تاريخ العمارة

• 
  أعمدة ذات مخاريط فسيفساء طينية من منطقة إيانا في أوروك (جنوب بلاد ما بين النهرين)، متحف بيرغامون ، برلين ، ألمانيا ، مهندس معماري غير معروف، 3600-3200 قبل الميلاد ^{[ 28 ]}
• 
  زقورة أور ، تل المكيّر ، محافظة ذي قار ، العراق ، مهندس معماري غير معروف، القرن الحادي والعشرين قبل الميلاد ^{[ 29 ]}
• 
  بلاطة ذات حافة مزخرفة من القصر الشمالي الغربي في نمرود (الآن في العراق الحديث)، المتحف البريطاني ، لندن، حرفي مجهول، 883-859 قبل الميلاد ^{[ 30 ]}
• 
  إعادة بناء بوابة عشتار ، متحف بيرغامون ، برلين ، ألمانيا، مهندس معماري مجهول، حوالي 605-539 قبل الميلاد ^{[ 31 ]}

كانت القصور الآشورية تضم فناءً عامًا واسعًا، وجناحًا من الشقق في الجانب الشرقي، وسلسلة من قاعات الولائم الكبيرة في الجانب الجنوبي. وقد أصبح هذا التصميم هو النمط التقليدي للقصور الآشورية، التي بُنيت وزُينت لتمجيد الملك. ^{[ 32 ]} وعُثر على كميات هائلة من قطع الأثاث المصنوعة من العاج في بعض القصور.

تشتهر بلاد ما بين النهرين ببناء مبانيها من الطوب اللبن ، وبناء الزقورات التي تحتل مكانة بارزة في كل مدينة، وتتألف من تل اصطناعي، غالباً ما يرتفع على شكل درجات ضخمة، يعلوه معبد. ولا شك أن التل كان يهدف إلى رفع المعبد إلى موقع استراتيجي في وادٍ نهري منبسط. وكانت مدينة أوروك العظيمة تضم عدداً من المعابد، تحتوي على العديد من المعابد الأكبر والأكثر فخامة من أي مبانٍ معروفة سابقاً. ^{[ 33 ]}

كلمة "زقورة" هي شكل مُحَرَّف من الكلمة الأكادية "زقورة" (ziqqurratum )، وهو الاسم الذي يُطلق على الأبراج الطينية المُدرَّجة الصلبة. وهي مُشتقة من الفعل "زقارو " (zaqaru) بمعنى "أن يكون عاليًا". تُوصف هذه المباني بأنها تُشبه الجبال التي تربط الأرض بالسماء. يبلغ طول قاعدة زقورة أور ، التي نقّب عنها ليونارد وولي ، 64 مترًا وعرضها 46 مترًا، وكان ارتفاعها الأصلي حوالي 12 مترًا، وتتألف من ثلاثة طوابق. بُنيت في عهد أور-نامو (حوالي 2100 قبل الميلاد)، وأُعيد بناؤها في عهد نابونيد (555-539 قبل الميلاد)، حيث زاد ارتفاعها إلى سبعة طوابق على الأرجح. ^{[ 34 ]}

• 
  هرم زوسر ، سقارة ، مصر ، من صنع إمحوتب ، 2667-2648 قبل الميلاد ^{[ 35 ]}
• 
  الهرم الأكبر في الجيزة ، الجيزة ، مصر، من صنع هيميونو ، حوالي 2589-2566 قبل الميلاد ^{[ 36 ]}
• 
  القاعة الداخلية للمقبرة المنحوتة في الصخر لأمنمحات ، المقبرة 2 (BH2) ، بني حسن ، مصر، مهندس معماري مجهول، حوالي 1900 قبل الميلاد ^{[ 37 ]}
• 
  قاعة الأعمدة في مجمع معبد الكرنك ، الأقصر ، مصر، مهندس معماري غير معروف، حوالي 1294-1213 قبل الميلاد ^{[ 38 ]}
• 
  معبد أبو سمبل العظيم ، مصر، مهندس معماري مجهول، حوالي 1264 قبل الميلاد ^{[ 39 ]}
• 
  مدخل مجمع معبد الأقصر ، مهندس معماري مجهول، 1279-1212 قبل الميلاد ^{[ 40 ]}
• 
  معبد فيلة، مهندس معماري مجهول، 380 قبل الميلاد - 117 ميلادي ^{[ 41 ]}
• 
  رسومات توضيحية من عام 1874 للزخارف والأنماط التي استخدمها المصريون القدماء

تتأثر التصورات الحديثة لمصر القديمة بشكل كبير بالآثار المتبقية من العمارة الضخمة. وقد ترسخت العديد من الأساليب والزخارف الرسمية مع فجر الدولة الفرعونية ، حوالي عام 3100 قبل الميلاد. وتُعد الأهرامات من أبرز معالم مصر القديمة ، حيث بُنيت خلال عصر الدولة القديمة والوسطى ( حوالي 2600-1800 قبل الميلاد) كمقابر للفراعنة . ومع ذلك، توجد أيضًا معابد رائعة، مثل مجمع معابد الكرنك .

آمن المصريون القدماء بالحياة الآخرة . كما اعتقدوا أنه لكي تعيش أرواحهم (المعروفة باسم "كا" ) إلى الأبد في الآخرة، يجب أن تبقى أجسادهم سليمة إلى الأبد. لذلك، كان عليهم ابتكار طريقة لحماية الموتى من التلف ولصوص القبور. وهكذا وُلدت المصطبة . كانت المصطبة عبارة عن مبانٍ طينية ذات أسقف مسطحة، تحتوي على غرف تحت الأرض للتوابيت، على عمق حوالي 30 مترًا . كان على إمحوتب ، الكاهن والمهندس المعماري المصري القديم، تصميم مقبرة للفرعون زوسر . ولتحقيق ذلك، وضع خمس مصاطب، واحدة فوق الأخرى، مُنشئًا بذلك أول هرم مصري، وهو هرم زوسر في سقارة ( حوالي 2667-2648 قبل الميلاد)، وهو هرم مدرج . أما أول هرم ذي جوانب ملساء فقد بناه الفرعون سنفرو ، الذي حكم بين عامي 2613 و2589 قبل الميلاد تقريبًا. أكثرها إبهارًا هو الهرم الأكبر في الجيزة ، الذي شُيّد لابن سنفرو، خوفو ( حوالي 2589-2566 قبل الميلاد)، وهو آخر عجائب الدنيا السبع القديمة الباقية وأكبر هرم في مصر. كانت كتل الحجارة المستخدمة في بناء الأهرامات تُثبّت معًا بالملاط ، وكان الهيكل بأكمله مغطى بحجر جيري أبيض مصقول للغاية، وتُوجت قممها بالذهب. ما نراه اليوم هو في الواقع الهيكل الأساسي للهرم. في الداخل، كانت ممرات ضيقة تؤدي إلى غرف الدفن الملكية. على الرغم من ارتباط الأهرامات ارتباطًا وثيقًا بمصر القديمة، فقد بُنيت الأهرامات أيضًا من قِبل حضارات أخرى، مثل حضارة المايا .

بسبب نقص الموارد وتحوّل مركز السلطة نحو الكهنة، ابتعد المصريون القدماء عن بناء الأهرامات، وأصبحت المعابد محورًا رئيسيًا للطقوس الدينية. وكما هو الحال مع الأهرامات، تميّزت المعابد المصرية القديمة بفخامتها وروعتها. فقد تطورت من أضرحة صغيرة مصنوعة من مواد قابلة للتلف إلى مجمعات ضخمة، وبحلول عصر الدولة الحديثة (حوالي 1550-1070 قبل الميلاد) أصبحت هياكل حجرية هائلة تتألف من قاعات وساحات. مثّل المعبد نوعًا من "الكون" الحجري، نسخة من تل الخلق الأصلي الذي كان الإله يجدد عليه نفسه والعالم. يتألف المدخل من بوابة مزدوجة ( صرح )، ترمز إلى تلال الأفق. وفي الداخل، توجد قاعات ذات أعمدة ترمز إلى غابة بدائية من نبات البردي. وتليها سلسلة من الممرات المتناقصة الحجم، حتى الوصول إلى قدس الأقداس، حيث يوضع تمثال الإله. في العصور القديمة، كانت المعابد تُطلى بألوان زاهية، أبرزها الأحمر والأزرق والأصفر والأخضر والبرتقالي والأبيض. وبسبب مناخ مصر الصحراوي، حُفظت بعض أجزاء هذه الأسطح المطلية بشكل جيد، لا سيما في الأجزاء الداخلية.

يُعدّ الكورنيش المقعر (أو الزخرفة المقعرة ) عنصرًا معماريًا مميزًا للعمارة المصرية القديمة ، وقد ظهر في أواخر عصر الدولة القديمة. استُخدم على نطاق واسع لإبراز قمة معظم المباني الفرعونية الرسمية. ونظرًا لكثرة استخدامه، فقد زيّن لاحقًا العديد من مباني وتحف عصر النهضة المصرية . ^{[ 42 ] [ 39 ]}

• 
  الحمام الكبير، في منطقة القلعة المرتفعة بالمدينة، موهينجو دارو ، مقاطعة السند ، باكستان ، مهندس معماري غير معروف، حوالي 2600-1900 قبل الميلاد ^{[ 43 ]}
• 
  بئر قديمة وقنوات تصريف في لوثال ، غوجارات ، الهند ، من تصميم مهندس معماري مجهول، حوالي 2300 قبل الميلاد وما بعده
• 
  منظر لمدينة موهينجو دارو، يظهر أسوارها وشوارعها الرئيسية، مهندس معماري مجهول، حوالي 2600-1900 قبل الميلاد ^{[ 44 ]}

يمكن تتبع أصول أول حضارة حضرية في شبه القارة الهندية إلى حضارة وادي السند، وتحديدًا في موهينجو دارو وهارابا ، الواقعتين حاليًا في باكستان وولايات غربية من جمهورية الهند. وتعود أقدم المستوطنات إلى العصر الحجري الحديث في ميرغار ، بلوشستان . اشتهرت مدن هذه الحضارة بتخطيطها الحضري المتقن، حيث بُنيت من الطوب المحروق، وأنظمة الصرف الصحي والمياه المتطورة، فضلًا عن الحرف اليدوية ( مثل منتجات العقيق الأحمر ونحت الأختام). انتقلت هذه الحضارة من العصر الحجري الحديث إلى العصر النحاسي وما بعده، بفضل براعتها في علم المعادن (النحاس والبرونز والرصاص والقصدير). ^{[ 45 ]} وربما بلغ عدد سكان مراكزها الحضرية ما بين 30,000 و60,000 نسمة، ^{[ 46 ]} وربما بلغ عدد سكان الحضارة نفسها ما بين مليون وخمسة ملايين نسمة. ^{[ 47 ]}

• 
  معبد هيفايستوس على تل أغورايوس كولونوس، أثينا ، اليونان ، حوالي 449 قبل الميلاد، مهندس معماري غير معروف ^{[ 48 ]}
• 
  إريختيون ، أثينا، بأعمدته الأيونية ورواق الكارياتيد ، 421-405 قبل الميلاد، [ ^{49 ] مهندس} معماري مجهول
• 
  البارثينون ، أثينا ^، اليونان ، 447-432 قبل الميلاد، من قبل إكتينوس وكاليكراتيس وفيدياس ^{[ 50} ]
• 
  ثولوس من حرم أثينا برونايا ، دلفي ، اليونان، 380-360 قبل الميلاد، بقلم ثيودوروس الفوكاي ^{[ 51 ]}
• 
  المسرح القديم في إبيداوروس ، إبيداوروس ، اليونان، القرن الثالث قبل الميلاد، ^{[ 52 ]} مهندس معماري مجهول
• 
  برج الرياح ، أثينا، القرن الأول قبل الميلاد، ^{[ 53 ]} مهندس معماري مجهول
• 
  رسم توضيحي للأعمدة والأفاريز الدوريكية (الأعمدة الثلاثة على اليسار)، والأيونية (الأعمدة الثلاثة في المنتصف)، والكورنثية ( الأعمدة الاثنان على اليمين) .
• 
  رسومات توضيحية من عام 1874 للزخارف والأنماط التي استخدمها الإغريق والرومان القدماء
• 
  رسم توضيحي من عام 1883 يُظهر نظام الألوان الخاص بالطراز الدوري

منذ بزوغ العصر الكلاسيكي في أثينا ، في القرن الخامس قبل الميلاد، تغلغل أسلوب البناء الكلاسيكي بعمق في الفهم الغربي للعمارة، بل وللحضارة نفسها. ^{[ 54 ]} من حوالي 850 قبل الميلاد إلى حوالي 300 ميلادي، ازدهرت الحضارة اليونانية القديمة في البر اليوناني الرئيسي ، وفي شبه جزيرة بيلوبونيز ، وفي جزر بحر إيجة . ومع ذلك، تشتهر العمارة اليونانية القديمة بمعابدها ، التي ينتشر العديد منها في جميع أنحاء المنطقة، ويُعد البارثينون مثالًا بارزًا على ذلك. لاحقًا، شكلت هذه المعابد مصدر إلهام للمعماريين الكلاسيكيين الجدد خلال أواخر القرن الثامن عشر والتاسع عشر. أشهر هذه المعابد هما البارثينون والإريختيون ، وكلاهما يقع على أكروبوليس أثينا . ومن أنواع المباني اليونانية القديمة المهمة الأخرى المسارح. وقد استخدمت كل من المعابد والمسارح مزيجًا معقدًا من الخدع البصرية والنسب المتوازنة.

تتألف المعابد اليونانية القديمة عادةً من قاعدة ذات درج متصل من بضع درجات على كل جانب (يُعرف باسم "كريبيدوما ")، و "سيلا" (أو "ناوس ") تحتوي على تمثال عبادي، وأعمدة ، وإفريز، وجملونين ، أحدهما في الواجهة والآخر في الخلف. وبحلول القرن الرابع قبل الميلاد، وضع المعماريون والبناؤون اليونانيون نظامًا من القواعد لجميع المباني يُعرف باسم " الأنماط المعمارية" : الدوري ، والأيوني ، والكورنثي. ويمكن تمييز هذه الأنماط بسهولة من خلال أعمدتها (وخاصةً تيجانها ) . فالعمود الدوري متين وبسيط، والعمود الأيوني أنحف وله أربعة لفائف (تُسمى "فولوتس ") في زوايا تاجه، أما العمود الكورنثي فهو مشابه للعمود الأيوني، لكن تاجه مختلف تمامًا، إذ يُزين بأوراق الأقنثوس وأربعة لفائف. ^{[ 48 ]} وإلى جانب الأعمدة، كان الإفريز يختلف باختلاف النمط المعماري. بينما يحتوي النمط الدوري على زخارف ميتوبية وتريجليفات مع زخارف غوتا ، فإن الزخارف الأيونية والكورنثية تتكون من شريط واحد كبير متصل مع نقوش بارزة .

إلى جانب الأعمدة، زُيّنت المعابد بزخارف بديعة، من منحوتات في الجملونات والأفاريز والميتوبات والتريغليفات . وشملت الزخارف التي استخدمها المعماريون والفنانون اليونانيون القدماء زخارف النخيل ، واللفائف النباتية أو المتموجة ، وأقنعة الأسود (غالباً على الكورنيشات الجانبية )، والأسنان ، وأوراق الأقنثوس ، ورؤوس الثيران ، والأكاليل ، وزخارف البيض والسهام ، وزخارف القلب ، والخرز، والزخارف المتعرجة ، والزخارف العلوية في زوايا الجملونات. وغالباً ما استُخدمت الزخارف اليونانية القديمة بشكل متواصل، على هيئة أشرطة. وقد استُخدمت لاحقاً في الأساليب الإترورية والرومانية ، وفي الأساليب التي أعقبت العصور الوسطى والتي سعت إلى إحياء الفن والعمارة اليونانية الرومانية، مثل عصر النهضة والباروك والكلاسيكية الجديدة وغيرها.

عند النظر إلى البقايا الأثرية للمباني القديمة والوسيطة، يسهل تصورها على أنها من الحجر الجيري والخرسانة بلون رمادي باهت، والاعتقاد بأن المباني القديمة كانت أحادية اللون. إلا أن العمارة كانت متعددة الألوان في معظم أنحاء العالم القديم والوسيط. ومن أبرز المباني القديمة، البارثينون ( حوالي 447-432 قبل الميلاد) في أثينا ، الذي زُينت تفاصيله بألوان زاهية من الأحمر والأزرق والأخضر. وإلى جانب المعابد القديمة، لم تكن كاتدرائيات العصور الوسطى بيضاء بالكامل، إذ احتوت معظمها على لمسات ملونة على تيجان الأعمدة . [ 55 ^{] وقد هُجرت} هذه الممارسة في تلوين المباني والأعمال الفنية خلال عصر النهضة المبكر. ويعود ذلك إلى أن ليوناردو دافنشي وفنانين آخرين من عصر النهضة، بمن فيهم مايكل أنجلو ، روّجوا للوحة ألوان مستوحاة من الآثار اليونانية الرومانية القديمة، التي أصبحت بيضاء اللون بسبب الإهمال والتدهور المستمر خلال العصور الوسطى، على الرغم من كونها ملونة في الأصل. وكانت الأصباغ المستخدمة في العالم القديم حساسة وعرضة للتلف بفعل العوامل الجوية. بدون العناية اللازمة، تتلاشى الألوان التي تتعرض للمطر والثلج والأوساخ وعوامل أخرى بمرور الوقت، وبهذه الطريقة أصبحت المباني والأعمال الفنية القديمة بيضاء، كما هي اليوم وكما كانت خلال عصر النهضة. ^{[ 56 ]}

• 
  الجدران والمباني المعاد بناؤها في هيونيبورغ على نهر الدانوب، ألمانيا، حوالي 600 قبل الميلاد ، أقدم مدينة شمال جبال الألب ^{[ 57 ]}
• 
  قصر فيكس (إعادة بناء)، مونت لاسوا ، فرنسا، مهندس معماري غير معروف، أواخر القرن السادس قبل الميلاد ^{[ 58 ] [ 59 ]}
• 
  حصن غلاوبرغ ، ألمانيا، البوابة الرئيسية (إعادة بناء)، مهندس معماري مجهول، حوالي 500 قبل الميلاد

يشير مصطلح العمارة السلتية، بمعناه الأوسع، إلى الأساليب والهياكل المرتبطة بالشعوب السلتية التي سكنت في الماضي جزءًا كبيرًا من أوروبا، بما في ذلك أجزاء من فرنسا وألمانيا والجزر البريطانية الحالية، وغيرها. ^{[ 60 ]} يصعب تعريف هذه العمارة تعريفًا دقيقًا لأن السلتيين لم يمتلكوا أسلوبًا معماريًا موحدًا ومعياريًا في مختلف المناطق التي سكنوها. ومع ذلك، تتشارك العمارة السلتية في سمات عامة، على سبيل المثال، في مباني وسط أوروبا، مثل تلك الموجودة في ألمانيا وفرنسا، مما يوفر نظرة ثاقبة على الثقافة المادية والأشكال المعمارية للسلتيين في هذه المناطق.

كانت العديد من المباني السلتية، لا سيما في الفترات المبكرة، تُبنى من الخشب، الذي لم يصمد بنفس جودة الحجر أو المواد الأخرى. ^{[ 61 ]} غالبًا ما بنى السلتيون منازل ومستوطنات دائرية، وكانت الأكواخ الدائرية (أو المنازل الدائرية) أكثر أنواع المساكن شيوعًا. ^{[ 62 ]} برع السلتيون في بناء هياكل دفاعية، مثل الحصون الجبلية، التي شملت الخنادق والأسوار والحواجز. ^{[ 63 ]} في فترات لاحقة، وخاصة خلال العصر الحديدي، بدأت بعض الجماعات السلتية في بناء مبانٍ حجرية، مثل المعابد والأضرحة والمساكن الدائمة. ^{[ 64 ]}

يُعدّ موقع هيونيبورغ ^{[ 65 ]} أحد أشهر المواقع السلتية ، ويقع في جبال شفابن جورا في ألمانيا. كان هيونيبورغ مستوطنة سلتية كبيرة ومركزًا رئيسيًا للقوة في أواخر عصر هالشتات وبداية عصر لاتين. يشتهر الموقع بتحصيناته، بما في ذلك الأعمال الترابية الضخمة والأسوار الخشبية، مما يدل على اهتمام السلتيين بالعمارة الدفاعية. أما مونت لاسوا ، فهو موقع أثري سلتي هام آخر ^{[ 66 ]} يقع في منطقة بورغوندي شرق فرنسا، بالقرب من مدينة مونبار، في مقاطعة كوت دور. يتميز الموقع بكونه أحد أكبر وأهم المستوطنات المحصنة السلتية (أوبيدا) في عصر لاتين (حوالي 450 قبل الميلاد إلى 1 قبل الميلاد). يقدم مونت لاسوا رؤى بالغة الأهمية حول التخطيط الحضري والعمارة السلتية، والتنظيم الاجتماعي والسياسي للقبائل السلتية في بلاد الغال قبيل الغزو الروماني. يتألف حصن غلاوبرغ السلتي ^{[ 67 ]} أو أوبيدوم في هيسن ، ألمانيا، من مستوطنة محصنة وعدة تلال دفن، "مقر أميري في أواخر فترة هالشتات وأوائل فترة لاتين ". ^{[ 68 ] [ 69 ]} وقد وضعت الاكتشافات الأثرية في تسعينيات القرن الماضي الموقع بين أهم المراكز السلتية المبكرة في أوروبا. ويقدم أدلة غير مسبوقة على الدفن والنحت والعمارة الضخمة السلتية. ^{[ 70 ]}

• 
  الدير ، البتراء ، مهندس معماري مجهول، القرن الأول الميلادي
• 
  قصر الفريد، الهجرة (مدائن صالح) ، مهندس مجهول، القرن الأول الميلادي

كان للأنباط ، وهم شعب عربي قديم، أسلوب معماري مميز بمعابدهم ومقابرهم المنحوتة في الصخر، وأشهرها تلك الموجودة في البتراء بالأردن. ^{[ 71 ]} ويوجد موقع آخر محفوظ جزئيًا في الحِجر (مدائن الصالح) بالمملكة العربية السعودية. معظم الآثار المعمارية النبطية، التي يعود تاريخها إلى الفترة من القرن الأول قبل الميلاد إلى القرن الثاني الميلادي، واضحة للعيان ومحفوظة جيدًا، حيث تضم البتراء، في الأردن الحديث، أكثر من 500 معلم، بالإضافة إلى 110 مقابر محفوظة جيدًا في صحراء الحِجر .

• 
  الكولوسيوم ، روما ، مهندس معماري مجهول، 72-80 م ^{[ 72 ]}
• 
  بونت دو جارد ، فيرس بونت دو جارد ، جارد ، فرنسا، قناة رومانية ، مهندس معماري غير معروف، 40-60 م ^{[ 73 ]}
• 
  البانثيون ، روما، مهندس معماري مجهول، حوالي 114-123 م ^{[ 74 ]}
• 
  مكتبة سيلسوس ، أفسس ، تركيا، مهندس معماري مجهول، حوالي 112-120 م ^{[ 72 ]}
• 
  قاعة بالاتينا ، أكبر قاعة باقية من العصور القديمة ، ترير ، ألمانيا ، مهندس معماري مجهول، 300-310 ميلادي
• 
  قوس قسطنطين ، روما، مهندس معماري مجهول، 316 م ^{[ 75 ]}

تُعدّ العمارة الرومانية القديمة من أكثر العمارة تأثيرًا في العالم. ويتجلى إرثها بوضوح خلال العصور الوسطى وبداية العصر الحديث، ولا تزال المباني الرومانية تُستخدم في العصر الحديث في كلٍّ من العمارة الكلاسيكية الجديدة وما بعد الحداثة . وقد تأثرت بشكل خاص بالطرازين اليوناني والإتروسكي . وخلال العصر الجمهوري (509-27 قبل الميلاد)، طُوّرت مجموعة متنوعة من أنواع المعابد ، مُعدّلة من النماذج اليونانية والإتروسكية .

أينما غزت جيوش الرومان، أسسوا مدنًا وقرى، ناشرين إمبراطوريتهم ومطورين إنجازاتهم المعمارية والهندسية. وبينما تتركز أهم أعمالهم في إيطاليا، وجد البناؤون الرومان أيضًا منافذ إبداعية في المقاطعات الغربية والشرقية، حيث توجد أفضل الأمثلة المحفوظة في شمال إفريقيا وتركيا وسوريا والأردن في العصر الحديث . وبرزت مشاريع فخمة، مثل قوس سيبتيموس سيفيروس في لبدة الكبرى ( ليبيا الحالية ، بُني عام 216 ميلادي )، ذي الجملونات المكسورة من جميع جوانبه، أو قوس كاراكلا في طيبة ( الجزائر الحالية ، بُني حوالي عام 214 ميلادي)، ذي الأعمدة المزدوجة من جميع جوانبه، والأفاريز البارزة، والميداليات التي تحمل تماثيل نصفية لآلهة. ونظرًا لأن الإمبراطورية تشكلت من أمم وثقافات متعددة، فقد كانت بعض المباني نتاجًا لدمج الطراز الروماني مع التقاليد المحلية. ومن الأمثلة على ذلك قوس تدمر ( سوريا الحالية ، الذي بني حوالي 212-220 )، حيث تم تزيين بعض أقواسه بتصميم شريط متكرر يتكون من أربعة أشكال بيضاوية داخل دائرة حول وردة ، وهي ذات أصل شرقي.

من بين الإنجازات المعمارية الرومانية العديدة ، القباب (التي شُيّدت للمعابد)، والحمامات، والفلل، والقصور، والمقابر. ولعلّ أشهر مثال على ذلك هو البانثيون في روما، الذي يُعدّ أكبر قبة رومانية باقية، ويتميز بفتحة دائرية كبيرة في وسطه. ومن الابتكارات المهمة الأخرى القوس الحجري المستدير، الذي استُخدم في الأروقة والقنوات المائية وغيرها من المنشآت. وإلى جانب الأنماط اليونانية (الدوري، والأيوني، والكورنثي)، ابتكر الرومان نمطين آخرين. تأثر النمط التوسكاني بالنمط الدوري ، لكن بأعمدة غير مخددة وإفريز أبسط خالٍ من النقوش المثلثية أو النقوش البارزة ، بينما كان النمط المركب نمطًا مختلطًا ، يجمع بين حلزونات تيجان النمط الأيوني وأوراق الأقنثوس الخاصة بالنمط الكورنثي.

بين عامي 30 و15 قبل الميلاد، نشر المهندس المعماري ماركوس فيتروفيوس بوليو أطروحة هامة بعنوان " دي أركيتكتورا" (De architectura )، والتي أثرت في المعماريين حول العالم لقرون. وباعتبارها الأطروحة الوحيدة في مجال العمارة التي نجت من العصور القديمة، فقد اعتُبرت منذ عصر النهضة أول كتاب في النظرية المعمارية، فضلاً عن كونها مصدراً رئيسياً في قواعد العمارة الكلاسيكية. ^{[ 76 ]}

كما فعل الإغريق، بنى الرومان المدرجات الرومانية أيضًا. وكان أكبر مدرج بُني على الإطلاق، وهو الكولوسيوم في روما، يتسع لحوالي 50,000 متفرج. ومن المعالم الرومانية البارزة الأخرى التي تُظهر دقة الرومان وتقدمهم التكنولوجي جسر بونت دو غارد في جنوب فرنسا، وهو أعلى قناة مائية رومانية باقية. ^{[ 77 ] [ 73 ]}

• 
  جادة الموتى، تيوتيهواكان ، المكسيك ، 1-600 م ^{[ 78 ]}
• 
  واجهة معبد الثعبان المجنح (إعادة بناء تفصيلية)، تيوتيهواكان ، المكسيك، حوالي 225 ^{[ 79 ]}
• 
  قصر بالينكي ، تشياباس ، المكسيك، القرنين السابع والثامن ^{[ 80 ]}
• 
  معبد النمر العظيم ، تيكال ، غواتيمالا ، حوالي 732 ^{[ 81 ]}
• 
  تماثيل أطلسية ضخمة من العصر التولتيكي ومنحوتات أخرى، تولا ، هيدالغو ، المكسيك، حوالي 900-1100، الارتفاع التقريبي: 4.88 متر ^{[ 82 ]}
• 
  دير الراهبات الرباعي، أوكسمال ، يوكاتان ، المكسيك، 800-1000 ^{[ 81 ]}

تطورت معظم معالم العمارة في أمريكا الوسطى من خلال التبادل الثقافي؛ فعلى سبيل المثال، استقى الأزتيك الكثير من عمارة المايا السابقة . شيدت العديد من الحضارات مدنًا كاملة، تضم معابد وأهرامات ضخمة منحوتة بزخارف حيوانية وآلهة وملوك. احتوت معظم هذه المدن على ساحة مركزية تضم مباني حكومية ومعابد، بالإضافة إلى ملاعب كرة عامة، أو ما يُعرف بـ"تلاتشلي" ، على منصات مرتفعة. وكما هو الحال في مصر القديمة، بُنيت الأهرامات هنا أيضًا، وكانت في الغالب مدرجة . يُرجح أنها لم تُستخدم كمدافن، ولكنها احتوت على مواقع دينية هامة في قمتها. ^{[ 80 ]} كانت هذه الأهرامات قليلة الغرف، إذ لم تكن المساحات الداخلية ذات أهمية كبيرة مقارنةً بالطقوس الدينية التي تُقام على هذه المباني المهيبة والاحتفالات العامة التي تُقام فيها؛ لذا، كانت المنصات والمذابح والسلالم الاحتفالية والتماثيل والمنحوتات جميعها ذات أهمية بالغة. ^{[ 83 ]}

• 
  بوابة الشمس، تياهواناكو ، بوليفيا ، ج. 375-500 م ^{[ 82 ]}
• 
  ماتشو بيتشو، بيرو ، ج. 1450 م

نشأت العمارة الإنكية من طراز تيواناكو ، الذي تأسس في القرن الثاني قبل الميلاد. استغل الإنكا تضاريس الأرض وموادها في تصاميمهم، ولا تزال عاصمتهم كوسكو تحتفظ بالعديد من الأمثلة. تُعدّ ماتشو بيتشو، القصر الملكي الشهير، مثالًا باقيًا، إلى جانب ساكسايهوامان وأولانتايتامبو . كما طوّر الإنكا شبكة طرق على طول القارة الغربية، ووضعوا مبانيهم المميزة على طولها، مؤكدين بذلك سيطرتهم الإمبراطورية على الحدود. أما شعوب أخرى ، مثل المويسكا، فلم تبنِ مباني ضخمة من الحجر، بل من مواد أخرى كالخشب والطين.

• 
  الستوبا العظيمة في سانشي ( ماديا براديش ، الهند)، مهندس معماري مجهول، القرن الثالث الميلادي - حوالي 100 قبل الميلاد
• 
  سومابورا ماهافيهارا ( بنغلاديش )، مهندس معماري مجهول، حوالي القرن الثامن الميلادي
• 
  الكهف رقم 19 من كهوف أجانتا ، ماهاراشترا ، وهو قاعة تشايتيا ، ويُعد أيضًا مثالًا على العمارة الصخرية الهندية ، من تصميم مهندس معماري مجهول، يعود تاريخه إلى القرن الخامس الميلادي.
• 
  روانويليسيا ، أنورادابورا ، سريلانكا ، مهندس معماري مجهول، حوالي 140 قبل الميلاد (تم تجديدها في أوائل القرن العشرين)

تطورت العمارة البوذية في شبه القارة الهندية خلال القرنين الرابع والثاني قبل الميلاد، وانتشرت أولًا إلى الصين ثم إلى أنحاء آسيا. ترتبط ثلاثة أنواع من المباني بالعمارة الدينية للبوذية المبكرة : الأديرة ( فيهارا )، وأماكن تقديس الآثار ( ستوبا )، والمزارات أو قاعات الصلاة ( تشايتيا ، وتُسمى أيضًا تشايتيا غريها )، والتي أصبحت تُعرف لاحقًا بالمعابد في بعض المناطق. يُعدّ الستوبا أشهر أنواع المباني البوذية، وهو عبارة عن بناء ذي قبة يحتوي على آثار، ويُستخدم كمكان للتأمل وإحياء ذكرى بوذا . ترمز القبة إلى الفضاء اللامتناهي للسماء. ^{[ 84 ]}

كان للبوذية تأثير كبير على العمارة السريلانكية بعد دخولها، ^{[ 85 ]} وكانت العمارة السريلانكية القديمة ذات طابع ديني في المقام الأول، حيث ضمت أكثر من 25 نمطًا من الأديرة البوذية. ^{[ 86 ]} وقد صُممت الأديرة وفقًا لكتاب "مانجوسري فاستو فيديا شاسترا" ، الذي يحدد تخطيط المبنى.

بعد سقوط إمبراطورية جوبتا، استمرت البوذية بشكل رئيسي في البنغال تحت حكم سلالة بالا ، ^{[ 87 ]} وكان لها تأثير كبير على العمارة البنغالية قبل الإسلام في تلك الفترة. ^{[ 88 ]}

• 
  معبد داشافاتارا، ديوجاره ، أوتار براديش ، مهندس معماري مجهول، حوالي القرن السادس الميلادي
• 
  معبد مونديشواري ، مقاطعة كايمور ، بيهار ، مهندس معماري مجهول، حوالي القرن السابع الميلادي
• 
  كهوف إلورا ، منطقة أورانجاباد، ماهاراشترا ، مهندس معماري مجهول، حوالي القرن السادس الميلادي
• 
  معبد شيفا، باندريثان ، سريناغار، جامو وكشمير ، مهندس معماري مجهول، حوالي القرنين الثامن والتاسع الميلاديين

في جميع أنحاء شبه القارة الهندية، تطورت العمارة الهندوسية من معابد كهفية بسيطة منحوتة في الصخر إلى معابد ضخمة. ففي القرنين الرابع والخامس الميلاديين، جرى تكييف المعابد الهندوسية لعبادة آلهة مختلفة ومعتقدات إقليمية متنوعة، وبحلول القرنين السادس والسابع، تطورت نماذج أكبر حجماً إلى هياكل شاهقة مبنية من الطوب أو الحجر ترمز إلى جبل ميرو المقدس ذي القمم الخمس. وتأثرت هذه العمارة بالمعابد البوذية القديمة ( الستوبات )، فلم تُصمم للعبادة الجماعية، بل احتوت على أماكن مخصصة للمصلين لتقديم القرابين وإقامة الطقوس. ^{[ 89 ]}

تُوصَف العديد من الأساليب المعمارية الهندية للمباني، كالمعابد والتماثيل والمنازل والأسواق والحدائق والتخطيط العمراني، في النصوص الهندوسية . ^{[ 90 ] [ 91 ]} وقد حُفظت هذه المبادئ التوجيهية المعمارية في المخطوطات السنسكريتية، وفي بعض الحالات في لغات إقليمية أخرى. وتشمل هذه المخطوطات: فاستو شاستراس ، وشيلبا شاستراس ، وبريهات سامهيتا ، والأجزاء المعمارية من البورانات والأغامات، ونصوص إقليمية مثل ماناسارا، وغيرها . ^{[ 92 ] [ 93 ]}

منذ ظهور هذا النمط المعماري في العصر الكلاسيكي، كان له تأثير كبير على أنماط معمارية مختلفة من العصور الوسطى مثل أنماط الغورجارا ، والدرافيين ، والديكان ، والأوديا ، والبنغاليين ، والأساميين .

• 
  قصر هاوا محل ، جايبور ، راجستان ، مهندس معماري مجهول، 1799
• 
  معبد نافلاخا، غملي ، ولاية غوجارات ، مهندس معماري غير معروف، القرن الثاني عشر
• 
  الجزء الداخلي من معبد جاين فيمال فاساهي، جبل أبو ، مهندس معماري مجهول، 1031 ^{[ 94 ]}

يُلاحظ هذا النمط المعماري في شمال الهند في أماكن العبادة والتجمع الهندوسية والجاينية على حد سواء . وقد ظهر في القرنين الحادي عشر والثالث عشر الميلاديين خلال فترة حكم سلالة تشولوكيا (سولانكي). ^{[ 95 ]} وازداد انتشاره لاحقًا بين الطوائف الجاينية التي نشرته في المنطقة والعالم. ^{[ 96 ]} وتتميز هذه المباني بخصائص فريدة، منها كثرة النتوءات على الجدران الخارجية المزينة بتماثيل منحوتة بدقة، والعديد من الأبراج الصغيرة (أوروشرينغا) على قمة البرج الرئيسي (شيكارا) .

• 
  معبد نيتابولا ، بهاكتابور ، نيبال ، مهندس معماري مجهول، 1702
• 
  بارو تاكتسانغ ، بارو، بوتان ، مهندس معماري غير معروف، 1692
• 
  قصر بوتالا ، لاسا ، التبت ، مهندس معماري مجهول، 1649
• 
  جامع مسجد، سريناغار ، كشمير ، مهندس معماري مجهول، 1394

تسكن جبال الهيمالايا مجموعات سكانية متنوعة، منها الباهاري ، والصينيون التبتيون ، والكشميريون ، وغيرهم الكثير. ونظرًا لاختلاف خلفياتهم الدينية والعرقية، تأثرت العمارة بتأثيرات متعددة. وبالنظر إلى الصعوبات اللوجستية وبطء وتيرة الحياة في جبال الهيمالايا، يجد الحرفيون الوقت الكافي لإبداع منحوتات خشبية ولوحات فنية متقنة ، إلى جانب أعمال معدنية زخرفية ومنحوتات حجرية، تنعكس في المباني الدينية والمدنية والعسكرية على حد سواء. وتوجد هذه الأنماط بأشكال مختلفة من التبت وكشمير إلى آسام وناغالاند . [ 97 ] ومن السمات المشتركة ^{الأسقف المائلة متعددة} الطبقات في المعابد والمساجد والمباني المدنية. ^{[ 98 ]}

• 
  حجر فيل على منصة من الطوب عند مدخل معبد موروجان، سالوفانكوبام ، مهندس معماري مجهول، 300 قبل الميلاد ^{[ 99 ] [ 100 ]}
• 
  معبد بادمانابهاسوامي ، ثيروفانانثابورام ، ولاية كيرالا ، مهندس معماري مجهول، موقع عبادة درافيدي محلي ربما يعود تاريخه إلى القرن الرابع الميلادي، وموقع عبادة فيشنوي بحلول القرن الثامن الميلادي، مع بناء بوابته (جوبورام) بحلول القرن السادس عشر الميلادي.
• 
  معبد ميناكشي، مادوراي ، تاميل نادو ، مهندس معماري مجهول، حوالي القرن الثاني عشر

هذا نمط معماري نشأ في الجزء الجنوبي من شبه القارة الهندية وفي سريلانكا. ويشمل معابد هندوسية ذات طراز فريد يتميز ببرج هرمي قصير فوق قدس الأقداس ( غارباغريها) يُسمى فيمانا ، بينما تتميز الأبراج الشمالية بطولها، وعادةً ما تنحني إلى الداخل عند ارتفاعها، وتُسمى شيكارا . كما يشمل هذا النمط مباني مدنية قد تكون ذات أسقف مائلة أو غير مائلة، وذلك بحسب المنطقة الجغرافية. في تاميل نادو، تأثر هذا النمط بفترة سانغام، بالإضافة إلى أنماط السلالات العظيمة التي حكمتها. ويختلف هذا النمط في المنطقة الواقعة غربًا في ولاية كيرالا، حيث يتأثر بعوامل جغرافية كالتجارة الغربية والرياح الموسمية التي تُنتج أسقفًا مائلة. ^{[ 101 ]} وإلى الشمال، يختلف نمط كارناتا درافيدا تبعًا لتنوع التأثيرات، وغالبًا ما يعكس الكثير عن التوجهات الفنية لحكام اثنتي عشرة سلالة مختلفة. ^{[ 102 ]}

• 
  معبد جاغاناث ، بوري ، أوديشا ، الهند، أحد أقدس الأماكن الأربعة (داماس) في الهندوسية، ^{[ 103 ]} مهندس معماري غير معروف، القرن الثاني عشر
• 
  معبد كونارك للشمس ، بوري، مهندس معماري مجهول، حوالي عام 1250
• 
  مخطط مبسط لمعبد كالينغا

تُطابق منطقة كالينغا القديمة المناطق الشرقية الحالية من الهند، وهي أوديشا ، والبنغال الغربية ، وشمال أندرا براديش . وقد بلغت هندستها المعمارية ذروتها بين القرنين التاسع والثاني عشر الميلاديين تحت رعاية سلالة سومفامسي في أوديشا. وتتميز معابد كالينغا بنقوشها البديعة التي تضم مئات التماثيل، وعادةً ما تتضمن أشكالًا متكررة مثل حدوات الخيل. وتضم الأسوار الواقية لمجمع المعبد ثلاثة مبانٍ رئيسية ذات أبراج مقوسة مميزة تُسمى "ديول" أو "ديولا" ، وقاعات للصلاة تُسمى " جاجموهان" . ^{[ 104 ]}

• 
  معبد البجعة البرية العملاقة في جنوب مدينة شيآن ، مقاطعة شنشي ، الصين، مهندس معماري مجهول، 652
• 
  القاعة الرئيسية لدير نانتشان ، ووتاي ، شينتشو ، شانشي ، الصين، مهندس معماري مجهول، تم تجديدها عام 782
• 
  جناح غوانيان في دير دولي ، جيكسيان ، الصين، مهندس معماري مجهول، 984
• 
  قاعة الصلاة من أجل حصاد وفير، المبنى الرئيسي لمعبد السماء ، بكين، مهندس معماري مجهول، 1703-1790
• 
  معبد الأدب، هانوي ، فيتنام ، مهندس معماري مجهول، 1070

إن ما يُعرف اليوم بالثقافة الصينية له جذور تمتد إلى العصر الحجري الحديث (10000-2000 قبل الميلاد)، وتشمل المواقع الثقافية في يانغشاو ولونغشان وليانغتشو في وسط الصين. كما تضم ​​أجزاء من شمال شرق الصين الحالية مواقع لحضارة هونغشان التي تعود إلى العصر الحجري الحديث ، والتي أظهرت جوانب من الثقافة الصينية البدائية. وشملت أنظمة المعتقدات الصينية الأصلية عبادة الطبيعة والروحانية وعبادة الأبطال. وبشكل عام، كانت المنصات المكشوفة ( تان ، أو المذبح) تُستخدم لعبادة الآلهة الطبيعية، مثل آلهة الرياح والأرض، بينما كانت المباني الرسمية ( مياو ، أو المعبد) مخصصة للأبطال والأجداد المتوفين.

كانت معظم المباني القديمة في الصين هياكل خشبية . وقد جعلت الأعمدة المزودة بمجموعات من الدعامات على واجهة المباني، والتي كانت في الغالب بأعداد زوجية، المساحة المركزية بين الأعمدة أكبر فتحة داخلية. وكانت الأسقف المغطاة بالقرميد تستقر مباشرة على المبنى الخشبي، بينما بُنيت الجدران من الطوب أو الطين المدكوك.

أدى دخول البوذية إلى الصين في القرن الأول الميلادي تقريبًا إلى ظهور حقبة جديدة من الممارسات الدينية، وبالتالي إلى ظهور أنماط معمارية جديدة. فقد ظهرت في الصين أماكن عبادة على شكل معابد كهفية، مستوحاة من المعابد الهندية المنحوتة في الصخر . ومن الأنماط المعمارية الجديدة الأخرى التي أدخلتها البوذية، شكل الستوبا ( أو الباغودا ) الصيني . في الهند، كانت الستوبا تُبنى لتخليد ذكرى الشخصيات البارزة أو المعلمين، وبالتالي، تبنى التقليد البوذي هذا الشكل لتخليد ذكرى المعلم العظيم، بوذا. تشترك الباغودا الصينية مع الستوبا الهندية في رمزية مماثلة، وقد بُنيت برعاية رعاة إمبراطوريين في الغالب، أملاً في نيل ثواب دنيوي للحياة الآخرة. بلغت البوذية ذروتها بين القرنين السادس والثامن الميلاديين، حيث شهدت الصين انتشارًا غير مسبوق للأديرة، إذ بُني أكثر من 4600 دير رسمي و40000 دير غير رسمي. تختلف هذه الأديرة في حجمها بحسب عدد الأروقة التي تحتويها، حيث يتراوح عددها من 6 إلى 120 رواقًا. ويتكون كل رواق من مبنى رئيسي مستقل - قاعة أو معبد أو جناح - ويحيط به ممر مسقوف في مجمع مستطيل الشكل يخدمه مبنى بوابة. ^{[ 106 ]}

• 
  ضريح الإمبراطور نينتوكو ، ساكاي ، محافظة أوساكا ، اليابان، مهندس معماري مجهول، القرن الرابع الميلادي
• 
  معبد بوذي في هوريو-جي ، في إيكاروغا ، محافظة نارا ، مهندس معماري مجهول، 607
• 
  حديقة معبد نينّا-جي في كيوتو ، محافظة كيوتو ، مثال على الحديقة اليابانية ، مهندس معماري مجهول، 888
• 
  قصر غيونغبوكغونغ ، سيول ، كوريا الجنوبية ، مهندس معماري مجهول، 1395
• 
  كينكاكو-جي ، كيتاياما ، كيوتو ، معبد زن البوذي في كيوتو ، مهندس معماري غير معروف، 1398

تُظهر العمارة الكورية ، وخاصة تلك التي تلت فترة جوسون، تأثيرات عهدي مينغ وتشينغ . ^{[ 107 ]}

تقليديًا، كانت العمارة اليابانية تُبنى من الخشب، وتُستخدم فيها أبواب منزلقة ( فوسوما ) بدلًا من الجدران، مما يسمح بتعديل المساحة الداخلية لتناسب أغراضًا مختلفة. مع دخول البوذية في منتصف القرن السادس الميلادي، عبر مملكة بايكتشي الكورية المجاورة ، بدأ بناء معابد خشبية واسعة النطاق مع التركيز على البساطة، وقد استُورد الكثير من الطراز المعماري من الصين وثقافات آسيوية أخرى. وبحلول نهاية هذا القرن، كانت اليابان تُشيّد أديرة على الطراز القاري، ولا سيما معبد هوريو-جي في إيكاروغا . ^{[ 108 ]} وعلى النقيض من العمارة الغربية، نادرًا ما تستخدم المباني اليابانية الحجر، باستثناء عناصر محددة كالأساسات. وتتميز الجدران بأنها خفيفة ورقيقة، وغير حاملة للأحمال، وغالبًا ما تكون قابلة للنقل. ^{[ 76 ]}

• 
  معابد تشامبا ، مو سون ، فيتنام ، مهندس معماري غير معروف، ج. القرن الرابع
• 
  باكونغ ، هاريهارالايا ، رولوس ، كمبوديا، مهندس معماري مجهول، القرن التاسع
• 
  براسات برانغ كو، سيسكيت ، تايلاند ، مهندس معماري مجهول، القرن الثاني عشر ^{[ 109 ]}
• 
  أنغكور وات ، أنغكور ، كمبوديا ، مهندس معماري مجهول، أوائل القرن الثاني عشر

منذ بداية القرن التاسع وحتى أوائل القرن الخامس عشر، حكم ملوك الخمير إمبراطورية هندوسية بوذية واسعة في جنوب شرق آسيا. وكانت أنغكور ، في كمبوديا الحالية ، عاصمتها، ومعظم مبانيها الباقية عبارة عن معابد حجرية مواجهة للشرق، بُني العديد منها على شكل هرمي متدرج، يتألف من خمسة مبانٍ مربعة الشكل ذات أبراج، أو براسات، تُمثل جبل ميرو المقدس ذي القمم الخمس في المذاهب الهندوسية والجاينية والبوذية . وباعتبارها مساكن للآلهة ، بُنيت المعابد من مواد متينة مثل الحجر الرملي والطوب واللاتريت ، وهي مادة طينية تجف لتصبح صلبة. ^{[ 110 ]}

يتبع طراز العمارة الشامية في فيتنام أسلوبًا مشابهًا أيضًا. ^{[ 109 ]}

• 
  رسم تخطيطي للمقر الرئيسي لملك الأشانتي ، من تصميم مهندس معماري مجهول، في القرن التاسع عشر الميلادي.
• 
  منزل موسغوم على شكل صدفة (مدفع) في الكاميرون ، مهندس معماري مجهول، القرن التاسع عشر
• 
  قصر أمير باوتشي الرئيسي في نيجيريا ، يعرض فن العمارة الهوساوية ، محمدو دوروجو، القرن التاسع عشر
• 
  العمارة الباميلكية التقليدية ، القاعة الرئيسية لقصر باندجون في الكاميرون، بأعمدة خشبية منحوتة وبوابة مزخرفة، مهندس معماري غير معروف، تاريخ غير معروف

في معظم أنحاء غرب أفريقيا، توجد تقليديًا منازل مستطيلة ذات أسقف مدببة وساحات، تتألف أحيانًا من عدة غرف وساحات (مزينة أحيانًا بنقوش من الطوب اللبن كما هو الحال لدى شعب أشانتي في غانا، ^{[ 111 ] [ 112 ]} أو بأعمدة منحوتة كما هو الحال لدى شعب يوروبا في نيجيريا، وخاصة في القصور ومساكن الأثرياء) ^{[ 113 ].} إلى جانب النمط المستطيل المنتظم للمساكن ذات الأسقف الحادة، المنتشر في غرب أفريقيا ومدغشقر ، توجد أيضًا أنواع أخرى من المنازل: منازل على شكل خلية نحل مصنوعة من دائرة من الحجارة يعلوها سقف مقبب، ومنازل دائرية ذات سقف مخروطي الشكل. يُعد النوع الأول، الذي وُجد أيضًا في أمريكا، سمة مميزة لجنوب أفريقيا. استخدمت هذه المنازل من قبل الجماعات الناطقة بالبانتو في جنوب وأجزاء من شرق أفريقيا، وكانت تُبنى من الطين والأعمدة والقش وروث البقر (كانت المنازل المستطيلة أكثر شيوعًا بين الشعوب الناطقة بالبانتو في منطقة الكونغو الكبرى ووسط أفريقيا). تنتشر الأكواخ المستديرة ذات الأسقف المخروطية الشكل على نطاق واسع، خاصة في السودان وشرق أفريقيا ، ولكنها موجودة أيضًا في كولومبيا وكاليدونيا الجديدة ، وكذلك في غرب السودان ومنطقة الساحل في غرب أفريقيا، حيث تُجمع أحيانًا في مجمعات سكنية. ^{[ 114 ]} ويوجد نمط معماري خشبي تقليدي مميز لدى شعوب السهوب في الكاميرون، مثل شعب باميلكي .

في العديد من مجتمعات غرب إفريقيا، بما في ذلك مملكة بنين (وغيرها من شعوب إيدو )، وممالك اليوروبا والهوسا، في مواقع مثل جيني-جينو (مدينة ما قبل الإسلام في مالي)، ^{[ 115 ] [ 116 ]} وغيرها، كانت المدن والبلدات محاطة بأسوار ضخمة من الطوب اللبن أو الطوب الطيني، ^{[ 117 ]} وأحيانًا بخنادق وتحصينات ترابية ضخمة، مثل إيريدو سونغبو (في مملكة إيجيبو اليوروبية النيجيرية) وأسوار بنين (في مملكة بنين النيجيرية ). ^{[ 118 ] [ 119 ]} وفي جنوب إفريقيا في العصور الوسطى ، كان هناك تقليد للمستوطنات الحجرية المحصنة مثل زيمبابوي الكبرى وخامي .

كانت مدينة بنين الشهيرة في جنوب غرب نيجيريا (عاصمة مملكة بنين)، والتي دمرتها الحملة التأديبية ، مجمعًا سكنيًا ضخمًا مبنيًا من الطين المرصوف، بأسقف هرمية الشكل مصنوعة من القرميد أو سعف النخيل. ضم القصر سلسلة من غرف الاحتفالات، وزُيّن بلوحات نحاسية . وكان محاطًا بمجمع ضخم من الأعمال الترابية والأسوار ، يُعتقد أن بناءه بدأ في أوائل العصور الوسطى. ^{[ 118 ] [ 119 ] [ 120 ] [ 121 ]}

• 
  منازل على شكل خلايا نحل لمجموعة موسغوم العرقية في بوس ، الكاميرون ، مهندس معماري غير معروف، تاريخ غير معروف
• 
  منزل تقليدي لشعب تاماري في مقاطعة أتاكورا بشمال جمهورية بنين (لا ينبغي الخلط بينها وبين مملكة بنين النيجيرية)، مهندس معماري مجهول، تاريخ غير معروف
• 
  قصر أشانتي كواكو دوا في كوماسي، غانا، مهندس معماري غير معروف، 1896
• 
  قرية دوغون في مالي ، بجدران مبنية بطريقة الطين والقش ، مهندس معماري غير معروف، تاريخ غير معروف
• 
  البرج المخروطي داخل السور الكبير في زيمبابوي الكبرى ، وهي مدينة من القرون الوسطى بنتها حضارة مزدهرة، مهندس معماري مجهول، حوالي القرنين الحادي عشر والرابع عشر الميلاديين

• 
  الجامع الكبير في جينيه ، جينيه ، مالي ، رمزٌ للعمارة السودانية الساحلية ، مهندس معماري مجهول، بُني في الأصل في القرنين الثالث عشر والرابع عشر، وأُعيد بناؤه عام 1907، من الطوب اللبن
• 
  مسجد لارابانغا ، لارابانغا ، شمال غانا ، مهندس معماري مجهول، ربما بُني في القرن الخامس عشر
• 
  بوابة الهوسا ، جيدان رومفا في كانو ، شمال نيجيريا، مهندس معماري غير معروف، القرن الخامس عشر

في منطقة الساحل الغربي ، كان للتأثير الإسلامي دورٌ بارزٌ في التطور المعماري لمملكة غانا في العصور المتأخرة . ففي كومبي صالح ، سكن السكان المحليون في مساكن ذات قباب في حي الملك، محاطة بسورٍ كبير. أما التجار، فكانوا يسكنون في بيوتٍ حجرية في حيٍّ يضم اثني عشر مسجدًا بديعًا، كما وصفها البكري ، وكان أحدها مخصصًا لصلاة الجمعة . ^{[ 122 ]} ويُقال إن الملك امتلك عدة قصور، أحدها يبلغ طوله ستة وستين قدمًا وعرضه اثنين وأربعين قدمًا، ويضم سبع غرف، ويتألف من طابقين، وله درج، وجدرانه وغرفه مزينة بالمنحوتات واللوحات. ^{[ 123 ]}

نشأت العمارة الساحلية في البداية من مدينتي جينيه وتمبكتو . وكان مسجد سانكوري في تمبكتو ، المبني من الطين على الخشب، مشابهاً في أسلوبه للمسجد الكبير في جينيه . وقد أدى صعود الممالك في المنطقة الساحلية لغرب إفريقيا إلى ظهور عمارة استمدت من التقاليد المحلية، مستخدمةً الخشب والطوب اللبن والطوب الطيني. وعلى الرغم من تأثرها لاحقاً بالعمارة الإسلامية، إلا أن هذا الأسلوب كان له جذور أيضاً في أنماط البناء المحلية ما قبل الإسلامية، مثل تلك الموجودة في المستوطنات القديمة مثل جينيه-جينو ، وديا، ومالي ، ودار تيشيت ، ^{[ 124 ]} والتي استخدم بعضها أسلوباً ساحلياً تقليدياً من الطوب اللبن الأسطواني. ^{[ 115 ]}

• 
  قلعة الإمبراطور فاسيليدس ، التي أسسها في القرن السابع عشر
• 
  شُيِّدت كنائس ضخمة متجانسة، مثل كنيسة القديس جورج (لاليبيلا) ، من الأرض في إثيوبيا ، على يد مهندس معماري مجهول، في أواخر القرن الثاني عشر أو أوائل القرن الثالث عشر.
• 
  صورة لمدينة جوندر في العصور الوسطى في إثيوبيا

تطورت العمارة الإثيوبية (بما في ذلك إريتريا المعاصرة ) من الطراز الأكسومي، واستوعبت تقاليد جديدة مع توسع الدولة الإثيوبية. تضمنت هذه الأساليب استخدامًا أكبر للخشب وهياكل دائرية في العمارة المنزلية في وسط البلاد وجنوبها، وتجلت هذه التأثيرات الأسلوبية في بناء الكنائس والأديرة. وخلال العصور الوسطى، استمرت العمارة الأكسومية وتأثيراتها، ولا سيما تقاليدها في النحت على الصخور، وكان تأثيرها في ذروته في أوائل العصور الوسطى (أواخر العصر الأكسومي) وعصر زاغوي (عندما نُحتت كنائس لاليبلا الصخرية المتجانسة ) . وخلال العصور الوسطى، وخاصة من القرن العاشر إلى الثاني عشر، نُحتت الكنائس في الصخور في جميع أنحاء إثيوبيا، لا سيما في منطقة تيغراي الشمالية ، التي كانت قلب الإمبراطورية الأكسومية. وأشهر مثال على العمارة الإثيوبية المنحوتة في الصخر هي كنائس لاليبلا الإحدى عشرة المتجانسة، المنحوتة من الطف البركاني الأحمر الموجود حول المدينة. ^{[ 125 ]} خلال الفترة الحديثة المبكرة في إثيوبيا، بدأ استيعاب التأثيرات المتنوعة الجديدة مثل الباروك والعربي والتركي والغوجاراتي مع وصول المبشرين اليسوعيين البرتغاليين في القرنين السادس عشر والسابع عشر.

• 
  فرسان سلطنة هوبيو يقفون أمام حصن صومالي
• 
  أطلال تاله دولبهانت غاريسا في غاراد ديري غور، تاله، ولاية SSC-خاتومو، الصومال
• 
  أطلال مبنى قديم في غوندرشي ، وهي مدينة ساحلية تاريخية في الصومال

يعود تاريخ العمارة الصومالية التقليدية إلى ما لا يقل عن ألفي عام، من عهد سلطناتها ومدنها في العصور الوسطى . وتشمل هذه العمارة عادةً المدن الحجرية، والقلاع ، والحصون ، والمساجد ، والمعابد ، والقنوات المائية ، والمنارات ، والأبراج، والمقابر . وقد جلب وصول الإسلام إلى الصومال تأثيرات معمارية إسلامية من شبه الجزيرة العربية وبلاد فارس ، مما حفز التحول من استخدام الحجر الجاف ومواد أخرى إلى الحجر المرجاني والطوب المجفف بالشمس والحجر الجيري .

شهدت الشبكات التجارية المزدهرة للممالك والمدن الصومالية المتعاقبة في العصور الوسطى ، مثل سلطنة عدل ، وسلطنة مقديشو ، وسلطنة أجوران ، وسلطنة جيليدي ، إنشاء عشرات المدن الحجرية في المناطق الداخلية من الصومال، بالإضافة إلى المناطق الساحلية. وصف ابن بطوطة، الذي زار مقديشو في أوائل القرن الرابع عشر، المدينة بأنها مدينة مترامية الأطراف ، ولاحظ فاسكو دا غاما، الذي مرّ بمقديشو في القرن الخامس عشر، أنها مدينة كبيرة تضم منازل من أربعة أو خمسة طوابق وقصورًا فخمة في مركزها.

خدمت النماذج المتبقية من العمارة المدنية في العصور الوسطى بشكل رئيسي لأغراض الدفاع في مختلف أنحاء أوروبا. وتُعدّ القلاع والأسوار المحصنة أبرز الأمثلة المتبقية غير الدينية على العمارة في تلك الحقبة. وخلال هذه الفترة، بدأت تظهر في هذه المنطقة أنماط جديدة من المباني المدنية والعسكرية والدينية ذات الأساليب المعمارية الحديثة.

• 
  Early Renaissance – Florence Cathedral, Florence, Italy, by Arnolfo di Cambio, Filippo Brunelleschi and Emilio De Fabris, 1294–1436^[174]
• 
  Early Renaissance - Basilica of Sant'Andrea, Mantua, Italy, by Leon Battista Alberti, begun in 1470^[175]
• 
  High Renaissance - The Tempietto, San Pietro in Montorio, Rome, by Donato Bramante, 1502^[176]
• 
  High Renaissance – Villa Madama, outside Rome, begun by Raphael, 1518–1525^[177]
• 
  Northern Renaissance - Château d'Azay-le-Rideau, Loire, France, unknown architect, 1518–1527^[178]
• 
  Northern Renaissance - Château de Chambord, Loire, France, by Domenico da Cortona, 1519–1547^[179]
• 
  High Renaissance – Palazzo Farnese, Rome, by Antonio da Sangallo the Younger, 1534–1546^[180]
• 
  Mannerism – Palazzo Massimo alle Colonne, Rome, by Baldassare Peruzzi, begun 1535^[181]
• 
  High Renaissance – Sigismund's Chapel, Kraków, Poland, by Bartolommeo Berrecci, 1519–1533
• 
  Mannerism - St. Michael's Church, Munich, Germany, by Wendel Dietrich and Friedrich Sustris, 1583–1597
• 
  Mannerism - El Escorial, outside Madrid, Spain, by Juan Bautista de Toledo and Juan de Herrera, 1559-1584^[182]
• 
  Mannerism – Augsburg Town Hall, Augsburg, by Elias Holl, 1615–1624
• 
  Mannerism – City Hall, Delft, The Netherlands, by Hendrick de Keyser, 1618–1620

During the Renaissance, Italy consisted of many states, and intense rivalry between them generated an increase in technical and artistic developments. The Medici family, an Italian banking family and political dynasty, is famous for its financial support of Renaissance art and architecture.

The period began in around 1452, when the architect and humanist Leon Battista Alberti (1404–1472) completed his treatise De Re Aedificatoria (On the Art of Building) after studying the ancient ruins of Rome and Vitruvius's De Architectura. His writings covered numerous subjects, including history, town planning, engineering, sacred geometry, humanism and philosophies of beauty, and set out the key elements of architecture and its ideal proportions. In the last decades of the 15th century, artists and architects began to visit Rome to study the ruins, especially the Colosseum and the Pantheon. They left behind precious records of their studies in the form of drawings. While humanist interest in Rome had been building up over more than a century (dating back at least to Petrarch in the 14th century), antiquarian considerations of monuments had focused on literary, epigraphic and historical information rather than on the physical remains. Although some artists and architects, such as Filippo Brunelleschi (1377–1446), Donatello (circa 1386–1466) and Leon Battista Alberti, are reported to have made studies of Roman sculpture and ruins, almost no direct evidence of this work survives. By the 1480s, prominent architects, such as Francesco di Giorgio (1439–1502) and Giuliano da Sangallo (circa 1445–1516), were making numerous studies of ancient monuments, undertaken in ways that demonstrated that the process of transforming the model into a new design had already begun. In many cases, drawing ruins in their fragmentary state necessitated a leap of imagination, as Francesco himself readily admitted in his annotation to his reconstruction of the Campidoglio, noting 'largely imagined by me, since very little can be understood from the ruins.^[183]

Soon, grand buildings were constructed in Florence using the new style, like the Pazzi Chapel (1441–1478) or the Palazzo Pitti (1458–1464). The Renaissance begun in Italy, but slowly spread to other parts of Europe, with varying interpretations.^[176]

Since Renaissance art is an attempt of reviving Ancient Rome's culture, it uses pretty much the same ornaments as the Ancient Greek and Roman. However, because most if not all resources that Renaissance artists had were Roman, Renaissance architecture and applied arts widely use certain motifs and ornaments that are specific to Ancient Rome. The most iconic one is the margent, a vertical arrangement of flowers, leaves or hanging vines, used at pilasters. Another ornament associated with the Renaissance is the round medallion, containing a profile of a person, similar to Ancient cameos. Renaissance, Baroque, Rococo, and other post-medieval styles use putti (chubby baby angels) much more often compared to Greco-Roman art and architecture. An ornament reintroduced during the Renaissance, that was of Ancient Roman descent, that will also be used in later styles, is the cartouche, an oval or oblong design with a slightly convex surface, typically edged with ornamental scrollwork.

• 
  Temple du Marais, Paris, by François Mansart, c.1632^[184]
• 
  San Carlo alle Quattro Fontane, Rome, by Francesco Borromini, 1638-1677^[185]
• 
  Royal Palace of Amsterdam, Amsterdam, The Netherlands, by Jacob van Campen, 1648–1665
• 
  St. Peter's Square, Rome, by Gian Lorenzo Bernini, 1656-1667^[186]
• 
  Gardens at Vaux-le-Vicomte, France, by André Le Nôtre, 1657-1661^[187]
• 
  Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c.1660 - 1715^[188]
• 
  Dôme des Invalides, Paris, by Jules Hardouin-Mansart, 1677-1706^[189]
• 
  Garden façade of the Palace of Versailles, by Jules Hardouin-Mansart, 1678–1688
• 
  Plague Column, Vienna, by Matthias Rauchmiller and Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1682 and 1694^[190]
• 
  Chapel of the Palace of Versailles, 1696–1710^[191]
• 
  Karlskirche, Vienna, Austria, by Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737^[192]
• 
  Frauenkirche, Dresden, Germany, by George Bähr, 1726–1743
• 
  The Würzburg Residence, Würzburg, Germany, by Balthasar Neumann, 1744–1780

The Baroque emerged from the Counter Reformation as an attempt by the Catholic Church in Rome to convey its power and to emphasize the magnificence of God. The Baroque and its late variant the Rococo were the first truly global styles in the arts. Dominating more than two centuries of art and architecture in Europe, Latin America and beyond from circa 1580 to circa 1800. Born in the painting studios of Bologna and Rome in the 1580s and 1590s, and in Roman sculptural and architectural ateliers in the second and third decades of the 17th century, the Baroque spread swiftly throughout Italy, Spain and Portugal, Flanders, France, the Netherlands, England, Scandinavia, and Russia, as well as to central and eastern European centres from Munich (Germany) to Vilnius (Lithuania). The Portuguese, Spanish and French empires and the Dutch treading network had a leading role in spreading the two styles into the Americas and colonial Africa and Asia, to places such as Lima, Mozambique, Goa and the Philippines.^[193] Due to its spread in regions with different architectural traditions, multiple kinds of Baroque appeared based on location, different in some aspects, but similar overall. For example, French Baroque appeared severe and detached by comparison, preempting Neoclassicism and the architecture of the Age of Enlightenment.^[184] Hybrid Native American/European Baroque architecture first appeared in South America (as opposed to Mexico) in the late 17th century, after the indigenous symbols and styles that characterize this unusual variant of Baroque had been kept alive over the preceding century in other media, a very good example of this being the Jesuit Church in Arequipa (Peru).^[194]

The first Baroque buildings were cathedrals, churches and monasteries, soon joined by civic buildings, mansions, and palaces. Being characterized by dynamism, for the first time walls, façades and interiors curved,^[195] a good example being San Carlo alle Quattro Fontane in Rome. Baroque architects took the basic elements of Renaissance architecture, including domes and colonnades, and made them higher, grander, more decorated, and more dramatic. The interior effects were often achieved with the use of quadratura, or trompe-l'œil painting combined with sculpture: the eye is drawn upward, giving the illusion that one is looking into the heavens. Clusters of sculpted angels and painted figures crowd the ceiling. Light was also used for dramatic effect; it streamed down from cupolas and was reflected from an abundance of gilding. Solomonic columns were often used, to give an illusion of upwards motion and other decorative elements occupied every available space. In Baroque palaces, grand stairways became a central element.^[196] Besides architecture, Baroque painting and sculpture are characterized by dynamism too. This is in contrast with how static and peaceful Renaissance art is.

Besides the building itself, the space where it was placed had a role too. Both Baroque and Rococo buildings try to seize viewers' attention and to dominate their surroundings, whether on a small scale such as the San Carlo alle Quattro Fontane in Rome, or on a massive one, like the new facade of the Santiago de Compostela Cathedral, designed to tower over the city. A manifestation of power and authority on the grandest scale, Baroque urban planning and renewal was promoted by the church and the state alike. It was the first era since antiquity to experience mass migration into cities, and urban planners took idealistic measures to regulate them. The most notable early example was Domenico Fontana's restructuring of Rome's street plan of Pope Sixtus V. Architects had experimented with idealized city schemes since the early Renaissance, examples being Leon Battista Alberti (1404–1472) planning a centralized model city, with streets leading to a central piazza, or Filarete (Antonio di Pietro Aver(u)lino, c.1400-c.1469) designing a round city named Sforzinda (1451–1456) that he based on parts of the human body in the idea that a healthy city should reflect the physiognomy of its inhabitants. However, none of these idealistic cities has ever been built. In fact, few such projects were put into practice in Europe as new cities were prohibitively costly and existing urban areas, with existing churches and palaces, could not be demolished. Only in the Americas, where architects often had a clean space to work with, were such cities possible, as in Lima (Peru) or Buenos Aires (Argentina). The earliest Baroque ideal city is Zamość, built north-east of Kraków (Poland) by the Italian architect Bernardo Morando (c.1540-1600), being a centralized town focusing on a square with radiating streets. Where entire cities could not be rebuilt, patrons and architects compensated by creating spacious and symmetrical squares, often with avenues and radiating out at perpendicular angles and focusing on a fountain, statue or obelisk. A good example of this is the Place des Vosges (formerly Place Royale), commissioned by Henry IV probably after plans by Baptiste du Cerceau (1545–1590). The most famous Baroque space in the world is Gianlorenzo Bernini's St. Peter's Square in Rome.^[197] Similar to ideal urban planning, Baroque gardens are characterized by straight and readapting avenues, with geometric spaces.

• 
  Zwinger, Dresden, Germany, by Matthäus Daniel Pöppelmann, 1719^[198]
• 
  Door of the Hôtel de Chenizot, Paris, by Pierre Vigné de Vigny, 1719
• 
  The ceiling of the oval Salon of the Princesse in Hôtel de Soubise, Paris, by Germain Boffrand, 1740^[199]
• 
  Amalienborg, Copenhagen, Denmark, by Nicolai Eigtved, 1750-1754^[200]
• 
  Palace of Queluz, Lisbon, Portugal, by Mateus Vicente de Oliveira, 1752^[201]
• 
  Pilgrimage Church of Wies, Steingaden, Germany, by Dominikus and Johann Baptist Zimmermann, 1754^[201]

The name Rococo derives from the French word rocaille, which describes shell-covered rock-work, and coquille, meaning seashell. Rococo architecture is fancy and fluid, accentuating asymmetry, with an abundant use of curves, scrolls, gilding and ornaments. The style enjoyed great popularity with the ruling elite of Europe during the first half of the 18th century. It developed in France out of a new fashion in interior decoration, and spread across Europe.^[202] Domestic Rococo abandoned Baroque's high moral tone, its weighty allegories and its obsession with legitimacy: in fact, its abstract forms and carefree, pastoral subjects related more to notions of refuge and joy that created a more forgiving atmosphere for polite conversations. Rococo rooms are typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy. Even the grander salons used for entertaining were more modest in scale, as social events involved smaller numbers of guests.

Characteristic of the style were Rocaille motifs derived from the shells, icicles and rock-work or grotto decoration. Rocaille arabesques were mostly abstract forms, laid out symmetrically over and around architectural frames. A favourite motif was the scallop shell, whose top scrolls echoed the basic S and C framework scrolls of the arabesques and whose sinuous ridges echoed the general curvilinearity of the room decoration. While few Rococo exteriors were built in France, a number of Rococo churches are found in southern Germany.^[203] Other widely-user motifs in decorative arts and interior architecture include: acanthus and other leaves, birds, bouquets of flowers, fruits, elements associated with love (putti, quivers with arrows ans arrowed hearts), trophies of arms, medallions with faces, many many flowers, and Far Eastern elements (pagodes, dragons, monkeys, bizarre flowers, bamboo, and Chinese people).^[204] Pastel colours were widely used, like light blue, mint green or pink. Rococo designers also loved mirrors (the more the better), an example being the Hall of Mirrors of the Amalienburg (Munich, Germany), by Johann Baptist Zimmermann. Generally, mirrors are also featured above fireplaces.

• 
  Chinese inspiration/Chinoiserie - Chinese House, Sanssouci Park, Potsdam, Germany, by Johann Gottfried Büring, 1755-1764^[205]
• 
  Chinese inspiration/Chinoiserie - Chinese Pavilion, Ekerö, Sweden, by Carl Fredrik Adelcrantz, 1763–1769^[206]
• 
  Islamic inspiration - Garden Mosque of the Schwetzingen Palace, Germany, by Nicolas de Pigage, 1779-1795^[207]
• 
  Islamic inspiration - Turkish Tent, Hagaparken, Stockholm, Sweden, by Louis Jean Desprez, 1787^[208]
• 
  Islamic inspiration - Royal Pavilion, Brighton, UK, by John Nash, 1787-1823^[209]
• 
  Egyptian inspiration/Egyptian Revival - portico of the Hôtel Beauharnais, Paris, Laurent-Edmé Bataille, c.1804^[210]
• 
  Egyptian inspiration/Egyptian Revival - Egyptian Building, part of the Virginia Commonwealth University, Richmond, Virginia, USA, by Thomas Stewart, 1845^[211]
• 
  Pre-Columbian inspiration/Mayan Revival - facade detail of the Mayan Theater, Los Angeles, USA, by Stiles O. Clements, 1927
• 
  Egyptian inspiration/mix of Egyptian Revival and Art Deco - Le Louxor Cinema, Paris, by Henri Zipcy, 1919-1921^[212]
• 
  Pre-Columbian inspiration/mix of Mayan Revival and Art Deco - Interior detail of 450 Sutter Street, San Francisco, California, by Timothy L. Pflueger, 1929

The interactions between East and West brought on by colonialist exploration have had an impact on aesthetics. Because of being something rare and new to Westerners, some non-European styles were really appreciated during the 17th, 18th and 19th centuries. Some nobles and kings built little structures inspired by these styles in the gardens of their palaces, or fully decorated a handful of rooms of palaces like this. Because of not fully understanding the origins and principles that govern these exotic aesthetics, Europeans sometimes created hybrids of the style which they tried to replicate and which were the trends at that time. A good example of this is chinoiserie, a Western decorative style, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese arts, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was something hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques.

Chinese art was not the only foreign style with which Europeans experimented. Another was the Islamic one. Examples of this include the Garden Mosque of the Schwetzingen Palace in Germany (the only surviving example of an 18th-century European garden mosque), the Royal Pavilion in Brighton, or the Moorish Revival buildings from the 19th and early 20th centuries, with horseshoe arches and brick patterns. When it come to the Orient, Europeans also had an interest for the culture of Ancient Egypt. Compared to other cases of exoticism, the one with the land of pharaohs is the oldest one, since Ancient Greeks and Romans had this interest during Antiquity. The main periods when Egyptian Revival monuments were erected were the early 19th century, with Napoleon's military campaigns in Egypt, and the 1920s, when the Tomb of Tutankhamun was discovered in 1922, which caused an Egyptomania that lead to Art Deco sometimes using motifs inspired by Ancient Egypt. During the late 18th and early 19th century, Neoclassicism sometimes mixed Greco-Roman elements with Egyptian ones. Because of its association with pharaohs, death and eternity, multiple Egyptian Revival tombs or cemetery entry gates were built in this style. Besides mortuary structures, other buildings in this style include certain synagogues, like the Karlsruhe Synagogue or some Empire monuments built during the reign of Napoleon, such as the Egyptian portico of the Hôtel Beauharnais or the Fontaine du Fellah. During the 1920s and 1930s, Pre-ColumbianMesoamerican architecture was of great interest for some American architects, particularly what the Mayans built. Several of Frank Lloyd Wright's California houses were erected in a Mayan Revival style, while other architects combined Mayan motifs with Art Deco ones.^[213]

• 
  English landscape garden at Stourhead, UK, by Henry Hoare, the 1740s^[214]
• 
  Panthéon, Paris, by Jacques-Germain Soufflot and Jean-Baptiste Rondelet, 1758–1790^[215]
• 
  Petit Trianon, Versailles, France, by Ange-Jacques Gabriel, 1764^[216]
• 
  Staircase of the Petit Trianon, by Ange-Jacques Gabriel, 1764^[216]
• 
  Stairway of the Grand Theater of Bordeaux, Bordeaux, France, by Victor Louis, 1777-1780^[217]
• 
  The Hall, Osterley Park, London, by Robert Adam, 1767^[218]
• 
  Cabinet Doré of Marie-Antoinette in the Palace of Versailles, 1783, by the Rousseau brothers^[219]
• 
  Villa Welgelegen, Haarlem, Netherlands, by Abraham van der Hart, 1789
• 
  Brandenburg Gate, in Berlin, Germany, by Carl Gotthard Langhans, 1791
• 
  Empress Joséphine's Bedroom in Château de Malmaison, Rueil-Malmaison, France, by Charles Percier and Pierre-François-Léonard Fontaine, 1800-1802^[220]
• 
  Napoleon's bath of the Château de Rambouillet, Rambouillet, France, painted by Godard and Jean Vasserot, 1806
• 
  Neue Wache, Berlin, by Karl Friedrich Schinkel and Salomo Sachs, 1816^[221]
• 
  Cast iron railing detail of the Schlossbrücke, Berlin, by Karl Friedrich Schinkel, designed in 1819 and produced in 1824^[222]
• 
  Burns Monument, Edinburgh, UK, by Thomas Hamilton, 1820-1831^[223]

Neoclassical architecture focused on Ancient Greek and Roman details, plain, white walls and grandeur of scale. Compared to the previous styles, Baroque and Rococo, Neoclassical exteriors tended to be more minimalist, featuring straight and angular lines, but being still ornamented. The style's clean lines and sense of balance and proportion worked well for grand buildings (such as the Panthéon in Paris) and for smaller structures alike (such as the Petit Trianon).

Excavations during the 18th century at Pompeii and Herculaneum, which had both been buried under volcanic ash during the 79 AD eruption of Mount Vesuvius, inspired a return to order and rationality, largely thanks to the writings of Johann Joachim Winckelmann.^[224][225] In the mid-18th century, antiquity was upheld as a standard for architecture as never before. Neoclassicism was a fundamental investigation of the very bases of architectural form and meaning. In the 1750s, an alliance between archaeological exploration and architectural theory started, which will continue in the 19th century. Marc-Antoine Laugier wrote in 1753 that 'Architecture owes all that is perfect to the Greeks'.^[226]

The Cenotaph of Newton, c. 1784 (never built), by Étienne-Louis Boullée^[220]

The style was adopted by progressive circles in other countries such as Sweden and Russia. Federal-style architecture is the name for the classicizing architecture built in North America between c. 1780 and 1830, and particularly from 1785 to 1815. This style shares its name with its era, the Federal Period. The term is also used in association with furniture design in the United States of the same time period. The style broadly corresponds to the middle-class classicism of Biedermeier style in the German-speaking lands, Regency style in Britain and to the French Empire style. In Central and Eastern Europe, the style is usually referred to as Classicism (German: Klassizismus, Russian: Классицизм), while the newer Revival styles of the 19th century until today are called neoclassical.

Étienne-Louis Boullée (1728–1799) was a visionary architect of the period. His utopian projects, never built, included a monument to Isaac Newton (1784) in the form of an immense dome, with an oculus allowing the light to enter, giving the impression of a sky full of stars. His project for an enlargement of the Royal Library (1785) was even more dramatic, with a gigantic arch sheltering the collection of books. While none of his projects were ever built, the images were widely published and inspired architects of the period to look outside the traditional forms.^[227]

Similarly with the Renaissance and Baroque periods, during the Neoclassical one urban theories of how a good city should be appeared too. Enlightenment writers of the 18th century decried the problems of Paris at that time, the biggest one being the big number of narrow medieval streets crowded with modest houses. Voltaire openly criticized the failure of the French Royal administration to initiate public works, improve the quality of life in towns, and stimulate the economy. 'It is time for those who rule the most opulent capital in Europe to make it the most comfortable and the most magnificent of cities. There must be public markets, fountains which actually provide water and regular pavements. The narrow and infected streets must be widened, monuments that cannot be seen must be revealed and new ones built for all to see', Voltaire insisted in a polemical essay on 'The Embellishments of Paris' in 1749. In the same year, Étienne La Font de Saint-Yenne, criticized how Louis XIV's great east façade of the Louvre, was all but hidden from views by a dense quarter of modest houses. Voltaire also said that in order to transform Paris into a city that could rival ancient Rome, it was necessary to demolish more than it was to build. 'Our towns are still what they were, a mass of houses crowded together haphazardly without system, planning or design', Marc-Antoine Laugier complained in 1753. Writing a decade later, Pierre Patte promoted an urban reform in quest of health, social order, and security, launching at the same time a medical and organic metaphor which compared the operations of urban design to those of the surgeons. With bad air and lack of fresh water its current state was pathological, Patte asserted, calling for fountains to be placed at principal intersections and markets. Squares are recommended promote the circulation of air, and for the same reason houses on the city's bridges should be demolished. He also criticized the location of hospitals next to markets and protested continued burials in overcrowded city churchyards.^[228] Besides cities, new ideas of how a garden should be appeared in 18th century England, making place for the English landscape garden (aka jardin à l'anglaise), characterized by an idealized view of nature, and the use of Greco-Roman or Gothic ruins, bridges, and other picturesque architecture, designed to recreate an idyllic pastoral landscape. It was the opposite of the symmetrical and geometrically planned Baroque garden (aka jardin à la française).

• 
  Russian Revival - Cathedral of Christ the Saviour, Moscow, Russia, 1839–1860, destroyed in 1931 and rebuilt in 1995–2000
• 
  Gothic Revival - Interior of the All Saints, London, by William Butterfield, 1850–1859
• 
  Eclectic - The Église Saint-Augustin de Paris, by Victor Baltard, 1860–1868
• 
  Indo-Saracenic - The Chhatrapati Shivaji Maharaj Terminus, previously Victoria Terminus, a mixture of Romanesque, Gothic and Mughal elements Mumbai, Maharashtra, by Frederick William Stevens 1878–1888
• 
  Byzantine Revival - Alexander Nevsky Cathedral, Sofia, Bulgaria, by Alexander Pomerantsev, 1882–1912
• 
  Neo-Baroque - Belfast City Hall, Belfast, UK, by Brumwell Thomas, 1898–1906
• 
  Tudor Revival architecture - The Beaney House of Art and Knowledge, Canterbury, England, by A.H. Campbell, 1899
• 
  Rococo Revival - Apartment building no. 8 on Rue de Miromesnil, Paris, by P. Lobrot, 1900
• 
  Louis XVI Revival - Apartment building no. 2 on Rue de Miromesnil, Paris, unknown architect, c.1900
• 
  Renaissance Revival - Peace Palace, The Hague, Netherlands, by Louis Marie Cordonnier, 1907
• 
  Romanian Revival - The C.N. Câmpeanu House on Bulevardul Dacia, Bucharest, Romania, c.1923, by Constantin Nănescu^[229]
• 
  First national movement - Ziraat Bank Museum, Ankara, Turkey, 1929, by Giulio Mongeri
• 
  Mediterranean Revival - General Mandiros Ciomac and Simion Ciomac Building (Strada Armenească no. 12), Bucharest, by Ion Giurgea, 1938^[230]

The 19th century was dominated by a wide variety of stylistic revivals, variations, and interpretations. Revivalism in architecture is the use of visual styles that consciously echo the style of a previous architectural era. Modern-day Revival styles can be summarized within New Classical architecture, and sometimes under the umbrella term traditional architecture.

The idea that architecture might represent the glory of kingdoms can be traced to the dawn of civilisation, but the notion that architecture can bear the stamp of national character is a modern idea, that appeared in the 18th century historical thinking and given political currency in the wake of the French Revolution. As the map of Europe was repeatedly changing, architecture was used to grant the aura of a glorious past to even the most recent nations. In addition to the credo of universal Classicism, two new, and often contradictory, attitudes on historical styles existed in the early 19th century. Pluralism promoted the simultaneous use of the expanded range of style, while Revivalism held that a single historical model was appropriate for modern architecture. Associations between styles and building types appeared, for example: Egyptian for prisons, Gothic for churches, or Renaissance Revival for banks and exchanges. These choices were the result of other associations: the pharaohs with death and eternity, the Middle Ages with Christianity, or the Medici family with the rise of banking and modern commerce.

Whether their choice was Classical, medieval, or Renaissance, all revivalists shared the strategy of advocating a particular style based on national history, one of the great enterprises of historians in the early 19th century. Only one historic period was claimed to be the only one capable of providing models grounded in national traditions, institutions, or values. Issues of style became matters of state.^[231]

The most well-known Revivalist style is the Gothic Revival one, that appeared in the mid-18th century in the houses of a number of wealthy antiquarians in England, a notable example being the Strawberry Hill House. German Romantic writers and architects were the first to promote Gothic as a powerful expression of national character, and in turn use it as a symbol of national identity in territories still divided. Johann Gottfried Herder posed the question 'Why should we always imitate foreigners, as if we were Greeks or Romans?'.^[232]

In art and architecture history, the term Orientalism refers to the works of the Western artists who specialized in Oriental subjects, produced from their travels in Western Asia, during the 19th century. In that time, artists and scholars were described as Orientalists, especially in France.

In India, during the British Raj, a new style, Indo-Saracenic, (also known as Indo-Gothic, Mughal-Gothic, Neo-Mughal, or Hindoo style) was getting developed, which incorporated varying degrees of Indian elements into the Western European style. The Churches and convents of Goa are another example of the blending of traditional Indian styles with western European architectural styles. Most Indo-Saracenic public buildings were constructed between 1858 and 1947, with the peaking at 1880.^[233] The style has been described as "part of a 19th-century movement to project themselves as the natural successors of the Mughals".^[234] They were often built for modern functions such as transport stations, government offices, and law courts. It is much more evident in British power centres in the subcontinent like Mumbai, Chennai, and Kolkata.^[235]

• 
  Exterior of the Palais Garnier, Paris, by Charles Garnier, 1860–1875^[236]
• 
  Grand stairs of the Palais Garnier, by Charles Garnier, 1860–1875^[236]
• 
  The CEC Palace on Victory Avenue, Bucharest, Romania, by Paul Gottereau, 1897-1900^[237]
• 
  Cantacuzino Palace, Bucharest, by Ion D. Berindey, 1898-1906^[238]
• 
  Petit Palais, Paris, by Charles Giraud, 1900^[239]
• 
  Anker Building, Bucharest, by Leonida Negrescu, c.1900^[240]
• 
  Grand Central Terminal, New York City, by Reed and Stem and Warren and Wetmore, 1903^[241]
• 
  Hôtel Roxoroid de Belfort, Paris, 1911, by André Arfvidson
• 
  Villa, Antwerp, Belgium, by Michel De Braey, 1913^[242]

The Beaux-Arts style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Due to the fact that international students studied here, there are buildings from the second half of the 19th century and the early 20th century of this type all over the world, designed by architects like Charles Girault, Thomas Hastings, Ion D. Berindey or Petre Antonescu. Today, from Bucharest to Buenos Aires and from San Francisco to Brussels, the Beaux-Arts style survives in opera houses, civic structures, university campuses commemorative monuments, luxury hotels and townhouses. The style was heavily influenced by the Paris Opéra House (1860–1875), designed by Charles Garnier, the masterpiece of the 19th century renovation of Paris, dominating its entire neighbourhood and continuing to astonish visitors with its majestic staircase and reception halls. The Opéra was an aesthetic and societal turning point in French architecture. Here, Garnier showed what he called a style actuel, which was influenced by the spirit of the time, aka Zeitgeist, and reflected the designer's personal taste.

Beaux-Arts façades were usually imbricated, or layered with overlapping classical elements or sculpture. Often façades consisted of a high rusticated basement level, after it a few floors high level, usually decorated with pilasters or columns, and at the top an attic level and/or the roof. Beaux-Arts architects were often commissioned to design monumental civic buildings symbolic of the self-confidence of the town or city. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. However, it was not just a revival of the Baroque, being more of a synthesis of Classicist styles, like Renaissance, Baroque, Rococo, Neoclassicism etc.^{[243][244][245]}

• 
  Les Halles, Paris, by Victor Baltard, 1852-1855^[246]
• 
  Plan and elevation for the Crystal Palace, London, by Joseph Paxton, 1854^[247]
• 
  Paleis voor Volksvlijt, Amsterdam, Netherlands, by Cornelis Outshoorn, 1859–1964
• 
  Le Bon Marché, Paris, by Louis-Charles Boileau in collaboration with the engineering firm of Gustave Eiffel, 1872^[248]
• 
  Interior of the Bradbury Building, with its exposed staircases and free-standing hydraulic elevators, Los Angeles, USA, by George Herbert Wyman, 1889-1893^[249]
• 
  Tietz Department Store, with its huge shop windows running through all the floors, Berlin, Germany, by Bernhard Sehring and L.Lachmann, 1899-1900^[250]

Because of the Industrial Revolution and the new technologies it brought, new types of buildings appeared. By 1850 iron was quite present in daily life at every scale, from mass-produced decorative architectural details and objects of apartment buildings and commercial buildings to train sheds. A well-known 19th century glass and iron building is the Crystal Palace from Hyde Park (London), built in 1851 to house the Great Exhibition, having an appearance similar to a greenhouse. Its scale was daunting.

The marketplace pioneered novel uses of iron and glass to create an architecture of display and consumption that made the temporary display of the world fairs a permanent feature of modern urban life. Just after a year after the Crystal Palace was dismantaled, Aristide Boucicaut opened what historians of mass consumption have labelled the first department store, Le Bon Marché in Paris. As the store expanded, its exterior took on the form of a public monument, being highly decorated with French Renaissance Revival motifs. The entrances advanced subtly onto the pavemenet, hoping to captivate the attention of potential customers. Between 1872 and 1874, the interior was remodelled by Louis-Charles Boileau, in collaboration with the young engineering firm of Gustave Eiffel. In place of the open courtyard required to permit more daylight into the interior, the new building focused around three skylight atria.^[251]

• 
  Hôtel Tassel, Brussels, Belgium, by Victor Horta, 1894^[252]
• 
  Entrance of the Castel Béranger, Paris, by Hector Guimard, 1895–1898^[253]
• 
  Secession Building, Vienna, Austria, by Joseph Maria Olbrich, 1897^[254]
• 
  La Fermette Marbeuf, Paris, by Émile Hurtré, 1898^[255]
• 
  Ernst Ludwig House in Darmstadt Artists' Colony, Darmstadt, Germany, by Joseph Maria Olbrich (1900)
• 
  The Porte Dauphine Métro Station, Paris, by Hector Guimard, 1900^[256]
• 
  Maison Huot, Nancy, France, by Émile André, 1903^[257]
• 
  Casa Batlló, Barcelona, Spain, by Antoni Gaudí, 1904–1906^[258]

Popular in many countries from the early 1890s until the outbreak of World War I in 1914, Art Nouveau was an influential although relatively brief art and design movement and philosophy. Despite being a short-lived fashion, it paved the way for the modern architecture of the 20th century. Between c. 1870 and 1900, a crisis of historicism occurred, during which the historicist culture was critiqued, one of the voices being Friedrich Nietzsche in 1874, who diagnosed 'a malignant historical fervour' as one of the crippling symptoms of a modern culture burdened by archaeological study and faith in the laws of historical progression.

Focusing on natural forms, asymmetry, sinuous lines and whiplash curves, architects and designers aimed to escape the excessively ornamental styles and historical replications, popular during the 19th century. However, the style was not completely new, since Art Nouveau artists drew on a huge range of influences, particularly Beaux-Arts architecture, the Arts and Crafts movement, aestheticism and Japanese art. Buildings used materials associated in the 19th century with modernity, such as cast-iron and glass. A good example of this is the Paris Metro entrance at Porte Dauphine by Hector Guimard (1900). Its cast-iron and glass canopy is as much sculpture as it is architecture. In Paris, Art Nouveau was even called Le Style Métro by some. The interest for stylized organic forms of ornamentation originated in the mid 19th century, when it was promoted in The Grammar of Ornament (1854), a pattern book by British architect Owen Jones (architect) (1809–1874).

Whiplash curves and sinuous organic lines are its most familiar hallmarks, however the style can not be summarized only to them, since its forms are much more varied and complex. The movement displayed many national interpretations. Depending on where it manifested, it was inspired by Celtic art, Gothic Revival, Rococo Revival, and Baroque Revival. In Hungary, Romania and Poland, for example, Art Nouveau incorporated folkloric elements. This is true especially in Romania, because it facilitated the appearance of the Romanian Revival style, which draws inspiration from Brâncovenesc architecture and traditional peasant houses and objects. The style also had different names, depending on countries. In Britain it was known as Modern Style, in the Netherlands as Nieuwe Kunst, in Germany and Austria as Jugendstil, in Italy as Liberty style, in Catalonia as Modernisme, in Romania as Arta 1900, and in Japan as Shiro-Uma. It would be wrong to credit any particular place as the only one where the movement appeared, since it seems to have arisen in multiple locations.^{[259][260][261][262]}

• 
  AEG turbine factory, Berlin, Germany, by Peter Behrens, 1909
• 
  Steiner House, Vienna, Austria, by Adolf Loos, 1910^[263]
• 
  Fagus Factory, Alfeld, Germany, by Walter Gropius, 1911^[264]
• 
  Villa Tugendhat, Brno, Czech Republic, by Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich, 1930^[265]

Rejecting ornament and embracing minimalism and modern materials, Modernist architecture appeared across the world in the early 20th century. Art Nouveau paved the way for it, promoting the idea of non-historicist styles. It developed initially in Europe, focusing on functionalism and the avoidance of decoration. Modernism reached its peak during the 1930s and 1940s with the Bauhaus and the International Style, both characterised by asymmetry, flat roofs, large ribbon windows, metal, glass, white rendering and open-plan interiors.^[266]

• 
  Piazza d'Italia, New Orleans, USA, by Charles Moore, 1978^[286]
• 
  Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Germany, by James Stirling, 1984^[287]
• 
  AT&T Headquarters, New York City, by Philip Johnson and John Burgee, 1984^[288]
• 
  Team Disney Building, Los Angeles, USA, by Michael Graves, 1990^[289]
• 
  Isle of Dogs Pumping Station, London, John Outram, 1988^[290]
• 
  Multicolour interior of the Cambridge Judge Business School, Cambridge, UK, by John Outram, 1995^[291]
• 
  House for Essex, Wrabness, Essex, UK, by FAT and Grayson Perry, 2014^[292]

Not one definable style, Postmodernism is an eclectic mix of approaches that appeared in the late 20th century in reaction against Modernism, which was increasingly perceived as monotonous and conservative. As with many movements, a complete antithesis to Modernism developed. In 1966, the architect Robert Venturi (1925–2018) had published his book, Complexity and Contradiction in Architecture, which praised the originality and creativity of Mannerist and Baroque architecture of Rome, and encouraged more ambiguity and complexity in contemporary design. Complaining about the austerity and tedium of so many smooth steel and glass Modernist buildings, and in deliberate denunciation of the famous Modernist 'Less is more', Venturi stated 'Less is a bore'. His theories became a majore influence on the development of Postmodernism.^[286]