منحوتة

تعود أقدم الأمثلة المؤكدة للنحت إلى حضارة الأورينياسية ، التي ازدهرت في أوروبا وجنوب غرب آسيا في بداية العصر الحجري القديم الأعلى . وإلى جانب إنتاج بعض أقدم فنون الكهوف المعروفة ، طوّر أفراد هذه الحضارة أدوات حجرية متقنة الصنع، وصنعوا قلائد وأساور وخرزًا من العاج ومزامير من العظام، بالإضافة إلى تماثيل ثلاثية الأبعاد. ^{[ 23 ] [ 24 ]}

يُعدّ تمثال "لوفينمينش" الذي يبلغ ارتفاعه 30  سم، والذي عُثر عليه في منطقة هوهنشتاين ستادل بألمانيا، تمثالاً بشرياً على هيئة أسد منحوت من عاج الماموث الصوفي . وقد تم تأريخه إلى ما بين 35 و40 ألف سنة قبل الحاضر، مما يجعله، إلى جانب تمثال فينوس هول فيلس ، أقدم الأمثلة المعروفة والموثوقة للنحت. ^{[ 25 ]} 

معظم الفنون التي تعود إلى عصور ما قبل التاريخ المتبقية عبارة عن منحوتات صغيرة محمولة، من بينها مجموعة صغيرة من تماثيل فينوس الأنثوية ، مثل فينوس ويلندورف (24-26 ألف  سنة قبل الحاضر)، والتي عُثر عليها في أنحاء أوروبا الوسطى. ^{[ 26 ]} يُعد تمثال الرنة السابحة، الذي يعود تاريخه إلى حوالي 13 ألف سنة، أحد أروع المنحوتات المجدلينية العديدة المصنوعة من العظام أو قرون الحيوانات في فن العصر الحجري القديم الأعلى ، على الرغم من أن القطع المنقوشة، التي تُصنف أحيانًا على أنها منحوتات، تفوقها عددًا. ^{[ 27 ]} يمكن العثور على اثنين من أكبر المنحوتات التي تعود إلى عصور ما قبل التاريخ في كهوف توك دو أودوبير في فرنسا، حيث استخدم نحات بارع، منذ حوالي 12-17 ألف سنة، أداة حجرية تشبه الملعقة وأصابعه لنحت زوج من حيوانات البيسون الكبيرة من الطين على صخرة من الحجر الجيري. ^{[ 28 ]}

مع بداية العصر الحجري الوسيط في أوروبا، انخفض النحت التصويري بشكل كبير، ^{[ 29 ]} وظل عنصرًا أقل شيوعًا في الفن من زخرفة النقوش البارزة للأشياء العملية حتى العصر الروماني، على الرغم من بعض الأعمال مثل مرجل غوندستروب من العصر الحديدي الأوروبي وعربة الشمس تروندهولم من العصر البرونزي . ^{[ 30 ]}

من الشرق الأدنى القديم ، يعود تمثال رجل أورفة الحجري الضخم، الذي يزيد حجمه عن الحجم الطبيعي، إلى تركيا الحديثة ، ويعود تاريخه إلى حوالي 9000 قبل الميلاد، ^{[ 31 ]} وتماثيل عين غزال التي يعود تاريخها إلى ما بين 7200 و6500 قبل الميلاد. ^{[ 32 ]} هذه التماثيل من الأردن الحديث ، مصنوعة من الجص الجيري والقصب، ويبلغ حجمها حوالي نصف الحجم الطبيعي؛ ويبلغ عددها 15 تمثالاً، بعضها برأسين متجاورين، و15 تمثالاً نصفياً. كما عُثر على تماثيل طينية صغيرة لأشخاص وحيوانات في العديد من المواقع في جميع أنحاء الشرق الأدنى، تعود إلى العصر الحجري الحديث ما قبل الفخار ، وتمثل بداية تقليد شبه متواصل في المنطقة.

• 
  تمثال لوفينمنش ، من هوهنشتاين-ستادل ، موجود الآن في متحف أولمر، أولم ، ألمانيا ، وهو أقدم تمثال معروف على شكل إنسان -حيوان، من العصر الأورينياسي ، حوالي  35-40 ألف  سنة قبل الحاضر
• 
  تمثال أدورانت من كهف جيسنكلوسترلي ، ألمانيا ، حوالي  35-40 ألف  سنة قبل الحاضر
• 
  حصان بري من كهف فوغلهيرد، ألمانيا ، حوالي  33-35 ألف سنة قبل  الحاضر
• 
  فينوس لوسيل ، حوالي  27000  سنة قبل الميلاد، منحوتة من العصر الحجري القديم العلوي، متحف بوردو، فرنسا
• 
  ضبع زاحف، حوالي  12-17 ألف سنة قبل  الحاضر، مصنوع من عاج الماموث ، تم العثور عليه في لا مادلين ، فرنسا
• 
  رنة سباحة ، حوالي 13000 سنة قبل الحاضر، أنثى وذكر رنة سباحة - أواخر العصر المجدليني ، تم العثور عليها في مونتاستروك، تارن إي غارون، فرنسا
• 
  رجل أورفا ، في متحف شانلي أورفا ؛ حجر رملي 1.80 متر ج. 9000 قبل الميلاد
• 
  عربة الشمس تروندهولم ، ربما 1800-1500 قبل الميلاد؛ هذا الجانب مطلي بالذهب ، والآخر "داكن".
• 
  تمثال جومون دوغو ، الألفية الأولى قبل الميلاد، اليابان

ظهر أول أسلوب مميز للنحت اليوناني القديم في العصر البرونزي المبكر، خلال فترة سيكلاديك (الألفية الثالثة قبل الميلاد)، حيث تُصوَّر التماثيل الرخامية، وعادةً ما تكون نسائية وصغيرة الحجم، بأسلوب هندسي مبسط وأنيق. وأكثرها شيوعًا هو وضعية الوقوف مع تشابك الذراعين أمام الجسم، ولكن تُصوَّر تماثيل أخرى في وضعيات مختلفة، بما في ذلك تمثال معقد لعازفة قيثارة جالسة على كرسي. ^{[ 49 ]}

طوّرت الحضارتان المينوية والميسينية اللاحقتان فن النحت بشكل أكبر، متأثرتين بالحضارة السورية وغيرها، إلا أن تماثيل الكوروس ظهرت في أواخر العصر العتيق ، حوالي عام 650 قبل الميلاد . وهي تماثيل ضخمة لشباب عراة، عُثر عليها في المعابد والمقابر، وتُقابلها تماثيل كوري ، وهي تماثيل نسائية مُغطاة بشعر مُصفف بعناية؛ وكلاهما يحمل " الابتسامة العتيقة ". ويبدو أنها كانت تؤدي وظائف متعددة، فربما كانت تُمثل الآلهة أحيانًا، وأحيانًا أخرى الشخص المدفون في قبر، كما هو الحال مع تماثيل كوروس كرويسوس . ومن الواضح أنها متأثرة بالأساليب المصرية والسورية، لكن الفنانين اليونانيين كانوا أكثر استعدادًا للتجريب ضمن هذا الأسلوب.

خلال القرن السادس قبل الميلاد، شهد فن النحت اليوناني تطورًا سريعًا، إذ أصبح أكثر واقعية، وتميز بتجسيد أكثر حيوية وتنوعًا للشخصيات في المشاهد السردية، مع الحفاظ على التقاليد المثالية. أُضيفت واجهات منحوتة إلى المعابد ، بما في ذلك البارثينون في أثينا، حيث استُخدمت بقايا واجهة تعود إلى حوالي عام 520 قبل الميلاد، والتي كانت تضم تماثيل مجسمة، كحشوة للمباني الجديدة بعد الغزو الفارسي عام 480 قبل الميلاد، وتم استعادتها منذ ثمانينيات القرن التاسع عشر بحالة جيدة غير متأثرة بالعوامل الجوية. وتوجد بقايا أخرى مهمة من المنحوتات المعمارية في بايستوم بإيطاليا، وكورفو ، ودلفي ، ومعبد أفايا في إيجينا (معظمها موجود الآن في ميونيخ ). ^{[ 50 ]} كانت معظم المنحوتات اليونانية في الأصل تتضمن بعض الألوان على الأقل؛ وقد أجرى متحف ني كارلسبرغ غليبتوتيك في كوبنهاغن، الدنمارك، أبحاثًا مستفيضة وأعاد إحياء الألوان الأصلية. ^{[ 51 ] [ 52 ]}

• 
  تمثال سيكلادي، 2700-2300 قبل الميلاد. رأس من تمثال امرأة، ارتفاعه 27 سنتيمتراً (11 بوصة). 
• 
  تمثال أنثوي من العصر السيكلادي، حوالي 2500-2400 قبل الميلاد ، ارتفاعه 41.5 سم (16.3 بوصة).  
• 
  ميسينا، 1600-1500 قبل الميلاد. كأس ​​ريتون فضي ذو قرون ذهبية وزهرة على الجبهة
• 
  تمثال كوروس بالحجم الطبيعي في نيويورك ، حوالي 590-580 قبل الميلاد، متحف متروبوليتان للفنون
• 
  تمثال " أبو الهول الناكسي " من دلفي ، 570-560 قبل الميلاد، ويبلغ ارتفاعه 222 سم (87 بوصة).  
• 
  كوريه بيبلوس ، حوالي 530 قبل الميلاد، أثينا ، متحف الأكروبوليس

كلاسيكي

توجد بقايا أصلية أقل من المرحلة الأولى من العصر الكلاسيكي، والتي تُعرف غالبًا بالأسلوب الصارم ؛ إذ صُنعت التماثيل القائمة بذاتها في الغالب من البرونز، الذي كان دائمًا ذا قيمة كخردة. استمر الأسلوب الصارم من حوالي عام 500 في النقوش البارزة إلى حوالي عام 480 في التماثيل، ثم إلى حوالي عام 450 بعد ذلك بقليل. تخلّت الوضعيات الجامدة نسبيًا للشخصيات، وأصبحت وضعيات الدوران غير المتناظرة والمناظر المائلة شائعة، بل ومقصودة. ترافق ذلك مع فهم أفضل للتشريح والبنية المتناسقة للتماثيل المنحوتة، والسعي وراء التمثيل الطبيعي كهدف، وهو ما لم يكن موجودًا من قبل. كشفت الحفريات في معبد زيوس، أولمبيا، منذ عام 1829، عن أكبر مجموعة من البقايا، تعود إلى حوالي عام 460، والعديد منها موجود في متحف اللوفر . ^{[ 53 ]}

لم تستمر فترة "الكلاسيكية العليا" سوى بضعة عقود، من حوالي عام 450 إلى 400 ميلادي، إلا أنها تركت أثراً بالغاً في الفن، ولا تزال تحظى بمكانة خاصة، على الرغم من قلة عدد الأعمال الأصلية المتبقية. ومن أشهر هذه الأعمال منحوتات البارثينون ، التي يُعتقد (منذ بلوتارخ ) أنها نُفذت على يد فريق بقيادة أشهر النحاتين اليونانيين القدماء، فيدياس ، الذي نشط بين عامي 465 و425 ميلادي تقريباً، والذي اشتهر في عصره بتمثاله الضخم من الذهب والعاج لزيوس في أولمبيا (حوالي عام 432 ميلادي)، أحد عجائب الدنيا السبع في العالم القديم ، وتمثال أثينا بارثينوس (438 ميلادي)، وهو التمثال المقدس للبارثينون ، وتمثال أثينا بروماخوس ، وهو تمثال برونزي ضخم كان يقف بجوار البارثينون؛ وقد فُقدت جميع هذه الأعمال، ولكن يمكن معرفة المزيد عنها من خلال العديد من الرسوم التوضيحية. كما يُنسب إليه الفضل في ابتكار بعض التماثيل البرونزية بالحجم الطبيعي المعروفة فقط من نسخ لاحقة والتي لا يزال تحديد هويتها مثيرًا للجدل، بما في ذلك تمثال هيرميس لودوفيسي . ^{[ 54 ]}

واصل أسلوب العصر الكلاسيكي المتأخر تطوير الواقعية والرقي في تجسيد الشكل البشري، وحسّن تصوير الأقمشة (الملابس)، مستخدمًا إياها لتعزيز تأثير الوضعيات الحركية. كانت تعابير الوجه عادةً متحفظة للغاية، حتى في مشاهد القتال. جمع تكوين مجموعات الشخصيات في النقوش البارزة وعلى الجملونات بين التعقيد والانسجام بطريقة كان لها تأثير دائم على الفن الغربي. قد يكون النقش البارز مرتفعًا جدًا، كما هو الحال في رسم البارثينون أدناه، حيث ينفصل معظم ساق المحارب تمامًا عن الخلفية، وكذلك الأجزاء المفقودة؛ جعل هذا الارتفاع في النقش البارز المنحوتات أكثر عرضة للتلف. ^{[ 55 ]} طوّر أسلوب العصر الكلاسيكي المتأخر تمثال المرأة العارية القائم بذاته، والذي يُفترض أنه ابتكار من براكسيتيلس ، وطوّر وضعيات أكثر تعقيدًا ودقةً كانت مثيرة للاهتمام عند النظر إليها من زوايا متعددة، بالإضافة إلى وجوه أكثر تعبيرًا؛ وقد تم تطوير كلا الاتجاهين بشكل أكبر في العصر الهلنستي. ^{[ 56 ]}

العصر الهلنستي

يُؤرَّخ العصر الهلنستي تقليديًا بوفاة الإسكندر الأكبر عام 323 قبل الميلاد، وينتهي إما بالغزو النهائي لليونان على يد روما عام 146 قبل الميلاد، أو بالهزيمة النهائية لآخر دولة وريثة لإمبراطورية الإسكندر بعد معركة أكتيوم عام 31 قبل الميلاد، والتي تُشير أيضًا إلى نهاية روما الجمهورية . ^{[ 57 ]} وبذلك، فهو أطول بكثير من الفترات السابقة، ويشمل مرحلتين رئيسيتين على الأقل: أسلوب "برغامين" الذي تميز بالتجريب والحيوية وبعض العاطفية والابتذال، وفي القرن الثاني قبل الميلاد عودة كلاسيكية إلى بساطة وأناقة أكثر تقشفًا؛ وبعيدًا عن هذه التعميمات، فإن التأريخ عادةً ما يكون غير مؤكد للغاية، خاصةً عندما لا تُعرف سوى نسخ لاحقة، كما هو الحال غالبًا. لم يكن أسلوب بيرغامون الأولي مرتبطًا بشكل خاص بمدينة بيرغامون ، التي استمد منها اسمه، لكن ملوك تلك الدولة الأثرياء كانوا من أوائل من جمعوا ونسخوا المنحوتات الكلاسيكية، كما كلفوا بصنع العديد من الأعمال الجديدة، بما في ذلك مذبح بيرغامون الشهير الذي توجد معظم منحوتاته الآن في برلين، والذي يجسد الأسلوب الجديد، وكذلك ضريح هاليكارناسوس (إحدى عجائب الدنيا السبع)، وتمثال لاوكون وأبنائه الشهير في متاحف الفاتيكان ، وهو مثال متأخر، والنسخة البرونزية الأصلية لتمثال الغالي المحتضر (الموضح في الأعلى)، والذي نعلم أنه كان جزءًا من مجموعة تم تكليفها لبيرغامون حوالي عام 228 قبل الميلاد، والتي كانت نسخة من تمثال غالي لودوفيسي . أما مجموعة ثور فارنيزي ، والتي يُحتمل أن تكون نسخة رخامية أصلية من القرن الثاني، فهي أكبر حجمًا وأكثر تعقيدًا. ^{[ 58 ]}

أدى فن النحت الهلنستي إلى توسع كبير في نطاق المواضيع المُمثلة، ويعود ذلك جزئيًا إلى الرخاء العام المتزايد، وظهور طبقة ثرية امتلكت منازل فخمة مزينة بالمنحوتات، مع العلم أن بعض الأمثلة على مواضيع تبدو مناسبة للمنازل، كالأطفال مع الحيوانات، كانت في الواقع تُعرض في المعابد أو الأماكن العامة. ولسوق تزيين المنازل الأكثر رواجًا، ظهرت تماثيل تاناغرا ، وتماثيل أخرى من مراكز أخرى حيث تم إنتاج تماثيل فخارية صغيرة على نطاق صناعي، بعضها ديني والبعض الآخر يُظهر حيوانات وسيدات أنيقات. وقد ازداد النحاتون مهارةً في تجسيد تعابير الوجه التي تنقل طيفًا واسعًا من المشاعر، فضلًا عن رسم صور شخصية لأفراد من مختلف الأعمار والأعراق. وتُعد النقوش البارزة في الضريح غير نمطية في هذا الصدد؛ إذ كانت معظم الأعمال قائمة بذاتها، وشاعت التكوينات الجماعية التي تضم عدة شخصيات تُرى من جميع الجهات، مثل تمثال لاوكون ومجموعة بيرغامون التي تُخلد ذكرى النصر على الغال، بعد أن كانت نادرة من قبل. يُعد تمثال فاون باربيريني ، الذي يُظهر ساتيرًا مستلقيًا نائمًا، يُفترض أنه بعد تناول الشراب، مثالًا على التراخي الأخلاقي في تلك الفترة، والاستعداد لإنشاء تماثيل كبيرة وباهظة الثمن لمواضيع لا ترقى إلى مستوى البطولة. ^{[ 59 ]}

بعد فتوحات الإسكندر، سادت الثقافة الهلنستية في بلاطات معظم الشرق الأدنى، وبعض مناطق آسيا الوسطى ، وتبنتها النخب الأوروبية بشكل متزايد، لا سيما في إيطاليا، حيث سيطرت المستعمرات اليونانية في البداية على معظم الجنوب. انتشر الفن والفنانون الهلنستيون على نطاق واسع، وكان لهم تأثير بالغ في الجمهورية الرومانية المتوسعة، وعندما لاقت البوذية في أقصى شرق المنطقة الهلنستية. يُعتقد أن تابوت الإسكندر الضخم، الذي عُثر عليه في صيدا بلبنان الحالي، قد صُنع هناك في بداية تلك الفترة على يد فنانين يونانيين مغتربين لحاكم فارسي متأثر بالثقافة الهلنستية. ^{[ 60 ]} أدى ازدهار تلك الفترة إلى زيادة كبيرة في إنتاج المنحوتات الصغيرة الفاخرة، بما في ذلك الأحجار الكريمة المنقوشة والمنقوشة يدويًا ، والمجوهرات، والأواني الذهبية والفضية.

• 
  تماثيل رياشي البرونزية ، وهي تماثيل برونزية نادرة للغاية تم انتشالها من البحر، حوالي 460-430
• 
  هيرميس وديونيسوس الرضيع ، ربما يكون عملاً أصلياً لبراكسيتيليس ، القرن الرابع
• 
  سيدتان أنيقتان، تماثيل خزفية، 350-300
• 
  تمثال برونزي لحصان، أواخر القرن الثاني - القرن الأول قبل الميلاد، متحف متروبوليتان للفنون
• 
  تمثال النصر المجنح لساموثريس ، حوالي 190 قبل الميلاد ، متحف اللوفر
• 
  فينوس دي ميلو ، ج. 130 – 100 قبل الميلاد، اليونانية ، متحف اللوفر
• 
  لاوكون وأبناؤه ، يوناني، ( العصر الهلنستي المتأخر )، ربما نسخة، بين عامي 200 قبل الميلاد و20 ميلادي، رخام أبيض ، متحف الفاتيكان
• 
  ليوخاريس ، أبولو بلفيدير ، حوالي ١٣٠-١٤٠ ميلادي. نسخة رومانية عن أصل برونزي يوناني يعود تاريخه إلى ٣٣٠-٣٢٠ قبل الميلاد. متاحف الفاتيكان

يُعتبر فن النحت في عصر النهضة، في جوهره، بدايةً للمسابقة الشهيرة لتصميم أبواب معمودية فلورنسا عام 1403، والتي لا تزال نماذجها التجريبية التي قدمها الفائز، لورينزو غيبيرتي ، وفيليبو برونليسكي، باقية. لا تزال أبواب غيبيرتي قائمة، لكنها بلا شك طغت عليها أبوابه الثانية للمدخل الآخر، ما يُعرف بـ" بوابات الفردوس" ، والتي استغرقت منه من عام 1425 إلى 1452، وتتميز بتكوينات كلاسيكية واثقة ومبهرة، مع تنوع في عمق النقوش البارزة التي تسمح بخلفيات واسعة. ^{[ 84 ]} شهدت السنوات الفاصلة تطورًا ملحوظًا لمساعد غيبيرتي المبكر، دوناتيلو، من خلال تماثيل رائدة، من بينها تماثيل داود الرخامية (1408-1409) والبرونزية (عقد 1440)، وتمثاله الفروسي لغاتاميلاتا ، بالإضافة إلى نقوش بارزة. ^{[ 85 ]} كان أندريا ديل فيروكيو شخصية بارزة في الفترة اللاحقة ، واشتهر بتمثاله الفروسي لبارتولوميو كوليوني في البندقية؛ ^{[ 86 ]} صمم تلميذه ليوناردو دافنشي تمثالًا حصانيًا عام 1482 بعنوان "الحصان لميلانو " ، لكنه لم ينجح إلا في صنع نموذج طيني بطول 7.3 متر (24 قدمًا) دمره رماة فرنسيون عام 1499، ولم تُستكمل خططه النحتية الطموحة الأخرى. ^{[ 87 ]} 

تميزت تلك الفترة بزيادة كبيرة في رعاية الدولة للنحت في الأماكن العامة، وكذلك في رعاية الأثرياء لمنازلهم؛ ولا سيما في إيطاليا، حيث لا يزال النحت العام عنصرًا أساسيًا في مظهر المراكز التاريخية للمدن. وانتقلت منحوتات الكنائس في الغالب إلى الداخل، بالتزامن مع شيوع النصب التذكارية العامة في الخارج. واكتسبت منحوتات البورتريه، وخاصة التماثيل النصفية، شعبية في إيطاليا حوالي عام 1450، حيث تخصص الفنان النابولي فرانشيسكو لورانا في نحت الشابات في وضعيات تأملية، بينما صوّر أنطونيو روسيلينو وغيره في أغلب الأحيان رجالًا ذوي وجوه خشنة، بالإضافة إلى الأطفال الصغار. ^{[ 88 ]} كما صوّرت ميدالية البورتريه التي ابتكرها بيزانيلو النساء في كثير من الأحيان؛ وكانت اللوحات البارزة شكلًا جديدًا آخر من أشكال النحت الصغيرة المصنوعة من المعدن المصبوب.

كان مايكل أنجلو نحاتًا نشطًا بين عامي 1500 و1520 تقريبًا، ولم يكن بوسع النحاتين اللاحقين تجاهل روائعه العظيمة، بما في ذلك تمثال داود ، وبييتا ، وموسى ، وقطع من ضريح البابا يوليوس الثاني وكنيسة ميديشي . يتميز تمثاله الشهير لداود (1504) بوضعية الكونترابوستو ، المستوحاة من النحت الكلاسيكي. ويختلف هذا التمثال عن التصورات السابقة للموضوع في أن داود يُصوَّر قبل معركته مع جليات وليس بعد هزيمة العملاق. فبدلًا من تصويره منتصرًا، كما فعل دوناتيلو وفيروكيو، يبدو داود متوترًا ومستعدًا للمعركة. ^{[ 89 ]}

• 
  لورينزو غيبيرتي ، لوحة من لوحة تضحية إسحاق من أبواب معمودية فلورنسا ؛ منظر جانبي هنا
• 
  لوكا ديلا روبيا ، تفاصيل كانتوريا ، ج. 1438 ، متحف أوبرا ديل دومو ، فلورنسا
• 
  دوناتيلو ، ديفيد ، حوالي عام 1440 ، متحف بارجيلو ، فلورنسا
• 
  دوناتيلو ، جوديث وهولوفيرنس ، ج. 1460 ، قصر فيكيو ، فلورنسا
• 
  فرانشيسكو لورانا ، تمثال نصفي نسائي (ممثل)
• 
  فيروكيو ، توما المتشكك ، 1467-1483، أورسانميشيل ، فلورنسا
• 
  مايكل أنجلو ، ديفيد ، حوالي عام 1504 ، معرض الأكاديمية ، فلورنسا
• 
  مايكل أنجلو ، العبد المحتضر ، حوالي 1513-1516

كما هو الحال في الرسم، كان النحت الإيطالي المبكر على الطريقة المانييرية محاولةً جادة لإيجاد أسلوب أصيل يتفوق على إنجازات عصر النهضة العليا ، والتي تمثلت في النحت بشكل أساسي في أعمال مايكل أنجلو. وقد تجلى جزء كبير من هذا النضال في تكليفاتٍ لملء أماكن أخرى في ساحة ديلا سيجنوريا في فلورنسا، بجوار تمثال داود لمايكل أنجلو . تولى باتشيو باندينيلي مشروع هرقل وكاكوس من الفنان نفسه، لكنه لم يحظَ بشعبية أكبر مما هو عليه الآن، وقد شبّهه بينفينوتو تشيليني بازدراء بـ"كيس من البطيخ"، على الرغم من أن له أثراً طويل الأمد في إدخال اللوحات البارزة على قاعدة التماثيل لأول مرة. ومثل أعماله الأخرى، وأعمال فنانين آخرين على الطريقة المانييرية، فقد أزال هذا العمل جزءاً أكبر بكثير من الكتلة الأصلية مقارنةً بما كان مايكل أنجلو ليفعله. ^{[ 90 ]} يُعد تمثال بيرسيوس البرونزي لسيليني، برأس ميدوسا، تحفة فنية بلا شك، مصممًا بثمانية زوايا رؤية، وهي سمة أخرى من سمات المدرسة التكلفية، ولكنه يبدو متكلفًا مقارنةً بتماثيل داود لمايكل أنجلو ودوناتيلو. ^{[ 91 ]} كان سيليني في الأصل صائغًا، وكانت جرة الملح الذهبية المطلية بالمينا الشهيرة (1543) أولى منحوتاته، وتُظهر موهبته في أبهى صورها. ^{[ 92 ]} كما تُظهر هذه الأمثلة، فقد وسّعت هذه الفترة نطاق المواضيع الدنيوية للأعمال الكبيرة لتشمل ما هو أبعد من الصور الشخصية، مع تفضيل خاص للشخصيات الأسطورية؛ إذ كانت هذه الشخصيات تُوجد سابقًا في الغالب في أعمال صغيرة.

كانت التماثيل البرونزية الصغيرة لخزائن هواة الجمع ، والتي غالبًا ما كانت تتناول مواضيع أسطورية مع عراة، شكلاً شائعًا في عصر النهضة، وقد برع فيه جيامبولونيا ، الفلمنكي الأصل والمقيم في فلورنسا، في الجزء الأخير من القرن، كما ابتكر منحوتات بالحجم الطبيعي، انضم اثنان منها إلى المجموعة في ساحة ديلا سيجنوريا. وقد ابتكر هو وأتباعه نماذج أنيقة ومطولة من تمثال فيغورا سيربنتيناتا ، غالبًا ما يكون لشخصيتين متشابكتين، والتي كانت مثيرة للاهتمام من جميع الزوايا. ^{[ 93 ]}

• 
  بابٌ مُغطّى بالجص في فونتينبلو ، يُرجّح أن يكون بريماتيتشيو قد صمّمه ، وهو من رسم الجزء البيضاوي المُدمج، في ثلاثينيات أو أربعينيات القرن السادس عشر.
• 
  بينفينوتو تشيليني ، بيرسيوس برأس ميدوسا ، 1545-1554
• 
  جيامبولونيا ، شمشون يقتل فلسطينيًا ، حوالي عام 1562
• 
  جيامبولونيا ، اغتصاب نساء سابين ، 1583، فلورنسا، إيطاليا، ارتفاع 4.1 متر (13 قدمًا و6  بوصات)، رخام

في فن النحت الباروكي، اكتسبت مجموعات الشخصيات أهمية جديدة، وبرزت حركة ديناميكية وحيوية في الأشكال البشرية، حيث كانت تلتف حلزونيًا حول دوامة مركزية فارغة، أو تمتد إلى الفضاء المحيط. غالبًا ما تميز النحت الباروكي بزوايا رؤية مثالية متعددة، وعكس استمرارًا لتوجه عصر النهضة نحو النحت المجسم، الذي كان يُصمم ليُوضع في وسط مساحة واسعة، مثل النوافير المتقنة كنافورة الأنهار الأربعة لبرنيني (روما، 1651)، أو تلك الموجودة في حدائق فرساي، والتي كانت من أبرز سمات الباروك. كان أسلوب الباروك ملائمًا تمامًا للنحت، حيث برز جيان لورينزو برنيني كشخصية بارزة في ذلك العصر، من خلال أعمال مثل " نشوة القديسة تيريزا " (1647-1652). ^{[ 94 ]} أضافت العديد من منحوتات الباروك عناصر إضافية غير نحتية، كالإضاءة المخفية، أو النوافير المائية، أو دمجت بين النحت والعمارة لخلق تجربة بصرية مميزة للمشاهد. كان الفنانون يرون أنفسهم ضمن التقاليد الكلاسيكية، لكنهم كانوا معجبين بالنحت الهلنستي والروماني اللاحق، بدلاً من النحت في الفترات "الكلاسيكية" كما يُنظر إليها اليوم. ^{[ 95 ]}

أدت حركة الإصلاح البروتستانتي إلى توقف شبه تام للنحت الديني في معظم أنحاء شمال أوروبا، ورغم استمرار النحت العلماني، لا سيما تماثيل البورتريه ونصب المقابر ، إلا أن العصر الذهبي الهولندي لم يشهد أي عنصر نحتي بارز باستثناء صناعة الذهب. ^{[ 96 ]} وكرد فعل مباشر جزئيًا، برز النحت في الكاثوليكية الرومانية بنفس القدر الذي كان عليه في أواخر العصور الوسطى. وازدادت شعبية تماثيل الحكام والنبلاء. وفي القرن الثامن عشر، استمر الكثير من النحت على الطراز الباروكي - حيث لم يكتمل بناء نافورة تريفي إلا في عام 1762. وكان أسلوب الروكوكو أنسب للأعمال الأصغر حجمًا، ويمكن القول إنه وجد شكله النحتي الأمثل في الخزف الأوروبي المبكر ، وفي التصاميم الداخلية الخشبية أو الجصية، كما هو الحال في المنازل الفرنسية وكنائس الحج النمساوية والبافارية . ^{[ 97 ]}

• 
  لوحة القديسة فيرونيكا بريشة فرانشيسكو موتشي (1640)، كاتدرائية القديس بطرس
• 
  تمثال نصفي للويس الرابع عشر ، 1686، من تصميم أنطوان كويزفو
• 
  بيير بول بوجيه ، فرساوس والمرأة المسلسلة ، 1715، متحف اللوفر
• 
  فرانز أنطون بوستيلي ، مجموعة روكوكو نيمفنبورغ للخزف

أولى الأسلوب الكلاسيكي الجديد، الذي ظهر في أواخر القرن الثامن عشر، اهتمامًا كبيرًا بالنحت. ويُعدّ جان أنطوان هودون مثالًا بارزًا على منحوتات البورتريه المؤثرة التي أنتجها هذا الأسلوب، بينما تُجسّد منحوتات أنطونيو كانوفا العارية الجانب المثالي لهذه الحركة. كانت الفترة الكلاسيكية الجديدة من أزهى عصور النحت العام، على الرغم من أن نماذجها "الكلاسيكية" كانت في الغالب نسخًا رومانية لمنحوتات هيلينية. ومن أبرز ممثلي هذا الأسلوب في النحت: الإيطالي أنطونيو كانوفا ، والإنجليزي جون فلاكسمان ، والدنماركي بيرتل ثورفالدسن . كما انتشر الأسلوب الكلاسيكي الجديد الأوروبي في الولايات المتحدة، حيث بلغ ذروته لاحقًا، ويتجلى ذلك في منحوتات حيرام باورز . ^{[ 98 ]}

• 
  جان أنطوان هودون ، تمثال نصفي لبنيامين فرانكلين ، 1778، متحف متروبوليتان للفنون
• 
  جون فلاكسمان ، نصب تذكاري في كنيسة بادجر، شروبشاير ، حوالي ثمانينيات القرن الثامن عشر
• 
  بيرتل ثورفالدسن : جيسون والصوف الذهبي (1803)
• 
  حيرام باورز ، 1851، العبد اليوناني ، معرض جامعة ييل للفنون

Greco-Buddhist art is the artistic manifestation of Greco-Buddhism, a cultural syncretism between the Classical Greek culture and Buddhism, which developed over a period of close to 1000 years in Central Asia, between the conquests of Alexander the Great in the 4th century BCE, and the Islamic conquests of the 7th century CE. Greco-Buddhist art is characterized by the strong idealistic realism of Hellenistic art and the first representations of the Buddha in human form, which have helped define the artistic (and particularly, sculptural) canon for Buddhist art throughout the Asian continent up to the present. Though dating is uncertain, it appears that strongly Hellenistic styles lingered in the East for several centuries after they had declined around the Mediterranean, as late as the 5th century CE. Some aspects of Greek art were adopted while others did not spread beyond the Greco-Buddhist area; in particular the standing figure, often with a relaxed pose and one leg flexed, and the flying cupids or victories, who became popular across Asia as apsaras. Greek foliage decoration was also influential, with Indian versions of the Corinthian capital appearing.^[99]

The origins of Greco-Buddhist art are to be found in the Hellenistic Greco-Bactrian kingdom (250–130 BCE), located in today's Afghanistan, from which Hellenistic culture radiated into the Indian subcontinent with the establishment of the small Indo-Greek kingdom (180–10 BCE). Under the Indo-Greeks and then the Kushans, the interaction of Greek and Buddhist culture flourished in the area of Gandhara, in today's northern Pakistan, before spreading further into India, influencing the art of Mathura, and then the Hindu art of the Gupta empire, which was to extend to the rest of South-East Asia. The influence of Greco-Buddhist art also spread northward towards Central Asia, strongly affecting the art of the Tarim Basin and the Dunhuang Caves, and ultimately the sculpted figure in China, Korea, and Japan.^[100]

• 
  Obverse of a coin of Demetrius I of Bactria, who reigned circa 200–180 BCE and invaded Northern India
• 
  Gandhara frieze with devotees, holding plantain leaves, in purely Hellenistic style, inside Corinthian columns, 1st–2nd century CE. Buner, Swat, Pakistan. Victoria and Albert Museum
• 
  Fragment of the wind god Boreas, Hadda, Afghanistan.
• 
  Stucco Buddha head, once painted, from Hadda, Afghanistan, 3rd–4th centuries
• 
  Gandhara Poseidon (Ancient Orient Museum)
• 
  The Buddhist gods Pancika (left) and Hariti (right), 3rd century, Takht-i-Bahi, Pakistan
• 
  Taller Buddha of Bamiyan, c.547 CE, in 1963 and in 2008 after they were dynamited and destroyed in March 2001 by the Taliban in Afghanistan

Chinese ritual bronzes from the Shang and Western Zhou dynasties come from a period of over a thousand years from c.1500 BCE, and have exerted a continuing influence over Chinese art. They are cast with complex patterned and zoomorphic decoration, but avoid the human figure, unlike the huge figures only recently discovered at Sanxingdui.^[101] The spectacular Terracotta Army was assembled for the tomb of Qin Shi Huang, the first emperor of a unified China from 221 to 210 BCE, as a grand imperial version of the figures long placed in tombs to enable the deceased to enjoy the same lifestyle in the afterlife as when alive, replacing actual sacrifices of very early periods. Smaller figures in pottery or wood were placed in tombs for many centuries afterwards, reaching a peak of quality in Tang dynasty tomb figures.^[102] The tradition of unusually large pottery figures persisted in China, through Tang sancai tomb figures to later Buddhist statues such as the near life-size set of Yixian glazed pottery luohans and later figures for temples and tombs. These came to replace earlier equivalents in wood.

Native Chinese religions do not usually use cult images of deities, or even represent them, and large religious sculpture is nearly all Buddhist, dating mostly from the 4th to the 14th century, and initially using Greco-Buddhist models arriving via the Silk Road. Buddhism is also the context of all large portrait sculpture; in total contrast to some other areas, in medieval China even painted images of the emperor were regarded as private. Imperial tombs have spectacular avenues of approach lined with real and mythological animals on a scale matching Egypt, and smaller versions decorate temples and palaces.^[103]

Small Buddhist figures and groups were produced to a very high quality in a range of media,^[104] as was relief decoration of all sorts of objects, especially in metalwork and jade.^[105] In the earlier periods, large quantities of sculpture were cut from the living rock in pilgrimage cave-complexes, and as outside rock reliefs. These were mostly originally painted. In notable contrast to literati painters, sculptors of all sorts were regarded as artisans and very few names are recorded.^[106] From the Ming dynasty onwards, statuettes of religious and secular figures were produced in Chinese porcelain and other media, which became an important export.

• 
  A bronze ding from late Shang dynasty (13th century–10th century BCE)
• 
  A tomb guardian usually placed inside the doors of the tomb to protect or guide the soul, Warring States period, c.3rd century BCE
• 
  Lifesize calvalryman from the Terracotta Army, Qin dynasty, c.3rd century BCE
• 
  Gold stag with eagle's head, and ten further heads in the antlers. An object inspired by the art of the Siberian Altai mountain, possibly Pazyryk, unearthed at the site of Nalinggaotu, Shenmu County, near Xi'an, China.^[107] Possibly from the "Hun people who lived in the prairie in Northern China". Dated to the 4th-3rd century BCE,^[107] or Han dynasty period.^[108]Shaanxi History Museum.^[108]
• 
  Tomb figure of dancing girl, Han dynasty (202 BCE—220 CE)
• 
  Bronze cowrie container with yaks, from the Dian Kingdom (4th century BCE – 109 BCE) tradition of the Western Han
• 
  Northern Wei dynastyMaitreya (386–534)
• 
  Tang dynasty tomb figure in sancai glaze pottery, horse and groom (618–907)
• 
  Seated Buddha, Tang dynasty c. 650.
• 
  A wooden Bodhisattva from the Song dynasty (960–1279)
• 
  Chinese jade Cup with Dragon Handles, Song dynasty, 12th century
• 
  Blue underglaze statue of a man with his pipe, Jingdezhen porcelain, Ming Wanli period (1573–1620)
• 
  GuanyinBodhisattva in Blanc de Chine (Dehua porcelain), by He Chaozong, Ming dynasty, early 17th century
• 
  A Chinese guardian lion outside Yonghe Temple, Beijing, Qing dynasty, c.1694

Towards the end of the long NeolithicJōmon period, some pottery vessels were "flame-rimmed" with extravagant extensions to the rim that can only be called sculptural,^[109] and very stylized pottery dogū figures were produced, many with the characteristic "snow-goggle" eyes. During the Kofun period of the 3rd to 6th century CE, haniwa terracotta figures of humans and animals in a simplistic style were erected outside important tombs. The arrival of Buddhism in the 6th century brought with it sophisticated traditions in sculpture, Chinese styles mediated via Korea. The 7th-century Hōryū-ji and its contents have survived more intact than any East Asian Buddhist temple of its date, with works including a Shaka Trinity of 623 in bronze, showing the historical Buddha flanked by two bodhisattvas and also the Guardian Kings of the Four Directions.^[110]

Jōchō is said to be one of the greatest Buddhist sculptors not only in Heian period but also in the history of Buddhist statues in Japan. Jōchō redefined the body shape of Buddha statues by perfecting the technique of "yosegi zukuri" (寄木造り) which is a combination of several woods. The peaceful expression and graceful figure of the Buddha statue that he made completed a Japanese style of sculpture of Buddha statues called "Jōchō yō" (Jōchō style, 定朝様) and determined the style of Japanese Buddhist statues of the later period. His achievement dramatically raised the social status of busshi (Buddhist sculptor) in Japan.^[111]

In the Kamakura period, the Minamoto clan established the Kamakura shogunate and the samurai class virtually ruled Japan for the first time. Jocho's successors, sculptors of the Kei school of Buddhist statues, created realistic and dynamic statues to suit the tastes of samurai, and Japanese Buddhist sculpture reached its peak. Unkei, Kaikei, and Tankei were famous, and they made many new Buddha statues at many temples such as Kofuku-ji, where many Buddha statues had been lost in wars and fires.^[112]

Almost all subsequent significant large sculpture in Japan was Buddhist, with some Shinto equivalents, and after Buddhism declined in Japan in the 15th century, monumental sculpture became largely architectural decoration and less significant.^[113] However sculptural work in the decorative arts was developed to a remarkable level of technical achievement and refinement in small objects such as inro and netsuke in many materials, and metal tosogu or Japanese sword mountings. In the 19th century there were export industries of small bronze sculptures of extreme virtuosity, ivory and porcelain figurines, and other types of small sculpture, increasingly emphasizing technical accomplishment.

• 
  'Flame-style' vessel, Neolithic Jōmon period; c.2750 BCE; earthenware with carved and applied decoration; height: 61 cm, diameter: 55.8 cm
• 
  Dogū with "snow-goggle" eyes, 1000–400 BCE
• 
  6th-century haniwa figure
• 
  Kongo Rishiki (Guardian Deity) at the Central Gate of Hōryū-ji
• 
  Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji
• 
  Muchaku by Unkei, 1212, Kōfuku-ji, National Treasure
• 
  Tsuba sword fitting with a "Rabbit Viewing the Autumn Moon", bronze, gold and silver, between 1670 and 1744
• 
  Izumiya Tomotada, netsuke in the form of a dog, late 18th century
• 
  Eagle by Suzuki Chokichi, 1892, Tokyo National Museum

The first known sculpture in the Indian subcontinent is from the Indus Valley civilization (3300–1700 BCE), found in sites at Mohenjo-daro and Harappa in modern-day Pakistan. These include the famous small bronze female dancer and the so-called Priest-king. However, such figures in bronze and stone are rare and greatly outnumbered by pottery figurines and stone seals, often of animals or deities very finely depicted. After the collapse of the Indus Valley civilization there is little record of sculpture until the Buddhist era, apart from a hoard of copper figures of (somewhat controversially) c.1500 BCE from Daimabad.^[114] Thus the great tradition of Indian monumental sculpture in stone appears to begin, relative to other cultures, and the development of Indian civilization, relatively late, with the reign of Asoka from 270 to 232 BCE, and the Pillars of Ashoka he erected around India, carrying his edicts and topped by famous sculptures of animals, mostly lions, of which six survive.^[115] Large amounts of figurative sculpture, mostly in relief, survive from Early Buddhist pilgrimage stupas, above all Sanchi; these probably developed out of a tradition using wood that also embraced Hinduism.^[116]

The pink sandstone Hindu, Jain and Buddhist sculptures of Mathura from the 1st to 3rd centuries CE reflected both native Indian traditions and the Western influences received through the Greco-Buddhist art of Gandhara, and effectively established the basis for subsequent Indian religious sculpture.^[116] The style was developed and diffused through most of India under the Gupta Empire (c.320–550) which remains a "classical" period for Indian sculpture, covering the earlier Ellora Caves,^[117] though the Elephanta Caves are probably slightly later.^[118] Later large-scale sculpture remains almost exclusively religious, and generally rather conservative, often reverting to simple frontal standing poses for deities, though the attendant spirits such as apsaras and yakshi often have sensuously curving poses. Carving is often highly detailed, with an intricate backing behind the main figure in high relief. The celebrated bronzes of the Chola dynasty (c.850–1250) from south India, many designed to be carried in processions, include the iconic form of Shiva as Nataraja,^[119] with the massive granite carvings of Mahabalipuram dating from the previous Pallava dynasty.^[120]

• 
  The "Dancing Girl" of Mohenjo-daro, 3rd or 2nd millennium BCE
• 
  Ashoka Pillar, Vaishali, Bihar, c.250 BCE
• 
  Didarganj Yakshi. Uncertain date, but it has the fine Mauryan polish associated with Mauryan art
• 
  Stupa gateway at Sanchi, c.100 CE or perhaps earlier, with densely packed reliefs
• 
  Buddha from Sarnath, 5th–6th century CE
• 
  The Colossal trimurti at the Elephanta Caves
• 
  Rock-cut temples at Ellora
• 
  Jain shrine with Rishabhanatha, Parshvanatha, Neminatha, and Mahavira, 6th century
• 
  Hindu, Chola period, 1000
• 
  Typical medieval frontal standing statue of Vishnu, 950–1150
• 
  Khajuraho Temple
• 
  Marble Sculpture of female yakshi in typical curving pose, c.1450, Rajasthan
• 
  Gopuram of the Thillai Nataraja Temple, Chidambaram, Tamil Nadu, densely packed with rows of painted statues
• 
  Sculpture of Guardian at the entrance of the Mandapam of Sri Jalagandeeswarar Temple, Vellore, Tamil Nadu

9th-century Khmer lintel

The sculpture of the region tends to be characterised by a high degree of ornamentation, as seen in the great monuments of Hindu and Buddhist Khmer sculpture (9th to 13th centuries) at Angkor Wat and elsewhere, the enormous 9th-century Buddhist complex at Borobudur in Java, and the Hindu monuments of Bali.^[121] Both of these include many reliefs as well as figures in the round; Borobudur has 2,672 relief panels, 504 Buddha statues, many semi-concealed in openwork stupas, and many large guardian figures.

In Thailand and Laos, sculpture was mainly of Buddha images, often gilded, both large for temples and monasteries, and small figurines for private homes. Traditional sculpture in Myanmar emerged before the Bagan period. As elsewhere in the region, most of the wood sculptures of the Bagan and Ava periods have been lost.

Traditional Anitist sculptures from the Philippines are dominated by Anitist designs mirroring the medium used and the culture involved, while being highlighted by the environments where such sculptures are usually placed on. Christian and Islamic sculptures from the Philippines have different motifs compared to other Christian and Islamic sculptures elsewhere. In later periods Chinese influence predominated in Vietnam, Laos and Cambodia, and more wooden sculpture survives from across the region.

• 
  One of the AnitistMaitum anthropomorphic pottery from Sarangani, Philippines c.5 BC – 370 AD
• 
  Relief sculpture from Borobudur temple, Indonesia, c.760–830
• 
  VairocanaBuddha from Borobudur temple, Indonesia, c.760–830
• 
  Bronze Avalokiteshvara of Chaiya torso from Chaiya, Southern Thailand, Srivijayan art, c.8th century
• 
  Bronze Avalokiteshvara from Bidor, Perak, Malaysia, c.8th-9th century
• 
  The AnitistAgusan image from Agusan del Sur, Philippines, 9th-10th century
• 
  Vishnu from Prasat Rup Arak, Kulen, Khmer art, Cambodia, c.800–875
• 
  An Anitistsarimanok sculpture from Lanao, Philippines
• 
  An Islamic sculpture of a buraq, southern Philippines
• 
  Head of Jayavarman VII, Khmer art, Cambodia, c.late 12th century
• 
  Buddha in Ananda Temple, Bagan, Myanmar, c.1105
• 
  Stone bas-relief of apsaras from Bayon temple, Cambodia, c.1200
• 
  PrajnaparamitaSinghasari art, East Java, Indonesia, c.13th century
• 
  Phra Achana, Wat Si Chum, Big Buddha image in Sukhothai, Thailand, c.14th century
• 
  "the Buddha calling the earth to witness", The Buddha's hands are in the bhūmisparsa mudrā (subduing Māra) position. Ho Phra Kaeo temple, Vientiane, Laos

The creation of sculptures in Ethiopia and Eritrea can be traced back to its ancient past with the kingdoms of Dʿmt and Aksum. Christian art was established in Ethiopia with the conversion from paganism to Christianity in the 4th century CE, during the reign of king Ezana of Axum.^[127] Christian imagery decorated churches during the Asksumite period and later eras.^[128] For instance, at Lalibela, life-size saints were carved into the Church of Bet Golgotha; by tradition these were made during the reign of the Zagwe ruler Gebre Mesqel Lalibela in the 12th century, but they were more likely crafted in the 15th century during the Solomonic dynasty.^[129] However, the Church of Saint George, Lalibela, one of several examples of rock cut architecture at Lalibela containing intricate carvings, was built in the 10th–13th centuries as proven by archaeology.^[130]

• 
  Stone statue from Addi-Galamo, Tigray Province, 6th–5th century BCE
• 
  A jar spout from the early Kingdom of Aksum
• 
  The Obelisk of Axum, 4th century CE
• 
  A processional cross, Zagwe dynasty, 12th century
• 
  One of the seven life-size saints carved into the wall of the Church of Bet Golgotha, Lalibela, 15th century (traditionally believed to have been made during the reign of Gebre Mesqel Lalibela)^[129]

In ancient Sudan, the development of sculpture stretches from the simple pottery of the Kerma culture beginning around 2500 BCE to the monumental statuary and architecture of the Kingdom of Kush, its last phase—the Meroitic period—ending around 350 CE (with its conquest by Ethiopia's Aksum).^[131][132] Beyond pottery items, the Kerma culture also made furniture that contained sculptures, such as gold cattle hoofs as the legs of beds.^[131] Sculpture during the Kingdom of Kush included full-sized statues (especially of kings and queens), smaller figurines (most commonly depicting royal servants), and reliefs in stone, which were influenced by the contemporary ancient Egyptian sculptural tradition.^[133][134]

• 
  A ceramic jug of the Kerma culture
• 
  A shabti of the Nubian King Taharqa, from a pyramid of Nuri, Sudan, Twenty-fifth Dynasty of Egypt, 690–664 BCE
• 
  Statue of the Kushite Pharaoh Aspelta, Napata period (c. 620–580 BCE)
• 
  Column and elephant - part of the temple complex in Musawwarat es-Sufra, 3rd century BCE
• 
  Traces of paint on a relief depicting Prince Arikhankharer smiting his enemies, from the Meroitic period of the Kingdom of Kush, early 1st century CE
• 
  Relief of a ruler, a Candace of Meroë named Kandake Amanitore, 1st century CE

• 
  Olmec Baby Figure 1200–900 BCE
• 
  Olmec Jadeite Mask 1000–600 BCE
• 
  Olmec Colossal Head No. 3 1200–900 BCE
• 
  La Mojarra Stela 1 2nd century CE
• 
  Chalchiuhtlicue from Teotihuacán 200–500 CE
• 
  Teotihuacan mask 200–600 CE
• 
  Teotihuacan- Detail of the Temple of the Feathered Serpent 200–250 CE
• 
  A funerary urn in the shape of a "bat god" or a jaguar, Oaxaca, 300–650 CE
• 
  Moche portrait vessel with stirrup spout, Peru, 100 BCE–700 CE
• 
  K'inich Janaab Pakal I of Palenque, Maya, 603–683 CE
• 
  Ahkal Mo' Naab III Of Palenque, 8th century CE
• 
  Upakal K'inich 8th century CE, Palenque
• 
  Jaina Island type figure (Mayan) 650–800 CE
• 
  Classic Veracruz culture face 600–900 CE
• 
  Atlante from Tula, c.1000 CE
• 
  Double-headed serpent, Turquoise, red and white mosaic on wood, Aztec (possibly) Mixtec, c.1400–1521,

In North America, wood was sculpted for totem poles, masks, utensils, War canoes and a variety of other uses, with distinct variation between different cultures and regions. The most developed styles are those of the Pacific Northwest Coast, where a group of elaborate and highly stylized formal styles developed forming the basis of a tradition that continues today. In addition to the famous totem poles, painted and carved house fronts were complemented by carved posts inside and out, as well as mortuary figures and other items. Among the Inuit of the far north, traditional carving styles in ivory and soapstone are still continued.^[137]

The arrival of European Catholic culture readily adapted local skills to the prevailing Baroque style, producing enormously elaborate retablos and other mostly church sculptures in a variety of hybrid styles.^[138] The most famous of such examples in Canada is the altar area of the Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, which was carved by peasant habitant labourers. Later, artists trained in the Western academic tradition followed European styles until in the late 19th century they began to draw again on indigenous influences, notably in the Mexican baroque grotesque style known as Churrigueresque. Aboriginal peoples also adapted church sculpture in variations on Carpenter Gothic; one famous example is the Church of the Holy Cross in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.

The history of sculpture in the United States after Europeans' arrival reflects the country's 18th-century foundation in Roman republican civic values and Protestant Christianity. Compared to areas colonized by the Spanish, sculpture got off to an extremely slow start in the British colonies, with next to no place in churches, and was only given impetus by the need to assert nationality after independence. American sculpture of the mid- to late-19th century was often classical, often romantic, but showed a bent for a dramatic, narrative, almost journalistic realism. Public buildings during the last quarter of the 19th century and the first half of the 20th century often provided an architectural setting for sculpture, especially in relief. By the 1930s the International Style of architecture and design and art deco characterized by the work of Paul Manship and Lee Lawrie and others became popular. By the 1950s, traditional sculpture education would almost be completely replaced by a Bauhaus-influenced concern for abstract design. Minimalist sculpture replaced the figure in public settings and architects almost completely stopped using sculpture in or on their designs. Modern sculptors (21st century) use both classical and abstract inspired designs. Beginning in the 1980s, there was a swing back toward figurative public sculpture; by 2000, many of the new public pieces in the United States were figurative in design.

• 
  Robert Gould Shaw Memorial by Augustus Saint-Gaudens, 1884–1897
• 
  Frederic Remington, The Bronco Buster, 1895, cast 1918. Metropolitan Museum of Art
• 
  Paul Manship, Dancer and Gazelles, 1916, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
• 
  Daniel Chester French, Abraham Lincoln (1920) in the Lincoln Memorial, Washington, D.C.
• 
  Gertrude Vanderbilt Whitney, Buffalo Bill - The Scout, 1924, commemorating Buffalo Bill in Cody, Wyoming
• 
  Gutzon Borglum and his son, Lincoln Borglum, Mount Rushmore, 1927–1941. L–R, George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt, and Abraham Lincoln.
• 
  Lee Lawrie, The Sower, 1928 Art Deco relief on Beaumont Tower, Michigan State University
• 
  The K'alyaan Totem Pole of the Tlingit Kiks.ádi Clan, erected at Sitka National Historical Park to commemorate the lives lost in the 1804 Battle of Sitka

• 
  Richard Long, South Bank Circle, 1991 Tate Liverpool, England
• 
  Jean-Yves Lechevallier, Fettered wing. 1991
• 
  Rachel Whiteread, Judenplatz Holocaust Memorial, Vienna, 2000
• 
  Anish Kapoor, Turning the World Upside Down, Israel Museum, 2010
• 
  Guardians of Time, light sculpture by Manfred Kielnhofer at the Light Art Biennale Austria 2010
• 
  The Spire of Dublin officially titled the Monument of Light, stainless steel, 121.2 metres (398 feet), the world's tallest sculpture

Some modern sculpture forms are now practiced outdoors, as environmental art and environmental sculpture, often in full view of spectators. Light sculpture, street art sculpture and site-specific art also often make use of the environment. Ice sculpture is a form of ephemeral sculpture that uses ice as the raw material. It is popular in China, Japan, Canada, Sweden, and Russia. Ice sculptures feature decoratively in some cuisines, especially in Asia. Kinetic sculptures are sculptures that are designed to move, which include mobiles. Snow sculptures are usually carved out of a single block of snow about 6 to 15 feet (1.8 to 4.6 m) on each side and weighing about 20–30 tons. The snow is densely packed into a form after having been produced by artificial means or collected from the ground after a snowfall. Sound sculptures take the form of indoor sound installations, outdoor installations such as aeolian harps, automatons, or be more or less near conventional musical instruments. Sound sculpture is often site-specific. Art toys have become another format for contemporary artists since the late 1990s, such as those produced by Takashi Murakami and Kid Robot, designed by Michael Lau, or hand-made by Michael Leavitt (artist).^[148]