تاريخ المسرح

يُعدّ المسرح اليوناني، الذي بلغ ذروة ازدهاره في أثينا، أصل التقاليد الغربية؛ فالمسرح كلمة يونانية الأصل. ^{[ 3 ]} وكان جزءًا من ثقافة أوسع نطاقًا للمسرح والأداء في اليونان الكلاسيكية، شملت المهرجانات والطقوس الدينية والسياسة والقانون والرياضة والجمباز والموسيقى والشعر وحفلات الزفاف والجنازات والندوات . ^{[ 7 ] [ أ ]} وكانت المشاركة في مهرجانات المدينة الدولة العديدة - ولا سيما حضور مهرجان ديونيسيا كأحد أفراد الجمهور (أو حتى كمشارك في العروض المسرحية) - جزءًا مهمًا من المواطنة . ^{[ 8 ]} كما تضمنت المشاركة المدنية تقييم بلاغة الخطباء التي تجلّت في عروضهم في المحكمة أو الجمعية السياسية ، وكلاهما كان يُفهم على أنه مماثل للمسرح، وبدأ يستوعب مفرداته الدرامية بشكل متزايد. [ ^{9 ] وتألف} مسرح اليونان القديمة من ثلاثة أنواع من الدراما : التراجيديا والكوميديا ​​ومسرحية الساتير . ^{[ 10 ]}

المأساة الأثينية - أقدم أشكال المأساة الباقية - هي نوع من الدراما الراقصة التي شكلت جزءًا هامًا من الثقافة المسرحية للمدينة. ^{[ 11 ] [ ب ]} ظهرت في وقت ما خلال القرن السادس قبل الميلاد، وازدهرت خلال القرن الخامس قبل الميلاد (ومن نهايتها بدأت بالانتشار في جميع أنحاء العالم اليوناني) واستمرت شعبيتها حتى بداية العصر الهلنستي . ^{[ 12 ] [ ج ]} لم يبقَ أي مسرحيات مأساوية من القرن السادس قبل الميلاد ، ولم يبقَ سوى 32 مسرحية من بين أكثر من ألف مسرحية عُرضت خلال القرن الخامس قبل الميلاد. ^{[ 13 ] [ د ]} لدينا نصوص كاملة باقية لإسخيلوس وسوفوكليس ويوريبيدس . ^{[ 14 ] [ هـ ]} لا تزال أصول المأساة غامضة، على الرغم من أنها أصبحت بحلول القرن الخامس قبل الميلاد مؤسسة في المسابقات ( أغون ) التي كانت تُقام كجزء من الاحتفالات التي تُقام احتفالًا بديونيسوس ( إله الخمر والخصوبة ) . ^{[ 15 ]} بصفتهم متسابقين في مسابقة ديونيسيا المدينة (أعرق مهرجانات تقديم المسرحيات)، كان على كتّاب المسرحيات تقديم رباعية مسرحية (مع أن الأعمال الفردية لم تكن بالضرورة مترابطة بقصة أو موضوع)، والتي كانت تتألف عادةً من ثلاث مآسي ومسرحية ساتير واحدة. ^{[ 16 ] [ و ]} ربما بدأ عرض المآسي في ديونيسيا المدينة في وقت مبكر يعود إلى عام 534 قبل الميلاد؛ وتبدأ السجلات الرسمية ( ديداسكالياي ) من عام 501 قبل الميلاد، عندما تم تقديم مسرحية الساتير. ^{[ 17 ] [ ز ]} تُجسّد معظم المآسي الأثينية أحداثًا من الأساطير اليونانية ، على الرغم من أن مسرحية "الفرس " - التي تُصوّر رد الفرس على أنباء هزيمتهم العسكرية في معركة سلاميس عام 480 قبل الميلاد - تُعد الاستثناء البارز في المسرحيات الباقية. ^{[ 18 ] [ ح ]} عندما فاز إسخيلوس بالجائزة الأولى عن مسرحيته في مهرجان ديونيسيا بالمدينة عام 472 قبل الميلاد، كان قد كتب المآسي لأكثر من 25 عامًا، ومع ذلك فإن معالجتها المأساوية للتاريخ الحديث هي أقدم مثال على الدراما التي وصلت إلينا. ^{[ 19 ]}بعد أكثر من 130 عامًا، حلل الفيلسوف أرسطو المأساة الأثينية في القرن الخامس قبل الميلاد في أقدم عمل باقٍ في نظرية الدراما ، وهو كتابه " فن الشعر " (حوالي 335 قبل الميلاد). تُقسم الكوميديا ​​الأثينية تقليديًا إلى ثلاث فترات: "الكوميديا ​​القديمة"، و"الكوميديا ​​الوسطى"، و"الكوميديا ​​الحديثة". وصلت الكوميديا ​​القديمة اليوم في الغالب من خلال مسرحيات أريستوفان الإحدى عشرة الباقية ، بينما فُقدت الكوميديا ​​الوسطى إلى حد كبير (لم يبقَ منها سوى شذرات قصيرة نسبيًا لدى مؤلفين مثل أثينايوس النوكراتيس ^{) . أما} الكوميديا ​​الحديثة، فتُعرف أساسًا من خلال شذرات البردي الكبيرة لمسرحيات ميناندر . عرّف أرسطو الكوميديا ​​بأنها تمثيل لأشخاص مثيرين للسخرية، يتضمن نوعًا من الخطأ أو القبح الذي لا يُسبب ألمًا أو دمارًا.

المسرح اليوناني في ماجنا غراسيا

جلب المستوطنون اليونانيون في جنوب إيطاليا ، المعروفون باسم ماجنا غراسيا ، الفن المسرحي من وطنهم الأم. ^{[ 20 ]} ويشهد على ذلك بوضوح المسرح اليوناني في سيراكوزا ، والمسرح اليوناني في سيجيستا ، والمسرح اليوناني في تينداري ، والمسرح اليوناني في هيبانا ، والمسرح اليوناني في أكراي ، والمسرح اليوناني في مونتي جاتو ، والمسرح اليوناني في مورغانتينا ، وأشهرها المسرح اليوناني في تاورمينا .

^{لم يتبق سوى أجزاء من الأعمال الدرامية الأصلية ،} ولكن مآسي العمالقة الثلاثة العظماء إسخيلوس وسوفوكليس ويوريبيدس وكوميديات أريستوفان معروفة. [ ²¹ ]

بعض أشهر كتّاب المسرحيات باللغة اليونانية أتوا مباشرةً من ماجنا غراسيا . بينما عمل آخرون، مثل إسخيلوس وإبيخارموس ، لفترة طويلة في صقلية. يُمكن اعتبار إبيخارموس سرقوسيًا بكل المقاييس، إذ عمل طوال حياته مع طغاة سرقوسة . وقد سبقت مسرحياته الكوميدية مسرحيات أريستوفان الأكثر شهرة، حيث قدّم الآلهة لأول مرة في قالب كوميدي. أما إسخيلوس، فبعد إقامة طويلة في المستعمرات الصقلية، توفي في صقلية في مستعمرة جيلا عام 456 قبل الميلاد. يُعتبر كل من إبيخارموس وفورميس ، وكلاهما من القرن السادس قبل الميلاد، أساسًا، في نظر أرسطو ، لاختراع الكوميديا ​​اليونانية، كما يقول في كتابه "فن الشعر" : ^{[ 22 ]}

أما بالنسبة لتأليف القصص (إبيخارموس وفورميس)، فقد جاءت في البداية من صقلية.

— أرسطو، فن الشعر

ومن بين مؤلفي المسرح المحليين الآخرين في ماجنا غراسيا، بالإضافة إلى فورميدس السرقوسي المذكور، أخايوس السرقوسي ، وأبولودوروس الجيلي ، وفيليمون السرقوسي وابنه فيليمون الأصغر. ومن كالابريا ، وتحديدًا من مستعمرة ثوري ، جاء الكاتب المسرحي ألكسيس . أما رينثون ، فرغم أنه صقلي من سرقوسية، فقد عمل بشكل شبه حصري لمستعمرة تارانتو في بوليا . ^{[ 23 ]}

كانت الشعوب الإيطالية، كالأتروسكان ، قد طورت بالفعل أشكالًا من الأدب المسرحي. ^{[ 24 ]} تروي الأسطورة، التي ذكرها ليفي أيضًا ، عن وباء ضرب روما في البداية، وطلب المؤرخين الأتروسكانيين توثيقه. ولذلك، رفض المؤرخ الروماني نسب المسرح الأتروسكاني إلى المسرح اليوناني قبل التواصل مع ماجنا غراسيا وتقاليدها المسرحية. لا توجد أدلة معمارية أو فنية على وجود مسرح أتروسكاني. ^{[ 24 ]} يذكر مصدر متأخر جدًا، كالمؤرخ فارو ، اسم شخص يُدعى فولنيو كتب مآسي باللغة الأتروسكانية .

حتى السامنيون كان لديهم أشكال تمثيلية أصلية كان لها تأثير كبير على الدراما الرومانية مثل مسرحيات أتيلا الهزلية ، وبعض الشواهد المعمارية مثل مسرح بيترابوندانتي في موليز ، ومسرح نوسيرا سوبيريوري الذي بنى الرومان مسرحهم الخاص عليه. ^{[ 25 ]}

تطور المسرح الغربي وتوسع بشكل ملحوظ في عهد الرومان . كتب المؤرخ الروماني ليفي أن الرومان تعرفوا على المسرح لأول مرة في القرن الرابع قبل الميلاد، من خلال عرض قدمه ممثلون إتروسكان . ^{[ 26 ]} ويرى بيتشام أن الرومان كانوا على دراية بـ"ممارسات ما قبل المسرح" لبعض الوقت قبل ذلك الاتصال الموثق. ^{[ 27 ]} كان مسرح روما القديمة فنًا مزدهرًا ومتنوعًا، شمل عروضًا احتفالية لمسرح الشارع ، والرقص العاري، والألعاب البهلوانية، وصولًا إلى عرض مسرحيات بلاوتوس الكوميدية واسعة الانتشار ، ومآسي سينيكا الراقية ذات الأسلوب اللفظي البليغ . ورغم أن روما كانت تمتلك تقاليد فنية محلية، إلا أن تأثر الثقافة الرومانية بالثقافة اليونانية في القرن الثالث قبل الميلاد كان له أثر عميق ومحفز على المسرح الروماني، وشجع على تطوير أدب لاتيني رفيع المستوى للمسرح.

بعد توسع الجمهورية الرومانية (509-27 ق.م.) لتشمل عدة أراضٍ يونانية بين عامي 270 و240 ق.م.، تعرفت روما على الدراما اليونانية . ^{[ 28 ]} ومنذ السنوات الأخيرة للجمهورية، وبفضل الإمبراطورية الرومانية (27 ق.م. - 476 م)، انتشر المسرح غربًا عبر أوروبا، وحول البحر الأبيض المتوسط، ووصل إلى إنجلترا؛ وكان المسرح الروماني أكثر تنوعًا واتساعًا وتطورًا من أي حضارة سبقته. ^{[ 29 ]} وبينما استمر عرض الدراما اليونانية طوال العصر الروماني، يُعتبر عام 240 ق.م. بدايةً للدراما الرومانية المنتظمة. ^{[ 28 ] [ j ]} ومع ذلك، منذ بداية الإمبراطورية، تراجع الاهتمام بالمسرحيات الطويلة لصالح مجموعة أوسع من العروض المسرحية الترفيهية. ^{[ 30 ]}

كانت أولى الأعمال المهمة في الأدب الروماني هي المآسي والكوميديات التي كتبها ليفيوس أندرونيكوس ابتداءً من عام 240 قبل الميلاد. ^{[ 31 ]} وبعد خمس سنوات، بدأ غنايوس نيفيوس أيضًا في كتابة المسرحيات. ^{[ 31 ]} لم تصلنا أي مسرحيات من أيٍّ من الكاتبين. وبينما كتب كلا الكاتبين في كلا النوعين ، اشتهر أندرونيكوس بمآسيه، ونيفيوس بكوميدياته؛ وقد مال خلفاؤهما إلى التخصص في أحدهما، مما أدى إلى انفصال في التطور اللاحق لكل نوع من أنواع الدراما. ^{[ 31 ]} وبحلول بداية القرن الثاني قبل الميلاد، كانت الدراما قد ترسخت بقوة في روما، وشُكِّلت نقابة للكتاب ( كوليجيوم بويتاروم ). ^{[ 32 ]}

جميع الكوميديات الرومانية التي وصلت إلينا هي كوميديات مستوحاة من مواضيع يونانية، وهي من تأليف كاتبين مسرحيين: تيتوس ماكيوس بلاوتوس (بلاوتوس) وبوبليوس تيرينتيوس أفير (تيرينس). ^{[ 33 ]} عند إعادة صياغة النصوص اليونانية الأصلية، ألغى الكاتبان الكوميديان الرومانيان دور الجوقة في تقسيم الدراما إلى حلقات ، وأدخلا الموسيقى المصاحبة للحوار ( بين ثلث الحوار في كوميديات بلاوتوس وثلثيه في كوميديات تيرينس). ^{[ 34 ]} تدور أحداث جميع المشاهد في الشارع، وغالبًا ما تنشأ تعقيداتها من التنصت . ^{[ 34 ]} بلاوتوس، الأكثر شهرة بين الاثنين، كتب بين عامي 205 و184 قبل الميلاد، ووصلت إلينا عشرون من كوميدياته، أشهرها مسرحياته الهزلية ؛ وقد حظي بإعجاب واسع لذكاء حواره واستخدامه المتنوع للأوزان الشعرية . ^{[ 35 ]} لقد نجت جميع المسرحيات الكوميدية الست التي كتبها تيرينس بين عامي 166 و160 قبل الميلاد؛ وقد تم التنديد أحيانًا بتعقيد حبكاته، التي غالبًا ما جمع فيها بين عدة نصوص يونانية أصلية، لكن حبكاته المزدوجة أتاحت عرضًا متقنًا للسلوك البشري المتناقض. ^{[ 35 ]}

لم تصلنا أي مأساة رومانية مبكرة، رغم أنها كانت تحظى بتقدير كبير في عصرها؛ يعرف المؤرخون ثلاثة من أوائل كتّاب المآسي: كوينتوس إنيوس ، وماركوس باكوفيوس ، ولوسيوس أكيوس . ^{[ 34 ]} ومنذ عهد الإمبراطورية، وصل إلينا عمل كاتبَي مآسي، أحدهما مؤلف مجهول، والآخر هو الفيلسوف الرواقي سينيكا . ^{[ 36 ]} تسع من مآسي سينيكا باقية، جميعها من نوع "فابولا كريبيداتا" (مآسي مقتبسة من أصول يونانية)؛ فمسرحيته "فيدرا" ، على سبيل المثال، مبنية على مسرحية " هيبوليتوس " ليوريبيدس . ^{[ 37 ]} لا يعرف المؤرخون من كتب المثال الوحيد الباقي من نوع "فابولا بريتيكستا" (مآسي مبنية على مواضيع رومانية)، وهي مسرحية "أوكتافيا" ، ولكن في الماضي نُسبت خطأً إلى سينيكا بسبب ظهوره كشخصية في المأساة. ^{[ 36 ]}

على عكس المسرح اليوناني القديم، سمح المسرح في روما القديمة للممثلات بالعمل. وبينما كانت أغلبيتهن يعملن في الرقص والغناء، عُرف عن أقلية من الممثلات أداء أدوار حوارية، وبرزت ممثلات حققن ثروة وشهرة وتقديرًا لفنهن، مثل يوخاريس ، وديونيسيا ، وغاليريا كوبيولا ، وفابيا أريتي . كما شكلن نقابة تمثيل خاصة بهن، تُعرف باسم " سوسياي ميميه" ، والتي كانت على ما يبدو ثرية للغاية. ^{[ 38 ]}

مع تدهور الإمبراطورية الرومانية الغربية خلال القرنين الرابع والخامس، انتقل مركز القوة الرومانية إلى القسطنطينية والإمبراطورية الرومانية الشرقية ، التي تُعرف اليوم بالإمبراطورية البيزنطية . ورغم قلة الأدلة المتبقية عن المسرح البيزنطي، تُشير السجلات الموجودة إلى أن التمثيل الصامت ، ومشاهد أو قراءات من المآسي والكوميديات ، والرقصات ، وغيرها من وسائل الترفيه كانت شائعة للغاية. كان في القسطنطينية مسرحان استُخدما حتى القرن الخامس. ^{[ 39 ]} ومع ذلك، تكمن الأهمية الحقيقية للبيزنطيين في تاريخ المسرح في حفظهم للعديد من النصوص اليونانية الكلاسيكية وتجميعهم موسوعة ضخمة تُسمى " سودا" ، والتي استُقيت منها كمية كبيرة من المعلومات المعاصرة عن المسرح اليوناني.

تُعدّ أصول المسرح الإيطالي موضع جدل بين الباحثين، إذ لم تتضح معالمها بعد ولم تُوثّق في مصادر مُحدّدة. فمنذ أفول مسرح روما القديمة ، الذي تزامن جزئيًا مع سقوط الإمبراطورية الرومانية الغربية ، استمرّ عرض التمثيل الإيمائي والمسرحيات الكوميدية. وإلى جانب هذا الشكل الوثني من التمثيل، الذي كان يُؤدّيه في الغالب ممثلون جوّالون وشخصيات رمزية، ولا توجد عنه مصادر مكتوبة مباشرة، بُعث المسرح من جديد في العصور الوسطى، انطلاقًا من وظائف دينية ومن تجسيد بعض الشخصيات الرمزية، وأشهرها وأقدمها مسرحية " Quem quaeritis?" القصيرة من القرن العاشر، والتي لا تزال مكتوبة باللاتينية .

لذا، يمكن افتراض أن المسرح الإيطالي القديم تطور على خطين رئيسيين. الأول، الذي يتألف من تمثيل الطقوس الكاثوليكية، والذي احتفظت عنه وثائق أكثر، والثاني، الذي يتكون من أشكال العرض الوثنية مثل العروض المسرحية في مهرجانات المدن، ^{[ ك ]} وتحضيرات البلاط للمهرجين وأغاني التروبادور . ^{[ ل ]}

ابتداءً من القرن الخامس، انزلقت أوروبا الغربية في فترة من الفوضى العامة استمرت (مع فترة وجيزة من الاستقرار في ظل الإمبراطورية الكارولنجية في القرن التاسع) حتى القرن العاشر. وبينما يبدو أن جماعات بدوية صغيرة جابت أوروبا طوال تلك الفترة، مقدمة عروضها أينما وجدت جمهورًا، لا يوجد دليل على أنها قدمت سوى مشاهد فجة. ^{[ 40 ]} وقد نددت الكنيسة بهؤلاء الفنانين ، إذ اعتبرتهم خطرين ووثنيين.

مع بداية العصور الوسطى ، بدأت الكنائس في أوروبا بتقديم عروض تمثيلية لأحداث توراتية محددة في أيام معينة من السنة. أُدرجت هذه العروض لإضفاء الحيوية على الاحتفالات السنوية. ^{[ 41 ]} استُخدمت رموز وأفعال - كالملابس الكهنوتية والمذابح والمباخر والتمثيل الإيمائي الذي يؤديه الكهنة - لاستحضار الأحداث التي يحتفل بها الطقس المسيحي. كانت هذه الرموز عبارة عن مجموعات واسعة من الإشارات البصرية التي يمكن استخدامها للتواصل مع جمهور كان معظمه أميًا. تطورت هذه العروض إلى مسرحيات طقسية ، أقدمها ترنيمة "من تبحث؟" (Quem-Quaeritis) في عيد الفصح، والتي يعود تاريخها إلى حوالي عام 925. ^{[ 41 ]} كانت المسرحية الطقسية تُؤدى غناءً تفاعليًا من قِبل مجموعتين، ولم تتضمن ممثلين يتقمصون شخصيات. مع ذلك، في الفترة ما بين عامي 965 و975، ألّف إيثيلوولد من وينشستر " الاتفاق الرهباني" (Regularis Concordia) الذي يتضمن مسرحية قصيرة مع تعليمات الأداء. ^{[ 42 ]}

كتبت هروسفيثا (حوالي 935-973)، وهي راهبة من شمال ألمانيا ، ست مسرحيات مستوحاة من مسرحيات تيرينس الكوميدية، لكنها تناولت مواضيع دينية. تُعد هذه المسرحيات الست - إبراهيم ، وكاليماخوس، ودولسيتيوس، وغاليكانوس، وبافنوتيوس، وسابينتيا - أولى المسرحيات المعروفة التي ألفتها كاتبة مسرحية، وأولى الأعمال الدرامية الغربية المعروفة في العصر ما بعد الكلاسيكي. ^{[ 42 ]} نُشرت هذه المسرحيات لأول مرة عام 1501، وكان لها تأثير كبير على المسرحيات الدينية والتعليمية في القرن السادس عشر. وخلف هروسفيثا، كتبت هيلدغارد من بينغن (توفيت عام 1179)، وهي رئيسة دير بندكتي ، مسرحية موسيقية لاتينية بعنوان "أوردو فيرتوتوم" عام 1155.

مع توقف غزوات الفايكنج في منتصف القرن الحادي عشر، انتشرت الدراما الليتورجية من روسيا إلى الدول الاسكندنافية وصولاً إلى إيطاليا . ولم تُعرض الدراما الليتورجية إطلاقاً إلا في شبه الجزيرة الأيبيرية التي كانت تحت سيطرة المسلمين . وعلى الرغم من العدد الكبير من الدراما الليتورجية التي نجت من تلك الفترة، إلا أن العديد من الكنائس لم تكن تقدم سوى عمل أو عملين منها سنوياً، بينما لم تقدم كنائس أخرى أي عمل منها على الإطلاق. ^{[ 43 ]}

كان عيد الحمقى ذا أهمية خاصة في تطور الكوميديا. فقد قلب هذا العيد مكانة رجال الدين الأدنى رتبة، وسمح لهم بالسخرية من رؤسائهم وروتين الحياة الكنسية. وفي بعض الأحيان، كانت تُعرض مسرحيات كجزء من هذه المناسبة، وتسللت إليها بعض عناصر التهريج والكوميديا. ورغم أن المشاهد الكوميدية لم تظهر فعلياً إلا بعد فصل الدراما عن الطقوس الدينية، إلا أن عيد الحمقى كان له بلا شك أثر بالغ على تطور الكوميديا ​​في المسرحيات الدينية والعلمانية على حد سواء. ^{[ 44 ]}

بدأ عرض المسرحيات الدينية خارج الكنيسة في وقت ما من القرن الثاني عشر الميلادي، وذلك من خلال عملية تقليدية مقبولة تتمثل في دمج المسرحيات الليتورجية القصيرة في مسرحيات أطول، ثم تُترجم إلى اللغة العامية ويؤديها عامة الناس. وتُعزز مسرحية "سر آدم " (1150) هذه النظرية، إذ تشير تعليماتها المسرحية المفصلة إلى أنها عُرضت في الهواء الطلق. وقد نجا عدد من المسرحيات الأخرى من تلك الفترة، منها "القديس القيامة" ( نورمانية )، و "مسرحية المجوس" ( إسبانية )، و "الزوج" ( فرنسية ).

تكمن أهمية العصور الوسطى العليا في تطور المسرح في التغيرات الاقتصادية والسياسية التي أدت إلى تشكيل النقابات ونمو المدن. وقد أدى ذلك إلى تغييرات جوهرية في أواخر العصور الوسطى . ففي الجزر البريطانية ، عُرضت المسرحيات في حوالي 127 مدينة مختلفة خلال العصور الوسطى. كُتبت هذه المسرحيات الدينية العامية في دورات تضم عددًا كبيرًا من المسرحيات: يورك (48 مسرحية)، تشيستر (24)، ويكفيلد (32)، ومدينة أخرى غير معروفة (42). وقد نجا عدد أكبر من المسرحيات من فرنسا وألمانيا في هذه الفترة ، كما عُرضت أنواع من الدراما الدينية في جميع الدول الأوروبية تقريبًا في أواخر العصور الوسطى . احتوت العديد من هذه المسرحيات ^على الكوميديا ​​والشياطين والأشرار والمهرجين . [ ^{45 ]}

لذلك، اعتمد مؤرخ المسرح في منهجه البحثي، في مجال أصول المسرح الإيطالي، ليس فقط على الدراسة الفعلية لموضوعه، بل أيضاً على دمجها مع الدراسات الإثنولوجية والأنثروبولوجية ، فضلاً عن الدراسات الدينية بمعناها الواسع. ^{[ م ] [ 46 ]}

وجدت الكنيسة الكاثوليكية، التي لاقت عروض المسرح في القداسات ترحيبًا واسعًا من الجماهير، كما يتضح من تطور الممارسات المسرحية في الأعياد الكبرى، سلوكًا متناقضًا تجاهها: فبينما سمحت بانتشارها وشجعته، كانت تستنكرها دائمًا، لأنها تُضلل عن مبادئ الكاثوليكية. ^{[ ن ]} عانت العروض الوثنية المصير نفسه، حيث كانت الأحكام والإجراءات التي اتخذها رجال الدين أشد قسوة: ففي عام ١٢١٥، حظر دستور مجمع لاتران على رجال الدين (من بين أمور أخرى) التواصل مع الممثلين والمهرجين. ^{[ ٤٧ ]} أدى التباين الشديد بين السلطة الدينية والممارسة المسرحية إلى سلسلة من الظروف التي تميز المسرح في العصور الوسطى (الذي لا يزال من غير الممكن تعريفه بأنه "إيطالي" بالمعنى الدقيق) عن المسرح المعروف منذ العصر الإنساني فصاعدًا، والذي يُعد أقرب بكثير إلى المفهوم الحديث للتمثيل المسرحي. على مدى أكثر من عشرة قرون، لم يتم بناء مبنى مسرحي ، على عكس ما حدث في اليونان القديمة وروما الإمبراطورية.

على الرغم من القيود العديدة، تطورت الدراما العامية بفضل الشعراء والمهرجين الذين كانوا يغنون، حاملين عودهم، عن مواضيع شديدة التباين: من الحب الرومانسي للنساء إلى السخرية من ذوي النفوذ. وتشهد إيقاعات لورنتيان لعام 1157، وغيرها من الإيقاعات المعاصرة لها تقريبًا، مثل إيقاع سانت أليسيو ، على تمثيل الدراما شعرًا من قِبل أشخاص مجهولين باللغة العامية، مع أن الوزن الشعري لا يزال متأثرًا بالوزن اللاتيني. أما أشهرها فهي مسرحية " روزا فريسكا أولينتيسيما" من القرن الثالث عشر ، لسيلو دالكامو ، وهي مسرحية تمثيلية حقيقية للمهرج، مُعدّة للعرض المسرحي، لا تخلو من التلميحات المزدوجة والنكات الفاحشة الموجهة للنساء في أبياتها الشعرية.

كانت نصوص روجيري أبولييزي ، وهو مهرج من القرن الثالث عشر، أكثر بلاغةً وبلاغةً، إذ لم يُعرف عنه الكثير، وكانت معظم الأخبار متضاربة، ولكن يمكن تتبع قدرة ساخرة لديه على محاكاة الأحداث وتجسيدها دراميًا، من خلال فصاحته وبلاغته . إلا أن نثر المهرجين باللغة العامية خلال القرن الثالث عشر عانى من تراجع بسبب تهميش الأحداث التي ارتبط بها: كالعروض في مجلة "كورتا"، والعروض الشعبية، وغيرها مما لم تذكره السجلات التاريخية.

ازدهرت الدراما الشعرية (Lauda dramata) في الفترة نفسها، والتي تطورت لاحقًا إلى التمثيل الديني : ^{[ o ]} كانت أغنية "Lauda" ، المشتقة من القصيدة الشعبية، تتألف من مقاطع شعرية تُكتب أولًا في شكل أبيات شعرية، ثم في شكل حوار. ومن الأمثلة على التحول إلى الدراما الحوارية مسرحية " دونا دي باراديسو" لجاكوبوني دا تودي، حيث يُصاغ الحوار بين يوحنا المعمدان ومريم ويسوع حول موضوع ديني : إذ تتضمن المسرحية تدخلًا لغويًا ومعجميًا دقيقًا (لغة مريم والمسيح الهادئة مقارنةً بلغة يوحنا المعمدان) وقدرة بارعة على تجسيد الحدث دراميًا. تجدر الإشارة إلى أن هذا النوع من المسرح الديني لم ينتشر على نطاق واسع داخل الكنيسة، بل تطور بشكل خاص في أومبريا عقب وباءٍ فتاكٍ أهلك البلاد، وذلك بفضل جماعة " الجلد الذاتي" ، وهي جماعة من المؤمنين اعتادوا على جلد أنفسهم، والذين جمعوا، بحكم ممارساتهم الدينية، بين مواكب التوبة والترانيم الدينية . وإذا ما وجدت هذه العروض تمثيلاً لها في أورفيتو ، كما هو الحال في مراكز أومبريا الأخرى (كما في مسرحية "كوربورال" الشهيرة في بولسينا )، فقد كانت لاكويلا مركزًا هامًا آخر لإنتاج هذه العروض ، ^{[ 48 ]} حيث كان إعدادها يتطلب ثلاثة أيام لإتمامها (كما في حالة مسرحية " ليجينا دي سانكتو توماسيو " المجهولة ).

كان معظم الممثلين في هذه المسرحيات من السكان المحليين. فعلى سبيل المثال، في فالنسيان عام ١٥٤٧، وُزِّع أكثر من ١٠٠ دور على ٧٢ ممثلاً. ^{[ ٤٩ ]} عُرضت المسرحيات على منصات عربات استعراضية ، وهي منصات مثبتة على عجلات تُستخدم لنقل الديكور. وكان الممثلون الهواة في إنجلترا، الذين غالبًا ما كانوا يُحضرون أزياءهم بأنفسهم، من الذكور فقط، بينما ضمت بلدان أخرى ممثلات. وقد سمحت منصة المسرح، التي كانت مساحة غير محددة وليست موقعًا معينًا، بتغييرات مفاجئة في الموقع.

يُخصَّص فصلٌ مستقلٌّ للتمثيل الديني، يتناول الأعمال الشعرية اللاتينية المعروفة باسم الكوميديا ​​الرثائية (الكوميديا ​​اللاتينية في العصور الوسطى). وهي مجموعة من النصوص اللاتينية في العصور الوسطى ، تتألف أساسًا من الوزن الشعري للبيت الشعري الرثائي المزدوج ^{[ 50 ]} ، وتتميز، في أغلب الأحيان، بتناوب الحوارات والسرد، وبمضمونها الفكاهي والفاحشي.

يُعزى ازدهار هذا الجنس الأدبي بشكل رئيسي إلى الموسم الأوروبي لما يُعرف بنهضة القرن الثاني عشر، ويتأثر بتقلبات المناخ الثقافي الذي أطلق عليه عالم اللغويات لودفيج تراوب اسم "أيتاس أوفيديانا" . وبشكل عام، لا يمكن اعتبار هذه الظاهرة إيطالية بالضرورة؛ بل على العكس، فقد تأثرت إيطاليا بها في فترة لاحقة، في القرن الثالث عشر: إذ تشير جميع الأعمال الإيطالية إلى بيئة بلاط ومستشارية فريدريك الثاني، إمبراطور الإمبراطورية الرومانية المقدسة (مثل كتاب "دي باولينو إت بولا" لريكاردو دا فينوسا ، وكتاب " دي أوكسوري سيردونيس " المنسوب إلى جاكوبو دا بينيفينتو ). ^{[ 51 ]}

مع ذلك، فإن طبيعتها المسرحية الحقيقية غير واضحة: فليس من المعروف، على سبيل المثال، ما إذا كانت مجرد نتاجات بلاغية أم أعمالًا مُعدّة للعرض المسرحي الحقيقي (وفي هذه الحالة، يُعتبر التمثيل بصوت واحد هو الأرجح)؛ ^{[ 52 ]} ولا يمكن حتى تقدير تأثيرها على نشأة المسرح في العصور الوسطى باللغة العامية، حتى وإن انتقلت بعض العناصر الكوميدية إلى المسرح. وقد حقق هذا النوع الأدبي الصغير نجاحًا كبيرًا؛ وتُعد أهميته في التاريخ الأدبي جديرة بالذكر، نظرًا لتأثيره على المؤلفين اللاحقين باللغات العامية، ولا سيما على أدب الحكايات الشعبية والروايات في العصور الوسطى التي استبقت مواضيعها وأساليبها، وعلى الكوميديا ​​الإنسانية في القرن الخامس عشر.

لم يُبنَ أي مبنى مسرحي طوال العصور الوسطى، لذا يستحيل الحديث عن عمارة مسرحية. أما فيما يتعلق بتصميم المناظر، فيمكن تصنيفه تمامًا ضمن مستوى التمثيلات الدينية، إذ لم يستخدم المهرجون والبارعون، ولا الشعراء المتجولون والمغنون، عناصر داعمة تُساعد المتفرج على فهم القصة المروية. ويُصعّب غياب أي دليل أيقوني تقريبًا إعادة بناء دقيقة، لكن قوائم "مستلزمات" الأخوية المحفوظة تشهد على وفرة في الأثاث لا تُضاهي المفهوم الحديث للمسرح، ولكنها مع ذلك ذات ثراء ملحوظ: فقائمة أخوية القديس دومينيك البيروجية ، المعروفة جيدًا، تتضمن قمصانًا وقفازات وأثوابًا وشعرًا مستعارًا وأقنعة. ^{[ 53 ]}

خرجت هذه التمثيلات من الكنيسة بحثًا عن أماكن استقبال أوسع، حيث كان من الممكن الاستعانة بفناني المناظر الذين لم يكونوا مرحبًا بهم داخل جدرانها المقدسة. وجدت هذه التمثيلات مكانًا لها في ساحات الكنائس أولًا، ثم في الساحات العامة، ثم حتى في شوارع المدينة، سواء في شكل مواكب أو في شكل عروض. وأصبح الدعم التصويري، الضروري لفهم أعمق للمكان المُمثَّل والمروى، بالغ الأهمية، على الرغم من عدم وصول أسماء الفنانين الذين عملوا على إنجازها إلينا. يجب الأخذ في الاعتبار أنه لم يكن هناك منسق أو مصمم ديكور، لذا كان على هذه الأعمال أن تخضع لطلبات الأخويات، ومن المؤكد تقريبًا أنها نُفِّذت على يد فنانين غير مُدرَّبين أو غير مشهورين، نظرًا لقلة العائد المُحتمل.

ظهرت المسرحيات الأخلاقية كشكل درامي متميز حوالي عام 1400 وازدهرت حتى عام 1550. ومن هذه المسرحيات " قلعة المثابرة" التي تصور مسيرة الإنسان من المهد إلى اللحد. إلا أن أشهر مسرحية أخلاقية، وربما أشهر دراما من العصور الوسطى، هي "كل إنسان" . يتلقى كل إنسان نداء الموت ، ويكافح للنجاة منه، ثم يستسلم في النهاية لضرورة الموت. وفي طريقه، يتخلى عنه أهله ، وخيراته ، ورفاقه ، فلا يرافقه إلى قبره إلا أعماله الصالحة .

شهدت العصور الوسطى أيضًا عددًا من العروض المسرحية غير الدينية، أقدمها مسرحية "الغابة الخضراء" لآدم دي لا هال عام ١٢٧٦. تتضمن المسرحية مشاهد ساخرة ومواد شعبية كالجنيات وغيرها من الظواهر الخارقة للطبيعة. كما شهدت المسرحيات الهزلية رواجًا كبيرًا بعد القرن الثالث عشر. معظم هذه المسرحيات من فرنسا وألمانيا، وتتشابه في أسلوبها وشكلها، مع التركيز على الجنس والإفرازات الجسدية. ^{[ ٥٤ ]} يُعد هانز ساكس (١٤٩٤-١٥٧٦) أشهر كاتب مسرحي للمسرحيات الهزلية، حيث كتب ١٩٨ عملًا دراميًا. في إنجلترا، تُعتبر مسرحية "الرعاة الثانية" من دورة ويكفيلد أشهر مسرحية هزلية مبكرة. مع ذلك، لم تظهر المسرحية الهزلية بشكل مستقل في إنجلترا إلا في القرن السادس عشر مع أعمال جون هيوود (١٤٩٧-١٥٨٠).

كانت مجالس البلاغة في البلدان المنخفضة بمثابة مقدمة مهمة لتطور الدراما الإليزابيثية . ^{[ 55 ]} اهتمت هذه الجمعيات بالشعر والموسيقى والدراما ، وأقامت مسابقات لمعرفة أي جمعية يمكنها تأليف أفضل مسرحية تتعلق بسؤال مطروح.

في أواخر العصور الوسطى ، بدأ الممثلون المحترفون بالظهور في إنجلترا وأوروبا . وقد شكّل كلٌّ من ريتشارد الثالث وهنري السابع فرقًا صغيرة من الممثلين المحترفين. وكانت مسرحياتهم تُعرض في القاعة الكبرى لمقرّ أحد النبلاء، وغالبًا ما كانت تحتوي على منصة مرتفعة في أحد طرفيها للجمهور و"شاشة" في الطرف الآخر للممثلين. كما كانت مسرحيات المومرز ، التي تُعرض خلال موسم عيد الميلاد ، وعروض البلاط التنكرية ذات أهمية بالغة . وقد لاقت هذه العروض التنكرية رواجًا خاصًا خلال عهد هنري الثامن الذي أمر ببناء دار للاحتفالات وإنشاء مكتب للاحتفالات عام 1545. ^{[ 56 ]}

انتهى عصر المسرح في العصور الوسطى نتيجةً لعدة عوامل، منها ضعف نفوذ الكنيسة الكاثوليكية ، والإصلاح البروتستانتي ، وحظر المسرحيات الدينية في العديد من البلدان. ​​فقد حظرت إليزابيث الأولى جميع المسرحيات الدينية عام ١٥٥٨، وتوقفت عروض المسرحيات الكبرى بحلول ثمانينيات القرن السادس عشر. وبالمثل، حُظرت المسرحيات الدينية في هولندا عام ١٥٣٩، وفي الولايات البابوية عام ١٥٤٧، وفي باريس عام ١٥٤٨. وقد أدى التخلي عن هذه المسرحيات إلى تدمير المسرح العالمي الذي كان قائماً آنذاك ، وأجبر كل دولة على تطوير شكلها المسرحي الخاص. كما أتاح ذلك للكتاب المسرحيين التوجه نحو المواضيع الدنيوية، ووفر لهم الاهتمام المتجدد بالمسرح اليوناني والروماني فرصة مثالية لذلك. ^{[ ٥٦ ]}

شهد عصر الإنسانية ، بين القرنين الرابع عشر والخامس عشر، نشأة وازدهار ما يُعرف بالكوميديا ​​الإنسانية، وهي ظاهرة تُعتبر إيطالية خالصة. وكما هو الحال في الكوميديا ​​الرثائية، كُتبت هذه النصوص باللاتينية، وتتناول موضوعات جريئة ومتناقضة. وبغض النظر عن تشابه المواضيع (ربما يعود ذلك إلى طبيعتها كموضوعات أدبية )، فإن العلاقة بين النوعين الأدبيين ليست واضحة تمامًا: فمن المؤكد أن الكوميديا ​​الإنسانية أكثر فعالية في تحديث بعض المواضيع، من خلال نقلها إلى مستوى رفيع، لعرضها في صورتها المثالية واستخدامها كإشارات إلى الأوضاع المعاصرة. وعلى عكس الكوميديا ​​الرثائية، من المعروف على وجه اليقين أن الكوميديا ​​الإنسانية كانت مُعدّة للعرض المسرحي. وقد ازدهرت في نفس البيئة الثقافية الراقية والجامعية التي أُنتجت فيها. في الواقع، وكما ذُكر سابقاً، فإن "العملية اللغوية التعبيرية التي كانت أساس هذه الأعمال الكوميدية [...] لا يمكن استقبالها وتقديرها إلا في سياقات ثقافية رفيعة المستوى، ولكنها أيضاً حساسة لكوميديا ​​ذات مصفوفة غولياردية  : وهكذا مثلت الأوساط الجامعية المصدر الطبيعي للقراء والمتفرجين على الكتابات المسرحية الإنسانية". ^{[ 57 ]}

تكمن أهمية الكوميديا ​​الإنسانية في كونها تُؤرخ لنشأة "الدراما الدنيوية"، التي لم تكن نتاج عملية ثقافية من القاعدة، بل ابتكارًا من القمة، قامت به طبقة برجوازية حضرية مثقفة ومشاركة، قادرة على استيعاب وصقل تقلبات عصر التحول والتجديد العظيم. ^{[ 58 ]} وهكذا وُضعت الأسس لعملية تحرير المسرح من الأشكال الدينية للتمثيل ومن الكنيسة الكاثوليكية ، وهو تحرير سيتحقق حينها، بشكل نهائي وفي وقت قصير، دون احتكاك أو صراع مع البلاط البابوي، ومع الكوميديا ​​الإيطالية لمسرح عصر النهضة.

الكوميديا ​​ديل آرتي ( وتعني حرفيًا " كوميديا ​​المهنة " ) ^{[ 59 ]} شكلٌ مبكرٌ من أشكال المسرح الاحترافي، نشأ في المسرح الإيطالي ، وانتشر في جميع أنحاء أوروبا بين القرنين السادس عشر والثامن عشر. ^{[ 60 ] [ 61 ]} كانت تُعرف سابقًا باسم "الكوميديا ​​الإيطالية" في اللغة الإنجليزية، وتُعرف أيضًا باسم كوميديا ​​ألا ماسكيرا ، وكوميديا ​​إمبروفيزو ، وكوميديا ​​ديل آرتي أل إمبروفيزو . ^{[ 62 ]} تميزت الكوميديا ​​بشخصياتها المقنعة ،وكان لها الفضل في بروز ممثلات مثل إيزابيلا أندريني ^{[ 63 ]} والعروض الارتجالية القائمة على اسكتشات أو سيناريوهات. ^{[ 64 ] [ 65 ]} الكوميديا، مثل " قاتل الأسنان " ، تجمع بين النص المكتوب والارتجال. ^{[ 64 ] [ 66 ]} دخول الشخصيات وخروجها مكتوبٌ في النص. من السمات المميزة للكوميديا ​​الإيطالية " اللازو "، وهينكتة أو "شيء سخيف أو فكاهي"، عادةً ما يكون معروفًا جيدًا للمؤدين، وإلى حد ما يكون جزءًا من نص مكتوب. ^{[ 66 ] [ 67 ]} ومن سمات الكوميديا ​​الإيطالية أيضًا التمثيل الإيمائي ، الذي يستخدمه في الغالب شخصية أرلِكينو، المعروفة الآن باسم هارليكوين . ^{[ 68 ]}

عادةً ما تُمثل شخصيات الكوميديا ​​الإيطالية أنماطًا اجتماعية ثابتة وشخصيات نمطية ، مثل الشيوخ الحمقى، والخدم المخادعين، أو الضباط العسكريين الذين يتظاهرون بالشجاعة . [ ^{64 ] [ 69 ] وتُعتبر} هذه الشخصيات "شخصيات واقعية" مُبالغ فيها، مثل الطبيب المُدّعي للمعرفة " إيل دوتوري" ، والرجل العجوز الجشع " بانتالوني "، أو علاقة مثالية مثل علاقة "إناموراتي" . ^{[ 63 ]} وقد شُكّلت العديد من الفرق لتقديم عروض الكوميديا ​​الإيطالية ، بما في ذلك فرقة "إي جيلوزي " (التي ضمت ممثلين مثل أندريني وزوجها فرانشيسكو أندريني )، ^{[ 70 ]} وفرقة "كونفيدينتي"، وفرقة "ديزوي"، وفرقة "فيديلي". ^{[ 63 ] [ 64 ]} وكانت عروض الكوميديا ​​الإيطالية تُقام غالبًا في الهواء الطلق على منصات أو في أماكن عامة مثل ساحة المدينة . ^{[ 62 ] [ 64 ]} نشأ هذا النوع من المسرح في إيطاليا، ولكنه انتشر في جميع أنحاء أوروبا، ووصل أحيانًا إلى أماكن بعيدة مثل موسكو. ^{[ 71 ]}

قد يكون أصل الكوميديا ​​الإيطالية مرتبطًا بكرنفال البندقية ، حيث ابتكر الكاتب والممثل أندريا كالمو شخصية "إل ماغنيفيكو"، السلف لشخصية " فيكيو" (الرجل العجوز) بانتالوني، بحلول عام 1570. في سيناريو فلامينيو سكالا ، على سبيل المثال، استمرت شخصية "إل ماغنيفيكو" وأصبحت قابلة للتبادل مع شخصية بانتالوني حتى القرن السابع عشر. على الرغم من أن شخصيات كالمو (التي شملت أيضًا شخصية الكابيتانو الإسباني وشخصية الطبيب ) لم تكن ترتدي أقنعة، إلا أنه من غير المؤكد متى بدأت هذه الشخصيات بارتداء الأقنعة. ومع ذلك، فإن ارتباطها بالكرنفال (الفترة بين عيد الغطاس وأربعاء الرماد ) يشير إلى أن ارتداء الأقنعة كان تقليدًا من تقاليد الكرنفال وتم تطبيقه في وقت ما. يتركز هذا التقليد في شمال إيطاليا في فلورنسا ومانتوا والبندقية، حيث كانت الفرق الرئيسية تحت حماية الدوقات المختلفة . في الوقت نفسه، ظهر تقليد نابولي في الجنوب وتميز بشخصية بولتشينيلا المسرحية البارزة ، والتي ارتبطت منذ فترة طويلة بنابولي وتطورت إلى أنواع مختلفة في أماكن أخرى - أشهرها شخصية الدمية بانش (من عروض بانش وجودي التي تحمل الاسم نفسه ) في إنجلترا.

سمحت الكوميديا ​​ديلارتي للنساء المحترفات بالأداء في وقت مبكر: وقد أشير إلى لوكريزيا دي سيينا ، التي ورد اسمها في عقد للممثلين من عام 1564، باعتبارها أول ممثلة إيطالية معروفة بالاسم، إلى جانب فينتشنزا أرماني وباربرا فلامينيا كأولى نجمات الأوبرا (بريمادونا) والممثلات الموثقات جيدًا في أوروبا. ^{[ 72 ]}

استمد المسرح الإنجليزي في عصر النهضة إلهامه من عدة تقاليد مسرحية من العصور الوسطى، مثل مسرحيات الأسرار التي كانت جزءًا من الاحتفالات الدينية في إنجلترا وأجزاء أخرى من أوروبا خلال تلك الفترة. ومن المصادر الأخرى " مسرحيات الأخلاق " و"المسرح الجامعي" التي سعت إلى محاكاة المأساة الأثينية. كما ساهم التقليد الإيطالي للكوميديا ​​ديلارتي ، بالإضافة إلى الأقنعة المتقنة التي كانت تُقدم في البلاط الملكي، في تشكيل المسرح العام.

منذ ما قبل عهد إليزابيث الأولى، كانت فرق الممثلين تُلحق بمنازل كبار الأرستقراطيين، وتقدم عروضًا مسرحية دنيوية موسمية في مواقع مختلفة. ^{[ 73 ]} وقد شكلت هذه الفرق الأساس للممثلين المحترفين الذين قدموا عروضهم على مسرح العصر الإليزابيثي. وحلت جولات هؤلاء الممثلين تدريجيًا محل عروض مسرحيات الأسرار والأخلاق التي كان يقدمها الممثلون المحليون. ^{[ 73 ]} وفي عام 1572، صدر قانونٌ يقضي على أي فرق غير مرخصة تفتقر إلى رعاية رسمية، ويصنفها على أنها فرقٌ متجولة . ^{[ 73 ]}

كانت سلطات مدينة لندن عمومًا معادية للعروض العامة، لكن عداءها هذا لم يضاهِ ذوق الملكة في المسرحيات ودعم المجلس الخاص. ^{[ 74 ]} انتشرت المسارح في الضواحي، لا سيما في منطقة ساوثوارك الحرة، التي يسهل الوصول إليها عبر نهر التايمز لسكان المدينة، لكنها كانت خارجة عن سيطرة السلطات. تظاهرت الفرق المسرحية بأن عروضها العامة ليست سوى بروفات للعروض المتكررة أمام الملكة، ولكن في حين أن هذه العروض الأخيرة منحت المسرح هيبة، إلا أن العروض العامة كانت المصدر الحقيقي لدخل الممثلين المحترفين.

إلى جانب الجوانب الاقتصادية للمهنة، تغيرت طبيعة المسرح مع اقتراب نهاية تلك الفترة. ففي عهد إليزابيث، كان المسرح تعبيرًا موحدًا عن الطبقة الاجتماعية: إذ كان البلاط الملكي يشاهد نفس المسرحيات التي يشاهدها عامة الشعب في المسارح العامة. ومع تطور المسارح الخاصة، أصبح المسرح أكثر توجهاً نحو أذواق وقيم جمهور الطبقة العليا. وبحلول أواخر عهد تشارلز الأول، قلّت المسرحيات الجديدة التي تُكتب للمسارح العامة، التي كانت تعتمد على الأعمال المتراكمة من العقود السابقة. ^{[ 75 ]}

استندت معارضة البيوريتانيين للمسرح (المستندة إلى حجج آباء الكنيسة الأوائل الذين كتبوا مقالات لاذعة ضد الترفيه الروماني المنحط والعنيف) إلى اعتبار المسرح وثنيًا بشكل عام ، بل إن أي مسرحية تُجسد شخصية دينية تُعدّ وثنية بطبيعتها . في عام ١٦٤٢، مع اندلاع الحرب الأهلية الإنجليزية ، حظرت السلطات البيوريتانية عرض جميع المسرحيات داخل حدود مدينة لندن. وشنّت حملة واسعة النطاق ضد ما زُعم من انحرافات أخلاقية في المسرح، مما أدى إلى سحق ما تبقى من التقاليد المسرحية في إنجلترا.

شكّل مسرح عصر النهضة بداية المسرح الحديث، وذلك بفضل إعادة اكتشاف ودراسة النصوص الكلاسيكية، حيث تمّ استعادة النصوص المسرحية القديمة وترجمتها، وسرعان ما عُرضت في البلاط الملكي وقاعات العرض، ثمّ انتقلت إلى المسارح الحقيقية. وبهذه الطريقة، اقترب مفهوم المسرح من مفهومه الحالي: عرضٌ في مكان مُخصّص يشارك فيه الجمهور.

في أواخر القرن الخامس عشر ، برزت مدينتان كمركزين هامين لإعادة اكتشاف وتجديد الفن المسرحي: فيرارا وروما . شهدت فيرارا، المركز الفني الحيوي في النصف الثاني من القرن الخامس عشر، عرض بعض أشهر الأعمال اللاتينية لبلاوتوس ، مترجمة بدقة إلى الإيطالية. ^{[ 76 ]} في 5 مارس 1508، عُرضت أول مسرحية كوميدية باللغة الإيطالية في بلاط فيرارا، وهي مسرحية " لا كاساريا" للودوفيكو أريوستو ، المستوحاة من نموذج تيرينزيان الكوميدي. مع ذلك، رأى الباباوات في المسرح أداة سياسية: فبعد سنوات من المعارضة، أقرت البابوية أخيرًا فن المسرح، أولًا بتشجيع من البابا سيكستوس الرابع الذي شهد، بفضل الأكاديمية الرومانية ليوليوس بومبونيوس لايتوس ، إعادة إنتاج العديد من المسرحيات الكوميدية اللاتينية؛ ثم لاحقًا، سمحت مساهمة البابا ألكسندر السادس ، محب الفنون، بانتشارها في العديد من الاحتفالات، بما في ذلك حفلات الزفاف والمناسبات.

كانت فلورنسا مركزًا مهمًا آخر لإحياء المسرح الحديث ، حيث عُرضت لأول مرة كوميديا ​​كلاسيكية، وهي مسرحية أندريا لتيرينس ، في عام 1476. ^{[ 77 ]} برزت عاصمة توسكانا في القرن الخامس عشر للتطور الهائل للتمثيل المقدس، ولكن سرعان ما قدمت مجموعة من الشعراء، بدءًا من أنيولو بوليزيانو، مساهمتهم في انتشار كوميديا ​​عصر النهضة.

يُعدّ أنجيلو بيولكو ، المعروف باسم "إل روزانتي"، شخصيةً بارزةً في عالم المسرح، فهو مؤلف مسرحيات باللغة الفينيسية ، وممثل ومخرج حظي بدعم الراعي لويجي كورنارو . ورغم أن خصوصية اللغة الفينيسية لم تُسهم في انتشار أعماله على نطاق واسع في إيطاليا، حيث تناوبت فترات شهرة المؤلف مع فترات نسيانه على مرّ القرون، إلا أنه يُمثّل مثالًا على استخدام المسرح كأداةٍ لتمثيل المجتمع المعاصر، وغالبًا ما يُنظر إليه من منظور ريفي. وقد شهدت مدينة البندقية ، التي كانت تزخر بالأنشطة المسرحية المتنوعة، ازدهارًا لهذا الفن بفضل تعديلٍ صدر عام 1508 عن مجلس العشرة ، والذي حظر النشاط المسرحي. إلا أن هذا المرسوم لم يُطبّق بحذافيره، ونتيجةً لهذه المخالفات، ازدهرت أنواعٌ مسرحيةٌ مثل "المارياتزو" و" الإكلوج " والكوميديا ​​الرعوية والكوميديا ​​المثقفة. شهدت البندقية أيضًا ميلاد مسرحية كوميدية مجهولة المؤلف، بعنوان "لا فينيكسيانا" ، والتي تُعدّ بعيدة كل البعد عن قواعد الكوميديا ​​الراقية، إذ تعكس شريحةً فاسقةً ولامعةً، بل ومُدنسة، من الطبقة الأرستقراطية المنحلة في البندقية. ومن بين المؤلفين المتميزين أيضًا، والمليء بالإبداع والأصالة، والذي يميل إلى الغرابة، الشاعر أندريا كالمو، صاحب ستة أعمال، والذي حظي بشهرةٍ لا بأس بها في مسقط رأسه البندقية.

في مطلع القرنين الخامس عشر والسادس عشر، أصبحت روما مركزًا لسلسلة من الدراسات حول الفن المسرحي التي سمحت بتطوير مشهد المنظور والتجريب السينوغرافي، وذلك بفضل دراسات بالداساري بيروتزي ، الرسام ومصمم الديكور.

إذا كانت البروتستانتية تتسم بعلاقة متناقضة مع المسرح، فقد وظّفت الكاثوليكية في عصر الإصلاح المضاد المسرح لأغراض عاطفية وتبشيرية صريحة. ^{[ 78 ]} تطورت الابتكارات الزخرفية للكنائس الكاثوليكية الباروكية بالتوازي مع فن تصميم المناظر المسرحية المتطور باستمرار . ويمكن الحفاظ على التقاليد المسرحية في العصور الوسطى وتطويرها في البلدان الكاثوليكية، حيثما اعتُبرت مُفيدة. وتُعدّ "التمثيلات المقدسة" في إيطاليا، واحتفالات عيد القربان في جميع أنحاء أوروبا، أمثلة على ذلك. أما "المسرحيات السرية" ، وهي مسرحيات من فصل واحد تُشكّل محور احتفالات عيد القربان في إسبانيا، فقد منحت تجسيدًا ملموسًا ومنتصرًا لمفاهيم اللاهوت الإفخارستي الكاثوليكي المجردة ، وأشهرها أعمال بيدرو كالديرون دي لا باركا . وبينما أدى التركيز على القضاء والقدر في اللاهوت البروتستانتي إلى تقدير جديد للقدرية في الدراما الكلاسيكية ، إلا أنه كان من الممكن مواجهة هذا التوجه. كانت فكرة التراجيكوميديا ​​بحد ذاتها مثيرة للجدل لأن هذا النوع الأدبي نشأ في العصر ما بعد الكلاسيكي، لكنها سرعان ما أصبحت شكلاً شائعاً في عصر الإصلاح المضاد، نظراً لملاءمتها لإظهار تدبير العناية الإلهية وتأييد مفهوم حرية الإرادة . تُعدّ مسرحية "الراعي الأمين" ( Il pastor fido ) لجوفاني باتيستا جواريني ، التي كُتبت في ثمانينيات القرن السادس عشر ونُشرت عام 1602، أكثر أعمال التراجيكوميديا ​​تأثيراً في تلك الفترة، بينما يشتهر تيرسو دي مولينا بشكل خاص ببراعته في قلب دلالات حبكاته التراجيدية من خلال النهايات الكوميدية. ويكمن انقلاب مماثل للتوقعات الأدبية، بدافع لاهوتي، وراء التراجيكوميديا ​​المقدسة ، مثل مسرحية "إرمينجيلدو" ( Ermenegildo ) لفرانشيسكو سفورزا بالافيتشينو . ^{[ 78 ]} وقد تطور هذا النوع من التراجيديا المقدسة من تجسيدات مسرحيات العصور الوسطى لحياة القديسين؛ حيث يموت أبطالها الشهداء بطريقة تجمع بين المأساوية والانتصار. من خلال تعزيز تشجيع الكاثوليكية في عصر الإصلاح المضاد على عبادة الشهداء، يمكن أن تحتفي هذه المسرحيات بشخصيات معاصرة مثل السير توماس مور - بطل العديد من المسرحيات في جميع أنحاء أوروبا - أو تُستخدم لإثارة المشاعر القومية. ^{[ 78 ]}

خلال عصرها الذهبي ، الممتد تقريبًا من عام 1590 إلى 1681، ^{[ 79 ]} شهدت إسبانيا طفرة هائلة في إنتاج المسرح الحي، فضلًا عن ازدياد أهمية المسرح في المجتمع الإسباني. كان المسرح فنًا متاحًا لجميع المشاركين في عصر النهضة الإسبانية، إذ حظي برعاية كريمة من الطبقة الأرستقراطية، وحضره بكثافة عامة الشعب. ^{[ 80 ]} كان حجم وتنوع المسرحيات الإسبانية خلال العصر الذهبي غير مسبوق في تاريخ المسرح العالمي، متجاوزًا، على سبيل المثال، الإنتاج المسرحي لعصر النهضة الإنجليزية بأربعة أضعاف على الأقل. ^{[ 79 ] [ 80 ] [ 81 ]} ورغم أن هذا الحجم كان مصدرًا للنقد بقدر ما كان مصدرًا للثناء على مسرح العصر الذهبي الإسباني، لتركيزه على الكم على حساب الكيف، ^{[ 82 ]} إلا أن عددًا كبيرًا من مسرحيات تلك الفترة، التي تراوحت بين 10,000 ^{[ 80 ]} و30,000 ^{[ 82 ]} مسرحية، لا تزال تُعتبر روائع فنية. ^{[ 83 ] [ 84 ]}

من أبرز فناني تلك الفترة لوبي دي فيغا ، المعاصر لشكسبير، والذي كان يُنظر إليه غالبًا، وفي الوقت نفسه، على أنه نظيره في المسرح الإسباني، ^{[ 85 ]} وكالديرون دي لا باركا ، مخترع الزرزويلا ^{[ 86 ]} وخليفة لوبي كأبرز كاتب مسرحي إسباني. ^{[ 87 ]} ساهم كل من جيل فيسنتي ، ولوبي دي رويدا ، وخوان ديل إنسينا في وضع أسس المسرح الإسباني في منتصف القرن السادس عشر، ^{[ 88 ] [ 89 ] [ 90 ]} بينما قدم فرانسيسكو دي روخاس زوريلا وتيرسو دي مولينا إسهامات كبيرة في النصف الثاني من العصر الذهبي. ^{[ 91 ] [ 92 ]} ومن بين الممثلين البارزين لوبي دي رويدا (المذكور سابقًا بين كتاب المسرحيات) ولاحقًا خوان رانا . ^{[ 93 ] [ 94 ]}

كانت مصادر التأثير على المسرح الوطني الإسباني الناشئ متنوعة بقدر تنوع المسرح الذي أنتجته تلك الأمة. فقد ساهمت تقاليد سرد القصص، المتأصلة في الكوميديا ​​الإيطالية ^{[ 95 ]} ، والتعبير الإسباني الفريد عن عروض الترفيه المتجولة في أوروبا الغربية ^{[ 96 ] [ 97 ]} ، في إضفاء طابع شعبي على سرديات وموسيقى المسرح الإسباني المبكر، على التوالي. من ناحية أخرى، ساهم النقد الأرسطي الجديد والدراما الليتورجية في إثراء المسرح بمنظورات أدبية وأخلاقية. ^{[ 98 ] [ 99 ]} وبدوره، أثر مسرح العصر الذهبي الإسباني بشكل كبير على مسرح الأجيال اللاحقة في أوروبا والعالم أجمع. كان للدراما الإسبانية تأثير فوري وهام على التطورات المعاصرة في مسرح عصر النهضة الإنجليزي . ^{[ 83 ]} كما كان لها تأثير دائم على المسرح في جميع أنحاء العالم الناطق بالإسبانية. ^{[ 100 ]} بالإضافة إلى ذلك، يتزايد عدد الأعمال التي تُترجم، مما يزيد من انتشار مسرح العصر الذهبي الإسباني ويعزز مكانته بين النقاد ورواد المسرح. ^{[ 101 ]}

كان بيير كورني كاتبًا مسرحيًا فرنسيًا متخصصًا في التراجيديا . يُعتبر عمومًا أحد أعظم ثلاثة كتّاب مسرحيين فرنسيين في القرن السابع عشر ، إلى جانب موليير وراسين . في شبابه، حظي برعاية الكاردينال ريشيليو ، الذي كان يسعى إلى الترويج للتراجيديا الكلاسيكية وفقًا لأسسها الرسمية، لكنه اختلف معه لاحقًا، لا سيما حول مسرحيته الأشهر " لو سيد" ، التي تدور حول محارب إسباني من العصور الوسطى، والتي نددت بها الأكاديمية الفرنسية المُنشأة حديثًا لمخالفتها مبادئها . استمر كورني في كتابة التراجيديات التي لاقت استحسانًا واسعًا لما يقرب من أربعين عامًا.

كان جان باتيست بوكلان، المعروف باسمه الفني موليير ، كاتبًا مسرحيًا وممثلًا وشاعرًا فرنسيًا، يُعتبر على نطاق واسع أحد أعظم كتّاب اللغة الفرنسية والأدب العالمي. تشمل أعماله الباقية الكوميديات ، والمهزلة ، والتراجيكوميديا ، والكوميديا ​​الراقصة ، وغيرها. تُرجمت مسرحياته إلى جميع اللغات الحية الرئيسية، وتُعرض في الكوميدي فرانسيز أكثر من أي كاتب مسرحي آخر اليوم. ^{[ 102 ]} بلغ تأثيره حدًا جعل اللغة الفرنسية تُوصف غالبًا بأنها "لغة موليير". ^{[ 103 ]} وُلد موليير في عائلة ثرية، ودرس في كلية كليرمون (التي تُعرف الآن باسم ليسيه لويس لو غران )، ما جعله مؤهلًا تمامًا لبدء حياته في المسرح. ساعدته ثلاثة عشر عامًا قضاها ممثلًا متجولًا على صقل مهاراته الكوميدية، بينما بدأ الكتابة، جامعًا بين عناصر الكوميديا ​​ديلارتي والكوميديا ​​الفرنسية الأكثر رقيًا. ^{[ 104 ]} بفضل رعاية النبلاء، بمن فيهم فيليب الأول، دوق أورليان - شقيق لويس الرابع عشر - حصل موليير على عرض خاص أمام الملك في متحف اللوفر . وقدّم مسرحية كلاسيكية لبيير كورني ومسرحية هزلية من تأليفه بعنوان " الطبيب العاشق" ، وحصل موليير على حق استخدام القاعة الكبرى في بيتي بوربون بالقرب من اللوفر، وهي قاعة واسعة مخصصة للعروض المسرحية. لاحقًا، مُنح حق استخدام مسرح القصر الملكي . وفي كلا الموقعين، حقق موليير نجاحًا كبيرًا بين الباريسيين بمسرحيات مثل " السيدات المتصنعات" و "مدرسة الأزواج" و "مدرسة الزوجات" . وقد جلبت هذه الرعاية الملكية لفرقته معاشًا ملكيًا ولقب " فرقة الملك". واستمر موليير في عمله كمؤلف رسمي لعروض الترفيه في البلاط. ^{[ 105 ]} على الرغم من إشادة البلاط والباريسيين بها، إلا أن هجاءات موليير لاقت انتقادات من أوساط أخرى. فبسبب ما اعتبرته الكنيسة الكاثوليكية في فرنسا كفرًا في مسرحية تارتوف، نددت بهذه الدراسة للنفاق الديني ، ما أدى إلى حظرها من قبل البرلمان ، بينما سُحبت مسرحية دوم جوان ولم يُعد موليير تقديمها. ^{[ 106 ]}أثر عمله الدؤوب في العديد من الأدوار المسرحية سلبًا على صحته، وبحلول عام 1667، اضطر إلى أخذ استراحة من المسرح. وفي عام 1673، أثناء عرض مسرحيته الأخيرة، " المريض الوهمي" ، أصيب موليير، الذي كان يعاني من السل الرئوي، بنوبة سعال ونزيف حاد أثناء تجسيده لشخصية أرجان، المريض المتوهم بالمرض؛ أكمل العرض لكنه انهار مجددًا وتوفي بعد ساعات قليلة. ^{[ 105 ]}

كان جان راسين كاتبًا مسرحيًا فرنسيًا، وأحد أعظم ثلاثة كتّاب مسرحيين في فرنسا خلال القرن السابع عشر، إلى جانب موليير وكورني ، فضلًا عن كونه شخصية أدبية بارزة في التراث الغربي والأدب العالمي. اشتهر راسين بكونه كاتبًا للتراجيديا ، حيث قدم "أمثلة على الكمال الكلاسيكي الجديد" ^{[ 107 ]} مثل " فيدر" ^{[ 108 ]} و "أندروماك" ^{[ 109 ]} و "أثالي" ^{[ 110 ]} . كما كتب مسرحية كوميدية واحدة بعنوان " لي بلايدور " ^{[ 111 ]} وتراجيديا هادئة بعنوان " إستير" ^{[ 112 ]} موجهة للشباب. أظهرت مسرحيات راسين براعته في استخدام اللغة الفرنسية الإسكندرانية ذات الاثني عشر مقطعًا . تشتهر كتاباته بأناقتها ونقائها وسرعتها وغضبها، ^{[ 113 ] [ 114 ]} وبما وصفه الشاعر الأمريكي روبرت لويل بأنه "حافة ماسية"، ^{[ 115 ]} و"مجد غضبها الشديد والكهربائي". ^{[ 116 ]} سواء في الحبكة أو على خشبة المسرح .

كان المسرح اليوناني مزدهراً وحيوياً في جزيرة كريت. وخلال عصر النهضة الكريتية، برز اثنان من أبرز كتّاب المسرح اليونانيين، وهما جورجيوس خورتاتزيس وفيتسينتزوس كورناروس، في أواخر القرن السادس عشر. ^{[ 117 ] [ 118 ]}

بعد حظر العروض المسرحية العامة لمدة 18 عامًا من قبل النظام البيوريتاني، مثّل إعادة فتح المسارح عام 1660 بداية نهضة الدراما الإنجليزية. ومع عودة الملك إلى الحكم عام 1660، أُعيد تأهيل المسارح وإعادة فتحها. تُعرف المسرحيات الكوميدية الإنجليزية التي كُتبت وعُرضت خلال فترة عودة الملكية (1660-1710) مجتمعةً باسم "كوميديا ​​عودة الملكية". اشتهرت هذه الكوميديا ​​بصراحتها الجنسية ، وهي سمة شجعها تشارلز الثاني (1660-1685) شخصيًا، وتأثرت أيضًا بالروح الأرستقراطية المتهورة في بلاطه . ولأول مرة، سُمح للنساء بالتمثيل، مما وضع حدًا لممارسة تمثيل الصبيان لأدوار النساء. ضمّت الجماهير المتنوعة اجتماعيًا الأرستقراطيين وخدمهم وحاشيتهم، بالإضافة إلى شريحة كبيرة من الطبقة المتوسطة. أحبّ جمهور عودة الملكية رؤية الخير ينتصر في مآسيهم وعودة الحكم الشرعي. في الكوميديا، كان الجمهور يميل إلى مشاهدة قصص الحب بين الشباب العصريين، حيث يتوج ثنائي رئيسي علاقتهما بالزواج بنجاح (غالباً ما يتغلبان على معارضة كبار السن). كان يُشترط في البطلات أن يكنّ عفيفات، لكنهن يتمتعن باستقلالية الرأي وصراحة التعبير؛ وبما أن أدوارهن أصبحت من نصيب النساء، فقد أتاح ذلك للكاتب المسرحي مجالاً أوسع لإخفاء هويتهن في ملابس الرجال أو منحهن فرصة للنجاة من الاغتصاب. انجذب رواد المسرح إلى الكوميديا ​​بفضل كتاباتها المعاصرة، وأحداثها المتشابكة والنابضة بالحياة ، وظهور أولى الممثلات المحترفات، وبروز أول الممثلين المشهورين. أما بالنسبة لغير رواد المسرح، فقد نُظر إلى هذه الكوميديا ​​على نطاق واسع على أنها فاضحة ومشكوك في أخلاقيتها، إذ تُبرز تصرفات طبقة صغيرة متميزة ومنحلة. وقد هيمنت هذه الطبقة نفسها على جمهور مسرح عصر النهضة. وشهدت هذه الفترة ظهور أول كاتبة مسرحية محترفة، وهي أفرا بن .

كرد فعل على انحطاط إنتاجات عهد تشارلز الثاني، ازدادت شعبية الكوميديا ​​العاطفية . ركز هذا النوع على تشجيع السلوك الفاضل من خلال تصوير شخصيات من الطبقة المتوسطة تتغلب على سلسلة من المحن الأخلاقية. اعتقد كتّاب مسرحيون مثل كولي سيبر وريتشارد ستيل أن البشر طيبون بطبيعتهم، لكنهم قابلون للضلال. ومن خلال مسرحيات مثل "العشاق الواعون" و "نوبة الحب الأخيرة" ، سعوا إلى استمالة مشاعر الجمهور النبيلة بهدف إصلاحهم. ^{[ 119 ] [ 120 ]}

غزت عروض عصر الاستعادة المبهرة ، أو ما يُعرف بـ"المسرحيات الآلية" ذات الإخراج المتقن، مسارح لندن العامة في أواخر القرن السابع عشر ، مُبهرةً الجماهير بعروضها الحركية، وموسيقاها، ورقصاتها، وديكوراتها المتحركة ، ولوحاتها الباروكية ذات الطابع الخيالي ، وأزيائها الفاخرة، ومؤثراتها الخاصة كالحيل الخادعة ، والممثلين "الطائرين"، والألعاب النارية . لطالما اكتسبت هذه العروض سمعة سيئة باعتبارها تهديدًا مبتذلًا وتجاريًا للدراما "الرسمية" والبارعة التي سادت عصر الاستعادة ؛ إلا أنها استقطبت سكان لندن بأعداد غير مسبوقة، تاركةً إياهم في حالة من الذهول والبهجة.

نشأت هذه العروض المسرحية محليًا، وتعود جذورها إلى مسرحيات البلاط الملكي في أوائل القرن السابع عشر ، مع أنها لم تتوانَ قط عن استعارة الأفكار والتقنيات المسرحية من الأوبرا الفرنسية ، ولذا تُسمى أحيانًا "الأوبرا الإنجليزية". إلا أن تنوعها الكبير يجعل معظم مؤرخي المسرح يعجزون عن تعريفها كنوع فني مستقل . ^{[ 121 ]} لا يُطلق مصطلح "أوبرا" عادةً إلا على عدد قليل من أعمال هذه الفترة، إذ أن البُعد الموسيقي في معظمها ثانويٌّ بالنسبة للبُعد البصري. كانت العروض والمناظر هي ما يجذب الجماهير، كما يتضح من العديد من التعليقات في مذكرات عاشق المسرح صموئيل بيبس . ^{[ 122 ]} أدى ارتفاع تكلفة إنتاج عروض مسرحية أكثر تعقيدًا إلى دفع فرقتي المسرح المتنافستين إلى دوامة خطيرة من الإنفاق الهائل وما يتبعه من خسائر أو أرباح طائلة. إن فشلاً ذريعاً مثل مسرحية " ألبيون وألبانيوس" لجون درايدن من شأنه أن يُغرق الشركة في ديون طائلة، بينما تُحقق أعمال ناجحة مثل مسرحية "سايكي " لتوماس شادويل أو مسرحية " الملك آرثر " لدرايدن أرباحاً طائلة لفترة طويلة. ^{[ 123 ]}

كانت الكلاسيكية الجديدة هي النمط المسرحي السائد في القرن الثامن عشر، إذ فرضت وقارًا والتزامًا صارمًا بالوحدات الكلاسيكية . تميّز المسرح الكلاسيكي الجديد، وكذلك تلك الحقبة الزمنية، بفخامته، حيث كانت الأزياء والديكورات معقدة ومتقنة، وتميّز الأداء التمثيلي بالإيماءات المبالغ فيها والدراما المؤثرة. شمل المسرح الكلاسيكي الجديد عصور الاستعادة، والعصر الأوغسطي، والعصر اليونستيني. ويمكن القول، من وجهة نظر معينة، إن العصر الكلاسيكي الجديد جاء مباشرةً بعد عصر النهضة. أما مسارح أوائل القرن الثامن عشر، فقد حلت الكوميديا ​​السياسية الساخرة محل المسرحيات الهزلية الجنسية التي كانت رائجة في عصر الاستعادة. وفي عام ١٧٣٧، أصدر البرلمان قانون ترخيص المسارح الذي فرض رقابة حكومية على العروض العامة، وحدّد عدد المسارح في لندن بمسرحين فقط.

كان هذا القرن فترة عصيبة على المسرح الإيطالي. انتشرت الكوميديا ​​ديلارتي في جميع أنحاء أوروبا، لكنها شهدت تراجعًا واضحًا مع انخفاض مستوى الدراما وقلة الاهتمام بالنصوص التي قدمتها، مقارنةً بأعمال أخرى من بقية أوروبا. ومع ذلك، ظلت الكوميديا ​​ديلارتي مدرسةً مهمة استمرت لأكثر من مئة عام، ولم يتمكن كبار مؤلفي عصر النهضة من تقديم مجموعة واسعة من الأعمال، مما حال دون وضع أسس مدرسة لاحقة.

لم يقتحم كارلو غولدوني عالم المسرح كثوري، بل كمصلح. في البداية، راعى ذوق الجمهور الذي كان لا يزال متعلقًا بالأقنعة القديمة. في كوميدياته الأولى، كان حضور شخصيات مثل بانتالوني وبريغيلا ، بالإضافة إلى هارليكوين عظيم ، ربما كان آخر من يضاهيه في إيطاليا، مثل أنطونيو ساكو الذي لعب دور تروفالدينو ، حاضرًا باستمرار. لهذه الفرقة، كتب غولدوني كوميديات مهمة مثل " خادم السيدين" و "العاهرة المغتربة" . في عام 1750، كتب المحامي الفينيسي بيانًا لإصلاحه الكوميدي بعنوان " المسرح الكوميدي" . ^{[ 124 ]} في هذه الكوميديا، تمت مقارنة الكوميديا ​​ديلارتي القديمة بالكوميديا ​​المُصلحة . استخدم كارلو غولدوني فرقًا جديدة اختفت منها الأقنعة، التي أصبحت غير مناسبة للمسرح الواقعي، تمامًا كما اختفت نكاتها، التي غالبًا ما كانت غير مرتبطة بالموضوع. في كوميدياته الإصلاحية ، تعود الحبكة لتكون محور الكوميديا، والشخصيات هي الأكثر واقعية. وقد واصل فرانشيسكو ألبرغاتي كاباتشيلي ، الصديق المقرب لغولدوني وأول تلاميذه، على هذا النهج.

عارض بيترو كياري بشدة مذهب غولدون ، مفضلاً الكوميديا ​​الرومانسية ذات الطابع الباروكي. لاحقاً، انضم كارلو غوتزي إلى المجموعة التي عرقلت الإصلاح الغولدوني، مكرساً نفسه لإحياء كوميديا ​​ديلارتي القديمة من القرن السابع عشر ، التي كانت في طريقها إلى الزوال، لكنها لا تزال نابضة بالحياة في نسختها الأكاديمية: كوميديا ​​ريديكولوزا ، التي استمرت حتى نهاية القرن في استخدام أقنعة وشخصيات الكوميديا ​​الفنية. ^{[ 125 ]} لم تشهد المأساة في إيطاليا التطور الذي شهدته منذ القرن السابق في دول أوروبية أخرى. في هذه الحالة، عانت إيطاليا من نجاح كوميديا ​​ديلارتي . سار أنطونيو كونتي على خطى مأساة عصر التنوير ، محققاً نجاحاً متوسطاً. أما بيير جاكوبو مارتيلو، فقد قدم أعمالاً موجهة للمسرح الفرنسي، حيث قام بتكييف الشعر الإسكندري الفرنسي إلى اللغة الإيطالية، والذي عُرف باسم الشعر المارتيلي. لكن المنظر الرئيسي الذي سلك مسار المأساة الإيطالية على النمط اليوناني الأرسطي كان جيان فينتشنزو غرافينا . إلا أن مآسيه لم تحقق النجاح المأمول لأنها اعتُبرت غير مناسبة للعرض. في حين قام تلميذه بيترو ميتاستاسيو بتكييف تعاليم غرافينا بتطبيقها على كلمات الميلودراما. وسار على نهجه كتّاب نصوص آخرون مثل أبوستولو زينو ورانييري دي كالزابيجي . وكان أعظم كاتب مآسي في أوائل القرن الثامن عشر هو سكيبيوني مافي، الذي تمكن أخيرًا من تأليف مأساة إيطالية جديرة بهذا الاسم: ميروبي . وفي النصف الثاني من القرن، برزت شخصية فيتوريو ألفيري ، أعظم كاتب مآسي إيطالي في القرن الثامن عشر. ^{[ 126 ]}

ينقسم المسرح في القرن التاسع عشر إلى قسمين: المبكر والمتأخر. هيمنت الميلودراما والرومانسية على الفترة المبكرة ، حيث شهد القرن التاسع عشر ميلاد الدراما الرومانسية. وبرز مؤلفون بارزون روّجوا لهذا النوع، مثل أليساندرو مانزوني وسيلفيو بيليكو . وفي النصف الثاني من القرن، حلّت الدراما الواقعية محل المأساة الرومانسية ، وبرز من بين أبرز روادها جيوفاني فيرغا وإميليو براغا . ^{[ 127 ]}

سبقت الدراما الرومانسية فترة قريبة من الكلاسيكية الجديدة ، تمثلت في الأعمال الدرامية لأوغو فوسكولو وإيبوليتو بينديمونتي التي استهدفت التراجيديا اليونانية. ويمكن تعريف فيتوريو ألفيري نفسه، الذي امتد على مدى قرنين، إلى جانب فينتشنزو مونتي ، بأنه رائد ورمز التراجيديا الكلاسيكية الجديدة. ^{[ 128 ]}

بدأت الميلودراما في فرنسا، وسرعان ما أصبحت الشكل المسرحي الأكثر شعبية. وتُعتبر مسرحية " كراهية البشر والتوبة " (1789) لأوغست فون كوتزيبو أول مسرحية ميلودرامية. وقد رسّخت مسرحيات كوتزيبو ورينيه شارل غيلبرت دي بيكسيريكورت الميلودراما كشكل درامي مهيمن في أوائل القرن التاسع عشر. ^{[ 129 ]}

شهدت ألمانيا اتجاهاً نحو الدقة التاريخية في الأزياء والديكورات ، وثورة في هندسة المسرح، وظهور الشكل المسرحي للرومانسية الألمانية . وتأثراً باتجاهات الفلسفة والفنون البصرية في القرن التاسع عشر ، ازداد افتتان الكتّاب الألمان بماضيهم الجرماني ، وتنامى لديهم الشعور القومي . وألهمت مسرحيات غوتهولد إفرايم ليسينغ ، ويوهان فولفغانغ فون غوته ، وفريدريش شيلر ، وغيرهم من كتّاب مسرحيات حركة العاصفة والاندفاع، إيماناً متزايداً بالمشاعر والغريزة كمرشدين للسلوك الأخلاقي.

في بريطانيا ، كان بيرسي بيش شيلي واللورد بايرون من أهم كتّاب المسرح في عصرهما، على الرغم من أن مسرحيات شيلي لم تُعرض إلا في وقت لاحق من القرن. في المسارح الصغيرة، كانت مسرحيات البورليتا والميلودراما الأكثر شعبية. تُرجمت مسرحيات كوتزيبو إلى الإنجليزية، وكانت مسرحية "حكاية غامضة" لتوماس هولكروفت أولى الميلودرامات الإنجليزية العديدة. أطلق بيرس إيغان ، ودوغلاس ويليام جيرولد ، وإدوارد فيتزبال ، وجون بالدوين باكستون اتجاهًا نحو قصص أكثر معاصرة وريفية بدلًا من الميلودرامات التاريخية أو الخيالية المعتادة. أسس جيمس شيريدان نولز وإدوارد بولور-ليتون دراما "راقية" بدأت في إعادة ترسيخ مكانة المسرح السابقة لدى الطبقة الأرستقراطية . ^{[ 130 ]}

يشهد مجال المسرح الموسيقي تطورًا مشابهًا للدراما المسرحية. ففي مطلع هذا القرن، حلت الميلودراما الرومانسية محل الأوبرا الهزلية النابولية، ثم البندقية . ^{[ 131 ]} وولدت أعمالٌ قريبة من المواضيع العظيمة التي سادت في العصور الوسطى خلال عصر النهضة الإيطالية . وقد برز العديد من كتّاب النصوص الذين دعموا الموسيقيين من خلال ابتكار أنماط جديدة من السرد الملحمي الموسيقي. بدءًا من فيليتشي روماني ، كاتب نصوص أعمال فينتشنزو بيليني في أوائل القرن التاسع عشر ، وصولًا إلى أريغو بويتو وفرانشيسكو ماريا بيافي ، اللذين افتتحا عصر النهضة الإيطالية في المسرح الموسيقي الإيطالي بنصوصهما لأعمال جوزيبي فيردي . وكان بويتو أيضًا من القلائل الذين جمعوا بين الموهبة الدرامية والموهبة الموسيقية. وتتميز أوبراه "ميفيستوفيلي" ، التي كتبها وألحانها، بطابعها التاريخي، وتُعد خطوةً هامةً في تطور المسرح الإيطالي. ^{[ 132 ]}

شهدت الفترة الأخيرة من القرن التاسع عشر ظهور نوعين متناقضين من الدراما: الواقعية واللاواقعية، مثل الرمزية وسلائف التعبيرية .

بدأ ظهور الواقعية في روسيا في وقت أبكر من بقية أوروبا خلال القرن التاسع عشر، واتخذت شكلاً أكثر صرامة. ^{[ 133 ]} وبدايةً من مسرحيات إيفان تورغينيف (الذي استخدم "التفاصيل المنزلية للكشف عن الاضطراب الداخلي")، وألكسندر أوستروفسكي (الذي كان أول كاتب مسرحي محترف في روسيا)، وأليكسي بيسمسكي (الذي استبقت مسرحيته " مصير مرير " (1859) المذهب الطبيعي )، وليو تولستوي (الذي تُعد مسرحيته "قوة الظلام" (1886) "إحدى أكثر المسرحيات الطبيعية تأثيراً")، بلغ تقليد الواقعية النفسية في روسيا ذروته مع تأسيس مسرح موسكو الفني على يد قسطنطين ستانيسلافسكي وفلاديمير نيميروفيتش دانتشينكو . ^{[ 134 ]}

كانت القوة المسرحية الأبرز في ألمانيا أواخر القرن التاسع عشر هي قوة جورج الثاني، دوق ساكس-ماينينغن ، وفرقته المسرحية "فرقة ماينينغن" بقيادة لودفيغ كرونيك . وتُعتبر عروض الفرقة في كثير من الأحيان الأكثر دقة تاريخيًا في القرن التاسع عشر، على الرغم من أن هدفها الأساسي كان خدمة مصالح كاتب المسرحية. وتُعد فرقة ماينينغن بداية الحركة الجديدة نحو الإنتاج الموحد (أو ما أسماه ريتشارد فاغنر "العمل الفني المتكامل" ) وبروز المخرج ( على حساب الممثل) كفنان مهيمن في صناعة المسرح. ^{[ 135 ]}

وجدت الحركة الطبيعية ، وهي حركة مسرحية انبثقت من كتاب تشارلز داروين " أصل الأنواع " (1859) والظروف السياسية والاقتصادية المعاصرة، مُؤيدها الرئيسي في إميل زولا . إلا أن تطبيق أفكار زولا تعثر بسبب نقص الكُتاب المسرحيين الموهوبين الذين يكتبون مسرحيات طبيعية. في ثمانينيات القرن التاسع عشر، برز أندريه أنطوان بمسرحه الحر (Théâtre Libre) الذي كان مقتصراً على الأعضاء فقط، وبالتالي كان مُعفى من الرقابة. وسرعان ما نال استحسان زولا، وبدأ بتقديم أعمال طبيعية وأخرى واقعية أجنبية. ^{[ 136 ]}

في بريطانيا، استمرت الميلودرامات والكوميديا ​​الخفيفة والأوبرا وأعمال شكسبير والدراما الإنجليزية الكلاسيكية والمسرحيات الهزلية الفيكتورية وعروض البانتوميم وترجمات المسرحيات الفرنسية الهزلية، ومنذ ستينيات القرن التاسع عشر، الأوبريتات الفرنسية، في التمتع بشعبية واسعة. وقد حققت الأوبرات الكوميدية لجيلبرت وسوليفان نجاحًا باهرًا ، مثل "إتش إم إس بينافور" (1878) و "ذا ميكادو" (1885)، مما وسّع بشكل كبير جمهور المسرح الموسيقي. ^{[ 137 ]} هذا، إلى جانب التحسن الكبير في إنارة الشوارع ووسائل النقل في لندن ونيويورك، أدى إلى طفرة في بناء المسارح في أواخر العصر الفيكتوري والإدواردي في ويست إند وبرودواي. وفي وقت لاحق، أسس هنري آرثر جونز وآرثر وينغ بينيرو اتجاهًا جديدًا على المسرح الإنجليزي.

رغم أن أعمالهم مهدت الطريق، إلا أن تطور الدراما الأكثر أهمية يدين بالفضل الأكبر للكاتب المسرحي هنريك إبسن . وُلد إبسن في النرويج عام ١٨٢٨، وكتب خمسًا وعشرين مسرحية، أشهرها بيت الدمية (١٨٧٩)، والأشباح (١٨٨١)، والبطة البرية (١٨٨٤)، وهيدا غابلر (١٨٩٠). إضافةً إلى ذلك، تستحضر أعماله روزميرشولم (١٨٨٦) وعندما نستيقظ من الموت (١٨٩٩) إحساسًا بقوى غامضة تعمل في مصير الإنسان، وهو ما أصبح موضوعًا رئيسيًا للرمزية وما يُعرف بـ" مسرح العبث ".

بعد إبسن، شهد المسرح البريطاني انتعاشًا ملحوظًا بفضل أعمال جورج برنارد شو ، وأوسكار وايلد ، وجون غالزورثي ، وويليام بتلر ييتس ، وهارلي غرانفيل باركر . وعلى عكس معظم أعمال معاصريهم الكئيبة والجدية للغاية، كتب شو ووايلد في المقام الأول بأسلوب كوميدي. لاقت المسرحيات الموسيقية الكوميدية في العصر الإدواردي رواجًا كبيرًا، إذ لاقت استحسان الطبقة الوسطى في تسعينيات القرن التاسع عشر الميلادية ^{[ 138 ]} ، كما لبّت رغبة الجمهور في الترفيه والهروب من الواقع خلال الحرب العالمية الأولى.

بينما استمرّ جزء كبير من مسرح القرن العشرين في تطوير وتوسيع مشاريع الواقعية والطبيعية، كان هناك أيضًا قدر كبير من المسرح التجريبي الذي رفض هذه التقاليد. تُشكّل هذه التجارب جزءًا من الحركات الحداثية وما بعد الحداثية ، وشملت أشكالًا من المسرح السياسي، بالإضافة إلى أعمال ذات توجه جمالي أكبر. ومن الأمثلة على ذلك: المسرح الملحمي ، ومسرح القسوة ، وما يُسمى بـ" مسرح العبث ".

شهد القرن العشرون ميلاد كتّاب مسرحيين بارزين، وضعوا أسس المسرح الإيطالي الحديث. وبرزت عبقرية لويجي بيرانديلو فوق كل هؤلاء، فهو يُعتبر "أبو المسرح الحديث". ^{[ 139 ]} مع هذا الكاتب الصقلي، وُلدت الدراما النفسية ، التي تميزت أساسًا بجانبها التأملي. وكان إدواردو دي فيليبو ، نجل إدواردو سكاربيتا المذكور آنفًا ، من أبرز رواد المسرح الدرامي في القرن العشرين. وقد نجح في إعادة إحياء اللهجة المحلية في العمل المسرحي، مُزيلًا بذلك المفهوم السائد عن الماضي الذي كان يُصنّف العمل اللهجي كعمل من الدرجة الثانية. ومع إدواردو دي فيليبو، وُلد المسرح الشعبي . ^{[ 140 ]}

في مطلع القرن، برزت تأثيرات الحركات الطليعية التاريخية: المستقبلية ، والدادائية ، والسريالية . وسعت المستقبلية تحديدًا إلى تغيير مفهوم المسرح الإيطالي الحديث من خلال تكييفه مع أفكار جديدة. وقد أبدى فيليبو توماسو مارينيتي اهتمامًا بكتابة بيانات مستقبلية متنوعة حول فكرته الجديدة عن المسرح. وبالتعاون مع برونو كورا، ابتكر ما يُعرف بالمسرح التركيبي. ^{[ 141 ]} لاحقًا، شكّل المستقبليون فرقة مسرحية، بقيادة رودولفو دي أنجيليس ، سُميت " مسرح المفاجأة" . وقد حوّل وجود مصمم مناظر مسرحية مثل إنريكو برامبوليني الاهتمام إلى المناظر الحديثة بدلًا من الأداء التمثيلي الذي غالبًا ما كان مخيبًا للآمال. ومن الشخصيات الأخرى التي شاركت في المسرح خلال هذه الفترة، دون تحقيق نجاح يُذكر مقارنةً بالإنتاجات الأدبية والشعرية الأخرى، غابرييل دانونزيو . توجد له بعض المآسي ذات السياق الكلاسيكي، القريبة من أسلوب الحرية الذي يميز مجمل إنتاج الشاعر المحارب.

في الوقت نفسه، ظهر مسرح "تياترو غروتيسكو" ، الذي كان ظاهرة إيطالية خالصة تقريبًا. ^{[ 142 ]} ومن بين رواد هذا النوع المسرحي ماسيمو بونتيمبيلي ، ولويجي أنتونيللي ، وإنريكو كافاكيولي ، ولويجي كياريلي ، وبيير ماريا روسو دي سان سيكوندو، وبيرانديلو نفسه في مسرحياته الأولى. خلال فترة الفاشية الإيطالية، حظي المسرح بمكانة مرموقة. وكان المسرح، في ظل النظام الفاشي، وسيلة للدعاية السياسية، شأنه شأن السينما، فهو العرض الشعبي بامتياز. ^{[ 143 ]} وقد صاغ جيوفاني جنتيلي بيانًا لدعم نظام المثقفين الإيطاليين . وكان من بين الموقعين عليه شخصيات بارزة في مسرح تلك الفترة، مثل: لويجي بيرانديلو، وسلفاتوري دي جياكومو ، وفيليبو توماسو مارينيتي، وغابرييل دانونزيو. في عام 1925، قارن الفيلسوف بينيديتو كروتشي بيانه للمثقفين المناهضين للفاشية ، الذي وقّعه، من بين آخرين، الكاتبان المسرحيان روبرتو براكو وسيم بينيللي . خلال هذه الفترة، برز مخرجان من عائلة براغاليا: كارلو لودوفيكو براغاليا وأنطون جوليو براغاليا، اللذان انضما إلى الإنتاجات الأكثر تجريبية في تلك الفترة، ثم انتقلا لاحقًا إلى السينما.

The second post-war period was characterized by the Teatro di rivista. This was already present previously with great actor-authors such as Ettore Petrolini.^[147] From the magazine, actors such as Erminio Macario and Totò imposed themselves. Then large companies such as that of Dario Niccodemi and actors of the level of Eleonora Duse, Ruggero Ruggeri, Memo Benassi and Sergio Tofano were also important. Equally important was the contribution of great directors in post-war Italian theatre such as Giorgio Strehler, Luchino Visconti and Luca Ronconi. An interesting experiment was that of Dario Fo, who was greatly influenced by Bertolt Brecht's epic and political theatre, but at the same time he returned to the Italian theatre the centrality of the pure actor in ruzantesque terms with his opera Mistero Buffo which with the grammelot gave the theatre of fools and storytellers of the Middle Ages.^[148]

Carmelo Bene's theatre was more linked to experimentalism. The Apulian actor-playwright also tried to bring acting back to the center of attention, reworking the texts of the past, from William Shakespeare to Alfred de Musset, but also Alessandro Manzoni and Vladimir Mayakovsky. The experience of the Lombard playwright Giovanni Testori also deserves to be mentioned, for the breadth of his commitment - he was a writer, director, impresario -, the multiformity of the genres practiced, linguistic experimentalism:^[149] he worked extensively with the actor Franco Branciaroli and together they profoundly influenced the post-war Milanese theatre.

أصبح مصطلح "ممارس المسرح" يُستخدم لوصف الشخص الذي يُبدع عروضًا مسرحية ويُنتج خطابًا نظريًا يُثري عمله العملي. ^{[ 150 ]} قد يكون ممارس المسرح مخرجًا ، أو كاتبًا مسرحيًا ، أو ممثلًا، أو -كما هو معتاد- مزيجًا من هذه الأدوار المنفصلة تقليديًا. يصف مصطلح "ممارسة المسرح" العمل الجماعي الذي يقوم به مختلف ممارسي المسرح. ^{[ 151 ]} ويُستخدم لوصف ممارسة المسرح بدءًا من تطوير كونستانتين ستانيسلافسكي لـ" نظامه "، مرورًا بميكانيكا فسيفولود مايرهولد الحيوية ، وملحمية بيرتولت بريشت ، ومسرح جيرزي غروتوفسكي الشعبي ، وصولًا إلى يومنا هذا، مع ممارسين مسرحيين معاصرين مثل أوغوستو بوال ومسرحه للمضطهدين ، وأنثروبولوجيا يوجينيو باربا المسرحية ، ووجهات نظر آن بوغارت . ^{[ 152 ]}

تشمل الشخصيات الرئيسية الأخرى في مسرح القرن العشرين: أنتونين أرتود ، أوغست ستريندبرغ ، أنطون تشيخوف ، ماكس راينهارت ، فرانك ويديكيند ، موريس ميترلينك ، فيديريكو غارسيا لوركا ، يوجين أونيل ، جورج برنارد شو ، جيرترود شتاين ، إرنست تولر ، فلاديمير ماياكوفسكي ، آرثر ميلر ، تينيسي ويليامز ، جان. جينيه ، يوجين يونيسكو ، صامويل بيكيت ، هارولد بينتر ، فريدريش دورنمات ، هاينر مولر ، وكاريل تشرشل .

استمر عدد من الحركات الجمالية أو ظهرت في القرن العشرين، بما في ذلك:

• المذهب الطبيعي
• الواقعية
• الدادائية
• التعبيرية
• السريالية ومسرح القسوة
• مسرح العبث
• ما بعد الحداثة
• دعاية تحريضية

بعد النجاح الكبير الذي حققته المسرحيات الموسيقية الكوميدية البريطانية في العصر الإدواردي ، هيمن المسرح الموسيقي الأمريكي على الساحة الفنية، بدءًا بمسرحيات برينسيس ، ثم أعمال الأخوين غيرشوين، وكول بورتر ، وجيروم كيرن ، ورودجرز وهارت ، ولاحقًا رودجرز وهامرشتاين . وشهدت أواخر القرن العشرين ظهورًا تجريبيًا فتح آفاقًا جديدة للفن المسرحي، تجلى ذلك في إيطاليا من خلال فرق جديدة مثل ماغازيني كريمنالي، وكريبتون، وسوسيتاس رافاييلو سانزيو، بالإضافة إلى فرق أخرى كانت تتردد على المسارح الكلاسيكية، مثل فرقة مسرح ديل إلفو بقيادة غابرييل سالفاتوريس . كما استعان المسرح الإيطالي في أواخر القرن بأعمال الكاتب والممثل باولو بولي . ويُذكر من بين عظماء ممثلي القرن العشرين كل من فيتوريو غاسمان ، وجورجيو ألبرتازي، وإنريكو ماريا ساليرنو . في مجال المسرح، برز مؤخراً علماء مونولوج مهمون مثل ماركو باوليني وأسكانيو سيليستيني ، كمؤلفين لمسرح سردي قائم على أعمال بحثية متعمقة.

على مرّ التاريخ، كان الأدب الإنجليزي والمسرح منفصلين، إلا أن هذين الفنين مترابطان. ^{[ 153 ]} ومع ذلك، فإن عدم تعاونهما قد يضرّ بالفن. ^{[ 154 ]} فالنصوص الأدبية الإنجليزية والقصص التي ترويها تحتاج إلى أداء مسرحي، والمسرح يمتلك هذه الإمكانية. ^{[ 155 ]} ومنذ البداية، تميّز المسرح الأمريكي بتفرّده وتنوّعه، عاكسًا المجتمع الأمريكي في سعيه نحو هويته الوطنية. ^{[ 156 ]} وكانت أول مسرحية عُرضت عام 1752 في ويليامزبرغ، فرجينيا، هي مسرحية تاجر البندقية لشكسبير . [ ^{157 ] وبسبب} هيمنة المجتمع البيوريتاني لفترة من الزمن، مُنع المسرح من عام 1774 حتى عام 1789. ^{[ 158 ]} ويعود هذا المعيار المجتمعي إلى السماح بالأخلاق البيوريتانية، بينما اعتُبرت أي وسيلة ترفيه أخرى غير لائقة، وتافهة (بلا هدف)، وشهوانية (ممتعة). ^{[ 159 ]} خلال فترة الحظر، غالبًا ما كان المسرح يتستر تحت مسمى المحاضرات الأخلاقية. ^{[ 160 ]} توقف المسرح لفترة وجيزة بسبب حرب الاستقلال الأمريكية ، لكنه سرعان ما عاد إلى نشاطه بعد انتهائها عام 1781. ^{[ 158 ]} بدأ المسرح بالانتشار غربًا ، وكثيرًا ما كانت المدن تضم مسارح قبل أن تُبنى فيها أرصفة أو شبكات صرف صحي. ^{[ 161 ]} ظهرت عدة فرق مسرحية احترافية رائدة في وقت مبكر، لكن إحدى أكثرها تأثيرًا كانت في فيلادلفيا (1794-1815)؛ ومع ذلك، كانت جذور هذه الفرقة هشة بسبب حظر المسرح. ^{[ 158 ]}

مع توسع البلاد، ازدهر المسرح؛ فبعد حرب 1812 ، اتجه المسرح غربًا. ^{[ 158 ]} كان العديد من المسارح الجديدة يُدار من قِبل المجتمع المحلي ، ولكن في نيو أورليانز، كان الفرنسيون قد أسسوا مسرحًا احترافيًا عام 1791. ^{[ 158 ]} انفصلت عدة فرق وأسست مسرحًا في سينسيناتي، أوهايو . ^{[ 158 ]} ظهر أول مسرح رسمي غربي عام 1815 عندما نقل صموئيل دريك (1769-1854) فرقته المسرحية الاحترافية من ألباني إلى بيتسبرغ وصولًا إلى نهر أوهايو وكنتاكي . ^{[ 158 ] وإلى جانب هذه الجولة} ، كان يصطحب الفرقة أحيانًا إلى ليكسينغتون ولويفيل وفرانكفورت . [ 158 ^] وفي بعض الأحيان ، كان يقود الفرقة إلى ^أوهايو وإنديانا وتينيسي وميسوري . ^{[ 158 ]} على الرغم من وجود فرق مسرحية جوالة، إلا أن المجتمعات المسرحية الأكثر استقرارًا في الغرب كانت غالبًا ما تستقر على ضفاف الأنهار لتسهيل الوصول إليها بالقوارب. ^{[ 158 ]} خلال تلك الفترة، كان عدد قليل جدًا من المسارح يقع فوق نهر أوهايو، وفي الواقع، لم يكن لمدينة شيكاغو مسرح دائم حتى عام 1833. ^{[ 158 ]} نظرًا للأوضاع المضطربة في أمريكا والأزمة الاقتصادية الناجمة عن الحروب، عانى المسرح، خلال أوج ازدهاره، من الإفلاس وتغيير الإدارة. ^{[ 158 ]} كما تأثر معظم المسرح الأمريكي المبكر بشكل كبير بالثقافة الأوروبية ، حيث كان العديد من الممثلين من مواليد إنجلترا وتلقوا تدريبهم فيها . ^{[ 158 ]} بين عامي 1800 و1850، كادت الفلسفة الكلاسيكية الجديدة أن تندثر تمامًا تحت وطأة الرومانسية ، التي كان لها تأثير كبير على المسرح الأمريكي في القرن التاسع عشر، والذي مجّد " الإنسان البدائي النبيل ". ^{[ 158 ]} بفضل الاكتشافات النفسية الجديدة وأساليب التمثيل الحديثة، أدت الرومانسية في نهاية المطاف إلى ظهور الواقعية . ^{[ 158 ]} حدث هذا الاتجاه نحو الواقعية بين عامي 1870 و1895. ^{[ 158]]}

في هذا العصر المسرحي، يتحول البطل الأخلاقي إلى الإنسان المعاصر الذي هو نتاج بيئته. ^{[ 162 ]} ويعود هذا التحول الكبير جزئياً إلى الحرب الأهلية، لأن أمريكا أصبحت ملطخة بدماء أهلها، بعد أن فقدت براءتها . ^{[ 163 ]}

خلال هذه الفترة من تاريخ المسرح، برزت هوليوود وهددت المسرح الأمريكي. ^{[ 164 ]} ومع ذلك، لم يتراجع المسرح في ذلك الوقت، بل على العكس، اكتسب شهرة عالمية واسعة. ^{[ 164 ]} وحقق تينيسي ويليامز وآرثر ميلر شهرة عالمية خلال هذه الفترة.

يعود تاريخ أقدم حدث شبه مسرحي مسجل إلى عام 2000 قبل الميلاد مع "مسرحيات الآلام" في مصر القديمة . وكانت قصة الإله أوزوريس تُعرض سنوياً في المهرجانات في جميع أنحاء الحضارة. ^{[ 165 ]}

كانت أشهرها مسرحية آلام المسيح في أبيدوس (حوالي 2500 ق.م. - 550 ق.م.)، التي أعادت تمثيل موت أوزيريس وقيامته. ^{[ 166 ] [ 167 ]} كانت عرضًا سنويًا ضخمًا تضمن مواكب ومعارك رمزية. وقد فصّلت مسرحيات مكتوبة، مثل "انتصار حورس" (المصورة في معبد إدفو )، انتصار حورس على ست . تضمنت هذه المسرحيات ملاحظات تمثيلية محددة، وأسماء المتحدثين، وإشارات موسيقية. ركزت هذه المسرحيات على أساطير الشفاء، مثل شفاء إيزيس لحورس من لدغة عقرب، والتي غالبًا ما استُخدمت لأغراض دينية وتعليمية. كانت تُعرض خلال اليوبيل الثلاثين للفرعون لتجديد قوته الإلهية رمزياً. جسّدت هذه المسرحيات معركة إله الشمس رع الليلية ضد الثعبان أبوفيس لضمان شروق الشمس. ^{[ 168 ]}

في العصر الحديث، تطور فن المسرح في النصف الثاني من القرن التاسع عشر من خلال التفاعل مع أوروبا، بالإضافة إلى تطور الأشكال المسرحية الشعبية التي عرفتها مصر قبل آلاف السنين. ^{[ 169 ] [ 170 ] [ 171 ]}

البداية كانت على يد يعقوب صانو وأبو خليل قباني ، ثم انقسم الوضع إلى فرق مسرحية حرة منها فرقة يوسف وهبي مثل فاطمة رشدي التي تقدم المأساة أو التراجيديا، وأبو السعود الإبياري ، إسماعيل ياسين ، بديع خيري ، علي الكسار ونجيب الريحاني في تقديم الكوميديا ​​بطريقة أخرى. ^{[ 172 ] [ 173 ] [ 174 ]}

عُرض أكثر من 350 مسرحية في ما يُعرف بمسرح القاعات خلال ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين، بمشاركة بيرم التونسي ، وأمين صدقي، وبديع خيري ، وأبو السعود الإبياري ، وإخراج عزيز عيد، وبشارة واكيم ، وعبد العزيز خليل. ومن الإحصائيات المهمة الأخرى أن فرقة الريحاني هي أقدم فرقة مسرحية خاصة ، إذ استمر نشاطها 67 عامًا، من عام 1916 حتى عام 1983، أي ما يقارب سبعين عامًا. أما فرقة رمسيس فهي الأكثر إنتاجًا بين فرق القطاع الخاص، حيث قدمت أكثر من 240 مسرحية بين عامي 1923 و1960. وتُعد فرقة المسرح الوطني أقدم فرقة مسرحية حكومية، إذ استمرت لأكثر من 80 عامًا، من عام 1935 حتى الآن. ^{[ 175 ] [ 176 ]}

بعد ثورة 1952 ، ظهرت مجموعة من كتّاب المسرحيات مثل ألفريد فرج ، وعلي سالم ، ونعمان عاشور، وسعد الدين وهبة، وغيرهم. أما بالنسبة لفرق العمل المحلية، فإن أكثر المخرجين إنتاجًا هم الفنانان فتوح نشأتي وزكي طليمات. ^{[ 177 ]}

من بين كتّاب المسرح المصريين الذين عُرضت أعمالهم على خشبة المسرح: أمين صدقي، وبديع خيري، وأبو آل سعود الإبياري، وتوفيق الحكيم. أما معظم كتّاب المسرح العالميين الذين عُرضت أعمالهم على خشبة المسرح فهم: موليير ، وبيير كورني ، وويليام شكسبير . ^{[ 178 ] [ 179 ]}

كان بصمة المرأة واضحة في تاريخ المسرح المصري، الذي بدأته منيرة المهدية كأول مغنية وممثلة مصرية، ومؤسسة فرقة مسرحية تحمل اسمها في مطلع القرن العشرين، بدلاً من الشاميين واليهود. قبل ذلك، كان التمثيل ممنوعاً على النساء، مما أثار ضجة ساهمت في زيادة شهرتها. كما كانت منيرة المهدية هي من اكتشفت موهبة الموسيقي محمد عبد الوهاب ، ومنحته فرصة إكمال ألحان مسرحية كليوباترا ومارك أنطوني بعد وفاة سيد درويش المفاجئة . وشجعته على الوقوف أمامها، مجسداً دور مارك أنطوني في المسرحية نفسها. ابتداءً من أوائل الستينيات، بدأ نجوم السينما يغزون المسارح، مثل صلاح ذو الفقار في فيلم "رصاصة في القلب" عام 1964، المقتبس عن رواية توفيق الحكيم عام 1933، وغيرهم الكثير. في سبعينيات القرن العشرين، كانت الكوميديا ​​هي السائدة مثل فيلم "العيال كبريت" عام 1979.

في عام 2020، خصصت وزيرة الثقافة المصرية ، الدكتورة إيناس عبد الدايم، الدورة القادمة من المهرجان القومي للمسرح المصري للاحتفال بالذكرى المئوية والخمسين لبداية المسرح المصري الحديث. وستستعرض الدورة نتائج فريق البحث، بقيادة عمرو دوارة ، خبير تاريخ المسرح، الذي بدأ منذ عام 1993 العمل على إعداد أضخم موسوعة للمسرح المصري، تشمل كافة تفاصيل العروض المسرحية الاحترافية على مدى خمسة عشر عقدًا، بدءًا من عام 1870 على يد يعقوب سانو وحتى عام 2019، حيث بلغ عدد العروض خلالها 6300 عمل احترافي، عُرضت للجمهور مقابل رسوم في شباك التذاكر. وقد كلفت الوزيرة هيئة النشر بطباعة الموسوعة. وستساعد هذه الموسوعة القارئ والباحث على التعرف على روائع وإبداعات المسرح المصري عبر تاريخه. ^{[ 180 ] [ 181 ] [ 175 ]}

أصبح المسرح الإندونيسي جزءًا لا يتجزأ من الثقافة المحلية، حيث تطورت العروض المسرحية في إندونيسيا على مدى مئات السنين. وترتبط معظم أشكال المسرح الإندونيسي القديمة ارتباطًا وثيقًا بالتقاليد الأدبية المحلية (الشفوية والمكتوبة). وتستمد مسارح الدمى البارزة - مثل وايانغ غوليك (مسرح الدمى الخشبية) في سوندا ، ووايانغ كوليت (مسرح دمى الظل الجلدية) في جاوة وبالي - الكثير من عروضها من نسخ محلية من ملحمتي رامايانا وماهابهاراتا . كما تُشكل هذه الحكايات مصدرًا لمسرح وايانغ وونغ (المسرح البشري) في جاوة وبالي ، والذي يستخدم الممثلين. ويُعد وايانغ وونغ نوعًا من العروض المسرحية الراقصة الجاوية الكلاسيكية، وتستوحي مواضيعه من أحداث رامايانا أو ماهابهاراتا . وتُظهر النقوش البارزة على جدران معبد برامبانان ، الذي يعود تاريخه إلى القرن التاسع، مشاهد من ملحمة رامايانا. دُمجت اقتباسات من أحداث الملحمة الهندية "المهابهاراتا" في التراث الأدبي الجاوي منذ عهد كاهوريبان وكيديري، ومن الأمثلة البارزة على ذلك ملحمة "أرجوناويواها" التي ألفها مبو كانوا في القرن الحادي عشر. ويُجسد معبد بيناتاران في جاوة الشرقية مواضيع من ملحمتي "رامايانا" و"المهابهاراتا" في نقوشه البارزة. أما "وايانغ وونغ" فكان عرضًا مسرحيًا على غرار "وايانغ كوليت" (مسرح الظل في جاوة الوسطى)، حيث كان الممثلون والممثلات يؤدون أدوار الدمى. وأول إشارة مكتوبة إلى هذا الفن وردت في نقش ويمالاراما الحجري من جاوة الشرقية، والذي يعود تاريخه إلى عام 930 ميلادي. ويُمارس هذا النوع الفني حاليًا بأشكال مختلفة، مع أقنعة وبدونها، في جاوة الوسطى وبالي وسيريبون ، وكذلك في سوندا ( جاوة الغربية ). ^{[ 214 ] [ 215 ] [ 216 ]}

في كمبوديا ، في العاصمة القديمة أنغكور وات ، نُقشت قصص من الملاحم الهندية رامايانا وماهابهاراتا على جدران المعابد والقصور.

في تايلاند ، جرت العادة منذ العصور الوسطى على تقديم مسرحيات مستوحاة من قصص الملاحم الهندية. وعلى وجه الخصوص، لا تزال النسخة المسرحية من ملحمة راماكين الوطنية التايلاندية ، وهي نسخة من ملحمة رامايانا الهندية ، تحظى بشعبية واسعة في تايلاند حتى اليوم.

خلال فترة الحكم الإسباني التي امتدت 333 عامًا، أدخلت إسبانيا إلى الجزر الديانة الكاثوليكية ونمط الحياة الإسباني، اللذين اندمجا تدريجيًا مع ثقافة السكان الأصليين ليشكلا ما يُعرف اليوم بـ"ثقافة الأراضي المنخفضة الشعبية" التي تتشاركها المجموعات الإثنية اللغوية الرئيسية. واليوم، لا تزال الأشكال المسرحية التي أدخلتها إسبانيا أو تأثرت بها موجودة في المناطق الريفية في جميع أنحاء الأرخبيل. وتشمل هذه الأشكال الكوميديا، والمسرحيات القصيرة، والسيناكولو، والسارسويلا، والدراما. وفي السنوات الأخيرة، جرى إحياء بعض هذه الأشكال لجعلها أكثر استجابة لظروف واحتياجات دولة نامية.

أول ذكر للمسرحيات في الإمبراطورية العثمانية كان مرتبطًا بظهور اليهود الإسبان فيها في أواخر القرن الخامس عشر وأوائل القرن السادس عشر. لاحقًا، انخرطت أقليات أخرى، مثل الغجر واليونانيين والأرمن، في هذا المجال. بعد ذلك، أصبحت النسخة التركية من الكوميديا ​​الإيطالية ( كوميديا ​​ديل آرتي) - أو " أورتا أويونو" - شائعة جدًا في جميع أنحاء الإمبراطورية. ^{[ 217 ]}

كانت أكثر أشكال المسرح شيوعًا في العالم الإسلامي في العصور الوسطى مسرح العرائس (بما في ذلك العرائس اليدوية ، ومسرح الظل ، وعروض الدمى المتحركة ) ومسرحيات الآلام الحية المعروفة باسم التعزية ، حيث يعيد الممثلون تمثيل أحداث من التاريخ الإسلامي . وعلى وجه الخصوص، تمحورت المسرحيات الإسلامية الشيعية حول استشهاد ابني علي ، الحسن بن علي والحسين بن علي . وسُجّلت مسرحيات دنيوية تُعرف باسم الأخرجة في أدب العصور الوسطى ، على الرغم من أنها كانت أقل شيوعًا من مسرح العرائس ومسرح التعزية . ^{[ 220 ]}