن التاسع عشر للأخيرة في ميلاد المأساة (1872). يزعم أن أوجون هو "مجموع الفضائل الديونيسية والأبولونية والبروميثيوسية ". ^[140]

ومن بين أنصار المسرح المتجول في نيجيريا دورو لاديبو وموسى أولايا (وهو فنان كوميدي شهير). وقد ساهم هؤلاء الفنانون كثيرًا في مجال المسرح الأفريقي خلال فترة الاختلاط والتجريب بين المسرح الأصلي والمسرح الغربي.

يعود تاريخ المسرح الأمريكي الأفريقي إلى أصلين. الأول متجذر في المسرح المحلي حيث كان الأمريكيون الأفارقة يؤدون في الكبائن والمتنزهات. كانت عروضهم (الحكايات الشعبية والأغاني والموسيقى والرقص) متجذرة في الثقافة الأفريقية قبل أن تتأثر بالبيئة الأمريكية. كان مسرح African Grove هو أول مسرح أمريكي أفريقي أسسه ويليام هنري براون في عام 1821. ^[141]

كان أقدم أشكال المسرح الهندي هو المسرح السنسكريتي . ^[142] ظهر في وقت ما بين القرن الخامس عشر قبل الميلاد والقرن الأول وازدهر بين القرن الأول والعاشر، وهي فترة من السلام النسبي في تاريخ الهند حيث تم كتابة مئات المسرحيات. ^[143] تقدم النصوص الفيدية مثل الريجفيدا دليلاً على تمثيل المسرحيات الدرامية أثناء احتفالات ياجنا . تتراوح الحوارات المذكورة في النصوص من مونولوج شخص واحد إلى حوار بين ثلاثة أشخاص، على سبيل المثال، الحوار بين إندرا وإندراني وفريشاكابي. الحوارات ليست دينية فقط في سياقها ولكنها علمانية أيضًا على سبيل المثال، أحد المونولوجات الريجفدية يدور حول مقامر دمرت حياته بسبب ذلك وانفصل عن زوجته ويكرهه والداه أيضًا. يذكر بانيني في القرن الخامس قبل الميلاد نصًا دراميًا ناتاسوترا كتبه اثنان من الكتاب المسرحيين الهنود شيلالين وكريشاشفا. يذكر باتانجالي أيضًا اسم المسرحيات التي فقدت مثل كيمسافادها وباليباندا. كهوف سيتابينجا التي يعود تاريخها إلى القرن الثالث قبل الميلاد وكهوف خانداجيري من القرن الثاني قبل الميلاد هي أقدم الأمثلة على هندسة المسرح في الهند. ^[144] مع الفتوحات الإسلامية التي بدأت في القرنين العاشر والحادي عشر، تم تثبيط المسرح أو حظره تمامًا. ^[145] لاحقًا، في محاولة لإعادة تأكيد القيم والأفكار الأصلية، تم تشجيع مسرح القرية في جميع أنحاء شبه القارة، وتطور بعدد كبير من اللغات الإقليمية من القرن الخامس عشر إلى القرن التاسع عشر. ^[146] تطور المسرح الهندي الحديث خلال فترة الحكم الاستعماري تحت الإمبراطورية البريطانية ، من منتصف القرن التاسع عشر حتى منتصف القرن العشرين. ^[147]

يعود تاريخ أقدم القطع الباقية من الدراما السنسكريتية إلى القرن الأول. ^[148] لا تقدم ثروة الأدلة الأثرية من الفترات السابقة أي إشارة إلى وجود تقليد للمسرح. ^[149] لا تحتوي الفيدا (أقدم الأدب الهندي، من بين 1500 و 600 قبل الميلاد) على أي تلميح إليه؛ على الرغم من أن عددًا صغيرًا من الترانيم مؤلفة في شكل حوار، إلا أن طقوس الفترة الفيدية لا يبدو أنها تطورت إلى مسرح. [149] تحتوي المهابهاسيا لباتانجالي على أقدم إشارة ^إلى ما قد يكون بذور الدراما السنسكريتية. ^[150] تقدم هذه الأطروحة حول القواعد من عام 140 قبل الميلاد تاريخًا معقولاً لبدايات المسرح في الهند . ^[150]

ومع ذلك، على الرغم من عدم وجود أجزاء متبقية من أي مسرحية قبل هذا التاريخ، فمن الممكن أن الأدب البوذي المبكر يقدم أقدم دليل على وجود المسرح الهندي. تشير السوترات البالية (التي يتراوح تاريخها من القرن الخامس إلى القرن الثالث قبل الميلاد) إلى وجود فرق من الممثلين (بقيادة ممثل رئيسي)، الذين قدموا الدراما على خشبة المسرح. يشار إلى أن هذه الدراما تضمنت الرقص، لكنها أدرجت كشكل مميز من أشكال الأداء، إلى جانب الرقص والغناء وتلاوة القصص. ^[151] (وفقًا للنصوص البوذية اللاحقة، قام الملك بيمبيسارا ، المعاصر لغوتاما بوذا ، بأداء دراما لملك آخر. سيكون هذا في وقت مبكر من القرن الخامس قبل الميلاد، ولكن الحدث موصوف فقط في نصوص لاحقة كثيرًا، من القرنين الثالث والرابع الميلاديين.) ^[152]

المصدر الرئيسي للأدلة على المسرح السنسكريتي هو أطروحة عن المسرح ( ناتياشاترا )، وهي مجموعة من الكتب تاريخ تأليفها غير مؤكد (تتراوح التقديرات من 200 قبل الميلاد إلى 200 بعد الميلاد) ويُنسب تأليفها إلى بهاراتا موني . تُعتبر الأطروحة العمل الأكثر اكتمالاً في فن الدراما في العالم القديم. وهي تتناول التمثيل والرقص والموسيقى والبناء الدرامي والهندسة المعمارية والأزياء والمكياج والدعائم وتنظيم الشركات والجمهور والمسابقات، وتقدم رواية أسطورية عن أصل المسرح. [ ^{150] وبذلك، فإنها تقدم مؤشرات حول طبيعة الممارسات} المسرحية الفعلية. كان يتم تقديم المسرح السنسكريتي على أرض مقدسة من قبل الكهنة الذين تم تدريبهم على المهارات اللازمة (الرقص والموسيقى والتلاوة) في [عملية وراثية]. وكان هدفه التثقيف والترفيه.

تحت رعاية البلاط الملكي، كان المؤدون ينتمون إلى شركات احترافية يديرها مدير مسرح ( سوترادهارا )، والذي قد يكون قد مثل أيضًا. ^[153] كان يُعتقد أن هذه المهمة مماثلة لمهمة محرك العرائس - المعنى الحرفي لـ " سوترادهارا " هو "حامل الأوتار أو الخيوط". ^[150] تم تدريب المؤدين بدقة على التقنية الصوتية والجسدية. ^[154] لم تكن هناك محظورات ضد المؤدين الإناث؛ كانت الشركات كلها من الذكور، وكلها من الإناث، ومختلطة الجنس. ومع ذلك، اعتُبرت بعض المشاعر غير مناسبة للرجال لتمثيلها، وكان يُعتقد أنها أكثر ملاءمة للنساء. لعب بعض المؤدين شخصيات من نفس عمرهم، بينما لعب آخرون شخصيات مختلفة عنهم (سواء كانوا أصغر أو أكبر سنًا). من بين جميع عناصر المسرح، تولي الرسالة معظم الاهتمام للتمثيل ( أبينايا )، والذي يتكون من أسلوبين: واقعي ( لوكا دارمي ) وتقليدي ( ناتيادارمي )، على الرغم من أن التركيز الرئيسي ينصب على الأخير. ^[155]

تعتبر دراماها أعلى إنجاز في الأدب السنسكريتي . ^[156] استخدمت شخصيات أساسية ، مثل البطل ( ناياكا ) أو البطلة ( ناييكا ) أو المهرج ( فيدوساكا ). قد يكون الممثلون متخصصين في نوع معين. يمكن القول إن كاليداسا في القرن الأول قبل الميلاد يعتبر أعظم كاتب مسرحي سنسكريتي في الهند القديمة . ثلاث مسرحيات رومانسية شهيرة كتبها كاليداسا هي مالافيكاجنيميترام ( مالافيكا وأجنيميترا )، وفيكرامورفاشييا ( متعلقة بفيكراما وأورفاشي )، وأبهيجناناساكونتالا ( التعرف على شاكونتالا ). كانت الأخيرة مستوحاة من قصة في المهابهاراتا وهي الأكثر شهرة. كانت أول من تُرجم إلى الإنجليزية والألمانية . أثرت شاكونتالاه (بالترجمة الإنجليزية) على رواية فاوست لجوته (1808-1832). ^[156]

كان بهافابوتي (حوالي القرن السابع) هو الكاتب المسرحي الهندي العظيم التالي . ويقال إنه كتب المسرحيات الثلاث التالية: مالاتي مادهفا ، وماهافيراتشاريتا ، وأوتار راماتشاريتا . ومن بين هذه المسرحيات الثلاث، تغطي آخر مسرحيتين بينهما ملحمة رامايانا بأكملها . ويُنسب إلى الإمبراطور الهندي القوي هارشا (606-648) كتابة ثلاث مسرحيات: الكوميديا ​​راتنافالي ، وبرييادارسيكا ، والدراما البوذية ناغاناندا .

لا يستشهد هذا القسم بأي مصادر . يُرجى المساعدة في تحسين هذا القسم من خلال إضافة الاستشهادات إلى مصادر موثوقة . قد يتم الطعن في المواد غير الموثقة وإزالتها . ( مارس 2022 ) ( تعرف على كيفية ومتى يمكنك إزالة هذه الرسالة )

Kutiyattam هو العينة الوحيدة الباقية من المسرح السنسكريتي القديم، ويُعتقد أنه نشأ في بداية العصر المشترك ، وهو معترف به رسميًا من قبل اليونسكو باعتباره تحفة من التراث الشفهي وغير المادي للبشرية . بالإضافة إلى ذلك، تكثر أشكال المسرح الشعبي الهندي. Bhavai (اللاعبون المتجولون) هو شكل شعبي من أشكال المسرح الشعبي في ولاية غوجارات ، ويقال أنه نشأ في القرن الرابع عشر الميلادي. تمارس Bhaona و Ankiya Nats في ولاية آسام منذ أوائل القرن السادس عشر والتي أنشأها وبادر بها Mahapurusha Srimanta Sankardeva . كانت Jatra شائعة في البنغال ويعود أصلها إلى حركة Bhakti في القرن السادس عشر. شكل مسرحي شعبي آخر شائع في هاريانا وأوتار براديش ومنطقة مالوا في ماديا براديش هو سوانج ، وهو موجه نحو الحوار بدلاً من الحركة ويُعتقد أنه نشأ في شكله الحالي في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر. ياكشاجانا هو فن مسرحي شائع جدًا في كارناتاكا وقد وجد تحت أسماء مختلفة على الأقل منذ القرن السادس عشر. إنه شبه كلاسيكي بطبيعته ويتضمن موسيقى وأغاني تعتمد على موسيقى كارناتيك وأزياء غنية وقصص مبنية على ماهابهاراتا ورامايانا . كما يستخدم حوارًا منطوقًا بين أغانيه مما يمنحه نكهة فنية شعبية . كاثاكالي هو شكل من أشكال الدراما الراقصة، من سمات ولاية كيرالا ، نشأ في القرن السابع عشر، وتطور من مسرحيات فن المعبد كريشنانتام وراماناتام .

الكاثاكالي هو نوع من الرقص الدرامي الكلاسيكي الهندي يتميز بتركيبة جذابة للشخصيات، وأزياء متقنة، وإيماءات مفصلة، ​​وحركات جسدية محددة جيدًا يتم تقديمها في تناغم مع موسيقى الإعادة والإيقاع التكميلي. نشأ في ولاية كيرالا الحالية في البلاد خلال القرن السابع عشر ^[157] وتطور على مر السنين مع تحسين المظهر والإيماءات المكررة والموضوعات المضافة إلى جانب الغناء الأكثر زخرفة والطبول الدقيقة.

كان رابندراناث طاغور كاتبًا مسرحيًا حديثًا رائدًا كتب مسرحيات اشتهرت باستكشافها وتساؤلها حول القومية والهوية والروحانية والجشع المادي. ^[158] كتبت مسرحياته باللغة البنغالية وتشمل شيترا ( شيترانجادا ، 1892)، وملك الغرفة المظلمة ( راجا ، 1910)، ومكتب البريد ( دكغار ، 1913)، وزهرة الدفلى الحمراء ( راكتاكارابي ، 1924). ^[158]

كان ناتياغورو نورول مؤمن كاتب مسرحي رائد آخر في المسرح البنغالي ، والذي كان يستحق بجدارة أن يكون خليفة رابندراناث طاغور . وفي حين أن سلفه طاغور قد أدخل الحداثة في الأدب البنغالي في القرن التاسع عشر، فقد حمل نورول مؤمن شعلة الحداثة التي خلفه ورفعها إلى ذروة المسرح العالمي في القرن العشرين، من خلال مسرحياته الأولى "روبانتار" و" نيميسيس" (مسرحية مؤمن) .

يحتاج هذا القسم إلى مصادر إضافية للتحقق . يُرجى المساعدة في تحسين هذه المقالة عن طريق إضافة مصادر موثوقة في هذا القسم. قد يتم الطعن في المواد غير الموثقة وإزالتها. ( أبريل 2011 ) ( تعرف على كيفية ومتى يمكنك إزالة هذه الرسالة )

هناك إشارات إلى الترفيه المسرحي في الصين منذ وقت مبكر من عام 1500 قبل الميلاد خلال عهد أسرة شانغ ؛ وكانت غالبًا ما تنطوي على الموسيقى والمهرج والعروض البهلوانية.

خلال عهد أسرة هان، ظهرت مسرحية العرائس الظلية لأول مرة كشكل مسرحي معترف به في الصين. كان هناك شكلان متميزان من مسرحية العرائس الظلية، العرائس الكانتونية الجنوبية والعرائس البكينية الشمالية. تم التمييز بين الأسلوبين من خلال طريقة صنع العرائس ووضع القضبان على العرائس، على عكس نوع المسرحية التي تؤديها العرائس. كان كلا الأسلوبين يؤديان عمومًا مسرحيات تصور مغامرات وخيالات عظيمة، ونادرًا ما تم استخدام هذا الشكل المسرحي المنمق للدعاية السياسية. كانت عرائس الظل الكانتونية أكبر حجمًا من الاثنين. تم بناؤها باستخدام جلد سميك مما خلق ظلالًا أكثر ثباتًا. كان اللون الرمزي أيضًا سائدًا جدًا؛ حيث يمثل الوجه الأسود الصدق، والوجه الأحمر الشجاعة. كانت القضبان المستخدمة للتحكم في العرائس الكانتونية مثبتة بشكل عمودي على رؤوس العرائس. وبالتالي، لم يرها الجمهور عند إنشاء الظل. كانت عرائس البكيني أكثر دقة وأصغر حجمًا. كانت الدمى تُصنع من جلد رقيق شفاف يؤخذ عادة من بطن حمار. وكانت تُطلى بألوان زاهية، وبالتالي تلقي بظلال ملونة للغاية. وكانت القضبان الرفيعة التي تتحكم في تحركاتها تُربط بطوق جلدي عند رقبة الدمية. وكانت القضبان تسير بالتوازي مع أجسام الدمية ثم تدور بزاوية تسعين درجة لتتصل بالرقبة. وبينما كانت هذه القضبان مرئية عند إلقاء الظل، كانت توضع خارج ظل الدمية؛ وبالتالي لم تتداخل مع مظهر الشكل. وكانت القضبان تُربط بالأعناق لتسهيل استخدام رؤوس متعددة بجسم واحد. وعندما لا تكون الرؤوس قيد الاستخدام، كانت تُخزن في كتاب من الشاش أو صندوق مبطن بالقماش. وكانت الرؤوس تُزال دائمًا في الليل. وكان هذا يتماشى مع الخرافة القديمة القائلة بأنه إذا تُركت الدمى سليمة، فإن الحياة ستدب في الدمى ليلاً. وذهب بعض محركي الدمى إلى حد تخزين الرؤوس في كتاب واحد والأجسام في كتاب آخر، لتقليل احتمالية إعادة إنعاش الدمى. يقال أن فن مسرح الظل وصل إلى أعلى نقطة من التطور الفني في القرن الحادي عشر قبل أن يصبح أداة في يد الحكومة.

تُعرف أسرة تانغ أحيانًا باسم "عصر الألف تسلية". خلال هذه الحقبة، أسس الإمبراطور شوانزونغ مدرسة للتمثيل تُعرف باسم "أطفال حديقة الكمثرى " لإنتاج شكل من أشكال الدراما الموسيقية في المقام الأول.

في عهد أسرة سونغ ، كانت هناك العديد من المسرحيات الشعبية التي تتضمن الألعاب البهلوانية والموسيقى. وقد تطورت هذه المسرحيات في عهد أسرة يوان إلى شكل أكثر تطورًا يتألف من أربعة أو خمسة فصول.

انتشر دراما يوان في جميع أنحاء الصين وتنوعت إلى أشكال إقليمية عديدة، وأشهرها أوبرا بكين، التي لا تزال تحظى بشعبية حتى اليوم.

أصبح المسرح الإندونيسي جزءًا مهمًا من الثقافة المحلية، وقد تم تطوير العروض المسرحية في إندونيسيا على مدى مئات السنين. ترتبط معظم أشكال المسرح الإندونيسي الأقدم ارتباطًا مباشرًا بالتقاليد الأدبية المحلية (الشفوية والمكتوبة). تستمد مسارح العرائس البارزة - وايانج جوليك (مسرحية العرائس الخشبية) لدى السوندا ووايانج كوليت (مسرحية العرائس الظلية الجلدية) لدى الجاوين والبالي - الكثير من ذخيرتها من الإصدارات المحلية لرامايانا وماهابهاراتا . توفر هذه الحكايات أيضًا مادة مصدرية لوايانج وونج (المسرح البشري) في جاوة وبالي ، والذي يستخدم الممثلين. وايانج وونج هو نوع من الأداء المسرحي الراقص الجاوي الكلاسيكي مع موضوعات مأخوذة من حلقات رامايانا أو ماهابهاراتا . تُظهر الألواح البارزة على معبد برامبانان الذي يعود تاريخه إلى القرن التاسع حلقات من ملحمة رامايانا. تم دمج تكييف حلقات المهابهاراتا في تقليد الأدب الجاوي منذ عصر كاهوريبان وكيديري، مع أمثلة بارزة مثل أرجوناويواها ، التي ألفها مبو كانوا في القرن الحادي عشر. يصور معبد بيناتاران في شرق جاوة موضوعات من رامايانا وماهابهاراتا في نقوشه البارزة. كان وايانج وونج أداءً على غرار وايانج كوليت (مسرح الظل في جاوة الوسطى) حيث لعب الممثلون والممثلات أدوار الدمى. أول إشارة مكتوبة إلى هذا الشكل موجودة على النقش الحجري ويمالاراما من شرق جاوة بتاريخ 930 م. يتم تنفيذ هذا النوع حاليًا في أشكال مقنعة وغير مقنعة في جاوة الوسطى وبالي وسيريبون ، وكذلك في السوندانية ( جاوة الغربية ). ^{[159] [160] [161} ]

وفي كمبوديا ، في العاصمة القديمة أنغكور وات ، تم نقش قصص من الملحمتين الهنديتين رامايانا وماهابهاراتا على جدران المعابد والقصور.

في تايلاند ، كان من التقليد منذ العصور الوسطى تقديم مسرحيات مبنية على حبكات مستمدة من الملاحم الهندية. وعلى وجه الخصوص، لا تزال النسخة المسرحية من الملحمة الوطنية التايلاندية راماكيان ، وهي نسخة من ملحمة رامايانا الهندية ، تحظى بشعبية في تايلاند حتى اليوم.

خلال فترة حكم الحكومة الإسبانية التي استمرت 333 عامًا، أدخلوا إلى الجزر الدين الكاثوليكي وأسلوب الحياة الإسباني، الذي اندمج تدريجيًا مع الثقافة الأصلية لتشكيل "ثقافة شعبية منخفضة" تتقاسمها الآن المجموعات العرقية اللغوية الرئيسية. واليوم، لا تزال الأشكال الدرامية التي أدخلتها إسبانيا أو تأثرت بها تعيش في المناطق الريفية في جميع أنحاء الأرخبيل. وتشمل هذه الأشكال الكوميديا، والمسرحيات القصيرة، والسيناكولو، والسارسويلا، والدراما. وفي السنوات الأخيرة، تم إحياء بعض هذه الأشكال لجعلها أكثر استجابة لظروف واحتياجات الأمة النامية.

خلال القرن الرابع عشر، كانت هناك شركات صغيرة من الممثلين في اليابان الذين قدموا كوميديا ​​قصيرة ومبتذلة في بعض الأحيان. كان أحد مديري هذه الشركات، كانامي (1333-1384)، لديه ابن، زيامي موتوكيو (1363-1443) الذي كان يعتبر أحد أفضل ممثلي الأطفال في اليابان. عندما قدمت شركة كانامي عروضها لأشيكاغا يوشيميتسو (1358-1408)، شوغون اليابان، توسل إلى زيامي أن يتلقى تعليمًا في البلاط لفنونه. بعد أن خلف زيامي والده، استمر في الأداء وتكييف أسلوبه إلى ما يُعرف اليوم باسم نو . وهو مزيج من البانتوميم والبهلوانات الصوتية، وقد أذهل هذا الأسلوب اليابانيين لمئات السنين.

اليابان، بعد فترة طويلة من الحروب الأهلية والفوضى السياسية، كانت موحدة وتنعم بالسلام في المقام الأول بسبب الشوغون توكوغاوا إياسو (1543-1616). ومع ذلك، فقد شعر بالفزع إزاء النمو المسيحي المتزايد، وقطع الاتصال من اليابان إلى أوروبا والصين وحظر المسيحية. وعندما حل السلام، طالب ازدهار النفوذ الثقافي ونمو طبقة التجار بترفيهها الخاص. كان أول شكل من أشكال المسرح المزدهر هو نينجيو جوروري (يشار إليه عادة باسم بونراكو ). حول مؤسس نينجيو جوروري والمساهم الرئيسي فيه، تشيكاماتسو مونزايمون (1653-1725)، شكله المسرحي إلى شكل فني حقيقي. نينجيو جوروري هو شكل مسرحي شديد الأسلوب يستخدم الدمى، ويبلغ حجمها اليوم حوالي ثلث حجم الإنسان. يتدرب الرجال الذين يتحكمون في الدمى طوال حياتهم ليصبحوا محركي دمى محترفين، ثم يتمكنون من التحكم في رأس الدمية وذراعها اليمنى واختيار إظهار وجوههم أثناء الأداء. ويغطي محركو الدمى الآخرون، الذين يتحكمون في أطراف الدمية الأقل أهمية، أنفسهم ووجوههم ببدلة سوداء، للإشارة إلى عدم ظهورهم. ويتولى الحوار شخص واحد، يستخدم نغمات صوتية متنوعة وطرق تحدث مختلفة لمحاكاة شخصيات مختلفة. كتب تشيكاماتسو آلاف المسرحيات خلال مسيرته المهنية، ولا يزال معظمها يستخدم حتى اليوم. وكانوا يرتدون أقنعة بدلاً من المكياج المعقد. وتحدد الأقنعة جنسهم وشخصيتهم ومزاج الممثل.

بدأ فن الكابوكي بعد فترة وجيزة من ظهور فن بونراكو، وتقول الأسطورة إن ممثلة تدعى أوكوني عاشت في نهاية القرن السادس عشر تقريبًا هي التي قدمته. وجاءت أغلب مواد فن الكابوكي من فن النو والبونراكو، كما أن حركات الرقص غير المنتظمة فيه هي أيضًا من تأثيرات فن بونراكو. ومع ذلك، فإن فن الكابوكي أقل رسمية وأكثر بعدًا من فن النو، ومع ذلك فهو يحظى بشعبية كبيرة بين عامة الناس في اليابان. يتم تدريب الممثلين على العديد من الأشياء المتنوعة بما في ذلك الرقص والغناء والبانتومايم وحتى الألعاب البهلوانية. كان أداء فن الكابوكي في البداية يتم بواسطة فتيات صغيرات، ثم بواسطة فتيان صغار، وبحلول نهاية القرن السادس عشر، كانت فرق الكابوكي تتكون من رجال فقط. وكان الرجال الذين يصورون النساء على المسرح مدربين بشكل خاص لإثارة جوهر المرأة في حركاتهم وإيماءاتهم الدقيقة.

البوتو هو الاسم الجماعي لمجموعة متنوعة من الأنشطة والتقنيات والدوافع للرقص أو الأداء أو الحركة المستوحاة من حركة أنكوكو بوتو (暗黒舞踏، ankoku butō ) . وعادةً ما تنطوي على صور مرحة وغريبة، وموضوعات محرمة، وبيئات متطرفة أو سخيفة، وتُؤدى تقليديًا بمكياج الجسم الأبيض مع حركة بطيئة شديدة التحكم، مع أو بدون جمهور. لا يوجد أسلوب محدد، وقد يكون مفاهيميًا بحتًا بدون أي حركة على الإطلاق. وقد نُسبت أصوله إلى أساطير الرقص الياباني تاتسومي هيجيكاتا وكازو أونو . ظهر البوتو لأول مرة في اليابان بعد الحرب العالمية الثانية وتحديدًا بعد أعمال الشغب الطلابية . أصبحت أدوار السلطة الآن عرضة للتحدي والتخريب. كما ظهر أيضًا كرد فعل ضد مشهد الرقص المعاصر في اليابان، والذي شعر هيجيكاتا أنه يعتمد من ناحية على تقليد الغرب ومن ناحية أخرى على تقليد نو . وانتقد الحالة الحالية للرقص باعتبارها سطحية للغاية.

أول ذكر للمسرحيات في الإمبراطورية العثمانية كان مرتبطًا بظهور اليهود الإسبان هناك في نهاية القرنين الخامس عشر والسادس عشر. لاحقًا، انخرطت أقليات أخرى، مثل الغجر واليونانيين والأرمن، في هذا المجال. بعد ذلك، أصبح المعادل التركي للكوميديا ​​​​ديل آرتي - أورتا أويونو - شائعًا جدًا في جميع أنحاء الإمبراطورية. ^[162]

كانت أكثر أشكال المسرح شيوعًا في العالم الإسلامي في العصور الوسطى هي مسرح العرائس (الذي شمل العرائس اليدوية ومسرحيات الظل وإنتاجات الدمى ) ومسرحيات العاطفة الحية المعروفة باسم التعزية ، حيث يعيد الممثلون تمثيل حلقات من التاريخ الإسلامي . على وجه الخصوص، دارت المسرحيات الإسلامية الشيعية حول استشهاد ابني علي الحسن بن علي والحسين بن علي . تم تسجيل المسرحيات العلمانية المعروفة باسم الإخراجة في أدب العصور الوسطى ، على الرغم من أنها كانت أقل شيوعًا من مسرح العرائس والتعزية . ^[163]

• مضادة للمسرحية
• تاريخ المسرح البريطاني في كامبريدج
• تطور المسرح الموسيقي
• تاريخ الفن
• تاريخ الرقص
• تاريخ التزلج الفني
• تاريخ الفيلم
• تاريخ الأدب
• تاريخ الأوبرا
• تاريخ المصارعة المحترفة
• تاريخ التلفاز
• مسرحية
• الدراما الإذاعية

• مجموعات المسرح في متحف فيكتوريا وألبرت، مع معلومات ومواد أرشيفية
• مجموعة مسرح جامعة بريستول، جامعة بريستول
• تاريخ قاعات الموسيقى والمسرح – أرشيف للمعلومات والمواد التاريخية عن مباني المسارح البريطانية وقاعات الموسيقى.
• مسرحيات طويلة الأمد (أكثر من 400 عرض) على برودواي، وخارج برودواي، ولندن، وتورنتو، وملبورن، وباريس، وفيينا، وبرلين
• قاعدة بيانات APGRD (أرشيف عروض الدراما اليونانية والرومانية)، جامعة أكسفورد، تحرير أماندا رايجلي
• تاريخ المسرح النسائي: قائمة المراجع المتاحة على الإنترنت وقاعدة البيانات القابلة للبحث محفوظ في 2016-03-03 على موقع Wayback Machine في كلية لانجارا