الرسم الغربي

الرسم المينوي هو الفن الذي أنتجته حضارة مينوان في العصر البرونزي في بحر إيجة ، من حوالي 3000 إلى 1100 قبل الميلاد، على الرغم من أن أكثر الأعمال الفنية شمولاً وروعةً التي بقيت من حوالي 2300 إلى 1400 قبل الميلاد. وهو جزء من مجموعة فنون بحر إيجة الأوسع، وفي فترات لاحقة، أصبح له تأثير مهيمن على فنون سيكلاديك لفترة من الزمن . ونظرًا لتحلل الخشب والمنسوجات، فإن أفضل الأمثلة المحفوظة (والأكثر فائدة) من الفن المينوي الباقي هي الفخار ، وعمارة القصور (مع اللوحات الجدارية التي تتضمن "أقدم المناظر الطبيعية النقية في أي مكان")، ^{[ 12 ]} والمنحوتات الصغيرة المصنوعة من مواد مختلفة، والمجوهرات، والأواني المعدنية، والأختام المنحوتة بدقة .

تأثرت الحضارة المينوية بالحضارات المجاورة في مصر القديمة والشرق الأدنى القديم ، والتي أنتجت فنونًا حضرية متطورة لفترة أطول بكثير، إلا أن طابع المدن المينوية التجارية الصغيرة والغنية كان مختلفًا تمامًا، إذ لم يُعثر فيها على أدلة تُذكر على وجود معابد كبيرة أو ملوك أو حروب، وتميزت بـ"كل القدرة الخيالية والحيوية الطفولية لحضارة فتية للغاية". ^{[ 13 ]} ولا تزال كل هذه الجوانب من الحضارة المينوية غامضة إلى حد ما. وقد وصف سنكلير هود "صفة أساسية لأرقى الفنون المينوية، وهي القدرة على خلق جو من الحركة والحياة مع الالتزام بمجموعة من التقاليد الرسمية الصارمة". ^{[ 14 ]}

تضمّ متحف هيراكليون الأثري ("AMH")، الواقع بالقرب من كنوسوس على الساحل الشمالي لجزيرة كريت، أكبر وأفضل مجموعة من الفن المينوي. وقد استخدم علماء الآثار الفن المينوي وبقايا أخرى من الثقافة المادية ، ولا سيما تسلسل أنماط الخزف، لتحديد المراحل الرئيسية الثلاث للحضارة المينوية (العصر المينوي المبكر، والعصر المينوي المتوسط، والعصر المينوي المتأخر)، والعديد من مراحلها الفرعية. ولا تزال التواريخ التي تُنسب إلى هذه المراحل موضع نقاش واسع، وإن كانت ضمن نطاقات زمنية تضيق. ^{[ 15 ]}

لقد نوقشت علاقة الفن المينوي بفنون الثقافات المعاصرة الأخرى والفن اليوناني القديم اللاحق على نطاق واسع. وقد هيمن بوضوح على الفن الميسيني والفن السيكلادي في نفس الفترات، ^{[ 16 ]} حتى بعد احتلال الميسينيين لجزيرة كريت، ولكن لم ينجُ من العصور المظلمة اليونانية بعد انهيار اليونان الميسينية سوى بعض جوانب هذا التراث . ^{[ 17 ]}

حوالي عام ١١٠٠ قبل الميلاد، غزت قبائل من شمال اليونان اليونان، واتخذ فنها منحىً جديدًا. تتميز حضارة اليونان القديمة بإسهاماتها البارزة في الفنون البصرية. وتُقدم الرسومات على الفخار والخزف اليوناني القديم لمحةً قيّمةً عن نمط الحياة الاجتماعية في اليونان القديمة. ولا تزال العديد من الأمثلة الرائعة لرسومات المزهريات ذات الأشكال السوداء والحمراء موجودة حتى اليوم.

من أشهر الرسامين اليونانيين الذين عملوا على الألواح الخشبية وذُكروا في النصوص: أبيليس ، وزيوكسيس ، وباراسيوس . مع ذلك، باستثناء ألواح بيتسا ، لم يبقَ من أعمال الرسم على الألواح الخشبية اليونانية القديمة سوى أوصاف مكتوبة من معاصريهم أو الرومان اللاحقين. عاش زيوكسيس في القرن الخامس قبل الميلاد، ويُقال إنه أول من استخدم تقنية التظليل التدريجي (سفوماتو) . ووفقًا لبلينيوس الأكبر ، كانت واقعية لوحاته لدرجة أن الطيور حاولت أكل العنب المرسوم عليها. أما أبيليس، فيُوصف بأنه أعظم رسام في العصور القديمة ، ويُعرف بتقنيته المتقنة في الرسم، وألوانه الزاهية، وتجسيده المتقن.

تأثر الفن الروماني بالفن اليوناني، ويمكن اعتباره جزئيًا امتدادًا للرسم اليوناني القديم. ومع ذلك، يتميز الرسم الروماني بخصائص فريدة وهامة. تشمل اللوحات الرومانية الباقية لوحات جدارية ورسومًا جدارية ، العديد منها من فيلات كامبانيا ، في جنوب إيطاليا ، في مواقع مثل بومبي وهيركولانيوم . يمكن تصنيف هذا النوع من الرسم إلى أربعة "أساليب" أو فترات رئيسية ^{[ 18 ]} ، وقد يحتوي على أولى الأمثلة على الخداع البصري ، والمنظور الزائف، والمناظر الطبيعية الخالصة. ^{[ 19 ]}

تكاد تكون اللوحات الشخصية الوحيدة الباقية من العالم القديم هي عدد كبير من التماثيل النصفية على شكل توابيت، والتي عُثر عليها في مقبرة الفيوم المصرية . ورغم أنها لم تكن من أفضل العصور أو من أرقى الأعمال الفنية، إلا أنها مثيرة للإعجاب في حد ذاتها، وتعطي فكرة عن جودة الأعمال الفنية القديمة المتميزة. كما نجا عدد قليل جدًا من المنمنمات من الكتب المصورة التي تعود إلى أواخر العصور القديمة، وعدد أكبر من نسخها من أوائل العصور الوسطى.

• 
  يان فان إيك ، 1434
• 
  روجير فان دير وايدن ، ج. 1435
• 
  هوغو فان دير غوس ، حوالي عام  1470
• 
  ديريك بوتس ، 1464-1467
• 
  هانز ميملينغ ، حوالي  1466-1473
• 
  بيتروس كريستوس ، حوالي عام 1470
• 
  هيرونيموس بوش ، حوالي  1480-1505
• 
  باولو أوتشيلو ، حوالي عام 1470
• 
  ماساتشيو ، 1426-1427
• 
  فيليبو ليبي ، 1440-1445
• 
  أندريا مانتينيا ، حوالي 1458-1460
• 
  بييرو ديلا فرانشيسكا ، 1463-1465
• 
  ساندرو بوتيتشيلي ، 1483–1485
• 
  ليوناردو دافنشي ، 1503-1506
• 
  رافائيل ، 1505-1506
• 
  مايكل أنجلو ، حوالي عام 1511
• 
  لوكاس كراناخ الأكبر ، ج.  1530
• 
  ألبريشت دورر ، 1500
• 
  ماتياس جرونوالد ، 1512-1516
• 
  جيوفاني بيليني ، حوالي عام 1480
• 
  جورجوني ، حوالي عام 1505
• 
  بونتورمو ، 1526-1528
• 
  برونزينو ، 1540-1545
• 
  بيتر برويغل ، 1565
• 
  هانز هولباين الأصغر ، 1527
• 
  جاكوبو تينتوريتو ، 1582
• 
  باولو فيرونيزي ، 1562-1563
• 
  يواكيم ويتويل ، 1595
• 
  إل غريكو ، 1596-1600

كانت النهضة (كلمة فرنسية تعني "الولادة الجديدة") حركة ثقافية امتدت تقريبًا من القرن الرابع عشر حتى منتصف القرن السابع عشر، مدفوعةً بالنزعة الإنسانية ودراسة المصادر الكلاسيكية. في مجال الرسم، خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن الخامس عشر، طوّر كبار الرسامين في إيطاليا والأراضي المنخفضة، كلٌ على حدة، أساليب جديدة في الرسم، مما جعل اللوحات تبدو أكثر واقعية من أعمال الرسامين المعروفين، الذين يُشار إلى أسلوبهم باسم القوطية العالمية ، أو في بعض الحالات باسم ما قبل عصر النهضة (خاصةً في إيطاليا). عُرفت هذه الفترة، التي استمرت حتى حوالي عام ١٤٩٥، باسم عصر النهضة المبكر .

في منطقة فلاندرز بالأراضي المنخفضة، وبعد التطورات التي شهدها فن تزيين المخطوطات ، ولا سيما على يد الأخوين ليمبورغ (الذي توفي عام ١٤١٦)، انبهر الفنانون بما هو ملموس في العالم المرئي، وبدأوا بتصوير الأشياء بأسلوب واقعي للغاية. ^{[ ٢١ ]} وقد أتاح استخدام الرسم الزيتي، الذي نُسب استخدامه الأول على اللوحات الخشبية تقليديًا، ولكن خطأً، إلى يان فان إيك ، إمكانية تحقيق مستوى جديد من الواقعية في تصوير هذه الواقعية. كان الرسم الزيتي موجودًا بالفعل في أعمال ميلخيور برودرلام (الذي توفي عام ١٤٠٩)، لكن روبرت كامبين (المعروف سابقًا باسم سيد فليمال ) وفان إيك ارتقيا باستخدامه إلى آفاق جديدة، ووظفاه لتمثيل الواقعية التي كانا يطمحان إليها. وبفضل هذه التقنية الجديدة، تمكن رسامو تلك الفترة من ابتكار ألوان أكثر ثراءً ذات درجات لونية عميقة وكثيفة. تميزت لوحات العصر الهولندي المبكر بوهم الضوء المتوهج ذي اللمسة النهائية الشبيهة بالخزف، وكان ذلك فرقًا كبيرًا عن السطح غير اللامع لطلاء التمبرا المستخدم في إيطاليا. ^{[ 21 ]}

على عكس الإيطاليين، الذين استلهموا أعمالهم بشكل كبير من فن روما القديمة، احتفظ فنانو الشمال ببقايا أسلوبية من فن النحت والمخطوطات المزخرفة في العصور الوسطى (وخاصة واقعيتها). ومن بين الرسامين الهولنديين البارزين في هذه الفترة روجير فان دير فايدن ، تلميذ كامبين، الذي ركزت أعماله على المشاعر الإنسانية والدراما، كما يتضح في لوحته " إنزال المسيح عن الصليب" ، التي تُعد من أشهر أعمال القرن الخامس عشر وأكثر لوحات صلب المسيح تأثيرًا في هولندا. ومن الفنانين البارزين الآخرين ^هوغو فان دير غوس (الذي كان لعمله تأثير كبير في إيطاليا)، وديريك بوتس (الذي كان من ^{أوائل رسامي الشمال} الذين استخدموا نقطة تلاشٍ واحدة)، وبيتروس كريستوس ، وهانز ميملينغ ، وجيرارد ديفيد . وتُعرف هذه التطورات في فن الرسم في أوروبا شمال جبال الألب مجتمعةً باسم عصر النهضة الشمالية .

في عصر النهضة الإيطالية ، استلهم فن العصور الكلاسيكية القديمة أسلوبًا فنيًا يركز على المثالية. يُنسب إلى ماساتشيو الفضل في تطوير المنظور الخطي، وتصوير الحجم في شخصياته، وتجسيد المشاعر على وجوهها في عشرينيات القرن الخامس عشر. ثم، في عصر النهضة المبكرة ( التي امتدت حتى عام 1495 تقريبًا)، ارتقى فنانون مثل باولو أوتشيلو ، وفرا أنجيليكو ، وبييرو ديلا فرانشيسكا ، وأندريا مانتينيا ، وفيليبو ليبي ، وساندرو بوتيتشيلي ، ثم ليوناردو دافنشي ، ومايكل أنجلو بوناروتي ، ورافائيل خلال عصر النهضة العليا ( التي امتدت من عام 1495 إلى 1520 تقريبًا) بالرسم إلى مستوى أعلى من خلال استخدام المنظور ، ودراسة تشريح جسم الإنسان ونسبه، وتطويرهم لمهارة غير مسبوقة في تقنيات الرسم والتلوين. وفي البندقية ، ظهر أسلوب أكثر واقعية في عصر النهضة العليا . كان رسامو المدرسة الفينيسية ، مثل جيوفاني بيليني وجورجوني وتيتيان وفيرونيز ، أقل اهتمامًا بالدقة في رسمهم من اهتمامهم بثراء اللون ووحدة التأثير التي يمكن تحقيقها من خلال نهج أكثر عفوية في الرسم.

كان لرسامي عصر النهضة العليا في شمال أوروبا، من الفلمنكيين والهولنديين والألمان، مثل ألبرخت دورر ولوكاس كراناش وماتياس غرونيفالد وهانز هولباين الأصغر ، نهجٌ مختلفٌ عن نظرائهم الإيطاليين، نهجٌ أكثر واقعيةً وأقل مثالية. سافر بعض رسامي الشمال، بدءًا من دورر في تسعينيات القرن الخامس عشر، إلى إيطاليا للاطلاع على أعمال عصر النهضة الإيطالية، ودمجوا سمات الفن الإيطالي في أعمالهم بدرجات متفاوتة. بعد جيل، بدأ استخدام الرسم النوعي كموضوعٍ لأعمالٍ كبيرة مع بيتر آرتسن وبيتر برويغل . عُرف جيلٌ لاحقٌ من رسامي عصر النهضة الشمالية، الذين سافروا إلى روما وتبنوا الكثير من النهج المثالي لعصر النهضة الإيطالية، باسم الرومانيين .

يعكس فن الرسم في عصر النهضة ثورة الأفكار والعلوم ( علم الفلك ، الجغرافيا ) التي شهدتها تلك الفترة، إلى جانب الإصلاح الديني واختراع الطباعة . وازدادت أهمية فن الطباعة ، ومارسه العديد من الرسامين. ويؤكد دورر، الذي يُعدّ من أعظم فناني الطباعة، أن الرسامين ليسوا مجرد حرفيين ، بل مفكرين أيضًا. ومع تطور الرسم على الحامل في عصر النهضة، اكتسب الرسم استقلالية عن فن العمارة. وأصبحت لوحات الحامل - وهي صور متحركة يسهل تعليقها على الجدران - بديلاً شائعًا للوحات المثبتة على الأثاث أو الجدران أو غيرها من الهياكل. وبعد قرون هيمنت عليها الصور الدينية، عادت المواضيع الدنيوية تدريجيًا إلى الرسم الغربي. وأدرج الفنانون رؤاهم للعالم من حولهم، أو نتاج مخيلاتهم، في لوحاتهم. أما من استطاع تحمل التكاليف، فقد أصبح راعيًا للفنانين وطلب رسم صور شخصية له أو لأفراد عائلته.

أدى عصر النهضة العليا في إيطاليا إلى ظهور فنٍّ مُنمّق يُعرف باسم الأسلوب التكلفي (المانييريزم) بعد عام 1520، على الرغم من أن بعض الرسامين، مثل تيتيان وباولو فيرونيز ، استمروا في الرسم بأسلوب عصر النهضة العليا حتى أواخر القرن. فبدلاً من التراكيب المتوازنة والنهج العقلاني في المنظور الذي ميّز الفن في مطلع القرن السادس عشر، سعى التكلفيون إلى إثارة عدم الاستقرار والتصنّع والشك. فقد استُبدلت لوحات العذارى الهادئة لرافائيل والتعبيرات الرصينة لشخصيات ليوناردو بتعبيرات بونتورمو المضطربة والحدة العاطفية لإل غريكو . وتُعدّ التراكيب المضطربة وغير المستقرة، والتأثيرات المتطرفة أو المتنافرة للمنظور، والأوضاع المُنمّقة، من السمات المميزة للتكلفيين الإيطاليين مثل تينتوريتو وبونتورمو وبرونزينو ، وقد ظهرت لاحقًا في أعمال التكلفيين الشماليين مثل هندريك غولتزيوس وبارثولوميوس سبرانجر ويواكيم ويتويل .

• 
  كارافاجيو ، 1595-1597
• 
  أرتميسيا جنتيليسكي ، 1614-1620
• 
  بيتر بول روبنز ، 1632-1635
• 
  فرانس هالس ، 1624
• 
  جوديث ليستر ، 1630
• 
  رامبرانت فان راين ، 1642
• 
  بيتر دي هوخ ، 1658
• 
  يوهانس فيرمير ، حوالي عام  1660
• 
  يان ستين ، حوالي عام 1665
• 
  جاكوب فان رويسدال ، 1670
• 
  ويليم كلايسز هيدا ، 1631
• 
  دييغو فيلاسكيز ، 1656-1657
• 
  جوزيبي دي ريبيرا ، 1620-1624
• 
  نيكولا بوسين ، ج. 1637-1638
• 
  جورج دي لا تور ، أربعينيات القرن السابع عشر
• 
  غيدو ريني ، 1625
• 
  سلفاتور روزا ، حوالي عام 1645
• 
  بارتولومي إستيبان موريللو ، ج.  1650-1655
• 
  كلود لورين ، 1648
• 
  أنتوني فان دايك ، 1635-1636
• 
  كاناليتو ، 1723
• 
  جيوفاني باتيستا تيبولو ، ج.  1752-1753
• 
  أنطوان واتو ، حوالي عام 1720
• 
  جان أونوريه فراجونارد ، ج.  1767-1768
• 
  فرانسوا بوشيه ، 1751
• 
  إليزابيث لويز فيجي لو برون ، بعد  عام 1782
• 
  موريس كوينتين دي لا تور ، ج.  1761
• 
  توماس غينزبورو ، حوالي عام  1770
• 
  جوشوا رينولدز ، 1769
• 
  جان بابتيست سيمون شاردان ، ج.  1728
• 
  ويليام هوغارث ، حوالي عام 1757
• 
  أنجليكا كوفمان ، حوالي عام  1780

يرتبط فن الرسم الباروكي بالحركة الثقافية الباروكية ، وهي حركة غالباً ما تُنسب إلى الحكم المطلق والإصلاح المضاد أو النهضة الكاثوليكية؛ ^{[ 22 ] [ 23 ]} ومع ذلك، فإن وجود لوحات باروكية مهمة في دول غير مطلقة وبروتستانتية يؤكد أيضاً على شعبيتها، حيث انتشر هذا الأسلوب في جميع أنحاء أوروبا الغربية. ^{[ 24 ]}

تتميز لوحات الباروك بالدراما المؤثرة، والألوان الغنية والعميقة، والضوء الساطع والظلال الداكنة القوية، إذ يهدف هذا الفن إلى إثارة المشاعر والعواطف بدلاً من العقلانية الهادئة التي كانت تُقدّر خلال عصر النهضة. من أوائل رسامي الباروك الأخوان كاراتشي، أنيبالي وأغوستينو ، في أواخر القرن السادس عشر، وكارافاجيو في العقد الأخير من القرن نفسه. يُعد كارافاجيو أحد أعظم رسامي الباروك ووريثًا للرسم الإنساني في عصر النهضة العليا . أثار أسلوبه الواقعي في تصوير الإنسان، المرسوم مباشرة من الطبيعة مع تسليط الضوء عليه بشكل درامي على خلفية داكنة، دهشة معاصريه وفتح فصلاً جديدًا في تاريخ الرسم. سيطر أسلوب الباروك على الرسم بدءًا من حوالي عام 1600 واستمر طوال القرن السابع عشر. من بين أعظم رسامي عصر الباروك روبنز ، وفيلسكيز ، ورامبرانت ، وفرانس هالز ، ويوهانس فيرمير ، ولو نان ، وخوسيب دي ريبيرا ، وبوسان ، وتور ، وكلود لورين ، الذين ركزوا على رسم المناظر الطبيعية. وقد تبنى بوسان، وكلود، وتور، وجميعهم فرنسيون، أسلوبًا باروكيًا "كلاسيكيًا" مع تركيز أقل على العاطفة واهتمام أكبر بملامح الشخصيات في اللوحة من اللون. سافر معظم هؤلاء الرسامين إلى إيطاليا كجزء من تدريبهم، ثم عادوا بأسلوب الباروك إلى أوطانهم، على الرغم من أن بعضهم مكث في إيطاليا لفترات طويلة من حياتهم المهنية (كلود وبوسان). في إيطاليا، يتجلى أسلوب الباروك في اللوحات الدينية والأسطورية بأسلوب " الأسلوب الكبير" لفنانين مثل عائلة كاراتشي ، وغيدو ريني ، ولوكا جيوردانو . بدت اللوحات الجدارية الخادعة لسقف الكنيسة التي رسمها بيترو دا كورتونا وكأنها تنفتح على السماء.

ظهر نمط أكثر هدوءًا من فن الباروك في الجمهورية الهولندية ، حيث لاقت لوحات الحياة اليومية رواجًا بين هواة جمع اللوحات من الطبقة المتوسطة، وتخصص العديد من الرسامين في تصوير المشاهد اليومية ، بينما تخصص آخرون في المناظر الطبيعية أو البحرية أو الطبيعة الصامتة. وقد أضفى كل من فيرمير، وجيرارد تير بورش ، وبيتر دي هوخ، رقيًا تقنيًا كبيرًا على رسم المشاهد المنزلية، كما فعل ويليم كلايس هيدا في رسم الطبيعة الصامتة. في المقابل، برع رامبرانت في رسم جميع أنواع المواضيع، وطوّر أسلوبًا فنيًا فريدًا ، حيث فقدت فيه تقنيات التباين بين النور والظلام والخلفيات الداكنة، المستوحاة من كارافاجيو ومدرسة أوتريخت كارافاجيو، طابعها المسرحي. غالبًا ما يُشار إلى فن الباروك الهولندي باسم فن العصر الذهبي الهولندي .

خلال القرن الثامن عشر، ظهر فن الروكوكو كامتدادٍ أكثر رقةً لفن الباروك، اتسم في كثير من الأحيان بالطابع المرح والإيروتيكي، واستخدم ألوان الباستيل الفاتحة. بدأ الروكوكو بالانتشار في الفنون الزخرفية والتصميم الداخلي في فرنسا. ومع تولي لويس الخامس عشر العرش، طرأ تغيير على فناني البلاط والموضة الفنية العامة. وشهدت ثلاثينيات القرن الثامن عشر ذروة تطور الروكوكو في فرنسا، تجلى ذلك في أعمال أنطوان واتو وفرانسوا بوشيه . حافظ الروكوكو على ذوق الباروك في الأشكال المعقدة والأنماط الدقيقة، ولكنه في هذه المرحلة بدأ يدمج خصائص متنوعة، بما في ذلك الميل إلى التصاميم الشرقية والتراكيب غير المتناظرة.

انتشر أسلوب الروكوكو مع الفنانين الفرنسيين والمطبوعات المنقوشة. وقد لاقى رواجاً واسعاً في المناطق الكاثوليكية من ألمانيا وبوهيميا والنمسا، حيث امتزج بتقاليد الباروك الألماني النابضة بالحياة. وطُبِّق الروكوكو الألماني بحماس على الكنائس والقصور، لا سيما في الجنوب، بينما تطور الروكوكو فريدريكي في مملكة بروسيا .

يمثل أساتذة الفن الفرنسيون واتو وبوشيه وفراغونارد هذا الأسلوب، وكذلك جيوفاني باتيستا تيبولو وجان بابتيست سيميون شاردان، الذي اعتبره البعض أفضل رسام فرنسي في القرن الثامن عشر - أسلوب ما بعد الروكوكو . كان رسم البورتريه عنصرًا هامًا في الرسم في جميع البلدان، ولا سيما في إنجلترا، حيث كان ويليام هوغارث رائدًا في هذا الأسلوب الواقعي الصريح، بينما برز فرانسيس هايمان وأنجليكا كوفمان (السويسرية) وتوماس غينزبورو وجوشوا رينولدز بأساليب أكثر رقة متأثرة بأنتوني فان ديك ^{. في} فرنسا خلال عصر الروكوكو، برع جان بابتيست غروز (الرسام المفضل لدى دينيس ديدرو ) في رسم البورتريه واللوحات التاريخية ، وكان موريس كوينتان دي لا تور وإليزابيث فيجيه لوبرون ^من رسامي البورتريه الماهرين . تخصص لا تور في الرسم بالباستيل ، الذي أصبح وسيلة فنية شائعة خلال هذه الفترة.

ساهم ويليام هوغارث في وضع أسس نظرية لجمال الروكوكو. ورغم أنه لم يُشر صراحةً إلى هذه الحركة، فقد جادل في كتابه " تحليل الجمال" (1753) بأن الخطوط المتموجة والمنحنيات على شكل حرف S، التي برزت في الروكوكو، كانت أساسًا للرشاقة والجمال في الفن والطبيعة (على عكس الخط المستقيم أو الدائرة في الكلاسيكية ). بدأت نهاية الروكوكو في أوائل ستينيات القرن الثامن عشر الميلادي، عندما بدأ شخصيات مثل فولتير وجاك فرانسوا بلونديل في التعبير عن انتقاداتهم لسطحية هذا الفن وانحطاطه. استنكر بلونديل "المزيج السخيف من الأصداف والتنانين والقصب وأشجار النخيل والنباتات" في التصميمات الداخلية المعاصرة. ^{[ 26 ]}

بحلول عام 1785، كان أسلوب الروكوكو قد خرج عن الموضة في فرنسا، وحل محله النظام والجدية التي تميز بها فنانو الكلاسيكية الجديدة مثل جاك لويس دافيد ، الذين جسدت لوحاتهم التاريخية المهيبة التي تصور الأحداث التاريخية والمعاصرة على حد سواء مُثُل الثورة الفرنسية .

• 
  فاسيلي كاندينسكي ، دير بلو رايتر ، 1903
• 
  هنري ماتيس ، الشريط الأخضر ، المدرسة الوحشية ، 1905
• 
  أندريه ديرين ، الوحشية ، 1906
• 
  موريس دي فلامينك ، الحوشية ، 1906
• 
  أليكسي فون جولينسكي ، دير بلو رايتر ، 1909

كانت المدرسة الوحشية مجموعة غير رسمية من فناني أوائل القرن العشرين، ركزت أعمالهم على الجوانب التصويرية ، والاستخدام المبتكر للألوان العميقة بدلاً من القيم التمثيلية. وكان من أبرز رواد هذه الحركة هنري ماتيس وأندريه ديرين ، اللذان كانا بمثابة منافسين ودودين، ولكل منهما أتباعه. وفي نهاية المطاف، أصبح ماتيس بمثابة النقيض لبيكاسو في القرن العشرين . ومن بين رسامي المدرسة الوحشية ألبرت ماركيه ، وشارل كاموان ، وموريس دي فلامينك ، وراؤول دوفي ، وأوثون فريز ، والرسام الهولندي كيس فان دونجن ، وشريك بيكاسو في التكعيبية، جورج براك، وغيرهم. ^{[ 36 ]}

لم يكن للمدرسة الوحشية نظريات محددة، وكانت قصيرة الأجل، إذ بدأت عام ١٩٠٥ وانتهت عام ١٩٠٧. ولم تُقم سوى ثلاثة معارض. واعتُبر ماتيس رائدًا للحركة، نظرًا لتقدمه في السن ومكانته السابقة في الأوساط الفنية الأكاديمية. أثارت لوحته " الشريط الأخضر" ، التي رسمها عام ١٩٠٥ للسيدة ماتيس، ضجةً في باريس عند عرضها لأول مرة. وقد صرّح ماتيس برغبته في خلق فن يُبهج، ويمكن القول إن استخدامه للألوان الزاهية يُسهم في الحفاظ على هدوء التكوين. وفي عام ١٩٠٦، وبناءً على اقتراح تاجر أعماله أمبرواز فولار ، سافر أندريه ديرين إلى لندن وأنتج سلسلة من اللوحات، من بينها " جسر تشارينغ كروس، لندن" ، بأسلوب المدرسة الوحشية ، مستلهمًا بذلك سلسلة لوحات الرسام الانطباعي الشهير كلود مونيه .

بحلول عام 1907، لم تعد الحركة الوحشية حركة جديدة صادمة، وقال أبولينير عن ماتيس في مقال نُشر في صحيفة لا فالانج : "لسنا هنا أمام مشروع متطرف أو متجاوز: فن ماتيس معقول للغاية." ^{[ 37 ]}

كانت جماعة "دي بروكه" مجموعة من الفنانين التعبيريين الألمان ، تأسست في دريسدن عام 1905. وكان من بين أعضائها المؤسسين فريتز بليل ، وإريك هيكل ، وإرنست لودفيج كيرشنر، وكارل شميدت-روتلوف . وانضم إليها لاحقًا ماكس بيشتاين وأوتو مولر . كان لهذه المجموعة الرائدة تأثير كبير على تطور الفن الحديث في القرن العشرين، وساهمت في ابتكار أسلوب التعبيرية . ^{[ 38 ]}

كانت حركة "الفارس الأزرق" حركة فنية ألمانية امتدت من عام 1911 إلى عام 1914، وشكّلت ركيزة أساسية في الحركة التعبيرية. أسسها فاسيلي كاندينسكي ، وفرانز مارك ، وأوغست ماكه ، وأليكسي فون يافلينسكي (صاحب لوحة "صورة ألكسندر ساخاروف" (1909) ذات التعبير النفسي العميق، والتي تُعرض هنا)، وماريان فون ويريفكين ، وليونيل فاينينغر، وآخرون، ردًا على رفض لوحة كاندينسكي " يوم القيامة" من أحد المعارض. لم يكن لحركة "الفارس الأزرق" بيان فني مركزي، لكنها تمحورت حول كاندينسكي ومارك. كما شارك فيها الفنانان غابرييل مونتر وبول كلي . يُستمد اسم الحركة من لوحة رسمها كاندينسكي عام 1903. بالنسبة لكاندينسكي، الأزرق هو لون الروحانية: فكلما كان الأزرق أغمق، كلما أيقظ رغبة الإنسان في الخلود. ^{[ 39 ]}

• 
  غوستاف كليمت ، التعبيرية ، 1907-1908
• 
  مارك شاغال ، التعبيرية والسريالية ، 1911
• 
  آرثر دوف ، من رواد الحداثة الأمريكية المبكرة ، 1911
• 
  إيغون شيلي ، الرمزية والتعبيرية ، 1912
• 
  بيير بونار ، 1913، فنان أوروبي حداثي في ​​الرسم السردي
• 
  أميديو موديلياني ، الرمزية والتعبيرية ، 1917
• 
  مارسدن هارتلي ، الحداثة الأمريكية ، 1914
• 
  بول كلي ، باوهاوس ، 1921
• 
  ستيوارت ديفيس ، الحداثة الأمريكية ، 1921
• 
  باتريك هنري بروس ، الحداثة الأمريكية ، 1929-1930

التعبيرية والرمزية مصطلحان واسعان يشملان عدة حركات فنية مترابطة في القرن العشرين، والتي هيمنت على جزء كبير من الفن الطليعي في غرب وشرق وشمال أوروبا. رُسمت الأعمال التعبيرية في الغالب بين الحربين العالميتين الأولى والثانية، وتحديدًا في فرنسا وألمانيا والنرويج وروسيا وبلجيكا والنمسا. تُعدّ الوحشية ، وجماعة الجسر ، والفارس الأزرق من أشهر مجموعات الفنانين التعبيريين والرمزيين. تروي لوحة مارك شاغال " أنا والقرية" قصةً ذاتيةً تتناول العلاقة بين الفنان وأصوله، مستخدمةً معجمًا من الرمزية الفنية. كان غوستاف كليمت ، وإيغون شيلي ، وإدفارد مونك ، وإميل نولده ، وحاييم سوتين ، وجيمس إنسور ، وأوسكار كوكوشكا ، وإرنست لودفيغ كيرشنر ، وماكس بيكمان ، وفرانز مارك ، وجورج روو ، وأميديو موديلياني ، وبعض الأمريكيين المقيمين في الخارج مثل مارسدن هارتلي وستيوارت ديفيس ، يُعتبرون من الرسامين التعبيريين المؤثرين. وعلى الرغم من أن ألبرتو جياكوميتي يُعرف في المقام الأول كنحات سريالي، إلا أنه أنتج لوحات تعبيرية مؤثرة أيضاً.

خلال الفترة ما بين الحربين العالميتين الأولى والثانية، كان الرسامون الأمريكيون يميلون إلى التوجه إلى أوروبا بحثًا عن الشهرة. وقد حقق فنانون حداثيون مثل مارسدن هارتلي، وباتريك هنري بروس ، وجيرالد مورفي ، وستيوارت ديفيس، شهرة واسعة في الخارج. فبينما رسم باتريك هنري بروس ^{[ 40 ]} لوحاتٍ مستوحاة من التكعيبية في أوروبا، قدم كل من ستيوارت ديفيس وجيرالد مورفي لوحاتٍ شكلت مصدر إلهام مبكر لفن البوب ​​الأمريكي ^{[ 41 ] [ 42 ] [ 43 ]،} في حين خاض مارسدن هارتلي تجارب في التعبيرية. وفي عشرينيات القرن العشرين، عرض المصور ألفريد ستيغليتز أعمال جورجيا أوكيف ، وآرثر دوف ، وألفريد هنري ماورر ، وتشارلز ديموث ، وجون مارين، وغيرهم من الفنانين، بمن فيهم رواد الفن الأوروبي هنري ماتيس، وأوغست رودان، وهنري روسو، وبول سيزان، وبيكاسو، في معرضه " 291" بمدينة نيويورك . ^{[ 44 ]} في أوروبا، واصل فنانون كبار مثل هنري ماتيس وبيير بونار تطوير أساليبهم السردية بشكل مستقل عن أي حركة فنية.

• 
  بيت موندريان ، 1911، أوائل دي ستيجل
• 
  روبرت ديلوناي ، 1912، نوافذ متزامنة على المدينة ، قاعة هامبورغ للفنون ، الأورفية والدادائية
• 
  فاسيلي كاندينسكي ، 1913، ميلاد الفن التجريدي

يُعتبر فاسيلي كاندينسكي عمومًا أحد أوائل رسامي الفن التجريدي الحديث البارزين . وبصفته أحد رواد الحداثة ، فقد نظّر، كما فعل معاصروه من علماء الباطنية والثيوصوفية ، إلى أن التجريد البصري الخالص له صدىً مصاحب للصوت والموسيقى. وافترضوا أن التجريد الخالص قادر على التعبير عن الروحانية الخالصة. وكانت أعماله التجريدية الأولى تحمل عنوان "المثال في التكوين السابع" ، في إشارة إلى أعمال مؤلفي الموسيقى. وقد ضمّن كاندينسكي العديد من نظرياته حول الفن التجريدي في كتابه " حول الروحانية في الفن" . ومن بين رواد التجريد الأوائل الآخرين الرسامة السويدية هيلما أف كلينت ، والرسام الروسي كازيمير ماليفيتش ، والرسام السويسري بول كلي . أما روبرت دولوناي، فهو فنان فرنسي يُنسب إلى الأورفية (في إشارة إلى وجود صلة بين التجريد الخالص والتكعيبية). وتتمثل إسهاماته الرئيسية في الرسم التجريدي في استخدامه الجريء للألوان وتجربته في كل من العمق والدرجة اللونية.

• 
  فرانسيس بيكابيا ، 1916، دادا
• 
  ماكس إرنست ، 1921)، السريالية
• 
  أندريه ماسون ، 1922، من أوائل السريالية
• 
  كيرت شويترز ، 1919، رسم الكولاج ، دادا
• 
  هانا هوخ ، كولاج، 1919، دادا
• 
  ماكس إرنست ، 1920، من أوائل السريالية
• 
  جوان ميرو ، حصان، غليون، وزهرة حمراء ، 1920، من أوائل السريالية

Marcel Duchamp came to international prominence in the wake of the New York City Armory Show in 1913 where his Nude Descending a Staircase, No. 2 became a cause célèbre. He subsequently created The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, Large Glass. The Large Glass pushed the art of painting to radical new limits being part painting, part collage, part construction. Duchamp (who was soon to renounce artmaking for chess) became closely associated with the Dada movement that began in neutral Zürich, Switzerland, during World War I and peaked from 1916 to 1920. The movement primarily involved visual arts, literature (poetry, art manifestoes, art theory), theatre, and graphic design to advance its antiwar politic and rejection of the prevailing standards in art through anti-art cultural works. Other artists associated with the Dada movement include Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, and Sophie Taeuber-Arp. Duchamp and several Dadaists are also associated with Surrealism, the movement that dominated European painting in the 1920s and 1930s.

In 1924 André Breton published the Surrealist Manifesto. The Surrealist movement in painting became synonymous with the avant-garde and featured artists whose works varied from the abstract to the super-realist. With works on paper like Machine Turn Quickly, Francis Picabia continued his involvement in the Dada movement through 1919 in Zürich and Paris, before breaking away from it after developing an interest in Surrealist art. Yves Tanguy, René Magritte and Salvador Dalí are particularly known for their realistic depictions of dream imagery and fantastic manifestations of the imagination. During the 1920s André Masson's work was decisive in helping the young artist Joan Miró find his roots in Surrealist painting. Miró's The Tilled Field (1923–1924) verges on abstraction while suggesting a complex of objects and figures and arrangements of sexually active characters; it was Miró's first Surrealist masterpiece.^[45] Joan Miró, Jean Arp, André Masson, and Max Ernst were very influential, especially in the United States during the 1940s.

Max Ernst, whose 1920 painting Murdering Airplane is seen here, studied philosophy and psychology in Bonn and was interested in the alternative realities experienced by the insane. His paintings may have been inspired by the psychoanalystSigmund Freud's study of the delusions of a paranoiac, Daniel Paul Schreber. Freud identified Schreber's fantasy of becoming a woman as a castration complex. The central image of two pairs of legs refers to Schreber's hermaphroditic desires. Ernst's inscription on the back of the painting reads: The picture is curious because of its symmetry. The two sexes balance one another.^[46]

Throughout the 1930s, Surrealism continued to become more visible to the public at large. A Surrealist group developed in Britain and, according to Breton, their 1936 London International Surrealist Exhibition was a high-water mark of the period and became the model for international exhibitions. Surrealist groups in Japan, and especially in Latin America, the Caribbean and in Mexico produced innovative and original works. Other prominent surrealist artists include Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, and Leonor Fini.

• 
  George Grosz, 1920, Neue Sachlichkeit
• 
  Thomas Hart Benton, 1920, Regionalism
• 
  George Bellows, 1924, American realism
• 
  Charles DemuthSpring, 1921, American Precisionism (proto Pop Art)
• 
  Charles Demuth, 1931, Precisionism
• 
  Georgia O'Keeffe, 1921, Southwestern modernism
• 
  Grant Wood, American Gothic, 1930, Social Realism.
• 
  Diego Rivera, Recreation of Man at the Crossroads (renamed Man, Controller of the Universe), originally created in 1934
• 
  Edward Hopper, 1942, American Scene painting

During the 1920s and the 1930s and the Great Depression, the European art scene was characterized by Surrealism, late Cubism, the Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit, and Expressionism; and was occupied by masterful modernist color painters like Henri Matisse and Pierre Bonnard.

In Germany Neue Sachlichkeit ("New Objectivity") emerged as Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz and others politicized their paintings. The work of these artists grew out of expressionism, and was a response to the political tensions of the Weimar Republic, and was often sharply satirical.

During the 1930s radical leftist politics characterized many of the artists connected to Surrealism, including Pablo Picasso.^[47] On 26 April 1937, during the Spanish Civil War, the Basque town of Gernika was the scene of the "Bombing of Gernika" by the Condor Legion of Nazi Germany's Luftwaffe. The Germans were attacking to support the efforts of Francisco Franco to overthrow the Basque Government and the Spanish Republican government. Pablo Picasso painted his mural sized Guernica to commemorate the horrors of the bombing.

Guernica is an immense black-and-white, 3.5-metre (11 ft) tall and 7.8-metre (23 ft) wide mural painted in oil. The mural presents a scene of death, violence, brutality, suffering, and helplessness without portraying their immediate causes. The choice to paint in black and white invokes the immediacy of a newspaper photograph.^[48] The painting was first exhibited in Paris in 1937, then Scandinavia and London, and in 1939 at Picasso's request the painting was sent to the United States in an extended loan (for safekeeping) at MoMA. Finally in accord with Picasso's wish to give the painting to the people of Spain as a gift, it was sent to Spain in 1981.

From the Great Depression of the 1930s through the years of World War II, American art was characterized by Social Realism and American Scene Painting. Regionalism movements that contained both political and social commentary dominated the art world in the USA. Artists such as Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, and others became prominent.

American Gothic is a painting by Grant Wood from 1930. Portraying a pitchfork-holding farmer and a younger woman in front of a house of Carpenter Gothic style, it is one of the most familiar images in 20th-century American art. Art critics assumed it was satirical in intent; it was thought to be part of the trend towards increasingly critical depictions of rural America exemplified by Sherwood Anderson's 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis' 1920 Main Street, and Carl Van Vechten's The Tattooed Countess in literature.^[49] However, with the onset of the Great Depression, the painting came to be seen as a depiction of steadfast American pioneer spirit.

A renaissance of the arts in Latin America included the Uruguayan painter Joaquín Torres García, the Mexican painter Rufino Tamayo, artists of the Mexican muralist movement such as Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez and Santiago Martinez Delgado, and the Symbolist painter Frida Kahlo. The muralists conveyed historic and political messages. Diego Rivera is perhaps best known by the public world for his 1933 mural, Man at the Crossroads, in the lobby of the RCA Building at Rockefeller Center. When his patron Nelson Rockefeller discovered that the mural included a portrait of Lenin and other communist imagery, he fired Rivera, and the unfinished work was eventually destroyed by Rockefeller's staff.

Frida Kahlo's works relate to Surrealism and to the Magic Realism movement in literature. Her works are often characterized by their stark portrayals of pain. Of her 143 paintings 55 are self-portraits, which frequently incorporate symbolic portrayals of her physical and psychological wounds.^[50]

The 1940s in New York City heralded the triumph of American abstract expressionism, a movement that combined lessons learned from European Modernists via great teachers in America like Hans Hofmann and John D. Graham. American artists benefited from the presence of Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst and the André Breton group, Pierre Matisse's gallery, and Peggy Guggenheim's gallery The Art of This Century, as well as other factors.

Post-Second World War American painting called Abstract expressionism included artists like Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko, Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, Esteban Vicente, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, and Theodoros Stamos, among others. American Abstract expressionism got its name in 1946 from the art critic Robert Coates.^[51][52] Abstract expressionism, Action painting, and Color Field painting are synonymous with the New York School.^[53]

Technically Surrealism was an important predecessor for Abstract expressionism with its emphasis on spontaneous, automatic or subconscious creation. Jackson Pollock's dripping paint onto a canvas laid on the floor is a technique that has its roots in the work of André Masson. Another important early manifestation of what came to be abstract expressionism is the work of American Northwest artist Mark Tobey, especially his "white writing" canvases, which, though generally not large in scale, anticipate the "all over" look of Pollock's drip paintings.

Additionally, Abstract expressionism has an image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, rather nihilistic. In practice, the term is applied to any number of artists working (mostly) in New York who had quite different styles, and even applied to work which is not especially abstract nor expressionist. Pollock's energetic "action paintings", with their "busy" feel, are different both technically and aesthetically, to the violent and grotesque Women series of Willem de Kooning. Woman V is one of a series of six paintings made by de Kooning between 1950 and 1953 that depict a three-quarter-length female figure. He began the first of these paintings, Woman I, in June 1950, repeatedly changing and painting out the image until January or February 1952, when the painting was abandoned unfinished. The art historian Meyer Schapiro saw the painting in de Kooning's studio and encouraged the artist to persist. De Kooning's response was to begin three other paintings on the same theme; Woman II, Woman III, and Woman IV. During the summer of 1952, spent at East Hampton, de Kooning further explored the theme through drawings and pastels. He finished work on Woman I by November 1952, and probably the other three women pictures were concluded at much the same time.^[54] The Woman series are decidedly figurative paintings. Another important artist is Franz Kline, as demonstrated by his painting High Street (1950), who was labelled an action painter because of his seemingly spontaneous and intense style, focusing less, or not at all, on figures or imagery, but on the actual brush strokes and use of canvas.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, and the serenely shimmering blocks of color in Mark Rothko's work (which is not what would usually be called expressionist and which Rothko denied was abstract), are classified as abstract expressionists, albeit from what Clement Greenberg termed the Color field direction of abstract expressionism. Both Hans Hofmann and Robert Motherwell can be described as practitioners of action painting and Color field painting.

During the 1950s Color Field painting initially referred to a particular type of abstract expressionism, especially the work of Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell and Adolph Gottlieb. It essentially involved abstract paintings with large, flat expanses of color that expressed the sensual, and visual feelings and properties of large areas of nuanced surface. Art critic Clement Greenberg perceived Color Field painting as related to but different from Action painting. The overall expanse and gestalt of the work of the early color field painters speaks of an almost religious experience, awestruck in the face of an expanding universe of sensuality, color and surface. During the early-to-mid-1960s Color Field painting came to refer to the styles of artists like Jules Olitski, Kenneth Noland, and Helen Frankenthaler, whose works were related to second-generation abstract expressionism, and to younger artists like Larry Zox, and Frank Stella – all moving in a new direction.

• 
  George Bellows, 1924, American realism
• 
  Edward Hopper, Nighthawks, 1942, Cityscape

During the 1930s through the 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as abstract expressionism, Color Field painting, Post-painterly Abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, and Lyrical Abstraction. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction allowing imagery to continue through various new contexts like the Bay Area Figurative Movement in the 1950s and new forms of expressionism from the 1940s through the 1960s. Throughout the 20th century many painters practiced Realism and used expressive imagery in landscape and figurative painting with contemporary subjects. They include artists as varied as Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., and Elaine de Kooning.

In Italy during this time, Giorgio Morandi was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.^[55]

Arshile Gorky's portrait of Willem de Kooning is an example of the evolution of abstract expressionism from the context of figure painting, cubism and surrealism. Along with his friends de Kooning and John D. Graham Gorky created bio-morphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky's work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.^[56][57]

Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X, 1953 is a painting by the Irish-born artist Francis Bacon and is an example of Post World War II European Expressionism. The work shows a distorted version of the Portrait of Innocent X painted by the Spanish artist Diego Velázquez in 1650. The work is one of a series of variants of the Velázquez painting which Bacon executed throughout the 1950s and early 1960s, over a total of forty-five works.^[58] When asked why he was compelled to revisit the subject so often, Bacon replied that he had nothing against the Popes, that he merely "wanted an excuse to use these colours, and you can't give ordinary clothes that purple colour without getting into a sort of false fauve manner."^[59] The Pope in this version seethes with anger and aggression, and the dark colors give the image a grotesque and nightmarish appearance.^[60] The pleated curtains of the backdrop are rendered transparent, and seem to fall through the Pope's face.^[61]

The figurative work of Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth and others served as a kind of alternative to abstract expressionism. Nighthawks (1942) is a realist painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner late at night. It is not only Hopper's most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper's work. One of the most well-known images in 20th-century American art is Wyeth's tempera painting, Christina's World, in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. It depicts a woman lying on the ground in a treeless, mostly tawny field, looking up at and crawling towards a gray house on the horizon; a barn and various other small outbuildings are adjacent to the house.^[62]

After World War II the term School of Paris often referred to Tachisme, the European equivalent of American Abstract expressionism and those artists are also related to Cobra. Important proponents being Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, and Georges Mathieu, among several others. During the early 1950s Dubuffet (who was always a figurative artist) and de Staël abandoned abstraction, and returned to imagery via figuration and landscape. De Staël's return to representation (seascapes, footballers, jazz musicians, seagulls) during the early 1950s can be seen as an influential precedent for the American Bay Area Figurative Movement, as many of those abstract painters like Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown and others made a similar move; returning to imagery during the mid-1950s. Much of de Staël's late work – in particular his abstract landscapes of the mid-1950s – predicts Color Field painting and Lyrical Abstraction of the 1960s and 1970s. Milton Avery as well through his use of color and his interest in seascape and landscape paintings connected with the Color field aspect of Abstract expressionism as manifested by Adolph Gottlieb and Mark Rothko as well as the lessons American painters took from the work of Henri Matisse.^[63][64]

Pop art in America was to a large degree initially inspired by the works of Jasper Johns, Larry Rivers, and Robert Rauschenberg, although the paintings of Gerald Murphy, Stuart Davis and Charles Demuth during the 1920s and 1930s foreshadow the style and subject matter of Pop art.

In New York City during the mid-1950s, Rauschenberg and Johns created works of art that at first seemed to be continuations of Abstract expressionist painting. Actually their works, and the work of Larry Rivers, were radical departures from abstract expressionism especially in the use of banal and literal imagery and the inclusion of mundane materials into their work. Johns' use of various images and objects like chairs, numbers, targets, beer cans and the American Flag; Rivers' paintings of subjects drawn from popular culture such as George Washington crossing the Delaware, and his inclusions of images from advertisements like the camel from Camel cigarettes; and Rauschenberg's surprising constructions using inclusions of objects and pictures taken from popular culture, hardware stores, junkyards, the city streets, and taxidermy, gave rise to a radical new movement in American art. Eventually by 1963 the movement came to be known worldwide as Pop art.

Pop art is exemplified by the artists Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann and Roy Lichtenstein among others. Lichtenstein used oil and Magna paint in works such as Drowning Girl (1963; Museum of Modern Art, New York), which was appropriated from the lead story in DC Comics' Secret Hearts #83.^[65]) Thick outlines, bold colors and Ben-Day dots reproduce the appearance of commercial printing. Lichtenstein would say of his own work: Abstract Expressionists "put things down on the canvas and responded to what they had done, to the color positions and sizes. My style looks completely different, but the nature of putting down lines pretty much is the same; mine just don't come out looking calligraphic, like Pollock's or Kline's."^[66] Pop art merges popular and mass culture with fine art, while injecting humor, irony, and recognizable imagery and content into the mix. In October 1962 the Sidney Janis Gallery mounted The New Realists, the first major Pop art group exhibition in an uptown art gallery in New York City. The show sent shockwaves through the New York School and reverberated worldwide. Campbell's Soup Cans (sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans) is the title of an Andy Warhol work of art that was produced in 1962. It consists of thirty-two canvases of equal size, each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each canned soup variety the company offered at the time. The individual paintings were produced with a semi-mechanised silkscreen process, using a non-painterly style. They helped usher in Pop art as a major art movement that relied on themes from popular culture.

Earlier in England in 1956 the term Pop Art was used by Lawrence Alloway for paintings that celebrated consumerism of the post World War II era. This movement rejected Abstract expressionism and its focus on the hermeneutic and psychological interior, in favor of art which depicted material consumer culture, advertising, and iconography of the mass production age.^[67] The early works of English artist David Hockney, such as A Bigger Splash, and the works of Richard Hamilton, Peter Blake, and Eduardo Paolozzi, are considered seminal examples in the movement. In New York's East Village10th Street galleries artists were formulating an American version of Pop art. Claes Oldenburg had his storefront, and the Green Gallery on 57th Street began to show Tom Wesselmann and James Rosenquist. There is a connection between the radical works of Duchamp, and Man Ray, the rebellious Dadaists – with a sense of humor; and Pop Artists like Alex Katz, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein and the others.

During the 1950s and 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as Color Field painting, Post painterly abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, Lyrical Abstraction, and the continuation of Abstract expressionism. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction with Art brut,^[68] as seen in Court les rues, 1962, by Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, allowing imagery to re-emerge through various new contexts like Pop art, the Bay Area Figurative Movement (a prime example is Diebenkorn's Cityscape I,(Landscape No. 1) (1963), and later in the 1970s Neo-expressionism. The Bay Area Figurative Movement of whom David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira and Richard Diebenkorn whose painting Cityscape 1 (1963) is a typical example, were influential members flourished during the 1950s and 1960s in California. Younger painters practiced the use of imagery in new and radical ways. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, and Vija Celmins were a few who became prominent between the 1960s and the 1980s. Fairfield Porter was largely self-taught, and produced representational work in the midst of the Abstract Expressionist movement. His subjects were primarily landscapes, domestic interiors and portraits of family, friends and fellow artists.

Also during the 1960s and 1970s, there was a reaction against painting. Critics like Douglas Crimp viewed the work of artists like Ad Reinhardt, and declared the "death of painting". Artists began to practice new ways of making art. New movements gained prominence some of which are: Fluxus, Happening, Video art, Installation artMail art, the situationists, Conceptual art, Postminimalism, Earth art, arte povera, performance art and body art among others.^[69][70]

Neo-Dada is also a movement that started in the 1950s and 1960s and was related to Abstract expressionism only with imagery. This trend, in which manufactured items are combined with artist materials, is exemplified by the work of Jasper Johns and Robert Rauschenberg. Rauschenberg's "combines" in the 1950s were forerunners of Pop Art and Installation art, and made use of the assemblage of large physical objects, including stuffed animals, birds and commercial photography. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, and Edward Kienholz among others created new conventions of art-making; they made acceptable in serious contemporary art circles the radical inclusion of unlikely materials as parts of their works of art.^[71][72]

• 
  Yves Klein, 1962, New Realism

During the 1960s and 1970s abstract painting continued to develop in America through varied styles. Geometric abstraction, Op art, hard-edge painting, Color Field painting and minimal painting, were some interrelated directions for advanced abstract painting as well as some other new movements. Morris Louis was an important pioneer in advanced Colorfield painting, his work can serve as a bridge between Abstract expressionism, Colorfield painting, and Minimal Art. Two influential teachers, Josef Albers and Hans Hofmann, introduced a new generation of American artists to their advanced theories of color and space. Albers is best remembered for his work as a Geometric abstractionist painter and theorist. Most famous of all are the hundreds of paintings and prints that make up the series Homage to the Square. In this rigorous series, begun in 1949, Albers explored chromatic interactions with flat colored squares arranged concentrically on the canvas. Albers' theories on art and education were formative for the next generation of artists. His own paintings form the foundation of both hard-edge painting and Op art.

Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland,^[73]Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento^[74] are artists closely associated with Geometric abstraction, Op art, Color Field painting, and in the case of Hofmann and Newman Abstract expressionism as well. Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, are examples of artists associated with Minimalism and (exceptions of Martin, Baer and Marden) the use of the shaped canvas also during the period beginning in the early 1960s. Many Geometric abstract artists, minimalists, and Hard-edge painters elected to use the edges of the image to define the shape of the painting rather than accepting the rectangular format. In fact, the use of the shaped canvas is primarily associated with paintings of the 1960s and 1970s that are coolly abstract, formalistic, geometrical, objective, rationalistic, clean-lined, brashly sharp-edged, or minimalist in character. The Bykert Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Minimalism and shaped canvas painting in New York City during the 1960s.

Color Field painting pointed toward a new direction in American painting, away from abstract expressionism. Related to Post-painterly abstraction, Suprematism, Abstract Expressionism, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction,^[75] Color Field painting sought to rid art of superfluous rhetoric. Artists like Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, and others painted with a highly articulated and psychological use of color. In general these artists eliminated recognizable imagery. Certain artists made references to past or present art, but in general color field painting presents abstraction as an end in itself. In pursuing this direction of modern art, artists wanted to present each painting as one cohesive, monolithic image. Gene Davis along with Kenneth Noland, Morris Louis and several others was a member of the Washington Color School painters who began to create Color Field paintings in Washington, D.C. during the 1950s and 1960s, Black, Grey, Beat is a large vertical stripe painting and typical of Gene Davis's work. Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, and Al Loving are examples of artists associated with the use of the shaped canvas during the period beginning in the early 1960s.

From 1960 Frank Stella produced paintings in aluminum and copper paint and his first works using shaped canvases (canvases in a shape other than the traditional rectangle or square), often being in L, N, U or T-shapes. These later developed into more elaborate designs, in the Irregular Polygon series (1967), for example. Later he began his Protractor Series (1971) of paintings, in which arcs, sometimes overlapping, within square borders are arranged side by side to produce full and half circles painted in rings of concentric color. Harran II, 1967, is an example of the Protractor Series.

The Andre Emmerich Gallery, the Leo Castelli Gallery, the Richard Feigen Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Color Field painting, shaped canvas painting and Lyrical Abstraction in New York City during the 1960s. There is a connection with post-painterly abstraction, which reacted against abstract expressionisms' mysticism, hyper-subjectivity, and emphasis on making the act of painting itself dramatically visible – as well as the solemn acceptance of the flat rectangle as an almost ritual prerequisite for serious painting. During the 1960s Color Field painting and Minimal art were often closely associated with each other. In actuality by the early 1970s both movements became decidedly diverse.

Lyrical Abstraction (the term being coined by Larry Aldrich, the founder of the Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut), encompassed what Aldrich said he saw in the studios of many artists at that time.^[76] It is also the name of an exhibition that originated in the Aldrich Museum and traveled to the Whitney Museum of American Art and other museums throughout the United States between 1969 and 1971.^[77] Lyrical Abstraction is a type of freewheeling abstract painting that emerged in the mid-1960s when abstract painters returned to various forms of painterly, pictorial, expressionism with a predominate focus on process, gestalt and repetitive compositional strategies in general.^[78][79] In contrast to Action Painting, where emphasis is on brushstrokes and high compositional drama, in Lyrical Abstraction—as exemplified by the 1971 Ronnie Landfield painting Garden of Delight—there is a sense of compositional randomness, relaxed compositional drama and an emphasis on process, repetition, and an all over sensibility. Lyrical Abstraction in the late 1960s is characterized by the paintings of Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young and others, and along with the Fluxus movement and Postminimalism (a term first coined by Robert Pincus-Witten in the pages of Artforum in 1969)^[80] sought to expand the boundaries of abstract painting and Minimalism by focusing on process, new materials and new ways of expression. Postminimalism often incorporating industrial materials, raw materials, fabrications, found objects, installation, serial repetition, and often with references to Dada and Surrealism is best exemplified in the sculptures of Eva Hesse.^[80] Lyrical Abstraction, Conceptual Art, Postminimalism, Earth Art, Video, Performance art, Installation art, along with the continuation of Fluxus, Abstract Expressionism, Color Field painting, Hard-edge painting, Minimal Art, Op art, Pop art, Photorealism and New Realism extended the boundaries of Contemporary Art in the mid-1960s through the 1970s.^[81]

One of the first artists specifically associated with Minimalism was Frank Stella, whose early "stripe" paintings were highlighted in the 1959 show, "16 Americans", organized by Dorothy Miller at the Museum of Modern Art in New York. The widths of the stripes in Stella's stripe paintings were not entirely subjective, but were determined by the dimensions of the lumber used to construct the supportive chassis upon which the canvas was stretched. In the show catalog, Carl Andre noted, "Art excludes the unnecessary. Frank Stella has found it necessary to paint stripes. There is nothing else in his painting." These reductive works were in sharp contrast to the energy-filled and apparently emotionally charged paintings of Willem de Kooning or Franz Kline and leaned more toward less gestural coloristic field paintings of Barnett Newman and Mark Rothko.

Artists such as Larry Poons—whose work related to Op Art with his emphasis on dots, ovals and after-images bouncing across color fields—Kenneth Noland, Ralph Humphrey, Robert Motherwell and Robert Ryman had also begun to explore stripes, monochromatic and Hard-edge formats from the late 1950s through the 1960s.^[82]

Because of a tendency in Minimalism to exclude the pictorial, illusionistic and fictive in favor of the literal—as demonstrated by Robert Mangold, who understood the concept of the shape of the canvas and its relationship to objecthood—there was a movement away from painterly and toward sculptural concerns. Donald Judd had started as a painter, and ended as a creator of objects. His seminal essay, "Specific Objects" (published in Arts Yearbook 8, 1965), was a touchstone of theory for the formation of Minimalist aesthetics. In this essay, Judd found a starting point for a new territory for American art, and a simultaneous rejection of residual inherited European artistic values. He pointed to evidence of this development in the works of an array of artists active in New York at the time, including Jasper Johns, Dan Flavin and Lee Bontecou. Of "preliminary" importance for Judd was the work of George Earl Ortman, who had concretized and distilled painting's forms into blunt, tough, philosophically charged geometries. These Specific Objects inhabited a space not then comfortably classifiable as either painting or sculpture. That the categorical identity of such objects was itself in question, and that they avoided easy association with well-worn and over-familiar conventions, was a part of their value for Judd.

In a much more general sense, one might find European roots of Minimalism in the geometric abstractions painters in the Bauhaus, in the works of Piet Mondrian and other artists associated with the movement DeStijl, in Russian Constructivists and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. American painters such as Brice Marden and Cy Twombly show a clear European influence in their pure abstraction, minimalist painting of the 1960s. Ronald Davis polyurethane works from the late 1960s pay homage to the Broken Glass of Marcel Duchamp. This movement was heavily criticised by high modernist formalist art critics and historians. Some anxious critics thought Minimalist art represented a misunderstanding of the modern dialectic of painting and sculpture as defined by critic Clement Greenberg, arguably the dominant American critic of painting in the period leading up to the 1960s. The most notable critique of Minimalism was produced by Michael Fried, a Greenbergian critic, who objected to the work on the basis of its "theatricality". In Art and Objecthood (published in Artforum in June 1967) he declared that the Minimalist work of art, particularly Minimalist sculpture, was based on an engagement with the physicality of the spectator. He argued that work like Robert Morris's transformed the act of viewing into a type of spectacle, in which the artifice of the act observation and the viewer's participation in the work were unveiled. Fried saw this displacement of the viewer's experience from an aesthetic engagement within, to an event outside of the artwork as a failure of Minimal art.

Ad Reinhardt, actually an artist of the Abstract Expressionist generation, but one whose reductive all-black paintings seemed to anticipate minimalism, had this to say about the value of a reductive approach to art: "The more stuff in it, the busier the work of art, the worse it is. More is less. Less is more. The eye is a menace to clear sight. The laying bare of oneself is obscene. Art begins with the getting rid of nature."^[83]

During the 1960s and 1970s artists as powerful and influential as Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Richard Diebenkorn, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Sam Francis, Gene Davis, Joan Mitchell, Friedel Dzubas, and younger artists like Sam Gilliam, Sean Scully, Pat Steir, Elizabeth Murray, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Joan Snyder, Richard Tuttle, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile, and dozens of others produced vital and influential paintings.

Still other important innovations in abstract painting took place during the 1960s and the 1970s characterized by Monochrome painting and Hard-edge painting inspired by Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, and Ellsworth Kelly. Artists as diversified as Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden and others explored the power of simplification. The convergence of Color Field painting, Minimal art, Hard-edge painting, Lyrical Abstraction, and Postminimalism blurred the distinction between movements that became more apparent in the 1980s and 1990s. The Neo-expressionism movement is related to earlier developments in Abstract expressionism, Neo-Dada, Lyrical Abstraction and Postminimal painting.

In the late 1960s the abstract expressionist painter Philip Guston helped to lead a transition from abstract expressionism to Neo-expressionism in painting, abandoning the so-called "pure abstraction" of abstract expressionism in favor of more cartoonish renderings of various personal symbols and objects. These works were inspirational to a new generation of painters interested in a revival of expressive imagery.^[84] His painting Painting, Smoking, Eating is an example of Guston's return to representation.

In the late 1970s and early 1980s, there was also a return to painting that occurred almost simultaneously in Italy, Germany, France and Britain. These movements were called Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre,^[85]Neo-expressionism, the school of London, and in the late 80s the Stuckists respectively. These painting were characterized by large formats, free expressive mark making, figuration, myth and imagination. All work in this genre came to be labeled neo-expressionism.

Neo-expressionism was a style of modern painting that became popular in the late 1970s and dominated the art market until the mid-1980s. It developed in Europe as a reaction against the conceptual and minimalistic art of the 1960s and 1970s. Neo-expressionists returned to portraying recognizable objects, such as the human body (although sometimes in a virtually abstract manner) in a rough and violently emotional way using vivid colors and banal color harmonies. The veteran painters Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, A. R. Penck and Georg Baselitz, along with the slightly younger artists Damien Hirst, Anselm Kiefer, the Americans Eric Fischl, Susan Rothenberg, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, and Keith Haring, the Italians Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, and Enzo Cucchi, and many others became known for working in this intense expressionist vein of painting. Critical reaction was divided. Some critics regarded it as driven by profit motivations by large commercial galleries.^[84]

Anselm Kiefer is a leading figure in European Neo-expressionism.^[86] By the 1980s, Kiefer's themes widened from a focus on Germany's role in civilization to the fate of art and culture in general. His work became more sculptural and involves not only national identity and collective memory, but also occult symbolism, theology and mysticism.^[87] The theme of all the work is the trauma experienced by entire societies, and the continual rebirth and renewal in life.

Painting still holds a respected position in contemporary art. Art is an open field no longer divided by the objective versus non-objective dichotomy. Artists can achieve critical success whether their images are representational or abstract. What has currency is content, exploring the boundaries of the medium, and a refusal to recapitulate the works of the past as an end goal.^[88][89][90]